Molly Brown: Quién fue realmente Margaret Tobin Brown

Margaret Brown, conocida póstumamente como la «Insumergible Molly Brown», fue una socialité y filántropa estadounidense. Ella fue una superviviente del RMS Titanic, que se hundió en 1912, e instó sin éxito a la tripulación del bote salvavidas No. 6 a regresar al campo de escombros para buscar sobrevivientes.

La vida de Molly Brown

Molly Brown (Margaret Tobin) nació el 18 de julio de 1867 en Hannibal, Missouri, hija de John Tobin y Johanna Collins, ambos inmigrantes irlandeses.

Su padre, John Tobin, era viudo con una hija, Catherine Bridget. Cuando conoció a Johanna Collins, Johanna también era viuda con una hija, cuyo nombre era Mary Ann. John y Johanna se casaron y tuvieron cuatro hijos más: Daniel (1863), Margaret (1867), William (1869) y Helen (1871).

Margaret creció en una cabaña muy cerca del río Mississippi, y asistió a la escuela de gramática dirigida por su tía Mary O´Leary. De adolescente trabajó desmenuzando hojas de tabaco en la Compañía de Tabaco de Garth en Hannibal.

A los 18 años se fue con su hermana, Mary Ann Tobin Landrigan, y el nuevo marido de Mary, Jack Ladrigan, a Leadville, Colorado, donde pusieron una herrería. Margaret compartió una cabaña con su hermano, Daniel Tobin, que trabajó en las minas y llegó a ser un esporádico promotor de ellas. Margaret, conocida como Maggie hasta que se casó, fue a trabajar para la Empresa Mercantil Daniels and Fisher en Leadville, donde trabajó en el departamento de alfombras y mercería.

Molly Brown

El matrimonio de Molly Brown

Al principio del verano de 1886, conoció a James Joseph («J.J.») Brown, un minero cuyos padres también habían emigrado de Irlanda. Se casaron el 1 de septiembre de 1886, en la Iglesia de la Anunciación en Leadville. Vivieron en la cabaña de J.J. en Stumptown, una pequeña comunidad predominantemente irlandesa en las montañas de Leadville. Los Brown tuvieron dos niños: Lawrence Palmer, nacido en 1887, y Catherine Ellen («Helen»), nacida en 1889. Después del nacimiento de Lawrence, los Brown compraron una casa en Leadville a la que esporàdicamente se les unieron miembros de ambas familias.

Mientras sus hijos eran jóvenes, Margaret estaba involucrada en los primeros movimientos feministas en Leadville y el establecimiento de la Asociación por el Sufragio de Mujeres Americanas del Cabildo de Colorado. También trabajó en las cocinas de asistencia a familias de las minas de Leadville. Cuando el Acta de Sherman Silver fue revocada en 1893, Leadville estaba metida en una profunda depresión y la tasa de desempleo era del 90%. J.J. Brown, que había sido superintendente de todas las propiedades mineras del Ibex, tuvo una idea. Convencido de que la mina Little Jonny llegaría a ser productora de oro más que de plata, desarrolló un método rápido para separar la arena de dolomita que les impedía alcanzar el oro que estaba a más profundidad en la mina. El 29 de octubre de 1893, la mina Little Jonny estaba embarcando 135 toneladas de mineral al día. Y Brown fue premiado con 12.500 acciones y un asiento en el consejo. Durante años se convirtió en uno de los mineros de más éxito del país.

Molly Brown

La vida de socialité

El 6 de abril de 1894, los Brown adquirieron una casa en la calle Pennsylvania en Denver y construyeron una casa de verano, Avoca Lodge, en la falda de la montaña. Margaret llegó a ser miembro fundador del Club de Mujeres de Denver. Parte de una red de Clubes que defendían la literatura, la educación, el sufragio y los derechos humanos en Colorado y en todos los Estados Unidos. Recaudó fondos para construir la Catedral de la Inmaculada Concepción así como el Hospital St. Joseph. También trabajó con el Juez Ben Lindsey para ayudar a salir de la indigencia a los niños e instituir la primera Corte Juvenil en el país. Esto sentó las bases para el sistema de tribunales juveniles de los Estados Unidos de hoy. 

También se ocupó del Instituto Carnegie de Nueva York, donde estudió literatura, lengua y arte dramático. Además de traer dos niños al mundo, se encargó de las tres hijas de su hermano Daniel: Grace, Florence y Helen Tobin, cuya madre murió cuando eran jóvenes en White Pine, Colorado.

Margaret Tobin Brown fue una de las primeras mujeres en los Estados Unidos que se presentaron como candidato político y por el Senado ocho años antes de que las mujeres ni siquiera tuvieran derecho a voto. El 25 de julio de 1914, con Alva Vanderbilt (Mrs O.H.P) Belmont, organizó una conferencia internacional para los derechos de las mujeres en la casa Marble, Newport, Rhode Island, de la que se ocuparon activistas de los derechos humanos de todo el mundo. Defensora de toda la vida de los derechos humanos, Margaret fue también una figura eminente preocupada por la masacre de Ludlow en Trinidad, Colorado, en abril de 1914. Un punto de referencia importante en la historia de los derechos de los trabajadores en los Estados Unidos. 

El viaje en el Titanic

En el momento en que Margaret Tobin Brown embarcó en el Titanic en Cherburgo, Francia, ya había tenido un impacto significativo en el mundo. Ella y su hija Helen, que fue estudiante en la Sorbona, habían estado viajando por toda Europa y estuvieron con el Partido de Jacob Astor en El Cairo, Egipto. Ahí fue cuando Margaret recibió una carta que decía que su primer nieto, Lawrence Palmer Brown Jr, estaba enfermo. Decidió marcharse a Nueva York inmediatamente y reservó pasaje en el novísimo barco: El Titanic. En el último momento Helen decidió quedarse en Londres. Debido a su rápida decisión, muy poca gente de su familia sabía que ella estaba a bordo del Titanic.

Después de que el barco chocara con el iceberg, Margaret ayudó a otros a subir a los botes salvavidas hasta que fue obligada a subirse al bote número seis. Ella y otras mujeres del bote salvavidas se pusieron a remar, a mantener alto el ánimo y a disipar la tristeza que estaba transmitiendo el emocional e inestable Robert Hichens (Se dice que Hichens fue acusado por los pasajeros de no querer volver al Titanic a recoger a más gente.). 

Su trabajo en el Carpathia

Sin embargo, el trabajo más significativo de Margaret ocurrió en el Carpathia, donde asistió a los supervivientes del Titanic, y más tarde en Nueva York. En el momento en el que el Carpathia alcanzó el puerto de Nueva York, Margaret había ayudado a establecer el Comité de Supervivientes. Siendo elegida como presidente y donde recaudó casi 10.000 dólares para ayuda a los supervivientes. Las habilidades lingüísticas de Margaret en francés, alemán y ruso fueron una ventaja, y permaneció en el Carpathia hasta que todos los supervivientes del Titanic se reunieron con sus amigos, familia o asistencia médica. En una carta a su hija poco después del hundimiento del Titanic, escribió:

«Después de haberme empapado en agua salada y escabechada en medio del océano, ahora estoy “high and dry” (que significa “estar fuera del alcance de la corriente o la marea o fuera del agua”)… Me han dado flores, cartas, telegramas de gente que hasta estoy confundida. Están pidiendo al Congreso que me den una medalla… Si debo llamar a un especialista para que me examine la cabeza es por el título de Heroína del Titanic.”

Prevaleció su sentido del humor; a su abogado en Denver le telegrafió:

«Gracias por tus amables pensamientos. El agua estaba bien y la natación también. Neptuno fue excesivamente amable conmigo y ahora estoy “high and dry” (fuera del alcance de la corriente o la marea o fuera del agua)».

Superviviente del Titanic

El 29 de mayo de 1912, como presidente del Comité de Supervivientes, Margaret entregó una encantadora copa de plata al Capitán Rostron, del Carpathia. Y una medalla a cada uno de los miembros de la tripulación. Años más tarde Margaret ayudó a erigir el Titanic Memorial que está en Washington D.C. Visitó el cementerio de Halifax, Nueva Escocia, para depositar coronas de flores en las tumbas de las víctimas. Y continuó sirviendo en el Comité de Supervivientes. Estaba particularmente afectada de que, como mujer, no se le permitió testificar en las vistas del Titanic. En respuesta, escribió su propia versión del suceso, que fue publicada en los periódicos en Denver, Nueva York y París.

Molly Brown

Margaret utilizó su nueva fama como plataforma para hablar de cuestiones que le afectaban enormemente: derechos laborales, derechos de las mujeres, educación y literatura para niños, y conservación histórica. Durante la I Guerra Mundial, trabajó con el Comité Americano para la Francia Devastada. Ayudando a reconstruir áreas devastadas tras las líneas del frente y trabajó con soldados heridos franceses y americanos (el Chateau de Blérancourt, un museo Franco-Americano a las afueras de París, tiene una placa conmemorativa que porta su nombre). En 1932 fue premiada con la Legión Francesa de Honor por su «abnegada ciudadanía». Que incluía ayuda a organizar la Alliance Français, su incansable trabajo en recaudar fondos para las víctimas y tripulación del Titanic, su trabajo con el juez Ben Lindsey del Tribunal Juvenil de Denver y sus esfuerzos de ayuda durante la I Guerra Mundial.

Los últimos años de Molly Brown

En sus últimos años, Margaret volvió a su temprana fascinación por el teatro, particularmente Sarah Bernhardt y estudió en París a la tradición de Bernhardt. Actuó ante agradecidas audiencias en París y Nueva York.

J.J. Brown murió el 5 de septiembre de 1922 en Nueva York. Margaret Tobin Brown murió de un tumor cerebral el 26 de octubre de 1932, en el Hotel Barbizon de Nueva York, donde había estado trabajando con jóvenes actrices. Después de un sencillo servicio funerario Molly fue enterrada, junto a J.J en el Cementerio Holy Rood de Long Island. 

Su hija Helen Benziger (Brown de soltera) murió en Old Greenwich, Connecticut el 17 de octubre de 1993 a los 97 años.

Curiosidades sobre Molly Brown

A pesar de la leyenda, no fue rechazada por la sociedad ni por su familia. El mito de «Molly» Brown tiene poco que ver con la vida real de Margaret Tobin Brown, aunque sí habla de su alma. Margaret nunca fue conocida como «Molly»: el nombre fue una invención de Hollywood.

La historia empezó en los años 30 con la colorida pluma del reportero del Denver Post, Gene Fowler, que creó un cuento popular. Y la escritora sensacionalista Carolyn Bancroft, que escribió una versión muy ficticia para una revista romántica que se convirtió en un libreto. Esta historia se aprovechó para varias emisiones de radio durante los años 40 y fue la semilla para la obra de Broadway «La insumergible Molly Brown», que más tarde se convirtió en la película del mismo nombre protagonizada por Debbie Reynolds. 

Incluso la película «Titanic» de 1997 de James Cameron tiene poco que ver con la historia auténtica de Molly Brown. Después de intentar mitigar o corregir la leyenda de «Molly», la familia Brown rechazó hablar con el público, así como con escritores, periodistas o historiadores. Sólo recientemente han aceptado cooperar con los esfuerzos de una historiadora, Kristen Iversen, y le han permitido acceder a cartas, libros de recortes, fotografías y muchos efectos personales de Margaret Tobin Brown que anteriormente no estaban disponibles. La primera biografía completa de Margaret Tobin Brown se publicó en junio de 1999.

Audrey Hepburn: Sus Bodas y Trajes de Novia

Hoy queremos contaros sobre las bodas de Audrey Hepburn. Audrey se casó dos veces, aunque en realidad casi fueron tres.

El (casi) primer matrimonio de Audrey Hepburn.

En 1952 y con 23 años casi contrae matrimonio con el rico industrial británico James Hanson. Ese año se encontraba en Roma filmando la famosa película “Vacaciones en Roma” junto a Gregory Peck. La boda se iba a celebrar justo al terminar el rodaje. Audrey quería un vestido de novia especial, de corte romántico y se lo encargó a las famosas hermanas y diseñadoras italianas Fontane.

Con el vestido terminado, la pareja dio por terminada la relación y la boda se suspendió.

Audrey pidió a las famosas modistas que regalasen el vestido a una bonita muchacha italiana que no tuviera recursos para comprarse un traje de novia. La joven afortunada fue Amabile Altobella, lo lució y lo guardó como tesoro familiar.

En el 2002 la familia Fontane logró recuperar el vestido, que en 2009 sería subastado para donar los beneficios de la venta a las dos organizaciones en las que Audrey Herpurm estuvo trabajando los últimos años de su vida: “The Audrey Hepburn Childrens Fundation” y “UNICEF”.

Audrey Hepburn

La boda de Audrey Hepburn.

A los dos años de romper su compromiso, en una fiesta en casa de su gran amigo Gregory Peck, conoce a Mel Ferrer. El flechazo fue inmediato y se casaron en una capilla privada del siglo XIII del pueblo suizo de Burgenstock, muy cerca del romántico lago de Lucerna. Fue una ceremonia íntima con apenas una veintena de invitados.

Para esta ocasión Audrey quiso un vestido de novia de inspiración victoriana. Escogió como diseñador y modisto a Pierre Balmain, que le confeccionó un vestido midi de organdí blanco con falda tipo corola de cuello alto. Abotonado y ceñido a la cintura con un recogido terminado en lazada. En la cabeza una sencilla corona de rosas blancas que le daban un aspecto angelical. El matrimonio duró 10 años, del que nació su único hijo, Sean.

Audrey Hepburn

Su última boda.

Tras el divorcio con Mel Ferrer, Audrey conoce en un crucero por las Islas Griegas a un médico y play boy italiano llamado Andrea Dotti, con el que se casaría un año después. Audrey, para esta ocasión, quería un vestido especial, distinto y quién mejor para ello que su amigo y modisto preferido Givency. Nadie como él podría trasmitir la elegancia natural y el encanto inocente de Audrey. Conocía perfectamente a la actriz.

Audrey Hepburn

La boda se celebra, casi en secreto, en el ayuntamiento de Morges (Suiza). Audrey impacta a todos con su vestido “Baby Doll” de lana rosa, cuello chimenea y mangas acampanadas. Como adorno lleva en la mano un sencillo bouquet de florecillas blancas y cubriendo su cabeza un pañuelo del mismo paño rosa del vestido. Givency había dado en el clavo, acababa de nacer la “novia moderna”.

¿Con cuál de los dos trajes os quedaríais? Si te gusta conocer más sobre Audrey, te dejamos el link a nuestro post «Audrey Hepburn: Retratos de un icono»

Bolsos Antiguos: Historia a lo largo de los años

Originalmente conocidos como bolsillos, el bolso tal como lo conocemos hoy ha evolucionado, como un camaleón. Por eso queremos haceros un recorrido por los bolsos antiguos a lo largo de los años.

A diferencia de otros accesorios, zapatos o guantes, por ejemplo, el bolso no tiene que ajustarse a ningún cuerpo o tamaño en particular. Tiene una variedad ilimitada de formas. El bolso también está hecho de todo tipo de materiales, como cuero duradero, ricas pedrerías o bordados en seda y terciopelo, plástico rígido o concha, o hilo de macramé tejido y hojas de palma.

Los primeros bolsos podían llevar cantidad de artículos necesarios, desde papeles y documentos importantes para los hombres, hasta instrumentos para hacer encajes y coser para las mujeres. Era poco común que las mujeres usaran cosméticos, excepto en la privacidad de su tocador en casa. Se fabricaban bolsos especiales para llevar tabaco, medicinas, bolsitas, llaves o abanicos. Rara vez uno llevaba dinero en el sistema de trueque de la época medieval. A lo largo de la Edad Media y el Renacimiento, bolsos especialmente diseñados llamados “limosneros”, se colgaban del cinturón. Ahí se llevaban monedas de oro que se distribuían a los necesitados.

Bolsos antiguos

Los bolsos antiguos

A medida que aumentaba la demanda, hacia el siglo XVI se establecieron gremios dedicados únicamente a la confección de carteras y bolsos. Los primeros de estos bolsos para mujer se llamaban bolsillos y generalmente estaban hechos de tela sujeta con una cinta o lazo alrededor de la cintura, debajo de la falda. Las habilidades de costura del fabricante a menudo se mostraban con varias técnicas de bordado de fantasía. Con el tiempo, la ropa de hombre evolucionó para incorporar bolsillos, eliminando así la necesidad de bolsos separados que solían ser inconvenientes. Para las mujeres el uso de los bolsillos fue al revés, convirtiéndose en un accesorio atractivo y decorativo.

Estos bolsillos no fueron diseñados para llevar dinero y se convirtieron en accesorios femeninos tan importantes que a menudo se mencionaban en los testamentos. A medida que surgió la necesidad de un receptáculo para el dinero, se desarrolló un estilo de sobre plano llamado billetera. La esbelta silueta de principios de 1800 hizo imposible tener bolsillos ocultos debajo de las faldas. Por eso, se diseñó un bolso como se indica en el London Journal de 1804. «Mientras que los hombres llevan las manos en los bolsillos de manera grandiosa, las damas tienen bolsillos para usar en sus manos.»

Bolsos chatelaine

El retículo se volvió indispensable y a menudo se le llamaba “indispensable”. Estos pequeños bolsos, recogidos con un cordón de cinta o cordón, estaban hechos de muchos materiales como el satén, la seda o el terciopelo. El bolso de mano estaba adornado con cualquier cosa que la imaginación pudiera ofrecer. Incluidos lingotes de oro, cuentas, cintas bordadas y lentejuelas. El término “ridículo” fue un término satírico dado por los franceses. El retículo cuando se usaba suspendido del cinturón, como era la costumbre, se conocía como chatelaine. Los chatelaine se pueden diferenciar de otros tipos de monederos por el gancho que llevan. Los bolsos que se llevaban en la mano acabaron llamándose bolsos de mano.

Los bolsos de moda de principios del siglo XIX estaban hechos de la misma tela que el vestido. El bordado de cuentas se estaba volviendo popular, así como las sedas y terciopelos pintados a mano, mostrando así la habilidad y creatividad de una mujer. Aunque esa retícula de cordón era la más común, el uso de bolsos enmarcados comenzó a usarse ya en 1820. Los ribetes como detalle de acabado de las costuras eran bastante comunes de 1830 a 1850. Las retículas con un trabajo de lana de colores brillantes conocido como «trabajo de Berlín» estuvieron de moda durante varias décadas, desde 1840 hasta 1870. El tinte sintético conocido como tinte de anilina fue descubierto en 1856 por un joven químico inglés, Sir William Perkin. Este tinte cambió la paleta de colores para bordar hilos y telas de moda.

Bolsos antiguos de malla

Los bolsos de malla metálica siempre han sido extremadamente populares y continúan hoy en día como un objeto de colección. Wade & Davis Co., que comenzó en 1876 como una firma de joyería, es la empresa de bolsos que continúa en activo más antigua de los Estados Unidos. Charles Whiting comenzó como chico de los recados a 9 centavos la hora en 1880 y desarrolló la técnica para el primer bolso de malla, que hizo completamente a mano en 1992. En 1896 se convirtió en socio y cambió el nombre a Whiting & Davis. Estos bolsos antiguos de malla fueron hechos a mano por mujeres como una industria artesanal, con hasta 100,000 eslabones soldados individualmente. Lo que comenzó como una industria doméstica de Nueva Inglaterra se convirtió en un gran negocio con la invención de la máquina de malla en 1909.

Bolsos antiguos

The Mandalian Manufacturing Co., fundada en North Attleboro, Massachusetts, a principios del siglo XX, también fabricaba bolsos de malla metálica. Estos bolsos pueden fecharse desde principios del siglo XX hasta 1940, cuando Whiting & Davis compró la empresa. The Whiting & Davis Co., permaneció en la familia de Charles Whiting hasta 1962 cuando se vendió. En 1992 volvió a cambiar de manos y ahora es parte de WDC Holdings Co. Varios diseñadores prominentes fueron llevados a Whiting & Davis. Paul Poiret en 1929 con colores más brillantes y Elsa Schiaparelli en 1937, cambiando el aspecto a un bolso más funcional. Los precios originales oscilaban entre $6 y $75.

Bolsos de cuentas

El hermoso bolso antiguo de cuentas hizo su primera aparición a finales del siglo XVIII. A menudo diseñadas con un cierre de cordón, estos bolsos tenían una variedad infinita de temas, colores y estilos. A principios del siglo XIX, el tejido de cuentas veneciano alcanzó su punto máximo de popularidad. En el que una dama metía cuidadosamente los colores de las cuentas de semillas de vidrio o metal en su hilo de ganchillo de acuerdo con su patrón. Una vez que todas las cuentas estaban ensartadas, ella comenzaba a tejer. Al tejer una cuenta en cada puntada, a medida que la bolsa se desarrollaba, se podía ver el patrón. Obviamente, los bolsos de colores sólidos fueron las más fáciles de hacer, y quizás fueron los patrones para principiantes. Al observar la complejidad de las flores o los patrones escénicos, se reconoce el verdadero arte, la complejidad técnica y la sofisticación visual de estos bolsos.

Bolsos antiguos

Bolsos bordados

Los bolsos de tapicería y bordados de principios del siglo XX son muy buscados por los coleccionistas. Hay una diferencia importante entre estos dos tipos de trabajo, que a menudo se confunden. Los primeros bolsos de tapicería estaban hechos de tela tejida a máquina, o posiblemente tejidas a mano. La punta de aguja, así como la punta pequeña más pequeña, se trabajaron en un lienzo fino donde el patrón o el color se cosieron individualmente. Estos se consideran obras de arte de la mejor tradición, a veces con hasta 3.000 puntadas por pulgada cuadrada. ¡Casi parece como si estuvieran tejidos! Estos exquisitos bolsos de petit point a menudo se importaban de Austria.

Los primeros bolsos de tapicería a veces se rehacían a partir de piezas anteriores de tapices. Si la bolsa se fabricó a fines del siglo XIX con un marco de metal, es posible que la tela utilizada haya sido reciclada de un período anterior. Luego, se hicieron algunos bolsos de tapicería con tela que fue diseñada específicamente para bolsos. La forma más confiable de fechar un bolso de este tipo es estudiar el marco en busca de marcas. Incluso hoy en día se están haciendo algunas copias bastante creíbles. 

La habilidad de una mujer en la costura era la marca de una mujer refinada. Podía estudiar y practicar las artes, ya sea confección de encajes, bordado, ganchillo, punto de cruz o acolchado. A pesar de llevar una casa, la señora de la casa se enorgullecía de su labor. Las revistas de la época reflejaban este interés. Y casi todas las revistas tenían nuevos patrones con los que trabajar o patrones que se podían pedir por tan solo 10 centavos.

Bolsos antiguos

Bolsos compactos

Los bolsos compactos, llamados “miniaudières” son pequeños bolsos de noche de metal rígido con varios compartimentos para pintalabios, polvos, peine, cigarrillos y cambio. Fueron diseñados en la década de 1930 por Charles Arpels. Mientras visitaba a una clienta, notó que estaba usando una caja grande de metal Lucky Strike como cajón de sastre para sus pequeños artículos esenciales. Los miniaudières crearon alternativas de moda a los bolsos blandos, a menudo hechos de metales preciosos y adornados con broches de pedrería u otros detalles decorativos.

El celuloide se usó mucho para armazones y asas de bolsos desde 1890 hasta 1917 en forma muy pura de celulosa. Fue prohibido en 1934 debido al proceso de fabricación. E incluso ahora, estos materiales se autodestruyen, se vuelven quebradizos y se rompen. El celuloide tiene dos primos, lucite y acrílico. Lucite se usó en la década de 1940 para asas y marcos de bolsos, a menudo para bolsos de ganchillo o cordé.

El puro ingenio de las carteras rígidas de acrílico de la década de 1950 dejaba poco a la imaginación en cuanto a su contenido. A menudo eran transparentes, opalescentes o tachonados de diamantes de imitación. Un cubo abierto con una tapa con bisagras, que transportaba todos los elementos esenciales de uno. Estos bolsos de acrílico pueden haber sido una moda pasajera de la década de 1950, pero ahora tienen una gran demanda. Con un precio original de tan solo $3.95, ahora cuestan $150 y más, si se encuentran en exhibiciones de antigüedades, dependiendo de la condición.

Bolsos antiguos de Vintage by López-Linares

Los bolsos y carteras se han convertido en complementos femeninos muy personales. Quedan en el dominio de la mujer, un complemento que puede ser caprichoso o práctico, grande o pequeño, elegante o sencillo, pero siempre a la moda. Con el bolso adecuado, ¡la moda está en el bolso!

Esperamos que os haya gustado este post y que os hayan gustado los bolsos de nuestra colección de bolsos antiguos originales. Son piezas únicas y puedes verlas todas en nuestra web.

Pendientes Chandelier: Cómo surgen estos pendientes

Hoy queremos hablaros de un tipo de pendiente que a nosotras nos encanta. Siempre hemos sido muy fans de los pendientes grandes. Los pendientes Chandelier son pendientes XXL, con mucha caída y muy vistosos. El origen de su nombre viene de las antiguas lámparas de cristal llenas colgantes y abalorios. Lo importante es que deslumbren. En sus orígenes se les llamó pendientes “girandole”. Os contamos un poco su historia.  

Los pendientes Chandelier

Este pendiente surgió como adorno y joya en la segunda mitad del siglo XVIII. Como decíamos se le llamaba “girandole” que en italiano significa candelabro. Fue en esa época cuando el candelabro se empezó a utilizar con todo su esplendor para iluminar los salones de los palacios y de las casas de los nobles. Las velas que portaban los candelabros iluminaban todas las reuniones sociales de la época. Las damas en este siglo lucían escotes y sus peinados se recogían hacia atrás; todo esto pedía a gritos que en sus orejas llevaran grandes y hermosos pendientes. Unos pendientes llenos de piedras preciosas, sobre todo diamantes y esmeraldas. Que a la luz de los candelabros iluminaban los rostros de las damas. Los pendientes girandoles tuvieron tanto éxito que las mujeres comenzaron a tener varios pares: unos más sencillos para el día y otros de mayor tamaño y cantidad de piedras preciosas para la noche. No importaba cuanto pesaran, lo importante era estar radiantes.

Pendientes Chandelier

En los años del Art Decó los girandoles adquieren formas geométricas y elegantes. Son más ligeros y pesan menos; su uso va decreciendo hasta que en los años sesenta vuelven a aparecer y se les da el nombre de “pendientes Chandelier». En la segunda mitad del siglo XX los Chandelier dejan de ser modelos de alta joyería y hace su aparición la versión Chandelier de bisutería. Estos son mucho más fáciles y ligeros de llevar así como divertidos, desenfadados y asequibles a todos los bolsillos.

En la actualidad los pendientes Chandelier vuelven pegando fuerte, con cristales, pedrería o simplemente en filigranas doradas o plateadas, se llevan super largos y en forma de gran cascada.

Pendientes Chandelier

¿Cómo es un Chandelier?

Aunque existen infinitas variaciones en los diseños de estos pendientes, el pendiente Chandelier consta de tres partes:

El Broquel o botón cierre para fijarlo en la oreja que suele ser un disco engastado en pedrería o una sola piedra en forma de flor, círculo o lágrima. El entrecuerpo que es un lazo o motivo floral. Y, por último lo rematan tres colgantes almendrados o en forma de gota que caen, siendo el central más grande que los laterales.

Esperamos que te haya parecido interesante. Si quieres ver nuestra colección de pendientes XXL, te dejamos el link a nuestra web aquí.

Bibliografía

Libro De “Joyeria Vintage” De Caroline Cox

Heladerías: Las Tres Mejores del Mundo

Hoy, aprovechando que se acerca el verano y ya se nota que suben las temperaturas, queremos recomendaros las 3 mejores heladerías del mundo. Al menos, para nosotras sin duda lo son. En estas tres heladerías hemos tomado los helados que más ricos nos han sabido. Y no es fácil, ya que como amantes de los helados, hemos probado muchísimas. Allá donde vamos siempre tenemos que probar alguna heladería. Así que hoy os queremos compartir las que, para nosotras, han sido las tres mejores de todas las que hemos probado. 

L’Angélys Heladerias Gourmet. 

Esta heladería ubicada en Toledo, en la calle Santo Tomé, es un espectáculo. La verdad es que no podemos estar más felices de tener una de nuestras tres heladerías favoritas tan cerca de nuestra tienda. Aunque reconocemos que es un peligro… No hay día que no queramos acercarnos a probar alguno de sus diferentes sabores. 

La historia de esta heladeria la cuentan en su página web, pero os dejamos aquí un breve resumen para que la conozcais:

Denis Lavaud, Maestro Heladero Artesanal y fundador de la empresa L’Angélys, desarrolló desde la infancia su atracción por este oficio: « Mi pasión por el helado comenzó a los 7 años, en el faubourg Saint-Eutrope de Saint-Jean-d’Angély. Había allí un italiano que fabricaba helados en su casa ». Su abuela le daba entonces 20 céntimos para comprarlos. El pequeño Denis quedó de inmediato fascinado por esos helados artesanales. Ese sabor quedó desde luego teñido de nostalgia. Los helados pasaron a ser para Denis Lavaud la madeleine de Proust y cincuenta años más tarde conservó un recuerdo muy preciso de sus primeras sensaciones gustativas, que ha tratado de volver a transcribir ahora.

En cuanto a los sabores, hay muchísimos donde elegir, desde los más frutales como el de coco, mandarina, limón verde, fresa, melocotón de viña, maracuyá, banana, casis… hasta los más diferentes como el ron con pasas, violeta, menta verde con chispas de chocolate, castaña imbert, cognac, uvas y pasas, caramelo de mantequilla salada… Y todos los que nos dejamos. 

¿El favorito de Carola? Siempre pistacho y avellana, de esta heladería y de todas. El de Maria? El coco y la menta verde con chispas de chocolate. Te dejamos todos los helados aquí. ¿Cuál elegirías tú?

Ubicacion: Calle Santo Tome, 20. Toledo, España. También tienen otras heladerías en Madrid.

Gelateria Dondoli – Campeón Mundial De Helado

Si nos consideramos amantes del helado, no podíamos perdernos los helados italianos. Pero no solo nos enamoran sus helados, sino que ya lo estamos de Italia como país. Si conocéis nuestra colección del Barroco y el Victoriano entenderéis que hayamos viajado en varias ocasiones a Italia para empaparnos de estas épocas con sus edificios y monumentos. En uno de esos viajes conocimos esta heladería que ha ganado el premio al mejor helado del mundo, y con razón. 

Ubicada en la céntrica Piazza della Cisterna en San Gimignano, Gelateria Dondoli es conocida en todo el mundo y visitada por un gran número de celebridades.

Su heladería está mencionada en las guías mundiales más importantes y es visitada continuamente por televisiones nacionales e internacionales. Debido a su experiencia y su inclinación por experimentar, ha creado sabores originales e inusuales. Ya son famosas sus primeras creaciones: Crema di Santa Fina® (crema con azafrán y piñones), Champelmo® (pomelo rosa y vino espumoso), Dolceamaro® (crema con hierbas aromáticas) y Vernaccia Sorbet enriquecen su ya muy extensa carta. 

Heladerias

Conoce la historia completa en su web. Cuando fuimos a visitar San Gimignano, que por cierto, os lo recomendamos muchísimo porque es un lugar con mucho encanto, no sabíamos que nos encontraríamos el regalo de poder conocer esta heladería. Nosotras nos pedimos el de Crema di Santa Fina® (crema con azafrán y piñones) y estaba de volverte loca. 

Ubicación: Piazza della Cisterna, San Gimignano, Italia. 

Gelateria Biologica Fattoria Casa Mia

Este helado estaba tan rico que nos compramos uno, fuimos a visitar la casa de Giulietta y cuando se nos acabó volvimos a por otro. Una pasada. Es una heladería pequeña, no tienen web, por lo que no podemos contaros nada de su historia. Pero os aseguramos que es una auténtica delicia. 

Ubicación: Via Pellicciai 11, Verona, Italia.

Esperamos que os haya gustado el post de hoy, que aunque es un poco diferente nos gusta hablaros de todo un poco.

Christian Dior: Historia de la Joyería

Hoy volvemos a hablar de joyería, de la mano del que, para nosotras, es un gran joyero del siglo XX. Se trata de Christian Dior. 

Fue después de la Segunda Guerra Mundial, que Dior fundó y estableció la casa de moda Dior, con la colección de Dior del «New Look» que revolucionó la vestimenta de las mujeres y contribuyó al restablecimiento de París como el centro del mundo de la moda. A lo largo de su vida, Dior ganó numerosos premios a los mejores diseños de vestuario y ha sido homenajeado por varios íconos contemporáneos. 

Consideramos que la moda de Dior es muy conocida, por eso hoy queríamos centrarnos en su joyería.

Christian Dior.

Christian Ernest Dior (1905 – 1957) fue un diseñador de moda francés, más conocido como el fundador de una de las casas de moda más importantes del mundo, Christian Dior SE, que ahora es propiedad de la empresa matriz LVMH. 

Dior nació en Granville, una ciudad costera de Normandía, Francia. Fue el segundo de cinco hijos de Maurice Dior, un rico fabricante de fertilizantes (la empresa familiar era Dior Frères), y su esposa, Madeleine Martin. 

Su familia esperaba que se convirtiera en diplomático, pero Christian era una persona muy artística y deseaba involucrarse en el arte. Para ganar dinero, vendió sus bocetos de moda afuera de su casa por alrededor de 10 centavos cada uno. En 1928, Dior dejó el colegio y recibió dinero de su padre para financiar una pequeña galería de arte, donde él y un amigo vendían obras de la talla de Pablo Picasso. La galería se cerró tres años después, tras la muerte de la madre y el hermano de Dior, así como los problemas financieros durante la Gran Depresión que provocaron que su padre perdiera el control del negocio familiar.

A partir de 1937, Dior fue contratado por el diseñador de moda Robert Piguet, quien le dio la oportunidad de diseñar tres de sus colecciones. Dior diría más tarde que «Robert Piguet me enseñó las virtudes de la simplicidad a través de las cuales debe venir la verdadera elegancia». Mientras estuvo allí, Dior también tuvo la oportunidad de trabajar junto a Pierre Balmain. Más tarde, Marc Bohan le sucedió como diseñador de la casa. Años más tarde, en 1960, Marc se convertiría en el jefe de diseño de Christian Dior Paris. Dior dejó a Piguet cuando lo llamaron para el servicio militar.

En 1942, cuando Dior dejó el ejército, se unió a la casa de modas de Lucien Lelong, donde él y Balmain eran los principales diseñadores.

Historia de la joyería Dior.

Christian Dior, después de trabajar junto a Lucien Lelong en la famosa casa de moda parisina, se estableció como uno de los principales diseñadores de alta costura del siglo XX. Hizo historia al presentar la primera colección con su “New Look” en 1947. Estas líneas de ropa promocionaban hombros redondeados, cinturas estrechas y faldas largas y anchas en contraste con los hombros rectos y cuadrados vistos en décadas anteriores.

Estos nuevo looks requerían joyas actualizadas para complementar estos estilos más femeninos. Dior dejó atrás las voluminosas joyas retro de los años 40 e introdujo los diseños florales tan bien elaborados y otros motivos como los lazos. Utilizó por primera vez este tipo de joyas para acompañar sus colecciones de ropa en 1948. Dior concebía el diseño de joyas como parte integral de sus colecciones, utilizando las piezas para resaltar la innegable elegancia de sus diseños. 

Eran piezas versátiles, que se lucían en chaquetas o suéteres para looks de día. Y luego nuevamente con looks más formales para noche. Si bien las piezas de pasarela estaban hechas, en gran parte, para de las colecciones de alta costura, más tarde también realizaron joyas para acompañar las líneas de prêt-à-porter.

Inicialmente, diseñó joyas de forma individual para clientas como Marilyn Monroe o Bette Davis. Pronto, las piezas de joyería se empezaron a producir bajo la licencia de Dior. Vendiéndose en tiendas exclusivas, una práctica que la casa Dior continuó tras la muerte del diseñador.

Materiales de joyería.

Las primeras piezas de joyería de Dior se realizaron con elementos de vidrio vertido, fabricados por la Casa Gripoix. Estos componentes estaban hechos a mano y eran de excelente calidad y diseño. Eran muy similares a los creados por la firma de Josette Gripoix para Chanel durante el mismo período. Algunos componentes también fueron producidos por Robert Goosens en su reverenciado taller de joyería francés. Dior también trabajó con Roger Jean-Pierre, quien tenía otra famosa casa de joyería en París. Encontrar este calibre de pieza se considera una bendición para los coleccionistas de hoy. El problema es que es bastante difícil identificarlo de forma concluyente como un diseño de Dior. 

La mayoría de las joyas de Dior desde mediados de la década de 1950 en adelante fueron producidas por Henkel & Grosse, una firma alemana con la que la casa de moda firmó un acuerdo de licencia que duró décadas. Se dice que Dior trabajó una línea hecha por Schreiner de Nueva York en 1949 y que estas piezas no están marcadas como tal. Hubo colaboraciones adicionales con otros diseñadores y empresas de joyería en la década de 1950 que produjeron varias colecciones, incluidas las marcadas como Mitchell Maer para Dior y Christian Dior para Kramer. 

A mediados de la década de los 50, Dior hizo una colaboración con Swarovski. Empezó a introducir en sus diseños los diamantes de imitación “aurora borealis”, que fueron una autentica revolución y tuvieron mucho alcance. Dior no solo los utilizó en su joyería, sino que también en sus diseños de moda.  Años más tarde, otros innumerables negocios de joyería también incorporaron estas piedras brillantes en su trabajo.

El logotipo de CD Christian Dior.

Incluso después de que Christian Dior muriera repentinamente en 1957, la casa de moda continuó. Las joyas comercializadas bajo su marca cambiaban con cada temporada de moda. Muchos collares de pedrería elaborados datan de finales de la década de 1950, mientras que los collares de cuentas de varios hilos y los broches dorados hechos a medida ganaron prominencia en los años 60. 

Es una suerte para los coleccionistas que numerosos diseños de Dior estén fechados, ya que algunos producidos en la década de 1960 parecen mucho más modernos de lo que cabría esperar. Mientras que, otros fabricados en la década de 1970, podrían confundirse con diseños de finales de la década de 1950. Y hablando de la década de 1970, se hizo una amplia variedad de estilos interesantes y ponibles durante esta época, incluidos los collares de resina gruesos y los que incorporan esmalte. 

Igual que otras casas de moda, el nombre de Dior y su logotipo CD, se incorporaron ocasionalmente en los diseños durante los años 80. También se fueron incluyendo lo que, a día de hoy, se han convertido en los motivos de la casa: sus omnipresentes lazos junto con su interpretación de la flor del lirio de los valles. Incluidos tanto en diseños de joyería fina como de bisutería. Algunas de las primeras versiones de bisutería de las piezas de lirio de los valles, de hecho, se hicieron utilizando componentes de vidrio Gripoix. Otras piezas de lirio de los valles de alta joyería fueron elaboradas con granates tsavorita y diamantes, tan recientemente como en la década de 1990.

Bibliografía

https://www.openforvintage.com/

https://www.antiquetrader.com/collectibles

Perlas de agua dulce

Hoy os queremos hablar de las perlas de agua dulce. Ya sabéis que en nuestra colección de joyas utilizamos siempre las perlas de agua dulce, por eso queremos contaros un poquito más sobre ellas. Y si quieres visitar nuestras joyas puedes hacerlo en nuestra tienda online.

Las perlas de agua dulce

Es una concreción densa y brillante formada dentro de la concha de algunos moluscos que se utiliza como gema y se clasifica con las piedras preciosas. las perlas más finas (llamadas orientales)  las produce la ostra perlífera punto la perla está compuesta de conchiolina y carbonato cálcico ( en forma de minúsculos primas de calcita y aragonita)  que segrega el manto del molusco y que se deposita como nácar en muchas capas concéntricas finísimas rodeando alguna partícula extraña;  se piensa normalmente que es un grano de arena (Con lo que se obtiene la perla cultivada),  pero ahora se cree que puede tratarse de un tejido celular que provoca resistencia,  que se ha introducido naturalmente en la concha. La perla se fija al interior de la concha o se forma dentro del cuerpo del molusco. Los tamaños varían mucho, al igual que la forma, desde las mejores, que son esféricas, hasta las ovaladas o en forma de huevo o irregulares. los colores varían también, según el agua en el que se ha producido, desde el rosa a diversas tonalidades muy pálidas y a la negruzca, pero algunas se colorean artificialmente. las mejores muestras tienen un brillo satinado. Las perlas se utilizan como cuentas en el collar de perlas, suspendidas de broches, anillos, pendientes y colgantes y se montan en anillos, pasadores, broches… Probablemente la mayor perla redonda conocida es la Reina Perle, que pesa 111 gramos.

 

Variedades

Además de la ostra perlífera, hay perlas producidas por otros moluscos designándose generalmente con el nombre del mismo.

Taladro

Las perlas se suelen taladrar por el centro para ensartarlas o en una parte para montarlas en anillos colgantes etcétera.  casi todo el taladro de las perlas orientales se realizan Bombay por medio de un berbiquí de violín punto las perlas que hay que ensartar se perforan desde cada lado para conseguir un orificio recto. Las que se engarzan se taladran parcialmente y se pegan a un pasador metálico.

Precio

El valor monetario de una perla natural se calcula con el uso del sistema básico (método de la pesada). Los aljófares, por quilates u onzas. Y las cultivadas, antiguamente por el “momme”.

Perlas de agua dulce

Medidas

El peso de la perla natural se mide en granos, el de la perla cultivada antiguamente por el “momme”.  El tamaño de la perla circular se mide en milímetros.

Cuidado de las perlas

Las perlas son atacadas por:

  1. El ácido (como el de la piel o algunas lociones para el cabello o cosméticos) 
  2. La grasa, que entra en el orificio perforado por atracción capilar desde el hilo.
  3. Por la sequedad, por una atmósfera seca o un almacenamiento prolongado, que hace que se reduzca el contenido de agua y se agriete la superficie.

Es conveniente llevarlas puestas frecuentemente y que un joyero la ensarce de nuevo (utilizando un hilo de nylon y haciendo un nudo entre cada una de las perlas para impedir la pérdida si se rompe el hilo), así como su limpieza ocasional por un experto.

Perlas famosas.

Entre las más famosas perlas están: las perras de Hannover, la perla Hope, Las perlas de Mancini, las perlas ornage y la Peregrina. 

Perla barroca.

Perla natural o cultivada de forma irregular, formada por una ostra alrededor de alguna intrusión de forma irregular. Normalmente, estas perlas no son adecuadas para la joyería moderna, pero las perlas barrocas naturales se utilizaron en joyas renacentistas, en colgantes o en broches en forma de figura o animal de los que el cuerpo era la perla. La perla barroca probablemente más grande de las que se conoce es la perla de Asia y pesa 2420 granos. 

Perla Biwa.

Variedad de perla cultivada no nucleada producida desde la Segunda Guerra Mundial por medio del mejillón de agua dulce en el lago Biwa, Honshu, Japón. Gracias a la anatomía interna del mejillón, no es fácil insertar un núcleo extraño sólido, por lo que se inserta un pequeño trozo de tejido de la valva (que más tarde desaparece)  de otro mejillón en cada una de las diez a veinte incisiones afectadas en la capa del mejillón huésped, el cual, en un plazo de uno a dos años,  produce las perlas. son de color marrón o salmón y rara vez esféricas. se blanquean hasta conseguir un blanco brillante. El proceso se repite en algunos mejillones, produciendo perlas barrocas mayores y más oscuras. Desde 1958, se han producido también en Australia perlas cultivadas no nucleadas similares usando una variedad grande de ostra perlífera o madreperla.

Perlas de agua dulce botón.

Es un tipo de perla natural o cultivada plana por un lado o en forma de bollo. Se forma cuando la perla incompleta queda fijada en el interior de la concha y crece a partir de ahí, con depósitos posteriores de nácar, redondos por un lado, pero planos por el otro punto estas perlas se utilizan para pendientes, anillos gemelos.

Perlas de agua dulce cultivadas.

El sistema de provocar la formación de perlas esféricas parece que corresponde al japonés Tatshuch Mise. En 1904 concibió la idea de insertar una porción de epidermis del manto de la madreperla dispuesta en forma de núcleo esférico en el tejido conectivo de otra madreperla, para que dicho núcleo se revistiera de nácar al devolver el animal al mar. solicitó la patente en mayo de 1907, que fue denegada a punto cinco meses después, Tokicgu Nishikawa, Que había sido técnico de la oficina japonesa de pesquerías,  y estudió en Australia este problema, solicitó también una patente, que no le fue concedida hasta junio de 1916.

Kokichi Mikimoto,  que desde 1889 venía explotando ya la producción masiva de madreperlas, localizó cinco perlas esféricas a raíz de un desastre de marea roja que en 1905 destruyó más de 800.000 ejemplares, y se dio cuenta de cómo había de tratarse la colocación del núcleo. A partir de ese hallazgo, la cuestión quedaba resuelta.

Formas: redondas, semi redonda.  entre las no redondas: gota, oval, botón, gemelos, punta, círculo, semi barroca, barroca, muy barroca, fantasía, grano (amapola, semilla), media perla, tres cuartos.

Perlas de agua dulce

Perlas de Hannover.

Famoso collar de perlas compuesto originalmente por seis largos hilos de perla con 25 perlas de lágrima de gran tamaño. Su historia empezó cuando el papa Clemente VI lo regaló a su nieta, Catalina de Medicis por matrimonio en 1533 con el segundo hijo de Francisco I, el futuro Enrique II de Francia en 1558 pasó a María, Reina de Escocia, a quien se lo compró Isabel I.  En 1603 fue heredada por Jaime I quien la entregó a su hija, la princesa Isabel a su matrimonio con el rey Federico V de Bohemia. el collar pasó después a su hija, futura esposa de Jorge I de Inglaterra, y tras varias vicisitudes, lo encontramos figurando entre una serie de joyas que un famoso litigio puso en manos de la reina Victoria no obstante, no existe dato alguno de que el collar se encuentra entre las joyas reales y su paradero es desconocido.

Perlas de agua dulce

Perla Hope.

La mayor perla conocida de la época moderna. es prácticamente cilíndrica, con un ligero hinchamiento en el extremo. Mide 5.1 cm de longitud, 11.4 cm  de circunferencia en el extremo más grueso, 8.3 cm  en el más corto y pesa alrededor de 450 quilates (1800 granos de perlas).  es blanca con un fino Oriente excepto una cuarta parte que tiene una tonalidad bronce verdosa. Cuando estuvo en poder de Lord Henry Philip Hope antes de 1839,  fue montada bajo una corona de oro, esmaltada y con diamantes, rubíes, esmeraldas y zafiros. Aparte de la sugerencia de que tal vez haya sido una de las joyas de la Corona francesa, no hay datos sobre su historia posterior excepto una oferta de venta privada en 1974 por 200.000 dólares.

Perlas de Mallorca

Una variedad de perlas de imitación que se hacen en la isla de Mallorca. Algunas tienen la marca comercial registrada.

Perlas Mancini.

Una pareja de grandes perlas naturales, en forma de pera, que pesan más de 400 granos, engarzadas en un par de pendientes suspendidos de un ornamento floral con diamantes incrustados. Los anillos fueron un regalo de boda que Enrique IV de Francia y María de Medici hicieron en 1625 a su hija, La reina Enriqueta María de Inglaterra ( esposa de Carlos I).  conservó los pendientes, a pesar de sus necesidades económicas, hasta que al vivir en el exilio como viuda pobre tuvo que venderlas a su sobrino Luis XIV, que las entregó entonces a María Mancini,  sobrina del cardenal Mazarino. La joya estuvo en poder de varias familias italianas vendiéndose en Christie’s de Ginebra en octubre de 1969 Y de nuevo en Christie’s de Nueva York en octubre de 1979 al precio de 230.000 dólares. Las perlas han sido pintadas en muchos retratos de Van Dyck y otros. la mayor parte de la montura es moderna. 

Perlas de oro.

Es una técnica moderna de mediados de los años 1920-1929,  que produce perlas huecas sin soldaduras. Se consigue por la realización de tubos de oro sin soldadura, pasados por un troquel que disminuye su diámetro en los puntos adecuados. Se consigue así un tubo perlado que puede ser dividido en esferas separadas a través de una máquina laminadora de bolas. lógicamente si el tubo ha sido grabado u ornamentado con anterioridad, las perlas tendrán la superficie decorada.

Joyeria Medieval: Joyeria para la cabeza y el cuello

Hoy queremos hablaros de la joyería de la Edad Media, concretamente de la joyería Medieval que se utilizaba en la época en la cabeza y cuello.

Joyería Medieval

Una gran variedad de sombreros, coronas y coronas, mantos, velos y tocados -todo ello en función del estatus y la riqueza- cubría la cabeza de hombres y mujeres a lo largo de la Edad Media. El cabello de las mujeres e incluso sus orejas eran generalmente invisibles, excepto por un breve período en el siglo XII cuando las trenzas estaban de moda, como las que usaba la reina en la escultura de Corbeil (Imagen 1)

escultura de Corbeil

Sin embargo, las reinas en su coronación, las jóvenes solteras y las novias podían llevar el cabello descubierto o suelto sobre los hombros, como se ve en el vidrio que representa Juana de Castilla (Imagen 2) en el momento de su matrimonio en 1496.

Juana de Castilla

Solo la realeza usaba coronas y podría poseer hasta 20, de diferentes diseños y pesos. Algunas eran propiedad dinástica, heredadas del monarca a su sucesor, mientras que otras eran de naturaleza más personal.

Debido a que las coronas personificaban el estatus y el poder del monarca, se emplearon los materiales más lujosos para hacerlas: oro, zafiros, rubíes, diamantes y perlas. Hoy en día, muy pocas coronas medievales sobreviven inalteradas, y es raro saber acerca de sus dueños originales.

La princesa Blanca era hija del rey inglés Enrique IV y se casó con el príncipe Luis de Baviera en 1401. Su resplandeciente corona nupcial (Imagen 3) se conserva hoy en Schatzkammer en Munich. Sin embargo, sabemos que en realidad no se hizo para ella, sino que se encargó unos años antes, muy posiblemente para la reina Ana, primera esposa de Ricardo II, ya que se describe claramente en un largo inventario real de 1399.

corona nupcial Blanca

La corona de Blanche muestra espléndidamente una característica distintiva de la corona, es decir, «florones» prominentes, los lirios altos y estilizados unidos a la diadema. En forma muy reducida se pueden ver en las coronas que llevan las dos esposas de Ralph Neville, conde de Westmoreland (1363-1425) en sus efigies.

Otros tipos de joyería para la cabeza

La nobleza usaba una gran variedad de otros adornos para la cabeza en forma de corona para denotar estatus. Las diademas (conocidas como coronas o coronas) a menudo se asemejan a guirnaldas de flores hechas de oro o plata y estaban adornadas con rosetas y otros motivos, o con piedras preciosas. Han sobrevivido pocas coronas, pero se pueden reconocer en las grandes esculturas del siglo XIII de los fundadores de la catedral de Naumburg y en la pintura de un novio principesco húngaro del siglo XV.

Alrededor de 1400, los estilos de sombreros para hombres ricos a veces incluían un sombrero con ala de piel, a menudo usado con una gran joya, como en el retrato de Felipe el Atrevido, duque de Borgoña (1342-1404) (Imagen 4). En el transcurso del siglo XV, los sombreros alcanzaron nuevas alturas de extravagancia, especialmente para las mujeres. Alrededor de 1430, en el norte de Europa, el tocado de dos cuernos había evolucionado, a menudo adornado con perlas de aljófar y gemas, como se vio que lo usaba Isabel de Portugal y la pintura de Petrus Christus de 1449 (Imagen 5)

Felipe el Atrevido, duque de Borgoña
pintura de Petrus Christus

Joyería Medieval en los Países Bajos e Italia

En los Países Bajos, centro de prosperidad y alta moda del norte, desde la década de 1460 hasta 1490, las mujeres usaban como última moda el capitel puntiagudo o «hennin», como se ve que lo usa María de Borgoña (Imagen 6), mujer del duque Maximiliano de Austria y su madrastra Margarita de York (Imagen 7), con un broche B de oro adjunto, que sin duda representa su título de duquesa de Borgoña. 

María de Borgoña
Margarita de York

En Italia, por el contrario, sobreviven numerosos retratos del siglo XV que muestran a mujeres con la cabeza apenas cubierta y el cabello ingeniosamente trenzado y peinado, y adornado con collares de perlas, coral, cuentas o joyas. Sin embargo, muchos de esos retratos, de modelos a menudo ahora desconocidos, pueden haber sido pintados específicamente para mostrar a una novia con la gala especial y el cabello descubierto.

Collares y joyas para el cuello.

Tanto hombres como mujeres usaban collares y joyas para el cuello. La moda de los vestidos escotados del siglo XV permitía a las mujeres llevar llamativos collares. A veces esmaltados y engastados con gemas, como el que llevaba Margarita de York (Imagen 7). El diseño del collar incorpora sus iniciales con las de su marido, Carlos, duque de Borgoña. Las rosas blancas y rojas aluden a su propia familia. Era una princesa inglesa, hermana del rey de York, Eduardo IV. También es probable que haya sido dueña de la «joya de la Rosa Blanca» (LÁMINA 52), la insignia de los yorkistas, cuya apariencia se ha conservado en una acuarela contemporánea. Las joyas adheridas a los collares pueden estar engastadas.

Tanto hombres como mujeres usaban cadenas y collares de oro, y podían ser muy simples: lujosamente esmaltados o simplemente muy enjoyados. A veces, a finales del siglo XIV, los collares se decoraban con bolitas. Y un poco más tarde se adornaron con hojas colgantes. Solo han sobrevivido unos pocos collares de metal común raros y fragmentarios, de un tipo que sin duda alguna vez fue abundante.

Hechas de aleación de cobre o peltre y, en ocasiones, decoradas con hojas o tréboles de  cuatro hojas, se han encontrado en sitios urbanos. Lo que parece sugerir que todos los niveles de la sociedad aspiraban a tener collares elaborados.

¿Os gusta la joyería medieval? Os leemos en comentarios!

El Oro de Toledo

EL ORO DE TOLEDO EN VINTAGE BY LOPEZ-LINARES

 

El oro de Toledo o damasquinado es como se conoce al noble arte de la incrustación de metales preciosos, oro y plata, mediante cincel y martillo, sobre una base de hierro dulce picado con una finisima cuchilla. Porque este es el gran secreto del damasquinado: un arte que transforma una ruda base de hierro en un maravilloso objeto decorado con oro y/o plata.

Existe cierta polémica acerca de cómo y a través de quién llegó este arte hasta nuestra península. Y yo, hoy, fuera de toda polémica, lo que pretendo es intentar que os enamoréis, solo la mitad de lo que yo estoy, de este maravilloso tesoro que aún conserva exclusivamente la ciudad de Toledo y que os suméis a mi lucha para evitar que se acabe perdiendo este maravilloso trabajo. Hoy voy a intentar explicaros su técnica para que, al conocer el refinado proceso manual de su elaboración, podáis valorarlo y transmitir este arte a todo aquel que creáis que tiene sensibilidad para apreciarlo. Simplemente, hoy me conformo con este pequeño compromiso por vuestra parte. Este quisiera que fuera el primer paso a dar entre todos en defensa de esta maravillosa y ancestral artesanía para evitar que caiga en el olvido.

El damasquinado tiene orígenes ancestrales en las culturas más antiguas del Mediterráneo, que ya decoraban sus objetos más preciados con la entonces denominada técnica de la Ataujía, utilizada hace ya más de 1500 años en civilizaciones como la egipcia, la griega y la romana, así como en la china y la japonesa.  La Ataujía es un arte que se realiza introduciendo hilos de oro y plata en un surco preparado con anterioridad y asegurando su adhesión con la conocida forma de “cola de milano”. No es exactamente lo mismo que el damasquinado, pero se parecen demasiado y por eso cuesta tanto saber dónde realmente nació la técnica del damasquinado, ya que se trataría de una especie de hijo de la Ataujía que comenzó a utilizarse en varios lugares, casi a la vez.

Y como os decía, también hay cierta polémica sobre a través de quién y cuándo llegó tan noble arte hasta la península ibérica. Que si llegó de China o de Japón, que si lo trajeron los árabes tras invadir la península en el año 711… Existen varias teorías, pero yo hoy, haciendo abstracción de ellas como os decía, quisiera por encima de todo explicaros qué es el damasquinado, las distintas técnicas utilizadas en su elaboración, el reducidísimo número de maestros artesanos que quedan para poder continuar formando a los aprendices, la ausencia de una formación reglada para formar a las nuevas vocaciones, así como qué nos llevó a traerlo hasta nuestro espacio y, sobre todo, por qué no podemos hacernos cómplices de su desaparición.

Al final de esta lectura os voy a recomendar algunos libros, pocos porque no hay muchos sobre este tema, por si queréis profundizar más en su conocimiento y sacar vuestras propias conclusiones.

La primera definición conocida de la que disponemos sobre este arte es la del teólogo Teófilo, un monje griego que allá por el S.XI ya describía esta técnica artesanal con las siguientes palabras:

Cuando haya limado cuidadosamente una espuela, póngala junto a carbones encendidos hasta que comience a ennegrecerse y permita que después se enfríe. Entonces, gire la rueda con su mano derecha y mantenga la espuela con su mano izquierda contra el acero y sobre el lado exterior haga finos cortes a lo largo y una doble tanda de cortes a lo ancho (picado de la pieza). Después de esto, con unas pequeñas cizallas levante trocitos de plata tal como crea conveniente y aplíquelos sobre la trama de cortes.

A continuación, utilizando las mismas cizallas frote los bordes de la plata con el fin de que se peguen más deprisa.

Cuando haya trabajado sobre toda la espuela, póngala de nuevo en los carbones ardiendo, hasta que de nuevo se ennegrezca; entonces sáquela con unas pinzas y púlala con una larga extremadamente lisa herramienta de acero (un bruñidor). Colóquela de nuevo en los carbones y caliéntela otra vez, entonces pula vigorosamente de nuevo con la misma herramienta.

Teófilo señala a los árabes como los primeros en servirse de este procedimiento a través de la ciudad de Venecia, aprovechando los contactos comerciales que mantenía esta ciudad-estado con Siria, Persia y Turquía.

 

EL DAMASQUINADO EN LA HISTORIA MODERNA

 

Podemos señalar varios momentos dorados en la historia del damasquinado europeo.

Durante el S.XVI Milán y sus famosos armeros llevarían el arte del damasquinado a una altura pocas veces alcanzada, decorando todo tipo de guarniciones para príncipes y emperadores.

Durante el reinado de Luis XIII y Luis XIV en Francia a través de su uso en la decoración de pistolas y escopetas. La decoración de armas en Francia vivió su apogeo en el S.XVIII con la creación de la manufactura de Versalles, donde las armas se convertirían en verdaderas obras de arte.

Durante el S.XVIII también en España se conoció un importante desarrollo de la armería damasquinada en Madrid, Ripoll y el país vasco.

Pero seria a partir de mediados del S.XIX, con la llegada de la familia Zuloaga y un pequeño grupo de damasquinadores toledanos, cuando este arte alcanzaría su gran momento en España, recibiendo numerosísimos premios en diversas Exposiciones Universales tanto europeas como americanas. En el S.XIX ya existieron en España varios centros de producción de damasquinado: Madrid, Toledo y Éibar. Existiendo también cierta polémica sobre quién empezó primero si los toledanos o los eibarreses.

La historia es importante, por supuesto, pero en este momento para mí lo verdaderamente digno de tenerse en consideración es que ya prácticamente apenas quedan maestros damasquinadores, y que los pocos que quedan se concentran casi en su totalidad en la ciudad de Toledo.

 

¿QUÉ ES EXACTAMENTE EL DAMASQUINADO?

 

Ante todo, quiero explicaros con imágenes este sorprendente proceso que tuve la fortuna de ver por primera vez en su taller a través de las manos expertas del gran maestro Mariano San Félix. Es curioso, que casi la primera persona con la hicimos amistad en Toledo fuera él, y cómo uno de esos fines de semana que pasábamos en la ciudad tuviéramos la suerte de que nos abriera las puertas de su taller y nos mostrara cómo era capaz de convertir una humilde placa de hierro en una obra de arte.

Es importante saber cómo se realiza el damasquinado para saber valoralo y apreciarla como se merece

  • Lo primero que necesitamos para damasquinar es una base de hierro dulce, que llaman los damasquinadores, donde poder incrustar el hilo de oro. Actualmente existen dos fabricas que yo conozca que venden las bases ya cortadas para damasquinar. El problema surge cuando quieres hacer un diseño diferente, entonces tienes que buscar un artesano en el hierro capaz de cortarte a mano y con segueta esas finas laminas de hierro.
  • El siguiente paso es picar el hierro. Picar significa hacer un finísimo surco del grosor de una cuchilla de afeitar en tres direcciones diferentes. La primera pasada mas fuerte que la segunda y la tercera la más finita. En estas estrías que se forman es donde se incrusta el hilo de oro. Este proceso de picado también puede realizarse al ácido en zonas de difícil acceso.
  • Quemar, sometiendo el hierro a altas temperaturas hasta que queda negro, y luego dejándolo enfriar para poder trabajar el siguiente paso.
  • Aquí entra el arte de cada damasquinador ya que deben dibujar a mano las complicadas decoraciones que suelen utilizarse en este arte.
  • Ahora comenzaría realmente la labor de damasquinado. Se trata de introducir el hilo de oro o plata con un punzón de presión encima del picado, siguiendo el dibujo previamente realizado. Contorneando los perfiles y, si fuera necesario, rellenando los espacios que quedan entre ellos.
  • Después se pavona la pieza. Se trata de la inmersión de las piezas metálicas en una mezcla de nitrato de potasio y nitrato de sodio a temperaturas de entre 310 y 350 °C. Después de llevar a cabo esta inmersión, las piezas son lavadas con jabón caliente.
  • Ahora llega la parte que le da vida al oro, el pulido y bruñido de la pieza. Se realiza con un bruñidor de piedra sanguínea (ágata) bruñendo toda la labor, consiguiendo que el oro adquiera fijeza y estabilidad.
  • Posteriormente, y como acabado final, se monta la pieza.

 

La pasión y el amor con la que Mariano explica su trabajo, a sus ya más de 80 años, es admirable. Te trasmite toda la pasión que aún despierta en él este arte, calándote muy hondo.

Fue en el preciso instante en el que le vi sentado trabajando el hierro y jugando con esos pequeños y casi trasparentes hilos de oro, sin más utillaje que buriles y macetas, cuando mi imaginación se pudo en marcha y cuando supe que tenia que llevar esta artesanía hasta nuestro espacio.

Mariano San Félix ha sido el impulsor de la “Fundación Damasquinado de Toledo”, que se constituyó sorprendentemente hace muy poco en la ciudad de Toledo.

La Fundación Damasquinado de Toledo es una institución de carácter privado y sin ánimo de lucro, que se constituye con la voluntad de dar cabida a todo tipo de organismos públicos, personas físicas y jurídicas, artesanos y comercializadores del damasquinado toledano. Sus objetivos son, entre otros, Conservar, Difundir, Investigar y Exponer el damasquinado como arte, y actualmente está moviendo conciencias en la administración comunitaria para conseguir algo que ya debería haberse conseguido para el damasquinado hace mucho tiempo: la consideración de “Bien de Interés Cultural” (BIC).

Creo que es algo que la Comunidad de Castilla la Mancha le debe al damasquinado y a todos los artesanos y artesanas que se han dejado la piel incrustando oro y plata a lo largo de los siglos.

 

NUESTRO PROCESO CREATIVO

 

Ahora lo que quiero es contaros un poco el proceso del damasquinado y cómo surgió la idea de crear esta colección.

¿Cómo podría yo llevar esta maravillosa técnica hasta nuestro espacio?, me preguntaba. Quería rendir un homenaje, no solamente a la ciudad de Toledo que tan bien nos había recibido, se trataba también de rendir un homenaje a este ancestral arte y hacer lo que fuera necesario para que se mantuviera vivo. En definitiva, trabajar por y para el damasquinado como lo haría cualquier toledano.

Apostamos, como siempre, por fusionar historia y arte. Encontrar un punto de unión entre esta preciosa artesanía y ese estilo tan decadente que caracterizan nuestras joyas.  Así comenzaron la investigación, la documentación y los primeros bocetos. Pero, sobre todo, la búsqueda de esas manos artesanas que fueran capaces de hacer realidad nuestros sueños.

No sé si fue la casualidad o el destino lo que hizo que consiguiéramos dar con los dos artesanos que reunían nuestras premisas. Uno de ellos, un alumno que acababa formarse y de obtener la acreditación en el dominio de las “Técnicas Sanfelinianas” de damasquinado, patrocinadas por la Fundación Damasquinado de Toledo, impartidas por su presidente el maestro Mariano San Félix. Y la otra, una mujer. Una joven promesa del damasquinado toledano que aporta ese lado más femenino y elegante a la técnica. Queríamos apostar decididamente por sabia nueva, la juventud aporta una energía contagiosa, y no nos equivocamos. Gracias a su implicación y profesionalidad hemos conseguido hacer realidad esta colección.

Todas las piezas que componen esta colección, que seguirá viva y en permanente crecimiento, están damasquinadas enteramente a mano en todo su proceso de elaboración, realizadas con oro de 24 quilates y plata de ley, siendo todos ellos diseños propios que solamente podréis encontrar en nuestro espacio de Toledo. Como siempre, inspirados en las joyas españoles de los siglos XVII, XVIII y XIX, siguiendo, como es costumbre en todas nuestras joyas, las técnicas artesanales utilizadas por los grandes maestros.

Os dejamos algunas fotografías de nuestras piezas damasquinadas a continuación y os esperamos en nuestro pequeño rincón de la calle del Nuncio Viejo nº 8, en pleno Casco Histórico de Toledo, con muchísima ilusión por enseñaros nuestro trabajo, para que seáis vosotros mismos los que juzguéis si participáis de mi objetivo de luchar todos a una para que este valiosísimo arte decorativo no caiga en el olvido.

Tengo también desde aquí que hacer una mención especial de agradecimiento a los orfebres toledanos y de fuera de Toledo, que han hecho posible que esta colección vea la luz y a Enrique de Lucas Tortajada, porque sin su inestimable ayuda aquella tarde en plena pandemia nos habrían resultado más difíciles nuestros comienzos.

Os esperamos cargadas de ilusión y deseando saber qué os parece esta nueva iniciativa.

Como os decía antes, la historia del damasquinado es apasionante, permitiéndome recomendaros adquirir cualquiera de estas publicaciones para conocer no solo su proceso sino toda la historia que atesora este arte milenario. Debo también destacar la perseverancia de Luis Peñalver a lo largo de todos estos años por difundir el damasquinado en diversas publicaciones, que por cierto nos ha servido de gran ayuda no solamente para escribir este pequeño post sino también como referente e inspiración a la hora de crear esta nueva colección.

Bibliografía:

EL ARTE DEL DAMASQUINADO

EL ARTE Y TRADICION DE LOS ZULOAGA. DAMASQUINADO ESPAÑOL DE LA COLECCIÓN KHALILI .LAVIN, James D.

LAS REJAS DE VILLALPANDO

EL DAMASQUINADO DE TOLEDO. Aproximación a su Historia.  Félix del Valle y Díaz

FUNDACION DAMASQUINADO DE TOLEDO 

Ansorena prestigio y clase desde hace más de 100 años.

Celestino Ansorena deja Álava, su ciudad natal, a finales de los años 30 y se instala en Madrid, donde empieza a abrirse camino como joyero en su taller joyería de la calle Espoz y Mina. Será muy pronto cuando, gracias a su gran maestría como joyero, realizará su primer encargo importante: la reina Isabel II encarga una tiara papal para el Papa Pio XIX con motivo de la proclamación de la Inmaculada Concepción.  Tras este primer encargo para la casa real, se producen muchos más de la alta sociedad madrileña, como un brazalete para la viuda del general Diego de los Ríos, una espada para el general Martínez Campos, infinidad de condecoraciones oficiales y los popularmente apodados “lazos de dama”.

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En 1860 Celestino Ansorena es nombrado “joyero y diamantero de la Real Casa“. El rey Alfonso XII encarga en Ansorena la diadema que lucirá en su boda su esposa María de las Mercedes.

El negocio después de Celestino Ansorena

En el año 1896 muere Celestino y sus descendientes se hacen cargo del negocio, continuando con la gran trayectoria de Celestino. En 1905 se encarga a los talleres de Ansorena una espectacular corona para la Virgen del Pilar, empleando para su creación joyas procedentes de miles de familias españolas. Para su elaboración intervinieron 33 artesanos joyeros y se tardaron 44 días en terminarla.

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A partir de este encargo comienza para Ansorena una época de gran prestigio y producción, Además de la Casa Real, toda la alta sociedad madrileña luce creaciones de casa Ansorena. En 1912 recibe casa Ansorena el nombramiento de “Proveedores de la Real Casa, “como reconocimiento a su brillante labor en el arte de la joyería.

Alfonso XIII encargará la tiara de brillantes que lucirá su esposa Victoria Eugenia el día de su boda, apodada “la buena”.  El taller de la calle Espoz y Mina se cierra y se traslada a la calle Alcalá, donde actualmente se  encuentra. La reina Victoria Eugenia, amante de las joyas, se convertirá en una asidua clienta de la casa Ansorena.

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De Ansorena es el collar famoso “de chatones” que el Rey Alfonso XIII regala a la reina Victoria Eugenia, al cual irá aumentando con dos diamantes en cada aniversario, cumpleaños, nacimiento de un hijo, … Llegando el collar a poder dar dos vueltas.

Con la guerra civil española la joyeria interrumpe sus producciones y cierra la tienda. Será en 1940 cuando los descendientes de Celestino Ansorena abran de nuevo los talleres, continuando hasta el día de hoy en que sigue siendo una de las joyerias mas significativas de Madrid. De Ansorena es la tiara “flor de lys” que el rey Felipe VI regaló a Doña Letizia con motivo de su boda.

Bibliografia:

@Wikipedia

@Ansorena

Imágenes:

@Ansorena

Centenarios Madrid

Grace Kelly 16 curiosidades de una boda de película

Primavera de 1956, el Principado de Mónaco se viste de gala. El 18 y el 19 de abril se celebraba el enlace civil y religioso del Príncipe Rainiero de Mónaco con la norteamericana y famosa actriz de Hollywood Grace Kelly.
Ahora se cumplen 56 años de aquel memorable acontecimiento, y nosotras hemos decidido que este acontecimiento es más que merecedor de convertirse en nuestro “Icono Vintage” de abril.
Fueron días de fiesta en el pequeño estado de Mónaco. Días inolvidables… para ellos y para el resto del mundo. Fue una de las bodas más recordadas del S.XX y probablemente la novia más admirada e imitada de todos los tiempos.

Curiosidades de la boda de Grace Kelly

Sobre la novia y su traje se ha escrito hasta la saciedad. Yo hoy me voy a quedar con algunas anécdotas de la boda, que es probable que desconozcáis y que me han resultado curiosas:
  • Francia sufrió una huelga general de electricidad la noche anterior al primer encuentro de Grace Kelly con Rainiero III. Toda la ropa de la princesa Grace estaba muy arrugada después del largo viaje, y no pudo ser planchado el traje que tenía previsto lucir, por lo que tuvo que optar por un sencillo vestido negro estampado en flores, que no estaba tan arrugado como el resto.
  • El anillo de pedida un diamante en talla esmeralda de 10,47 quilates, montado en platino. Grace lo lució durante la filmación de «Alta sociedad» y se puede ver en la película.
  • Como regalo de boda, Rainiero obsequio a Grace con un magnifico juego completo de collar, pulsera y pendientes de Van Cleef & Arpels. Conjunto que podéis apreciar en la fotografía adjunta.
  • Los monegascos regalaron a Grace y Rainiero un Rolls Royce descapotable, negro y crema como regalo de boda. Después de la ceremonia religiosa, la pareja condujo por las calles de Montecarlo para que todos los ciudadanos pudieron disfrutar de la belleza de la novia y la felicidad de la pareja.
  • Aristóteles Onassis obsequió a Rainero III y la Princesa Grace como regalo de boda con un yate, el “Deo Juvente II”. Con él, la pareja viajó por todo el Mediterráneo durante su luna de miel. Me resultó curiosa la historia del Deo JuventeII, del podéis saber más en el siguiente link: Historia del Deo Juvente II.
  • Rainiero encargó a la casa Creed la creación de un perfume exclusivo, para que Grace lo utilizara en el día de la boda. Su nombre: «Fleurissimo». Fue otro de los detalles con los que Rainiero agasajó a la novia. El perfume fue fabricado en exclusiva para la princesa hasta 1972, fecha en que comenzó a comercializarse al público. Posteriormente fue usado por iconos como Jacqueline Kennedy Onassis o Madonna. He encontrado un precioso articulo en español: Olibanum:Cuaderno de Fragancias
  • Toda la población adulta de Mónaco fue invitada a la celebración de la boda. Resulta curioso imaginarse un jefe de estado invitando a todos sus súbditos a su banquete de bodas. En un pequeño estado como Mónaco eso fue más sencillo, no obstante se reunieron más de 3.000 monegascos.
  • La Metro-Goldwyn-Mayer, como regalo de boda obsequió a Grace todo el vestuario de «Alta sociedad» (su última película), así como el magnífico vestido de boda diseñado por Helen Rose.
  • Bajo el vestido de boda, las enaguas de Grace tenían diminutos lazos de satén azul.
  • Grace llevaba «El manual de la novia» de J.M. Lelen, durante su boda con el Príncipe Rainiero. El libro fue un regalo de un amigo de la familia, Mr. John F. McCloskey de Chestnut Hill, y fue decorado por el departamento de vestuario de la M-G-M.
  • Los zapatos de novia de Grace fueron diseñados por David Evins. Se fabricaron con un penique de cobre en el zapato derecho, para darle suerte. Una creencia popular dice que Grace llevaba zapato plano para que no fuera mucho más alta que Rainiero. Los zapatos tenían un tacón 6,35 cms.
  • Grace fue peinada por Sydney Guilaroff, uno de los peluqueros favoritos de Marilyn Monroe, que trabajó con Greta Garbo, Greer Garson, Judy Garland, Elizabety Taylor, Joan Crawford, Ava Gardner, Lana Turner, entre muchas otras.
  • Joseph Hong, de Neiman Marcus, diseñó los vestidos de las damas de honor, y Patricia Kidder los fabricó. Estaban hechos de organdí de seda amarilla, sobre una bajo falda de tafetán de seda amarilla.
  • El ramo de novia de Grace era de lirio de los valles. Grace dejó el ramo en el altar de la capilla de St. Devote después de la boda. Las damas de honor llevaban rosas de té.

  • Después de la ceremonia, Grace donó el vestido al Museo de Arte de Philadelphia, ciudad en la que había nacido.
  • La Princesa Grace y Rainero III pasaron parte de su luna de miel en el hotel Formentor de Mallorca.
En total 16 curiosidades de la boda de Grace Kelly y Rainiero de Mónaco. Pero yo me quedo con esta frase de Oscar de la Renta:
 
«En el día de su boda, Grace Kelly da un nuevo significado a la palabra «icono». Todo su aspecto, desde el regio velo hasta los femeninos detalles de encaje y el conservador vestido, hacen de ella una novia atemporal.»
 
Os dejo el link a tres curiosos vídeos que he encontrado en Youtube sobre la boda:

http://youtu.be/RA7wUhqd0cE

Por último os dejo el link a una página americana que vende una Barbie vestida de Grace Kelly el día de su boda.

Lisner, la joyeria «Richelieu»

Aunque hasta hace poco las piezas de Lisner no eran muy apreciadas por los coleccionistas, últimamente sus precios han ido subiendo y están ganado muchos adeptos entre los coleccionistas modernos.

David Lisner nació en Alemania en 1846. En 1864, Lisner y su familia emigraron a Nueva York. Su padre Selig y sus hermanos George y Abraham eran comerciantes. David Lisner fundó su empresa D. Lisner & Co. en 1904 establecida en Nueva York. A principios del siglo XX, el hijo de David Lisner, Sidney, y un primo Saul (Solomon) Ganz se unieron a la empresa.

En un principio, la compañía hacía sus propios diseños de joyería de buena calidad y no los marcaba. Fue justo antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, cuando Lisner se convirtió en el agente oficial en los Estados Unidos de Elsa Schiaparelli, importando y vendiendo las piezas de la diseñadora francesa. Además, tenía la licencia para producir su joyería y accesorios en los Estados Unidos, venderla y distribuirla.

En los años 30 la compañía Whiting & Davies, conocida por sus bolsos de malla de metal, fabricó algunas piezas para la marca.

Pero el gran apogeo de Lisner llegaría en los 50s. La joyería que produjo en esos años llegó a ser muy popular por sus combinaciones de colores, sus atractivos diseños y, sobre todo, su bajo precio.

La base de estas piezas era la lucita o plexiglás, un material desarrollado por Dupont en 1937. Un plástico acrílico que se podía colorear y moldear.

El Presidente de la compañía en esa época era Victor Ganz, un genio creativo con instinto para la moda. Fue lo suficientemente sagaz para desarrollar el estilo comercial y limpio que mantiene a las piezas de Lisner con la misma frescura que en el momento que fueron creadas.

Los diseños estaban colocados sobre bases cromadas o bañadas en plata y, a partir de los 60, en «blackjapanned metal» (que es un tipo de lacado en negro sobre metal). Estas piezas sobre base negra fueron populares en su día y muy codiciadas hoy.

Lisner-1959-Aurora-Borealis

 

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A finales de los 50 y principios de los 60 Lisner introdujo una nueva gama, marcada como «Richelieu», que era de mejor calidad y más cara. Las piezas son más escasas hoy día y, si están en buenas condiciones, los precios pueden ser relativamente altos.

Los precios de los diseños de Lisner han comenzado a subir últimamente, debido a que las piezas de otros diseñadores de la época se han puesto por las nubes. En la medida que el precio de piezas de diseñadores más premiados sube, las piezas de menor precio, tales como las de Lisner, crecen en demanda. Las piezas marcadas y bien diseñadas están llamadas a incrementar su valor.

La compañía usó la marca «LISNER», en mayúsculas, para sus propias piezas por primera vez en 1935. Desde 1959 se utilizó «LISNER» en mayúsculas con una «L» alargada. Sin embargo los compradores deben tener en cuenta que los moldes y sellos se reutilizaron posteriormente, así que la marca no es un indicador fiable de la fecha de una pieza.

Lisner compró Richelieu Pearl Company a mediados de la década de 1970 y la empresa pasó a llamarse Lisner-Richelieu Corp. Victoria Creations compró Lisner-Richelieu en 1979 pero, después de otra rotación de propiedad, el nombre de Lisner dejó de aparecer en las joyas a mediados de la década de 1970-80.

IMÁGENES:

Jewelry Patent Proyect

El Oro: Tipos de baño para las joyas

Hoy queremos hablaros del oro y los tipos de baño de oro que existen. Es un post un poco más informativo para que entendáis como se hacen las joyas bañadas en oro. Es cortito pero contiene mucha información! 

El oro

Metal amarillo, el mas dúctil y maleable de todos, y uno de los mas pesados, solo atacable por el cloro, el bromo y el agua regia, que se encuentra siempre nativo en la naturaleza, y en polvo finisimo forma la purpura de Casio. Cristaliza en el sistema regular (hexaedro, octaedro, trisquisoctaedro) o en dendritas, frecuentemente en agujas o granos, dando a estos el nombre de pepitas (de oro) cuando ya son de cierta dimensión.

Sus yacimientos se encuentran en aluviones, filones y también entre las rocas sedimentarias. Aunque nativo, no se encuentra en estado de pureza absoluta, ya que aparece siempre aleado con otros metales, en especial con la plata. Cuando esta proporción es de 1 ⁄ 3 se le da el nombre de electrum. Mientras que en otros casos contiene paladio, platino, rodio etc Con el cobre y la plata se alea con fines prácticos, para darle mayor dureza, sin modificar apenas su maleabilidad. 

Oro chapado

Para recurrir mecánicamente de una capa de oro una lámina de cobre etc, se baña primero su superficie, cuidadosamente lavada, con una disolución de una sal de oro, para formar así una delgada capa de oro, y se une luego esta con una chapa fina de oro al calor rojo por presión entre cilindros.

Oro galvanico

Como baño se emplea una solución de cianuro auricopotásico, que se prepara disolviendo en 1000 partes de agua destilada, 10 de clorhidrato de cloruro áurico y 100 de cianuro potásico. Como electrodo positivo sirve una plancha de oro y como electrodo negativo el objeto que se va a dorar.

Oro molido

Procedimiento de dorado a fuego, hoy sustituido por el chapado. Se extendía una amalgama de oro y mercurio sobre la superficie del objeto que se quería dorar (generalmente, bronce o latón) de manera uniforme, a pincel. Y después se calentaba cuidadosamente para que se evaporara el mercurio (de ahí el nombre de “dorado a fuego”) quedando solamente la capa de oro como revestimiento.

Tiara Poltimore: La historia de esta joya

Hoy queremos hablaros de una tiara espectacular, se trata de la Tiara Poltimore. Queremos hacer un recorrido sobre la historia de esta joya tan impresionante y descubriros alguna que otra curiosidad. 

Cuando más conocida se hizo esta tiara podemos decir que fue cuando la lució la Princesa Margarita el día de su boda, el 6 de mayo de 1960. Pero, ¿a quién pertenecía esta tiara?

Poltimore

La diadema tiene una rica historia. Conocida como la tiara de Poltimore, perteneció originalmente a Lady Poltimore (Florence Bampfylde), la esposa del segundo barón Poltimore. De hecho, Margaret, la esposa del tercer barón Poltimore, usó la tiara en la coronación del rey Jorge V en 1911.

El nieto de Lady Poltimore, el cuarto barón Poltimore, puso la tiara a la venta en una subasta en 1959. Allí, fue donde la Princesa Margarita la compró por 5.500 libras.

La Princesa Margarita, a pesar de tener acceso a las joyas de la corona (la duquesa de Cambridge, por ejemplo, usa tiaras que le prestó la reina), la entonces joven de 29 años quería algo que pudiera llamar suyo. “Es algo tan moderno”, le dijo a Vogue Sara Prentice, directora creativa de House of Garrard. “Estamos descubriendo cada vez más que las mujeres compran para sí mismas, pero allá por 1959, ella lo eligió por sí misma. Debe haberle encantado hacer eso”.

Un año y medio después, el 6 de mayo de 1960, la princesa Margarita lució la tiara en la ocasión más importante: su boda con Antony Armstrong-Jones. Ahora era parte de la historia. Se convirtió en la tiara más asociada con la princesa Margarita, de hecho su esposo la fotografió en la bañera con ella puesta. 

La Princesa Margarita, no solo lució la tiara a modo de tiara, sino también como collar y broches. Porque si, esta tiara puede convertirse en collar y nada menos que 11 broches. 

La tiara Poltimore

Fabricada en 1870 por House of Garrard en Londres, es el epítome del estilo de joyería de la era victoriana: los diamantes en forma de cojín y de talla antigua  evocan la flora y la naturaleza. Estos se alternan con motivos de volutas engastados con diamantes, cada uno coronado por terminales de diamantes de talla antigua, hasta la línea de diamantes engastados en pinza, montados en plata y oro. 

Como comentamos antes, la tiara puede convertirse en collar y en 11 broches. Toda una auténtica joya. 

El paradero exacto de la tiara de Poltimore hoy en día se desconoce públicamente. Con el fin de recaudar fondos para cubrir los exorbitantes impuestos sobre sucesiones, los hijos de la Princesa Margarita subastaron la pieza en Christie’s en Londres el 13 de junio de 2006 junto con otras 90 joyas y muchas de sus otras posesiones personales. La tiara se vendió por £926,400. Naturalmente, algunos pensaron que la familia real debería haber comprado la joya histórica. El drama que lo rodea es realmente digno de un episodio completo de The Crown. De hecho, en la temporada 3 de la serie se vislumbra una escena que recrea el momento de Margaret en la bañera con la tiara Poltimore.

Y a ti, ¿qué te parece esta tiara? A nosotras nos vuelve locas!! Es que las novias con tiara son nuestra perdición. Te dejamos el link a nuestra colección de tiaras por si te interesa. 

Ava Gardner: Sus tres bodas

Ava Lavinia Gardner, conocida mundialmente como Ava Gardner fue una de los mayores mitos de Hollywood del siglo XX. Nacida en Grabtown, Carolina del Norte, el 24 de diciembre de 1922, fue la menor de siete hermanos. Sus padres, Mary Elizabeth «Molly» y Jonas Bailey Gardner eran aparceros del tabaco y vivían humildemente. Ella era de ascendencia inglesa y escocesa-irlandesa.

La infancia de Ava Gardner

Ava fue criada en la fe bautista de su madre. Cuando ella y sus hermanos aún eran pequeños, la familia perdió su casa. Molly recibió una oferta para trabajar como cocinera y ama de llaves en un alojamiento para maestros en la escuela cercana Brogden. Esta incluía pensión para la familia y Jonas pudo continuar cultivando tabaco como aparcero y complementó la disminución del trabajo con trabajos eventuales en aserraderos.

En 1931, la escuela cerró, lo que obligó a la familia a renunciar finalmente a sus sueños de propiedad y se mudaron a una ciudad más grande, Newport News, Virginia, donde Molly encontró trabajo administrando una casa de huéspedes para muchos trabajadores marítimos de la ciudad. Mientras estaban en Newport News, Jonas se enfermó y murió de bronquitis en 1938, cuando Ava tenía 15 años. Después de la muerte de su padre, la familia se mudó a Rock Ridge, cerca de Wilson, Carolina del Norte, donde Molly dirigía otra pensión para profesores. Ava asistió a la escuela secundaria en Rock Ridge y se graduó allí en 1939. Luego asistió a clases de secretariado en Atlantic Christian College en Wilson durante aproximadamente un año.

Su carrera

Hoy queremos centrarnos en sus tres bodas, pero no podemos dejar de mencionar como se hizo conocida. 

Gardner estaba visitando a su hermana Beatrice en la ciudad de Nueva York en el verano de 1940, cuando el esposo de esta, Larry Tarr, un fotógrafo profesional, se ofreció a tomar su retrato como regalo para su madre Molly. Estaba tan contento con los resultados que exhibió el producto terminado en la ventana delantera de su Tarr Photography Studio en la Quinta Avenida. 

Un empleado legal de Loews Theatres, Barnard Duhan, vio el retrato de Gardner en el estudio de Tarr. En ese momento, Duhan a menudo se hacía pasar por un buscador de talentos de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para conocer chicas. Pero esta vez, no consiguió que la recepcionista del estudio les diera el teléfono de Ava. Así que les comento que «Alguien debería enviar su información a MGM», y los Tarr lo hicieron de inmediato.

Poco después, Gardner viajó a Nueva York para ser entrevistado en la oficina de MGM por Al Altman, jefe del departamento de talentos. Con las cámaras rodando, le indicó a la joven de 18 años que caminara hacia la cámara, se diera la vuelta y se alejara, luego reorganizó algunas flores en un jarrón. No intentó grabar su voz porque su fuerte acento sureño le dificultaba entenderla. Sin embargo, Louis B. Mayer, jefe de MGM, envió un telegrama a Altman: «Ella no puede cantar, no puede actuar, no puede hablar, ¡es excelente!» Le ofrecieron un contrato estándar por el estudio y dejó la escuela para ir a Hollywood en 1941, con su hermana Beatrice acompañándola. Lo primero que hizo MGM fue proporcionarle un entrenador de oratoria, ya que su acento de Carolina era casi incomprensible para ellos y Harriet Lee como su profesora de canto.

Ava Gardner

Así es como Ava Gardner pasó a ser el icono que todos conocemos. Conocida mundialmente por su exuberante belleza como “el animal más bello del mundo”. Su vida sentimental estuvo plagada de infortunios a pesar de haber contraído matrimonio en tres ocasiones.  

Su primera boda fue con el entonces popularísimo Mikey Rooney. Le conoció el día en que la contrataron para la MGM. Cuando estaba conociendo los estudios apareció Mikey disfrazado de Carmen Miranda, y quedó prendado de su belleza. Se casaron en enero de 1942 en la iglesia presbiteriana de Ballard rural (California). No hubo traje blanco de novia, los novios con unos sencillos trajes sastres adornados con una gran orquídea blanca ella, y un clavel blanco él, se dieron el “Sí quiero”. El matrimonio fue un fracaso, debido a la inmadurez de los dos. Tan solo un año se divorciaron.

Segundo matrimonio

El segundo matrimonio, en octubre de 1945, fue con el clarinetista de jazz. Para esta segunda boda, Ava elige otro traje sastre muy parecido al de su primer matrimonio. Incluso podríamos asegurar que llevaba la misma gran orquídea blanca sobre su pecho. Artie resultó ser un snob que detestaba todo lo referente a la vida profesional de Ava. La ninguneaba por su falta de cultura y se esforzó en culturizarla obligándola a  matricularse en la universidad a distancia de California, o llevándola a reuniones culturales para que aprendiera… Pero con esto solo consiguió que Ava perdiera la confianza en sí misma y tuviera verdaderos problemas de autoestima, hasta el punto de tener que ponerse en tratamiento psiquiátrico. Gardner empezó a abusar del alcohol: “ Me emborrachaba porque me sentía insegura”. El matrimonio no aguantó y duró escasamente un año.

Tercer matrimonio

El tercer matrimonio fue con el conocidísimo Frank Sinatra. Fue todo un acontecimiento en el mundo del espectáculo. Después de un tormentoso noviazgo se casaron en Filadelfia (Pensilvania) en noviembre de 1951. Esta vez la novia cambiaba de look: lució un bonito vestido de novia muy de los años 50, con un cuerpo de escote halter adornado de picos hechos de tela  muy sensual. Y una falda de cintura alta con silueta A-Line confeccionada de tela semitransparente. Esta vez cambió la orquídea por un bouquet de bonitas flores blancas. 

Parece que ha encontrado al hombre se su vida. Pero no es así. La carrera de Frank está en declive y aparecen los celos tanto profesionales, como personales, las peleas son continuas, y el alcohol hace estragos entre ellos… El matrimonio se separa dos años después y se divorcian en 1957. Que  hubo amor entre ellos no hay duda, un amor mal entendido, pero se querían. La prueba de ello es que Frank siempre estuvo cerca de Ava en los momentos más difíciles de la actriz y cuidó económicamente de ella hasta su muerte.