Amatista: La piedra del mes de febrero

Hoy queremos hablaros de la amatista, que es la piedra natal del mes de febrero. Y, además, es la gema morada más popular del mundo. De hecho, hasta el siglo XVIII la amatista era una de las cinco piedras preciosas principales: diamante, esmeralda, rubí, zafiro y amatista. 

Aunque antes de 1912, las piedras que se asociaban a este mes eran la amatista pero también el circón y la perla. A día de hoy, es la amatista quien ha ganado la batalla, y es considerada y aceptada como la piedra natal de este mes. Pero no solo eso, sino que también está asociada astrológicamente con el signo Piscis (19 de febrero – 20 de marzo).

Amatista en la naturaleza.

Esta piedra se presenta en tonos primarios desde un lavanda claro o un violeta pálido hasta un morado intenso. La amatista puede exhibir uno o ambos tonos secundarios: el rojo y el azul. El púrpura contiene la energía y la fuerza del rojo, así como también la espiritualidad e integridad del azul.

Y luego esta el Ametrino, que es la mezcla de amatista y citrino con su típica tonalidad de color. Que por cierto, nos ha parecido maravillosa, y ya estamos poniendo el ojo en diseñar algún pendiente con esta preciosa variedad. ¿Os gustaría? 

Las amatistas de alta calidad se pueden encontrar en Siberia, Sri Lanka, Brasil, Uruguay y el Lejano Oriente. Podemos encontrar diferentes colores de amatista según el lugar donde proviene la piedra. Por ejemplo, la “amatista siberiana” (una de las más caras del mercado) es una variedad color púrpura muy intenso con destellos rojizos y azulados. En África, Brasil y Uruguay encontramos los yacimientos más importantes, y la tonalidad de la piedra más intensa. La “Rosa de Francia” posee un color lila pálido, muy común en el mundo de la joyería. 

La historia de la amatista

El nombre de amatista proviene del griego ​​AMETHYSTOS, que significa “no intoxicada” o “sobria”. ¿A qué se debe este nombre? Se dice que tiene este nombre por el color de la piedra. Un color que nos recuerda al del vino rebajado con agua, para limitar su poder embriagador y evitar los efectos negativos. 

Los griegos nombraron esta piedra con la antigua creencia de que al usarla, o al beber de una copa tallada con ella, los protegería de embriagarse. O que actuaría como un antídoto contra la intoxicación, posiblemente debido al parecido de color entre la amatista y el vino. Exactamente lo mismo sucedió con los Romanos que usaban copas talladas con ella por este mismo motivo. También se creía que mantenía la lucidez y el ingenio en los negocios y la batalla, y es por este motivo que los soldados de la Europa medieval usaban la piedra natal de febrero como un amuleto protector.

Pendientes Juliet Amatista

La piedra natal de febrero en diferentes culturas.

Mitologia Griega.

Cuenta la mitología griega que Dionisio, el dios griego del vino (conocido como Baco en la mitología romana), fue insultado por un mortal. En su ira, juró matar al siguiente mortal que se cruzase por su camino con una manada de tigres salvajes que él mismo crearía. Trágicamente, esa mortal fue Amethystos, una hermosa y joven doncella que se dirigía a rendirle tributo a Artemisa (la diosa de la cacería, la naturaleza, los animales salvajes, la luna y la castidad)

Parece que Artemisa sintió pena por Amethystos, por lo que la convirtió en una estatua de cuarzo cristalino puro. Para así protegerla de las garras de los tigres de Dionisio. Al ver la belleza de la estatua, Dionisio lloró lágrimas de vino, manchando el cuarzo, y dando así a la amatista su característico color púrpura. 

La era Romana.

En esta época, esta piedra fue asociada con Neptuno, así como con San Valentín, el santo del siglo III y modelo del amor cortesano. Que, como ya sabéis se celebra el 14 de este mismo mes. Se dice que San Valentín llevaba un anillo de amatista grabado con la imagen de Cupido. 

La tradición cristiana. 

En la tradición cristiana, la piedra natal de febrero (y el color púrpura) simbolizan la realeza y el clero, particularmente los obispos, quienes usan amatistas en sus anillos eclesiales para protegerse de intoxicaciones místicas. Además, las amatistas son conocidas por adornar las copas de vino del clero y la nobleza por igual, para protegerlos de la intoxicación alcohólica más común.

El antiguo egipto.

Para los egipcios, la amatista era conocida como hemag. Es mencionada en el Libro de los Muertos, donde dice que es tallada en amuletos en forma de corazón y colocada dentro de los sepulcros.

Oriente. 

​​En las filosofías orientales, la amatista se ha usado durante mucho tiempo en ofrendas en templos. Y para crear rosarios con cuentas. Aún a día de hoy, los tibetanos consideran la amatista como sagrada y tallan sus cuentas de oración con ella.

Pendientes Avim Amatista

Propiedades de la amatista.

Dicen que la amatista representa el talento artístico, la sensibilidad, el carisma, la audacia y el amor profundo. Aspectos característicos de los nacidos en febrero.

Se dice que es un tranquilizante natural, que calma la mente y ayuda a dormir y conseguir un sueño placentero. Esta piedra puede romper patrones de pensamiento ansiosos o adictivos. Su alta vibración bloquea las energías negativas y estresantes y estimula la serenidad de la mente.

Además, la piedra natal de febrero tiene una conexión con la convivencia. Se suele regalar en el 6º aniversario de bodas. 

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Esta es la preciosa piedra del mes de Febrero, el segundo mes del año, marcado por la celebración del día de los enamorados. Nosotras creemos que sería un precioso regalo, no solo para las nacidas este mes, también para celebrar el amor en pareja con un pequeño detalle sorpresa. O celebrar ese sexto aniversario de convivencia o relación, que siempre dicen que es tan significativo dentro del largo camino en el que seguro nos gustaría mantener nuestra relación.

Os dejamos algunos ejemplos de joyas realizadas con esta magnifica piedra que estamos seguras os van a sorprender. Si estás pensando en ampliar vuestra colección de joyas con una realizada con amatista, queremos recordarte cómo limpiar esta piedra. 

Puede limpiarse de manera segura, simple y efectiva con agua jabonosa tibia y un cepillo suave, como un cepillo de dientes. Con mucho cuidado y delicadeza. 

Pendientes Esparta Amatista
Pendientes Cecilo Amatista
Pendientes Charlotte Amatista

Damasquino: Diccionario Vintage con la «D»

El damasquinado – Artesanías de Toledo

Toledo es, sin duda, el centro mundial en la producción de artesanía damasquina, y el lugar en el que aún se pueden encontrar la mayor cantidad de comercios dedicados, casi por entero, a realizar y comercializar piezas con esta técnica milenaria, el damasquino.

El Damasquino, también conocido como «el oro toledano», se basa en la incrustación de metales nobles, tales como el oro y la plata, sobre otros más comunes, como el hierro y acero pavonado. Es una técnica que se utiliza para decorar no solo joyas sino multitud de objetos de diversos usos. La técnica suele heredarse de padres a hijos, generación tras generación.

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El proceso es muy lento y laborioso. Hay que dar forma a la pieza primero en hierro y posteriormente la pieza se marca con unos surcos, líneas y formas, para trazar el diseño deseado. Para después incrustar el hilo de oro o plata con un pequeño punzón.

Después, la pieza se introduce en el fuego, lo que provocará la oxidación del soporte y le dará el característico tono negro. Luego nos queda raspar, bruñir, pulir y rematar la pieza hasta que adquiera toda la belleza en las luces y las sombras de los diversos reflejos del metal.

En joyería es muy corriente encontrarlo en colgantes, pendientes, anillos y collares.

Imágenes de María Vintage Photography realizadas en Damasquinos A.Serrano- casa fundada en 1912.

Coral: Diccionario Vintage Con la «C».

El coral.

Según el diccionario de la real academia el coral es un celentéreo antozoo, del orden de los octocoralarios, que vive en colonias cuyos individuos están unidos entre sí por un polipero calcáreo y ramificado de color rojo o rosado.

Corallium Nobile.

Pero hoy nos vamos a centrar en el corallium nobile. La especie de coral más buscada por los grandes joyeros de la historia. Es el más exclusivo y preciado de todos. El desarrollo de estas colonias de coral es tremendamente lento. Su crecimiento oscila entre dos y cinco milímetros al año, de ahí el elevadísimo precio que alcanza. Y el hecho de que su captura esté restringida, ya que corre peligro de desaparecer.

Este coral se captura a mano y solamente las ramas más grandes son utilizadas en joyería, ya que hay que dejarlo crecer hasta que adquieren un buen tamaño. Se pesca en profundidades que varían desde los 30/50m hasta más de 150m.

El coral Nobile presenta un color generalmente rojo, con matices oscuros o de rojo vivo, y muy raramente puede presentar un color rosa pálido. El llamado “Coral Piel de Ángel” es el más preciado y especial.La palabra coral también se utiliza para nombrar toda esta gama de  colores.

Joyería.

Multitud de joyas de coral se han encontrado en antiguos enterramientos egipcios y prehistóricos. Contaba Plinio en sus escritos que los galos ya lo utilizaron para la ornamentación de sus armas, y que los romanos tenían por costumbre colgarlo alrededor del cuello de los niños para preservarles del peligro. Se consideraba que tenía muchas virtudes curativas ante mordeduras de serpientes y escorpiones. La creencia en el potencial de este material como amuleto continuó durante toda la Edad Media y hasta principios de siglo 20, y en Italia se sigue usando como una protección contra el mal de ojo, así como por las mujeres como una cura para la infertilidad.

Y allí en Italia es donde se encuentra la verdadera cuna de la artesanía y el tratamiento del coral. Concretamente en Torre del Greco (Italia), un pequeño pueblo que continúa con una tradición de hace más de dos siglos con la misma ilusión y tenacidad que les ha permitido resurgir de las nueve erupciones del Vesubio.

Debido a su suavidad y la opacidad, el coral se corta generalmente en cabujón o se usa para hacer cuentas.

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Mantenimiento del coral:

  • La única manera de limpiarlo en casa es frotarlo suavemente con un trapo de algodón seco o un ligeramente húmedo. Para limpiarlo un poco mejor se pueden usar jabones neutros y enjuagarlo enseguida, secándolo con mucho cuidado.
  • Si el coral perdiese su lucidez no queda más que entregarlo a personal cualificado para que lo haga lucir como antes.

Os dejo una colección de fotografías de joyas en corafflumnobile: pendientes, anillos, y alfiler de corbata… Para que aprecies mejor los distintos trabajos que pueden realizarse con este precioso material, y los tonos tan sublimes que nos brinda la naturaleza.

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Vintage by López-Linares

Como amantes del coral que somos, en nuestra tienda online podrás encontrar multitud de piezas de este material. Todas ellas realizadas a mano por maestros orfebres. Que realizan las piezas utilizando las mismas técnicas que se utilizaban en la antigūedad. Aquí te dejamos el link a nuestra tienda online.

La historia del árbol de Navidad

Pues nada, que ya tenemos aquí la Navidad.

Las calles de todas las ciudades del mundo se llenan de lucecitas de colores, arbolitos decorados y se respira un espíritu navideño allí por donde vayas. Todo huele a frio, abeto, muérdago y mazapán…

Yo tengo la costumbre de decorar mi casa todos los años en este puente de diciembre. Cuando mis hijos eran pequeños solíamos ir a la Plaza Mayor, lugar en el que todos los años comprábamos una figurita nueva para el belén. Era una tradición. Tengo un belén de cerámica desde que era pequeña que he ido completando año a año con unas figuritas muy graciosas, con una carita muy entrañable que a mí me han encantado desde niña. Soy una sentimental, lo reconozco…

También decoramos el árbol. Hace muchos años invertí en un árbol precioso, totalmente artificial. Reconozco que no hay nada como un árbol natural, pero me da dolor solo pensar en cortar un pino para ponerlo en mi recibidor, viendo cómo cada día pierde un montón de hojas a causa de la calefacción. Durante un par de años compré un árbol con maceta para replantarlo en la casa de la Sierra al terminar las fiestas, pero ninguno consiguió sobrevivir más de unos meses. En cuanto llegaba el calor todos se secaron. Al final, cada año saco mi árbol artificial y lo decoro sin remordimiento de ningún tipo.

Este año me ha dado por ponerlo de lo más tradicional: rojo y verde son mis colores elegidos. Quería recordar mis navidades de pequeña y esos tonos son lo que más me recuerdan a estas fechas.

No sé por qué me picó la  curiosidad mientras lo montaba: ¿alguien sabe de dónde viene esta tradición?, ¿cuándo se montó el primer árbol de Navidad en España?

Pues la tradición viene del norte de Europa, más concretamente de la Alemania del S.XVII. Desde allí paso a Finlandia y a los países nórdicos. A Estados Unidos llegó a finales del S.XVII, llevado por los alemanes hessianos durante la guerra contra George Washington.

A Inglaterra llegaba a mediados del S.XIX, y parece que el primer árbol lo vieron en el Castillo de  Windsor en 1841, bajo el reinado de la Reina Victoria.

Nosotros vimos un árbol de Navidad por primera vez gracias a una aristócrata rusa que trajo consigo la tradición a España: Sofía Troubetzkoy, que después de enviudar del duque de Morny, hermanastro de Napoleón III, contrajo segundas nupcias con el aristócrata español Pepe Osorio, el Gran Duque de Sesto y Marqués de Alcañices, uno de los mayores promotores de la Restauración borbónica que permitió a Alfonso XII reinar, tras el exilio de su madre Isabel II.

Parece ser que la primera vez que se colocó un árbol navideño en España fue en Madrid, durante las navidades del año 1870, en el desaparecido palacio de dichos nobles: el palacio de Alcañices, ubicado en el Paseo del Prado esquina con la calle de Alcalá, 4, en el solar actualmente ocupado por el Banco de España.

Sofía Troubetzkoy era una mujer de enorme belleza, que todo lo que hacía o se ponía se convertía en moda al instante. Trajo esa tradición consigo y decoró su palacio para envidia y deleite de toda la aristocracia española de la época, siendo imitada por todas las damas que querían ser tan modernas y chic como ella.

Pues aquí me tenéis a mí… imitando a Sofía Troubetzkoy. Este fin de semana me he sentido como una autentica aristócrata, decorando mi hogar con todos los detalles navideños que hacen que cada uno de los hogares en el mundo sientan el calor de estas fechas de rencuentro, ilusiones y deseos compartidos.

¡Os deseo unas felices fiestas a todos!

Diccionario Vintage: Con la «G» El Arte de la Glíptica.

 

Glíptica es el arte de realizar grabados en general y de tallar gemas en particular. La palabra glíptica viene del griego “Glifo”, que significa esculpir.

Para hacer este  trabajo se usan dos técnicas diferentes: una es el “intaglio” que se graba en hueco, profundizando en la piedra desde la superficie hacia el interior, y la otra es el “camafeo”, cuya talla es en relieve. Con esta técnica del camafeo, el resultado es una figura grabada en relieve sobre una piedra preciosa, cuyo fondo, casi siempre, es más oscuro que el motivo grabado.

Es una técnica antiquísima que han practicado casi todas las civilizaciones antiguas. Se tienen noticias de su uso en Babilonia 7000 a.C., encontrándose numerosos grabados en piedras blandas como la serpentina, lapislázuli o las turquesas.

anillo akenaton XIII aC

Los egipcios también usaron esta técnica en anillos y joyas, que al principio eran muy rudimentarias. Más tarde, a partir de 1500 a.C,  se perfeccionó la técnica gracias al uso de la  broca y el torno, comenzándose a  tallar en piedras más duras como el rubí o el zafiro.

A partir de 500 a.C., Grecia y Roma también utilizaron mucho esta técnica de tallado, apareciendo el camafeo jugando con las formas, los colores y las transparencias de las piedras. Los griegos buscaban la pureza de las formas y sus contrastes, y los romanos buscaban más hacer resaltar las transparencias y los tonos de las piedras.

Después del imperio romano este arte casi desaparece, y será  a partir del  siglo VIII cuando los carolingios volverán a emplear esta tecnica en sus anillos tipo sello, con el tallado de emblemas y escudos familiares, que luego se extenderá su uso durante toda la edad media.

anillo egipcio XVIII aC

Es en el Renacimiento, XV-XVII, cuando este arte alcanza su máximo eslendor, siendo Paris el centro y seguido por Italia.

Mas adelante, será en las épocas Victoriana y Eduardiana cuando el camafeo tenga su mayor florecimiento, combinándose con piedras preciosas, plata y oro, obteniéndose verdaderas obras de arte.

En la actualidad se utilizan para el tallado toda clase de piedras, predominando entre todas la ágata por su  variedad de tonos. Idar Oberstein ( Alemania), donde se encuentran grandes minas de ágata, se ha convertido en uno de los centros de tallado más importante de Europa.

Imágenes:

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Joaquin Cabot Y Robira

Nació en Mataró (Barcelona) en 1861. Hijo del platero Francisco Cabot y Ferrer, dirigió desde muy joven el taller familiar. Muy joven se decide a abrir su propia joyería y para ello elige uno de los barrios con más tradición en el arte de la platería de Barcelona, el número 35 de la calle Platerías.

En 1899, y dado que el negocio no le iba nada mal, decide trasladarse al número 21 de la misma calle, un local más grande y espacioso que le permite seguir creciendo e incorporar a sus hijos Francisco, Emilio y Joaquín al negocio familiar.

Juntos crearon importantes piezas de joyería, de orfebrería civil y religiosa. Para algunas de las piezas de orfebrería contaron con la colaboración de escultores del momento. Entre las obras de orfebrería civil están: la copa de Challenguer, un vaso de plata repujado, y las mazas y el toisón de plata de los maceros del ayuntamiento de Barcelona.

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En 1905 abrió otra nueva sucursal, esta vez en plaza de Cataluña. En estos años Joaquín ya era considerado uno de los más eminentes hombres de la ciudad de Barcelona. Además de joyero y orfebre se convirtió en financiero, escultor, escritor y político, llegando a ser, entre otros muchos cargos, Presidente de la Cámara de Comercio y Navegación, Presidente de la Feria de Muestras de Barcelona, Presidente del Orfeo Catalán, Director y fundador del Banco de Comercio, Diputado provincial y Director fundador del periódico la Voz de Cataluña.

En 1931 la firma participó en diferentes exposiciones, obteniendo diversos galardones como el Gran Diploma de Honor y la Medalla de Oro del arte litúrgico. Gran parte de la producción de Joaquín Cabot era de carácter litúrgico y religioso, encargados mayoritariamente para el Monasterio de Montserrat: corona y cetro de la Virgen, cáliz y candelabros. También hizo la corona  de la Virgen de Queralt y el báculo del obispo de Gerona.

En el año 1946, Joaquín se retira del negocio y muere en 1951.

Imágenes:

Labarcelonadeantes

Casallotja.com

 

 

Frederick Boucheron

Una firma de joyeros franceses fundada en 1858 por Frederick Boucheron.

Frederic nace en 1830 dentro de una familia de pañeros francesa. Desde muy joven

quiso ser joyero y a la edad de catorce años ya  trabaja como aprendiz con el joyero Jules Chaise y  más tarde con el joyero Tixiar Deschamps.

Era el año 1858 Paris se encuentra en pleno florecimiento tras las desgracias del la primera mitad del siglo XIX; sus avenidas y bulevares se ensanchan, el teatro, la ópera  y los caros restaurantes, se llenan de una alta sociedad  que está deseosa lucirse, y disfrutar del lujo. Boucherón  con un gran sentido comercial,  abre su primera tienda en la galería de Valois del Palacio Real , donde pronto  crea su propio taller y atrae la atención con sus diseños, cosechando un éxito inmediato.

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Frederic  en sus creaciones se inspira en el arte etrusco, romano y egipcio dándoles un estilo muy especial. Sus escaparates son realmente muy diferentes a los de las otras joyerías. Boucherón consigue crear moda y los encargos llueven en su taller.

Su gran amor por la naturaleza le inspiraba en sus obras de tal manera, que flores de cardo, hojas de plátano, ramos de flores se convierten en  fantásticas gargantillas y collares…. Fue el primero que lanza al mercado  maravillosas joyas  realizadas con la técnica de esmaltado “plique-a-jour”, tan utilizada años más tarde en el Art Nouveau.

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En 1867 es galardonado con  la medalla de oro en la Exposición Universal de París,  y de 1878, recibe también entre otros muchos premios, el diploma de Honor en Viena.

En 1880 lanza el reloj de pulsera  para mujer, convirtiéndose  desde entonces en un  icono de la marca.  En 1893  se instala de forma definitiva, en la Place du Vendome. Es el primer joyero de Paris que se establece en esta Paza, la cual desde entonces se convierte en el epicentro del lujo parisino.

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Frederick se convierte en el joyero de moda de todas las bodas fastuosas de la época; novios, novias y asistentes son engalanados con las creaciones de Frederick Boucheron. En estos años finales de siglo, en pleno apogeo del Art Nouveau , Boucheron lanza una fantástica colección de piezas inspiradas en animales: serpientes con ojos de rubíes, tortugas con caparazón de cuarzo rosa, camaleones con la piel repleta de piedras preciosas.  El zar de Rusia, Nicolass II encarga a Boucherón una corona como regalo de compromiso para su futura esposa Alexandra, y es tal el éxito de la corona, que pronto ha de abrir una tienda en Rusia para atender la demanda de pedidos que se producen. En Paris  pasan por su tienda toda clase de altas personalidades , tanto de la realeza, como actores de cine, teatro, políticos  etc..

Frederick Boucheron muere en 1902, y es su hijo Louis Boucheron quien se hace cargo del negocio, que  al año siguiente, abre tiendas en Nueva York y Londres. Louis con buen instinto comercial sabe atender la demanda que en ese momento existe en la alta sociedad por todo lo exótico y oriental, y crea colecciones de joyas evocando esos países, llenando sus creaciones de gran colorido ganándose  por ello el  título de “ el joyero de las mil y una noches”.

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Podemos decir que Boucheron es el creador de la feminidad en la joyería. Con sus creaciones conquista y sigue conquistando a las mujeres de todo el mundo.

Imágenes y Bibliografía:

http://eu.boucheron.com/en_eu/

 

 

 

 

Domenico Ghirlandaio y su Madona in Trono

Un increíble broche de lapislázuli y perlas abre nuestra temporada de joyas históricas este otoño.

La joya fue pintada por Doménico Ghirlandaio entre 1884 y 1486, para decorar  el altar mayor de la Iglesia de San Justo de Florencia. Se trata de una pintura al temple sobre tabla, con un  tamaño de  190 x 200 cm. Esta iglesia, que estaba en extramuros, fue destruida durante el asedio en 1529 de las tropas imperiales españolas a la ciudad. Pero gracias a la intervención de los frailes del convento de San Giovanni Battista della  Calza, la tabla ha podido llegar hasta nuestros días.

Ellos la rescataron y la mantuvieron a buen recaudo, hasta que en 1853 pasó a la Galeria de los Uffizi donde hoy podemos disfrutar de ella.

La obra es una “Sacra Conversazione” (Sagrada Conversación)”, nombre que se le da este género pictórico, muy habitual en la pintura religiosa flamenca y en el renacimiento italiano. La Virgen con el Niño está sobre un trono rodeada de santos, con los cuales mantiene una “conversación” o una relación relajada. Es una composición piramidal, llena de armonía y equilibrio, tanto en los volúmenes como en los colores, que Doménico mezcla magistralmente.

Es una obra típica de Ghirlandaio. Una demostración de su detallismo, que podemos apreciar en detalles como los mantos de los dos obispos, la alfombre, el friso de la arquitectura que rodea al trono de la Virgen o las rosetas que adornan la parte interna de la bóveda del trono. Y, por supuesto, en nuestro precioso broche de lapislázuli y perlas.

Cuando miras el cuadro, es inevitable que el primer sitio adonde se vayan los ojos sea a la Virgen con el Niño. Y, en mi caso, por supuesto, al precioso broche que lleva la Virgen.

Mi deformación profesional me lleva a examinar al detalle todas las joyas que encuentro en cada una de las exposiciones que visito, o en las numerosas horas que paso navegando por Internet en busca de alguna pieza que llame realmente mi atención.

La Virgen y el Niño son los personajes principales, no dándonos casi cuenta de que Doménico los pinta en un tamaño un poco mayor. Pero es tanta la armonía con los demás que apenas se aprecia. También nosotras hemos realizado el broche de un tamaño un poco mayor a lo que solemos hacer, para de esta manera continuar un poco con la idea que tenía el artista de darle más importancia al personaje de la Virgen.

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La Virgen Maria también lleva sobre sus hombros un manto donde, a la derecha, se ve una estrella dorada, antiguo símbolo de la Gracia Divina, es la “llena de gracia”. La Virgen, sentada en su trono, lleva sobre sus rodillas al Niño Jesús, que con la mirada trata de entablar relación con los dos obispos.

Los obispos que acompañan a la virgen son San Zenobio, obispo y patrón de la ciudad de Florencia, y San Justo, titular de la iglesia. Hay otras dos figuras destacadas a cada lado de la Virgen, son  dos arcángeles: el que está a la derecha de María es el arcángel San Miguel, vestido de guerrero con una magnifica armadura y espada, es el príncipe de la milicia celestial, el defensor del pueblo de Dios contra el demonio, el que vence a Lucifer y a sus seguidores con su espada de fuego. Ghirlandaio logra dar a la armadura un efecto perfecto, metálico y dorado, en sus adornos.

En el lado derecho se encuentra el arcángel San Gabriel con una rama de lirio en la mano. Es el arcángel mensajero de Dios, que anuncia a María que va a ser la Madre. A este arcángel siempre se le representa con el lirio que simboliza la pereza, la virginidad, la inocencia, el amor y la armonía, cualidades que poseen la Virgen y el arcángel.

Detrás de los arcángeles hay cuatro ángeles y detrás del trono unos árboles simbólicos: el naranjo con sus frutos simbolizando la fertilidad y la pureza; el granado que simboliza la realeza y los cipreses que simbolizan la inmortalidad y la santidad.

Sin lugar a dudas una magnífica obra que me encantaría ver de primera mano de nuevo. De momento, por si no la habéis visto, os dejo unas cuantas fotografías para que aprecies mejor el detalle y, por supuesto, una foto del broche del que os he hablado.

Espero que os guste mi joya histórica de este mes de septiembre.

 

Marie Grafin zu Munster

Marie Grafin, condesa de Munster, fue la hija del diplomático George zu Munster, embajador del reino de Hannover en San Petersburgo entre 1857 y 1865, y años más tarde embajador del reino Alemán en Londres e Inglaterra.

Maríe vivió siempre al lado de su padre y lo acompañó durante toda su carrera política. Mujer por lo tanto de culta refinada y muy acostumbrada a las relaciones sociales. Henry Buon Hente así la representa en este oleo pintado en 1890. Marie lleva un vestido negro brocado de tarde-noche, abrazando a su  mascota Dandy, quedando de este modo reflejado el lado cálido y tierno de la condesa.

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Es un vestido muy de la época de finales del siglo XIX. El cuerpo ceñido lleva escote en V, adornado por  un grupo de insectos dorados que cruzan en diagonal el pecho. El escote queda realzado por unas bandas delgadas de tela transparente que pueden  ser de tul o de  gasa  negra, las cuales dan un toque muy glamuroso al vestido. Las mangas casquillo reposan sobre la parte alta de sus largos brazos desnudos, y el cinturón  con el broche dorado posiblemente a juego con los peinecillos de la cabeza hace resaltar la figura esbelta y delgada de Marie. En su escote luce una pequeña colección de brochecitos en forma de insectos.

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Como mujer joven que era no lleva demasiadas joyas y sus cabellos rizados los recoge en un moño alto, al cual rodea con una cinta negra adornada con unos sencillos detalles dorados.

Es una bella imagen de una gran dama de finales del siglo XIX, que ocupa nuestro espacio Vintage en este mes de julio.

Ansorena prestigio y clase desde hace más de 100 años.

Celestino Ansorena deja Álava, su ciudad natal, a finales de los años 30 y se instala en Madrid, donde empieza a abrirse camino como joyero en su taller joyería de la calle Espoz y Mina. Será muy pronto cuando, gracias a su gran maestría como joyero, realizará su primer encargo importante: la reina Isabel II encarga una tiara papal para el Papa Pio XIX con motivo de la proclamación de la Inmaculada Concepción.  Tras este primer encargo para la casa real, se producen muchos más de la alta sociedad madrileña, como un brazalete para la viuda del general Diego de los Ríos, una espada para el general Martínez Campos, infinidad de condecoraciones oficiales y los popularmente apodados “lazos de dama”.

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En 1860 Celestino Ansorena es nombrado “joyero y diamantero de la Real Casa“. El rey Alfonso XII encarga en Ansorena la diadema que lucirá en su boda su esposa María de las Mercedes.

En el año 1896 muere Celestino y sus descendientes se hacen cargo del negocio, continuando con la gran trayectoria de Celestino. En 1905 se encarga a los talleres de Ansorena una espectacular corona para la Virgen del Pilar, empleando para su creación joyas procedentes de miles de familias españolas. Para su elaboración intervinieron 33 artesanos joyeros y se tardaron 44 días en terminarla.

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A partir de este encargo comienza para Ansorena una época de gran prestigio y producción, Además de la Casa Real, toda la alta sociedad madrileña luce creaciones de casa Ansorena. En 1912 recibe casa Ansorena el nombramiento de “Proveedores de la Real Casa, “como reconocimiento a su brillante labor en el arte de la joyería.

Alfonso XIII encargará la tiara de brillantes que lucirá su esposa Victoria Eugenia el día de su boda, apodada “la buena”.  El taller de la calle Espoz y Mina se cierra y se traslada a la calle Alcalá, donde actualmente se  encuentra. La reina Victoria Eugenia, amante de las joyas, se convertirá en una asidua clienta de la casa Ansorena.

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De Ansorena es el collar famoso “de chatones” que el Rey Alfonso XIII regala a la reina Victoria Eugenia, al cual irá aumentando con dos diamantes en cada aniversario, cumpleaños, nacimiento de un hijo, … Llegando el collar a poder dar dos vueltas.

Con la guerra civil española la joyeria interrumpe sus producciones y cierra la tienda. Será en 1940 cuando los descendientes de Celestino Ansorena abran de nuevo los talleres, continuando hasta el día de hoy en que sigue siendo una de las joyerias mas significativas de Madrid. De Ansorena es la tiara “flor de lys” que el rey Felipe VI regaló a Doña Letizia con motivo de su boda.

Bibliografia:

@Wikipedia

@Ansorena

Imágenes:

@Ansorena

Centenarios Madrid