Gertrude Margaret: La desconocida amiga de Lawrence de Arabia

Gertrude Margaret Lowthian Bell, la desconocida amiga de Lawrence de Arabia, nació el 14 de julio de 1868  en el condado inglés de Durham. Fue la primera hija del matrimonio formado por Sir Hug Bell y Mary Shield. La familia Bell era la sexta fortuna de Inglaterra. 

Gertrude fue conocida por ser una gran escritora, viajera, política, administradora y arqueóloga que exploró, cartografió y se volvió muy reputada en la formulación de políticas imperiales británicas debido a su conocimiento y contactos, acumulados a través de extensos viajes en Siria-Palestina, Mesopotamia, Asia Menor y Arabia. 

Pero, ¿cómo fue la infancia de esta reputada mujer?

La infancia de Gertrude quedó marcada cuando, a los 3 años de edad, quedó huérfana de madre. Mary Shiel murió dando a luz a su hijo. Por este motivo, Gertrude y su padre tuvieron una relación muy cercana y especial. A los cuatro años, el señor Hug volvió a casarse con una mujer llamada Florence. Esta tenía 24 años y era una amante de los libros, tanto así que tenía como afición escribir cuentos. Florence y Gertrude se encariñaron enseguida y siempre tuvieron una muy buena relación. 

La niña fue educada en casa. Su padre fue muy consciente del talento de Gertrude y quiso que estudiara en una de las mejores universidades. Por ello, cuando cumplio los diecisiete anos este la envió a estudiar a la prestigiosa universidad Queens College de Londres. En la universidad destacó entre todas las alumnas y sus profesores eran conscientes de la valía de Gertrude. Uno de ellos aconsejo a Hug que su hija continuase sus estudios en la Universidad de Oxford. Gertrude, en ese momento, se convirtió en la segunda mujer en aprobar los exámenes de grado en Inglaterra. 

La vida adulta de Gertrude

A los 20 años, Gertrude seguía soltera. A pesar de que a ella era algo que no le preocupaba lo más mínimo, era una situación extraña a ojos de la sociedad de la época. Llegó un punto en el que se sentía presionada y decidió salir de Inglaterra e ir a visitar a unos familiares suyos que trabajaban en la embajada británica de Teherán. Este viaje le cambió la vida. Afloró su espíritu aventurero y se aficionó a la arqueología. Además, en la misma embajada conoció a Henry Cadogan, un hombre apuesto, culto e inteligente. Ambos se enamoraron y tenían planes de casarse y tener un futuro juntos. Pero Hug, al conocer que Henry no poseía ninguna fortuna, no aprobó el matrimonio y la relación entre ambos terminó. 

En 1894, volvió a Inglaterra y comenzó a escribir su primer libro. En él relataba sus vivencias, acompañado de fotos y escritos que ella misma hizo durante los mismos.

Los apasionantes viajes de Gertrude y cuándo conoce a Lawrence de Arabia

En 1899, Gertrude decide volver a Oriente. Esta vez quería realizar un viaje por el desierto. Viajo con arqueólogos británicos, con los que compartía momentos y vivencias. Convivio con los jefes de las tribus nómadas de Egipto y compartía momentos con las mujeres de los harenes árabes. 

Entre 1900 y 1918, Gertrude viaja por Europa. Incluso, llegó a dar la vuelta al mundo en dos ocasiones, inmortalizando todo en su cámara Kodak. Ella siempre viajó lujosamente, con multitud de maletas transportadas por camellos. Pasó varios años viviendo en Turquía, donde seguía dedicándose a la arqueología. En una de sus expediciones conoce a Lawrence de Arabia y establecen una importante relación de amistad. En estos años en Turquía, Gertrude también conoce y se enamora de Charles Doughty-Wylie, un veterano de guerra. Por desgracia, muere en el desembarco de Galípoli en 1915, suceso que afectó mucho a  Gertrude y le hizo caer en una depresión. 

Su vida en la política.

Tras la Guerra Mundial, el gobierno britanico necesitaba una persona que conozca bien la zona de Turquía, el idioma, las costumbres e, incluso a los propios jefes tribales. Gertrude conocía todo eso de sobra: era la candidata perfecta. Comenzó a trabajar en el servicio de inteligencia britanico, convirtiéndose a su vez en la primera mujer en trabajar allí. Ella trabajó a las órdenes del presidente Winston Churchill, y fue la única mujer en participar en la Conferencia del Cairo de 1921. 

Gertrude desarrolló un trabajo importantísimo. Fue ella misma quien redactó las leyes fundamentales de Irak. Además, se encargó de estudiar el terreno para poder delimitar las fronteras del país.

El final de su vida.

Cuando Gertrude se retiró de la política, su padre ya había fallecido. Y ella, no tenía pareja. Se comenzó a sentir muy sola y bastante triste por su situación. El 11 de julio de 1926 escribió una nota a un amigo suyo pidiéndole que cuidara de su perro. Al día siguiente, la encontraron muerta en la cama de su residencia de Bagdad. Nunca se confirmo oficialmente que su muerte fuera un suicidio. A Gertrude se la despidió con honores militares y su cuerpo descansa en el cementerio cristiano de Bagdad. 

Bibliografía:

http://www.mujeresenlahistoria.com

http://www.elcorreo.com/

https://www.wikipedia.org/

Camafeo: una joya que perdura en el tiempo…

Siempre me llamaron la atención esas pálidas caritas mostrando su relieve sobre una concha de color almendrado. Pero no fue hasta que me casé y mi suegra me regaló un increíble juego de pendientes y broche, perteneciente a su familia desde 1860, cuando pude realmente apreciar en mi mano la belleza de estas piezas. Este juego había pasado por más de cinco generaciones de mujeres. Y llegaba ahora a mis manos ante mi sorpresa y emoción. Tenía mi primer camafeo.

¡Me resultaba tan curioso que las caritas de los pendientes se miraran la una a la otra! Me preguntaba cuál sería su origen. O cómo era posible que una técnica tan antigua siguiera llamando la atención de tantas mujeres a lo largo de la historia. A mí personalmente me entusiasman.

¿Os habéis preguntado en alguna ocasión dónde aparecieron los camafeos por primera vez o cómo están realizados? Estas son algunas de las preguntas que yo me hice cuando tuve esas piezas en mis manos.

¿Qué es un camafeo?

Un camafeo según el diccionario es, sencillamente, “el relieve obtenido al tallar una piedra preciosa”. Los hay realizados en ónice, ópalo, ágata, concha, rubí, esmeralda… El trabajo de tallado de estas piezas está realizado por lapidarios especialistas en el arte de aislar las capas del material base, a partir de un diseño dibujado previamente.
Pero para mí es mucho más que eso. Es sorprendente pensar que el procedimiento con que se fabrican era ya utilizado por los antiguos griegos. Que, a su vez, lo habían tomado de los persas durante las incursiones realizadas por sus ejércitos comandados por Alejandro Magno.

La técnica posteriormente llegó hasta los romanos, los cuales la utilizaron para decoración y joyería. Claro que encontrar una pieza de esta época es muy raro, pues sólo aparecen en subastas muy especializadas. Sabemos que por entonces era frecuente que los nobles llevaran anillos con camafeos. Realizados en esmeraldas y rubíes de un tamaño no muy grande. Y también tenemos constancia de que los emperadores romanos los usaban frecuentemente como insignias en su ropaje. ¿Os imagináis a Octavio Augusto, con su toga imperial luciendo un camafeo de ágata…? ¡Increíble!, ¿verdad?

La evolución de los camafeos

A finales del S. II d. C. esta moda desapareció. Pasando muchos años hasta que esta técnica volvió a relucir en el Renacimiento italiano de la mano de los grandes coleccionistas de la época, como Lorenzo De Medici. Su influencia llegó hasta la corte francesa, donde Francisco I lució en numerosas ocasiones piezas de este tipo. Y, por supuesto, a Inglaterra donde Enrique VIII, en su pasión por este tipo de joyas, creó su propio taller para su realización.

Durante este periodo fue frecuente que se buscaran piezas antiguas de época romana para transformarlas y convertirlas en joyas más a la moda del momento. Al estar las piezas romanas montadas sobre bases de oro muy sencillas, se solían desmontar para volver a utilizarlas en broches más grandes. Montándolos sobre bases de oro con piedras preciosas para decorar capas de terciopelo, sombreros o lucir en el escote de alguna gran dama de la corte.

Nuevos materiales para los camafeos

A raíz del descubrimiento de América entraron en Europa gran cantidad de nuevos materiales más exóticos para la realización de dichas piezas. Por ejemplo colmillos, jade, ámbar o caparazones gigantes. Pero el descubrimiento más importante para esta industria fue el de la concha Cassis tuberosa. Estas conchas eran muy adecuadas para este trabajo ya que se componían de capas de distintas tonalidades de color. Lo que permitía dar a los relieves una profundidad y trasparencia desconocidas hasta el momento. La técnica se desarrolló en Italia, concretamente en Sicilia. Pero de ahí pasó rápidamente a la zona de Nápoles, extendiéndose pronto al resto del país. En pocos años muchos artistas italianos comenzaron a trabajar en Francia e Inglaterra, difundiéndose rápidamente esta práctica por toda Europa durante los siglos XVI y XVII.

En la época napoleónica los camafeos se decoraban principalmente con elementos neoclásicos. Siendo muy frecuente que mostraran temas mitológicos o representaran a filósofos, emperadores o a nobles y personajes del clero de la época romana. Los marcos de alrededor, normalmente de oro, eran de una finura de ejecución y detalle excepcionales, conocidos como roman seal setting. Estos camafeos eran frecuentemente montados como pulseras, con 3 ó 4 colgantitos, siendo conocidos como “esclavas”.

Popularización del camafeo

La fama de los camafeos se extendió hasta las clases sociales más populares. Gracias a que la “concha” era un material mucho más barato que los utilizados hasta ese momento. Lo que popularizó su uso y producción, limitando el privilegio de llevar los camafeos de piedras preciosas a la alta sociedad.

De esta época es una de las tiaras para mí más bellas de la realeza europea: “La tiara de Josefina Bonaparte”. La cual hace muy poco hemos podido ver lucir a la princesa Victoria de Suecia el día de su boda. Una pieza espectacular, con pendientes a juego, que ella lució con una sencillez y elegancia asombrosas.

Y así llegamos hasta el S. XIX. De esta época es de la que más constancia y herencia nos han quedado ya que proliferaron numerosos talleres. Tanto en Italia como en Francia e Inglaterra, para la realización de camafeos en “concha”. Aunque también se utilizaron materiales como el ónix, lapislázuli, coral, ágata o marfil. Estos en menor medida ya que eran más caros.

Durante el primer periodo victoriano y la época romántica se hicieron muy famosos los camafeos de Minerva, Medusa y Bacchante.

Durante el S. XX proliferaron los camafeos de pasta y cristal. También fue muy corriente en esta época la realización de camafeos en oro bajo de 9 kilates o en plata con marquesitas.

En la actualidad podemos encontrar camafeos realizados en pasta y cristal montados sobre plata con marquesitas. Pero los más antiguos siguen teniendo un encanto muy especial.

El camafeo, una joya que perdura en el tiempo…

 

Camelia de Coco Chanel: La historia detrás de este icono

Hoy os vamos a contar la historia detrás de la famosa Camelia de Coco Chanel. El gran icono de la marca. La realidad es que, Coco Chanel jamás quiso contar la razón por la cual decidió que el icono de su marca sería una camelia. Pero si partimos de algunos datos reales de su vida, quizá podamos hacer alguna suposición. 

Gabrielle Bonheur, conocida como “Coco” Chanel nació en Francia el 19 de agosto de 1883. Fue una conocidísima diseñadora de moda y empresaria francesa. Gabrielle fue la fundadora y homónima de la marca Chanel. En la era posterior a la Primera Guerra Mundial, se le atribuye la popularización del estilo deportivo, informal y chic como nuevo estandar femenino. Este reemplazó la “silueta encorsetada” que dominaba en las épocas anteriores. 

La camelia de Coco Chanel

Coco Chanel, desde muy joven fue muy aficionada a la literatura, en concreto a la novela. Se sabe que la novela de Alexandre Dumas, La Dame aux Camélias (La dama de las camelias), resonó en la joven diseñadora desde su juventud. En la novela, la flor estaba asociada con la cortesana, que usaba una camelia para anunciar su disponibilidad. Desde ese entonces, la camelia se convirtió en su flor favorita. Coco Chanel utilizó la camelia por primera en 1933, como elemento decorativo en un traje negro con adornos blancos. A partir de entonces, la camelia llegó a identificarse con La Casa de Chanel.

Pero, ¿qué significado tienen las camelias?

Las camelias son originarias del este y sureste de Asia, y son muy veneradas en esa región. Entre otros motivos, por la perfecta simetría de la flor, relacionada con la belleza. En países como Corea simbolizan la longevidad y fidelidad. Por lo que son utilizadas en bodas y casamientos. En Occidente, sin embargo, simbolizan el deseo, la pasión y el refinamiento. Estos son algunos de los rasgos que se cree que atrajeron a Chanel a esta icónica flor. 

Imagen: Chanel

La Camelia de Chanel a lo largo de los años. 

Desde que Coco Chanel se dio cuenta de que su flor favorita se identificaba tan perfectamente con sus diseños, comenzó a utilizarla. Se fabricaba, y se fabrica, manualmente en la Maison Lemarie. Encajando pétalo a pétalo para formar la camelia perfecta. Y, a día de hoy, no se ha dejado de hacer. La camelia es un motivo que aparece en embalajes, bolsos, prendas de vestir, joyas y zapatos. Es curioso que, en ocasiones, la camelia está oculta. Por ejemplo, en botones grabados en chaquetas y camisas. Nos encanta la forma en que siempre se reinterpreta el toque personal de Coco.

Las camelias se pueden encontrar en una variedad de colores. Pero la pureza de la camelia blanca es la que se asocia más comúnmente con la casa de Chanel. 

 El legado de Coco Chanel

Aunque Chanel fue vista como una figura prominente de la moda de lujo durante su vida, la influencia de Chanel se ha examinado más a fondo después de su muerte en 1971.

Los adornos, el alboroto y las limitaciones que soportaron las generaciones anteriores de mujeres estaban ahora obsoletas. Bajo su influencia, desaparecieron las “aigrettes”, el pelo largo, las faldas ceñidas… Su estética de diseño redefinió a la mujer de moda en la era posterior a la Primera Guerra Mundial. El aspecto característico de Chanel era de una facilidad juvenil, un físico liberado y una confianza deportiva sin trabas.

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Y a ti, ¿te gustan las camelias? ¿Conocías la historia detrás de la tan famosa camelia de Coco Chanel? Nos encantará que nos cuentes si conocías la historia y cuál es tu flor favorita.

Aquí te dejamos el video oficial de Chanel sobre la coleccion Camelia para que lo puedas ver, te va a encantar!

Bibliografía:

https://inside.chanel.com

https://ledressingmonaco/

https://en.wikipedia.org/

Natalie Wood: Las bodas y trajes de novia de Natalie Wood

Natalie Wood (nacida  con el nombre de Natalia Nikolaevna Zakharenko), nació el 20 de julio de 1938 en San Francisco, California. Sus padres eran inmigrantes rusos que huyeron a Montreal tras la Guerra Civil Rusa, y años más tarde se mudaron a vivir a San Francisco. Natalie fue una conocidísima actriz estadounidense que comenzó su carrera en el cine como actriz infantil con tan solo 4 años de edad. Obtuvo numerosos papeles a lo largo de su vida como intérprete, y gracias a varios de ellos se le otorgaron grandes y reconocidos premios. Por su gran trabajo en el cine recibió cuatro Globos de Oro y tres nominaciones al Premio de la Academia.

Hoy queremos hablaros de las bodas de Natalie Wood. Natalie se casó varias veces a lo largo de su vida. Las más publicitadas y conocidas fueron con el actor Robert Wagner. 

Imagen: biography.com/

El primer matrimonio de Natalie Wood

En 1957, y pese a la oposición de su madre, Natalie se casó con el actor Robert Wagner, al que adoraba desde niña. Él tenía 26 años y ella 18. El 28 de diciembre la pareja se casó en una íntima ceremonia en la iglesia metodista de Fenix, California. Ella lució un vestido de cocktail blanco-té con un tocado de encaje en forma de capela que le cubría los hombros y la cabeza. Además, llevaba los brazos cubiertos por unos elegantes guantes largos que le cubrían hasta el codo. El 20 de junio de 1961, la pareja anunció su separación en un comunicado de prensa conjunto. Los rumores de infidelidades, los viajes, y las separaciones por motivos de rodajes  acabaron por separarlos. El divorció se hizo efectivo diez meses después, el 27 de abril de 1962.

Su segundo matrimonio.

Unos años después, en 1969, Natalie se volvió a casar en la ciudad de Los Ángeles. Esta vez con Richard Gregson, un agente britanico, productor de cine y guionista recién divorciado con el que llevaba saliendo tres años. En esta ocasion, Natalie eligio un vestido de tela brocada amarillo palido con corte recto. Sobre el vestido, lucía una preciosa túnica a modo de abrigo. En la cabeza, llevaba una espectacular diadema de flores y cintas que le daban a su look un toque hippie. Con Richard tuvo una hija, a la que llamaron Natasha. Pero las infidelidades y el alcohol hicieron que la convivencia se rompiera y acabaran divorciándose en agosto de 1971. 

Imagen: IMDb

Tercer matrimonio, con su primer marido.

Unos meses después, a principios de 1972, Natalie sorprendió a todos retomando su relación con Robert Wagner. Con él se volvió a casar en julio de ese mismo año. Wagner declaró a la prensa: “Bastó una mirada para comprender que seguía amando a Natalie. Y a ella le ocurrió lo mismoJamás he amado tanto a una mujer como a ella”. En esta ocasión, Natalie eligió un sencillo y veraniego vestido, con el que dio el “Sí, quiero” por segunda vez a Robert. 

En 1974, fruto de este matrimonio nace la segunda hija de Natalie, Courtney Wagner. Tras ser madre por segunda vez, Natalie redujo su actividad cinematográfica para centrarse en su vida familiar. Tratando de buscar paz en su familia, consigue todo lo contrario, y se ve envuelta en el torbellino del alcohol, las drogas, los flirteos fuera del matrimonio, las idas y venidas de la pareja, en constante ruptura y reconciliación. 

El accidente de Natalie Wood

En mitad de esta lucha consigo misma, una noche en noviembre de 1981, a la edad de 43 años, sufre un accidente en las aguas del Pacifico. Cayó al mar desde su yate “The Splendor”, donde navegaba con su marido Robert Wagner. Se cree que murió ahogada, aunque nunca se llegó a determinar cómo fue que cayó al agua. 

Las circunstancias de su muerte aún no están claras. La autopsia reveló altos niveles de alcohol en la sangre de Natalie. Además de heridas y hematomas previos a la caída. El capitán del barco alegó que la pareja había estado discutiendo ese mismo día en el yate. Su marido dijo que él se fue a dormir antes que Natalie y negó haber discutido con ella ese día. El caso se cerró como un accidente. La pareja había estado bebiendo y ella había caído accidentalmente al mar. Natalie tenía terror por el mar, por lo que su hermana no creía que se tratara de un accidente. Aun así, la policía de los Angeles cerró el caso como un accidente. Y su muerte se achacó al ahogamiento y la hipotermia. 

Natalie Wood fue enterrada en Los Ángeles. A día de hoy, se la sigue recordando en el Paseo de la Fama de Hollywood donde tiene una estrella con su nombre. 

Imagen: Eonline.com

En nuestros días

Como curiosidad te contaremos que, las dudas sobre su muerte siguieron incluso hasta nuestros días. En 2018 Wagner fue nombrado por la policía como una persona de interés en la investigación; aunque él ha seguido negando cualquier implicación. La policía declaró que saben que Wagner fue la última persona que estuvo con Wood cuando murió. Y que además, en el momento del accidente Wood tenía inexplicables hematomas recientes en el antebrazo, la muñeca y la rodilla, un rasguño en el cuello y un rasguño superficial en la frente. Las autoridades dijeron que es posible que la agredieran antes de ahogarse.

¿A ti qué te parece la historia de Natalie Wood? ¿Cuál es tu traje favorito?

Bibliografía:

 

Imagen destacada: WarnerMedia

Thanksgiving: ¿Cuál es el origen de esta tradición?

Coincidiendo con el día de Thanksgiving o, Día de Acción de Gracias, hoy venimos a hablaros de esta tradición estadounidense. ¿Dónde y cuándo nació? ¿Cuándo se celebra? ¿Por qué es tan importante para los estadounidenses? ¡Te lo contamos todo en el post de hoy! 

El primer Thanksgiving.

El día de Acción de Gracias es un día festivo en los Estados Unidos. Su origen se remonta al año 1621, cuando los colonos de Plymouth y los nativos americanos de Wampanoag compartieron una fiesta con la cosecha de ese otoño. Squanto fue un nativo americano, miembro de la tribu Pawtuxet que fue secuestrado por un capitán de barco inglés y vendido como esclavo a Inglaterra. Consiguió escapar y regresar a su tierra natal. Cuando llegó enseñó a los nativos, debilitados por la desnutrición y las enfermedades, cómo cultivar maíz, extraer la savia de los arces, pescar en los ríos y evitar las plantas venenosas. En noviembre de 1621, resultó la primera cosecha de maíz exitosa y el gobernador William Bradford organizó una fiesta de celebración, donde se juntaron los colonos de Plymouth y los nativos americanos de Wampanoag.

A día de hoy, esta fiesta es considerada como una de las primeras celebraciones del día de Acción de Gracias en las colonias estadounidenses. Durante los siguientes dos siglos, se siguió celebrando acción de gracias en las colonias y estados de EEUU. 

La evolución del Día de Acción de Gracias.. 

Durante la Revolución Americana, el Congreso designó uno o varios días de Acción de Gracias al año. No fue hasta 1789 que George Washington emitió la primera proclamación de Acción de Gracias del gobierno nacional de los Estados Unidos; en él, exhortó a los estadounidenses a expresar su gratitud por la feliz conclusión de la guerra de independencia del país y la exitosa ratificación de la Constitución de Estados Unidos.

En 1817, Nueva York se convirtió en el primero de varios estados que adoptaron oficialmente un día festivo anual de Thanksgiving. El norte de EEUU lo celebraba en diferentes días. Y en el sur, aún no estaba muy familiarizada esta tradición. 

En 1863, en medio de la Guerra Civil de los Estados Unidos, el presidente de aquel momento, Abraham Lincoln, proclamó el Thanksgiving nacional y se empezaría a celebrar cada noviembre. Concretamente, el último jueves de noviembre. Fue gracias a Sarah Josepha Hale, una escritora que estuvo durante más de 30 años publicando numerosas editoriales y cartas a personajes importantes de la política del momento para conseguir establecer el Día de Acción de Gracias como fiesta nacional. De ahí que a día de hoy se la conozca como “Mother of Thanksgiving” o “Madre de Acción de Gracias”. 

Las tradiciones de Acción de Gracias, 

La tradición de Thanksgiving, como ya hemos hablado antes, tuvo un origen más bien religioso. De agradecimiento a las cosechas y la comida. A día de hoy, en la mayoría de hogares ha perdido este significado religioso. Y, en cambio, se centra más en cocinar y compartir comida abundante y deliciosa con familiares y amigos. 

El alimento básico de la cena de Acción de Gracias es el pavo asado. Convirtiéndose, además, en el icono de la fiesta. Junto con el pavo, que puede cocinarse asado, horneado o frito, también son tradición el puré de patata, la salsa de arándanos y el pastel de calabaza. 

En algunas ciudades se organizan eventos para los más desfavorecidos. Así como desfiles con bandas de música, artistas etc. 

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Ahora que conocéis un poco más sobre la tradición de Thanksgiving. ¿Qué opinais vosotros de ella? ¿Os gusta? Yo, personalmente, tuve la oportunidad de vivir un Día de Acción de Gracias en EEUU. Cuando vivía en San Francisco, mi amiga americana me invitó a su casa a celebrarlo con toda su familia. Y la verdad, me encantó poder compartir una fiesta tan importante para su cultura. La mesa estaba decorada preciosa, con cartelitos de pollitos con nuestros nombres, flores secas muy otoñales… Y por supuesto, la comida estaba espectacular. Y más para una amante del puré de patata como yo.¡Aquí os dejo una foto del menu!

Bibliografia

https://www.history.com/

 

Joyería Art Decó: ¿De dónde viene este estilo?

.Hoy quiero hablaros sobre la joyería Art Decó. Hace unas semanas hicimos una encuesta en nuestro Instagram (@vintagebylopezlinares) para conocer los temas sobre los que queríais que os hablaramos en nuestro blog. Una seguidora nos sugirió hablar sobre la joyería Art Deco, ¡y nos encantó la idea! 

Así que hoy voy a intentar descubriros de dónde viene este estilo y por qué creo que tuvo y tiene tanto éxito.

El estilo Art Decó.

El nombre “Art Decó” se toma de la exposición internacional de Artes Decorativas celebrada en París en 1925. La finalidad de esta exposición era la de mostrar los adelantos industriales y decorativos más importantes del momento. 

La primera premisa del certamen era la modernidad. Te adjuntamos unas imágenes de algunos de los pabellones, para que veas las maravillas que crearon para la ocasión y lo modernos que debieron resultar algunos de ellos para la época.

Pabellón de África en la Exposición de París (1925). Imagen vía: © MAD Paris

El movimiento Art Decó nació y triunfó en los años 20. Su pico de popularidad se encontró entre 1920 y 1939, aunque su influencia sigue muy viva en nuestros días. Se caracterizó fundamentalmente por una tendencia estética hacia las líneas rectas: la simetría de los objetos. El objetivo principal era el de adaptar el diseño a las condiciones de producción en serie exigidas por las industrias modernas de la época.

El término hizo fortuna. Se aplicó a diversas variantes, tales como la arquitectura, el mobiliario, la joyería, la moda, la automoción y un largo etcétera.

Automóviles y mobiliario.

En las siguientes fotografías se puede ver un ejemplo de cómo se adaptó esta moda a la automoción y al mobiliario. Este modelo en concreto lo creó Jacques Emile Ruhlmann en 1922 y fue presentado en la exposición de Artes Decorativas. Realizado en chapa de ébano barnizada con marquetería de amaranto y madera clara imitación marfil. Casualmente sale en subasta en la galería Artcurial de París este mismo mes con un precio de salida de 6.000€.

Fotografía © 2013 Peter Harholdt

La Moda.

La aportación de la moda a este estilo fue muy valiosa e interesante. Se aportó una mentalidad mucho más moderna y liberadora de lo que se había visto hasta el momento. 

Por ejemplo, Paul Poiret creó la nueva línea definida de la mujer moderna, desterrando el corsé por completo en sus diseños. Con faldas más cortas, sombreros semejantes a los cascos de los soldados, líneas angulares en el corte del traje… Y, por supuesto, en el peinado, que hoy conocemos como el look garçon. El fue, en definitiva, el artífice de la figura de la mujer moderna, en la que predominaban los vestidos simples, de líneas fluidas, y a la vez elegantes. 

Mencionar también el trabajo de Coco Chanel, que borró casi por completo las caderas y el busto de la figura femenina, en un afán de sacar a la mujer de ese papel sumiso en el hogar, dándole libertad para emprender, hacer deporte y, en definitiva, rebelarse contra las antiguas ataduras impuestas por la sociedad. 

La joyería Art Decó. 

Si nos centramos en la joyería no podemos dejar de destacar el trabajo de Cartier. Fue uno de los máximos exponentes de este estilo en la época. Cartier presentó en la citada exposición sus obras, con la curiosidad de que estaban separadas del resto de sus compañeros, exponiendolas en pabellón de la moda y no en el de la joyería. 

Aunque en un comienzo la joyería Art Déco tuvo como protagonistas a los diamantes, poco a poco fueron introduciéndose los colores en los diseños. Aún así, son muchas y espectaculares las piezas monocromáticas que pueden encontrarse. Puesto que, la gran innovación introducida en estos diseños, era su montaje sobre esqueletos de platino. Esto hacía que las piezas fueran enormemente flexibles y ligeras. Permitiendo trabajos minuciosos y extremadamente detallistas, como los que veis en las fotografías.

También hay que destacar el uso del zigzag y las figuras geométricas como los triángulos, círculos, cuadrados… Así como las líneas curvas aerodinámicas y las líneas horizontales. Pero poco a poco el color pasó a ser parte fundamental del diseño. Empezaron a introducirse nuevos materiales y a combinarse piedras de una forma muy novedosa. Se dejaron atrás los colores pastel, y se usaron piedras de colores vivaces como el rojo, azul, negro y verde… Así como las perlas. 

Hay que pensar que en esta época ya era más fácil viajar. Y eso hacía que se trajeran piedras y materiales exóticos de tierras lejanas con mucha más facilidad que antes. De oriente llegaron el jade, el ónix, el coral, los lacados tan característicos de esta época, que se utilizaban en pitilleras, y boquillas por ejemplo. 

Fotografía © Joyería Suarez

La época Cartier

Una de las colecciones que marcaría este afán por mezclar piedras sería la de Tutti frutti de Cartier. Esta colección se inspiraba en los motivos de la India. La inspiración llegó con motivo de un viaje que haría en 1911 Jacques Cartier a este país allí descubre la cultura de las piedras grabadas. El collar de la fotografía pertenece a esta colección. Una de las últimas piezas que se ha subastado de esta colección fue un magnífico brazalete. La joya alcanzó la espeluznante cifra de 1.300 millones de euros en una subasta online hace muy pocos años. Al parecer, su dueña fue muy reticente a venderlo y Sotheby’s llevaba detrás de ella varios años para que lo hiciera. Y finalmente consiguieron convencerla.

También en estos años, Cartier lanza los aderezos desmontables. Con estructuras capaces de adaptarse a la piel casi como un tejido. Se introducen en las joyas mecanismos que consiguen que una pulsera se convierta en tiara, en collar o en dos broches.  
Los animales invaden los escaparates de las joyerías del mundo: serpientes, loros, perros… Al igual que las plantas exóticas como las palmeras, bambúes… Quizás, de entre todos ellos, el más reconocido -o al menos el que más ha perdurado- sea la famosa pantera de Cartier. Aunque se presentó en 1914, fue en esta época en la que alcanzó su máximo explendor.

Fotografía © Cartier

Los cortes más populares de la época.

Los más famosos de la joyería Art Decó fueron los siguientes:

  • Los cortes baguette: La talla baguette es un diamante rectangular y elegante con un gran escalón en la parte superior.
  • Corte asscher: Se trata de un corte cuadrado que presenta grandes facetas escalonadas y una corona alta que produce un brillo diferente a cualquier otra forma de diamante. De hecho, los expertos en diamantes a menudo se refieren al brillo de un diamante de talla Asscher como un pasillo sin fin con espejos reflectantes.
  • Corte cojín antiguo: Puede ser cuadrado o rectangular, con las esquinas redondeadas. Generalmente comprende 58 facetas.

Curiosidades de la época. 

En esta época, Van Cleefs & Arpels, desarrolla los engastes invisibles que se han convertido en su sello de marca.

El platino fue el metal más utilizado en este periodo. Aunque también el oro blanco. Y, por supuesto, la plata que fue muy utilizada para abaratar los costes de las piezas. Además, con la llegada de la maquinaria para joyería mejoraron las técnicas de fundición. Entre ellas la filigrana, la cual se perfeccionó mucho en esta época.

Los accesorios que protagonizaron la joyería Art Decó fueron los brazaletes, los broches de doble clip, las pitilleras y las boquillas. Ya que, con el cambio en la moda, los brazos quedaban al descubierto y eran adornados con joyas.

Vintage by Lopez-Linares: nuestra joyería Art Decó

Hasta aquí nuestro repaso general al estilo Art Decó. Personalmente, creo que su éxito radica en la sencillez de sus diseños. Que hacen de ellos piezas super elegantes y atemporales, que aún a día de hoy están de moda. Además de siempre ocupar un lugar especial en el corazón de todos aquellos que amamos el trabajo de joyería antiguo. 

Tuve la suerte de poder visitar una exposición en el año 2013 llamada “La joyería Art Decó en los locos años 20” en el Museo Thyssen de Madrid. Pude ver la exposición con una visita guiada maravillosa. Y pasé de un expositor a otro y, os prometo que, había veces que me costaba despegarme del cristal viendo tanta maravilla.

Perlas. Diccionario Vintage con la P

Hoy queremos hablaros de los diferentes tipos de perlas que podemos encontrar en el mercado, sus formas, colores… Para que podáis conocer un poco más de nuestra colección de joyas históricas.

¿Qué son las perlas?

Una perla es un objeto duro y brillante producido dentro del tejido blando de un molusco vivo con caparazón. Al igual que las conchas de los moluscos, las perlas están compuestas de carbonato cálcico en forma cristalina diminuta, que se ha ido depositando en forma de capas concéntricas. La perla ideal es perfectamente redonda y lisa, pero pueden aparecer muchas otras formas, conocidas como barrocas de las que hablaremos más adelante. 

Tipos principales:

Existen dos tipos principales de perlas: las naturales y las cultivadas. Las perlas naturales son las que se forman naturalmente en los moluscos. El proceso de creación comienza cuando un parásito entra dentro del molusco. Este, para intentar combatir a este parásito va segregando finas capas de nácar, que poco a poco, unas encima de las otras van creando la perla. Por eso, este proceso es tan lento y una perla puede tardar muchos años en crearse.

Por otro lado tenemos las perlas cultivadas. Estas se producen en condiciones similares a las naturales pero el proceso se crea de forma artificial. ¿Como? Muy sencillo. Los agricultores cultivan moluscos en granjas de perlas, y son ellos mismos quienes insertan cuidadosamente el parásito dentro del molusco para que sea este mismo quien empiece el trabajo de creación de la perla. 

Por último, existen las perlas sintéticas o de imitación, que están creadas con materiales artificiales y buscan imitar a la perla con un coste mucho menor. Lógicamente, estas últimas intentan asemejarse a las naturales o cultivadas pero nunca alcanzan a tener ni el brillo ni el oriente que las auténticas.

Categorías: De agua dulce y de agua salada

La diferencia entre las perlas de agua dulce y agua salada es, donde se han formado. Las de agua dulce se forman en los moluscos que viven en lagos y ríos. Mientras que las de agua salada se han formado en moluscos que viven en océanos. 

Gran variedad de colores y formas.

Las perlas pueden tener diferentes colores. Si bien el color más común es el blanco, léstas se encuentran naturalmente en varios otros colores. Naturalmente, las perlas pueden ser color blanco, dorado o rosado. Existen otros colores como puede ser el color chocolate, pero este es un color que no se da naturalmente en la perla. Sino que es el resultado de un pequeño tratamiento de color. 

Existen perlas perfectamente redondas, conocidas como “tradicionales”. Y otras que tienen formas irregulares y no esféricas, conocidas como “barrocas”. Estas últimas se utilizaron mucho en piezas Victorianas y Art Nouveau. Su encanto viene de las diferentes formas que pueden tomar, que las hacen completamente únicas y jamás serán una igual a otra.

Vintage by Lopez-Linares

En nuestra colección de joyas trabajamos la mejor calidad de perlas de agua dulce. Las tenemos en diferentes colores y tamaños. Trabajando además, tanto las barrocas como las tradicionales. En nuestra colección encontrarás piezas del Barroco, la época Victoriana, y la Edad Media, utilizando perlas de la mejor calidad e inspiradas en joyas históricas.

Bibliografía

https://www.pearlsonly.com/blog

https://en.wikipedia.org/

Jeanne Baret: Botanica francesa

Jeanne Baret nació el 27 de julio de 1740 en el pueblo de La Comelle en la región de Borgoña, Francia. Es curioso mencionar que su partida de bautismo aún se conserva y, por ello, se conoce que sus padres fueron Jean Baret y Jeanne Pochard. Tan solo quince meses después de su nacimiento, murió su madre. Y solo quince años después lo hizo su padre, quedando Jeanne huérfana a una edad bastante temprana. 

La vida adulta de Jeanne Baret.

Años después, entre 1760 y 1764 Baret empezó a trabajar como ama de llaves en la casa de Philibert Commerson, un conocido botánico que acababa de mudarse al sur de La Comelle. Su mujer falleció durante el parto de su primer hijo, quedando viudo y el bebe al cuidado de Baret. Se dice que Baret y Commerson llegaron a tener una relación personal ya que, por estas fechas ella quedó embarazada. En esa época, todos los niños debían registrarse cuando una mujer quedaba embarazada. Este documento también se conserva a día de hoy y en él se puede observar que el nombre del padre del niño no aparece. Los historiadores creen que fue Commerson y sus abogados quienes consiguieron que su nombre no apareciese en el certificado. 

Antes de nacer su hijo, Jeanne y Commerson se mudaron juntos a París, donde ella continuó siendo su ama de casa. Cuando nació su hijo, lo dio en adopción en el Hospital Foundlings de París. Al bebe le encontraron una familia de acogida, aunque poco tiempo después falleció. 

La expedición a bordo del Étoile

Commerson, como botánico que era, fue invitado a unirse a la expedición alrededor del mundo del explorador francés Louis Antoine Bougainville durante los años de 1766 a 1769. Philibert estuvo a punto de rechazar la oferta ya que tenía una salud muy delicada y necesitaba de los cuidados de Jeanne. Y ella no podía acompañarle ya que, en esa época las mujeres estaban completamente vetadas en los barcos de la armada francesa.

Fue en ese momento cuando se les ocurrió una brillante idea. Para que Jeanne pudiera acompañar a Commerson, se vestirá de hombre, harian como que no se conocian y viajarían juntos en la expedición. Y así fue. Ambos subieron a bordo del Étoile, convirtiendo a Jeanne Baret en la primera mujer en completar un viaje de circunnavegación del mundo

Durante el viaje, Commerson tuvo bastantes problemas de salud. Su pierna parecía darle muchos problemas y era la propia Jeanne quien le cuidaba. Como su salud no mejoraba, Baret comenzó a hacer el trabajo que Commerson no podía hacer. Por ejemplo llevar todos los suministros y muestras que recogían en sus numerosas paradas alrededor del mundo. 

Es muy probable que Baret descubriera numerosas plantas en la expedición. En concreto se cree que descubrió la planta de la buganvilla, llamada así por el comandante de Étoile. Sin embargo, la planta que lleva el nombre de Baret ha perdido su nombre. Commerson identificó la planta durante el tiempo que trabajó con Baret en Madagascar y nombró al género Baretia

Su nueva vida en las Islas Mauricio

Tiempo después, la verdadera identidad de Jeanne fue descubierta. Obligando tanto a ella como a Commerson a quedarse en las Islas Mauricio. Casualmente gobernadas por un viejo amigo suyo, que hizo que esto fuera posible. Además, se cree que el propio comandante Bougainville forzó que esto ocurriese para quitarse el problema de tener una mujer ilegal en su barco. 

Durante su tiempo en Mauricio, Commerson continuó teniendo serios problemas de salud. Y Jeanne siguió ejerciendo como su ama de casa y asistente. En 1773, Commerson murió y Jeanne se quedó viviendo en la isla. Trabajando en una taberna y con su propia casa. Un año más tarde, Jeanne se casó con Jean Dubernat, un suboficial del ejército francés. Tiempo más tarde, Baret y su marido regresaron juntos a Francia, completando así su viaje de circunnavegación

Vuelta a Francia.

Se instalaron en el pueblo de nacimiento de Dubernat, llamado Saint-Aulaye, donde ambos vivieron muy felices. En 1785, el Ministerio de Marina concedió a Baret una pensión de 200 libras al año. El documento que le otorga esta pensión deja en claro la alta consideración con la que se la tenía en este punto. Jeanne Baret murió en Saint-Aulaye el 5 de agosto de 1807, a la edad de 67 años.

La gran aportación a la historia de la naturaleza de la pareja consistió en la catalogación y estudio de más de 5.000 especies, entre las que se encontraban 3.000 descritas como nuevas.

La labor de Jeanne quedó totalmente olvidada hasta el año 2012. Cuando la publicación de su biografía por parte de la escritora inglesa Glynis Ridley reconocía su labor y aportación a la ciencia. 

Bibliografía:

https://en.wikipedia.org/

https://www.npr.org

Arbol de la Vida

El “Árbol de la vida” es, a día de hoy, uno de los símbolos más conocidos mundialmente. En nuestra era podemos verlo representado en tatuajes, tapices, piezas de joyería… Sin embargo, para los Celtas y varias culturas antiguas, el árbol de la vida era un símbolo extremadamente importante. En el post de hoy te contamos los orígenes del árbol de la vida, cuándo y dónde surgió y sus significados en las diferentes culturas y religiones. 

Arbol de la vida gemelos

El origen del árbol de la vida:

El árbol de la vida se ha representado de diferentes maneras a lo largo de la historia. La representación más antigua que se conoce data, nada más y nada menos, que del año 7000 a.C. Se encontró en las excavaciones de Domuztepe en Turquía y se cree que fue desde este lugar desde donde se extendió al resto de culturas. 

Pero, ¿Qué hay del resto de culturas y religiones? ¿Qué significaba para ellos el árbol de la vida? 

Los Celtas.

La cultura Céltica estuvo altamente ligada al símbolo del árbol de la vida. Para ellos, representaba armonía y equilibrio y creían que tenía poderes mágicos. Los Celtas creían que las raíces representaban “el otro mundo”, mientras que las ramas representaban el cielo. El tronco, representaba el mundo mortal o el mundo en el que vivían, que era el que conectaba las raíces con las ramas, es decir, el cielo y “el otro mundo”. 

Antiguo Egipto:

En la mitología egipcia, Isis y Osiris (también conocidos como “la primera pareja”) emergieron del Árbol de la Vida, cuyas esferas demostraban el orden, el proceso y el método de creación. Es decir, para los antiguos egipcios, el árbol de la vida representaba la cadena jerárquica de eventos que trajeron todo a la existencia.

Se sabe que el árbol de la vida también fue un símbolo extremadamente importante en Mesopotamia, al igual que lo fue para la Civilización Asiria aunque no se conoce con exactitud que simboliza se le atribuía. 

Cristianismo.

El árbol de la vida aparece en el libro del Génesis y se describe como el árbol del conocimiento, del bien y del mal, que fue plantado en el jardín del Edén. Los historiadores no acaban de ponerse de acuerdo sobre si se trata del mismo árbol del que comieron la manzana Adan y Eva, o si se trata de árboles diferentes. Aunque sí se sabe que el árbol era la conexión simbólica de Adan y Eva con la Divinidad. Además, el término “Árbol de la vida” aparece otras 11 veces en los libros posteriores de la Biblia.

Judaismo.

La religión Judía cree en el antiguo testamento, por lo que el Árbol de la Vida es muy importante para ellos, aunque lo representan de otra manera. 

Islam.

El árbol de la inmortalidad se menciona en el Corán y es diferente del relato bíblico en la medida en que solo se menciona un árbol en el Edén que Allah le prohibió a Adán y Eva. 

Budismo. 

En la religión Budista, el árbol de la vida es un símbolo muy sagrado. Es conocido como el árbol Bodhi y lo consideran el árbol de la iluminación. Esto se debe a que fue en este árbol donde Buda alcanzó la iluminación. De hecho, se dice que Buda medita en este árbol eternamente. Para ellos, el árbol representa esa parte interna que permanece pura a pesar de las situaciones difíciles, siempre que se esté arraigado en la espiritualidad.

China.

En la mitología china, el árbol de la vida representa un fénix y un dragón; el dragón a menudo representa la inmortalidad. Una historia taoísta habla de un árbol que produce un melocotón cada tres mil años, y cualquiera que lo coma recibe la inmortalidad.

¿Qué os parece a vosotros este símbolo? ¡Nos encantará leer tu opinión! 

Bibliografia 

https://www.onetribeapparel.com

https://en.wikipedia.org/

https://www.celtic-weddingrings.com/

https://blog.sivanaspirit.com

 

Diccionario Vintage: Con la C de Chien Collar (Gargantillas)

Hoy vamos a hablar de la deslumbrante historia de las gargantillas. También conocidas como chien collar, una joya que jamás pasa de moda. Una gargantilla no es más que un collar ajustado que se lleva alrededor del cuello. Esta pieza, es conocida con diferentes y peculiares nombres en distintos idiomas. En francés, por ejemplo, se la conoce como “chien collar” (que traducido significa collar de perro), y en inglés como “dog collars” o “chokers”, que su traducción sería algo que nos ahoga. 

Antiguo Egipto y Mesopotamia.

Según los expertos del Museo de Bellas Artes de Joyeria (Jewelry Museum of Fine Arts), las gargantillas han existido durante miles de años. Y han sido utilizadas por las civilizaciones más antiguas del mundo, como son el Antiguo Egipto, que consideraba que estas piezas tenían poder especial y protector. O los sumerios en Mesopotamia, que solían llevar las gargantillas de oro. 

Las gargantillas en La Revolución Francesa. 

En la época de la Revolución Francesa, las gargantillas fueron un icono. Las francesas expatriadas llevaban cintas rojas alrededor del cuello como forma de rendir homenaje a aquellos que habían perdido la vida en la guillotina. Fueron tantas las mujeres que llevaban estas gargantillas que, en esta época, se pusieron muy de moda.

Epoca Victoriana. 

Durante la época Victoriana, la mayoría de reinas llevaban gargantillas y collares muy ajustados al cuello. Pero si hubo una mujer que destacó más que otras en su gusto por la joyería, esta fue Alexandra de Dinamarca. 

Se dice que Alexandra tenía una cicatriz bastante grande en el cuello, debido a una operación de tiroides a la que se tuvo que someter. Y es por esto, que la princesa (que después se convirtió en reina consorte del Reino Unido) siempre utilizaba grandes collares y gargantillas con el objetivo de que nadie pudiera ver su cicatriz.  Desde entonces, la gargantilla se convirtió en una moda imprescindible entre la aristocracia durante décadas. 

Pero no todo el mundo podía permitirse los caros collares y gargantillas hechos de oro y diamantes que lucía la alta sociedad de la época. Aunque esto no impidió que las clases más humildes utilizaran y crearan sus propias gargantillas. ¿Cómo hacían esto? Muy sencillo. Las mujeres usaban broches y colgantes más modestos en piezas de terciopelo que también servían como gargantilla y os tengo que reconocer que a mí me gustan infinitamente más. 

Siglos XX y XXI

Desde la época Victoriana al Siglo XX hubo una época en la que las gargantillas no estuvieron tan de moda. Haciendo una reaparición espectacular alrededor de 1940. Durante estos años se pusieron muy de moda las gargantillas de encaje, cinta, terciopelo, perlas y diamantes.

En los años 70 volvieron a ponerse muy de moda, pero esta vez no solo entre mujeres. Los hombres comenzaron a llevarlas también. Se convirtio en un elemento de moda unisex y celebridades del momento como Mick Jagger, Jimi Hendrix o Elvis Presley las utilizaban constantemente.  

En los 90 volvieron a ser un accesorio indispensable, estuvieron tan de moda que prácticamente todas las chicas llevaban uno. Los había de todos los materiales y formas. Uno de los mas conocidos fue “la gargantilla tatuaje”. Era aquella pieza hecha de plastico negro (y de colores) entrelazada que simulaba una especie de tribal. Pero tambien los sencillos hechos con una tira de terciopelo negro y algun abalorio o pieza decorativa, exactamente igual que lo llevaron en la epoca Victoriana. Multitud de cantantes y actrices famosas de esta época los llevaban también. 

Gargantillas en la actualidad

A día de hoy, las gargantillas siguen siendo una pieza muy de moda y muy utilizada en la sociedad. Es fascinante saber cómo surgieron las gargantillas hace unos 500 años y cómo han ido cambiado a lo largo de los años. Pero siempre se han mantenido como un icono de moda y estilo. 

Bibliografía:

https://www.fashionologiahistoriana.com

https://www.goldenagebeads.com

https://www.bustle.com/