El Oro de Toledo

EL ORO DE TOLEDO EN VINTAGE BY LOPEZ-LINARES

 

El oro de Toledo o damasquinado es como se conoce al noble arte de la incrustación de metales preciosos, oro y plata, mediante cincel y martillo, sobre una base de hierro dulce picado con una finisima cuchilla. Porque este es el gran secreto del damasquinado: un arte que transforma una ruda base de hierro en un maravilloso objeto decorado con oro y/o plata.

Existe cierta polémica acerca de cómo y a través de quién llegó este arte hasta nuestra península. Y yo, hoy, fuera de toda polémica, lo que pretendo es intentar que os enamoréis, solo la mitad de lo que yo estoy, de este maravilloso tesoro que aún conserva exclusivamente la ciudad de Toledo y que os suméis a mi lucha para evitar que se acabe perdiendo este maravilloso trabajo. Hoy voy a intentar explicaros su técnica para que, al conocer el refinado proceso manual de su elaboración, podáis valorarlo y transmitir este arte a todo aquel que creáis que tiene sensibilidad para apreciarlo. Simplemente, hoy me conformo con este pequeño compromiso por vuestra parte. Este quisiera que fuera el primer paso a dar entre todos en defensa de esta maravillosa y ancestral artesanía para evitar que caiga en el olvido.

El damasquinado tiene orígenes ancestrales en las culturas más antiguas del Mediterráneo, que ya decoraban sus objetos más preciados con la entonces denominada técnica de la Ataujía, utilizada hace ya más de 1500 años en civilizaciones como la egipcia, la griega y la romana, así como en la china y la japonesa.  La Ataujía es un arte que se realiza introduciendo hilos de oro y plata en un surco preparado con anterioridad y asegurando su adhesión con la conocida forma de “cola de milano”. No es exactamente lo mismo que el damasquinado, pero se parecen demasiado y por eso cuesta tanto saber dónde realmente nació la técnica del damasquinado, ya que se trataría de una especie de hijo de la Ataujía que comenzó a utilizarse en varios lugares, casi a la vez.

Y como os decía, también hay cierta polémica sobre a través de quién y cuándo llegó tan noble arte hasta la península ibérica. Que si llegó de China o de Japón, que si lo trajeron los árabes tras invadir la península en el año 711… Existen varias teorías, pero yo hoy, haciendo abstracción de ellas como os decía, quisiera por encima de todo explicaros qué es el damasquinado, las distintas técnicas utilizadas en su elaboración, el reducidísimo número de maestros artesanos que quedan para poder continuar formando a los aprendices, la ausencia de una formación reglada para formar a las nuevas vocaciones, así como qué nos llevó a traerlo hasta nuestro espacio y, sobre todo, por qué no podemos hacernos cómplices de su desaparición.

Al final de esta lectura os voy a recomendar algunos libros, pocos porque no hay muchos sobre este tema, por si queréis profundizar más en su conocimiento y sacar vuestras propias conclusiones.

La primera definición conocida de la que disponemos sobre este arte es la del teólogo Teófilo, un monje griego que allá por el S.XI ya describía esta técnica artesanal con las siguientes palabras:

Cuando haya limado cuidadosamente una espuela, póngala junto a carbones encendidos hasta que comience a ennegrecerse y permita que después se enfríe. Entonces, gire la rueda con su mano derecha y mantenga la espuela con su mano izquierda contra el acero y sobre el lado exterior haga finos cortes a lo largo y una doble tanda de cortes a lo ancho (picado de la pieza). Después de esto, con unas pequeñas cizallas levante trocitos de plata tal como crea conveniente y aplíquelos sobre la trama de cortes.

A continuación, utilizando las mismas cizallas frote los bordes de la plata con el fin de que se peguen más deprisa.

Cuando haya trabajado sobre toda la espuela, póngala de nuevo en los carbones ardiendo, hasta que de nuevo se ennegrezca; entonces sáquela con unas pinzas y púlala con una larga extremadamente lisa herramienta de acero (un bruñidor). Colóquela de nuevo en los carbones y caliéntela otra vez, entonces pula vigorosamente de nuevo con la misma herramienta.

Teófilo señala a los árabes como los primeros en servirse de este procedimiento a través de la ciudad de Venecia, aprovechando los contactos comerciales que mantenía esta ciudad-estado con Siria, Persia y Turquía.

 

EL DAMASQUINADO EN LA HISTORIA MODERNA

 

Podemos señalar varios momentos dorados en la historia del damasquinado europeo.

Durante el S.XVI Milán y sus famosos armeros llevarían el arte del damasquinado a una altura pocas veces alcanzada, decorando todo tipo de guarniciones para príncipes y emperadores.

Durante el reinado de Luis XIII y Luis XIV en Francia a través de su uso en la decoración de pistolas y escopetas. La decoración de armas en Francia vivió su apogeo en el S.XVIII con la creación de la manufactura de Versalles, donde las armas se convertirían en verdaderas obras de arte.

Durante el S.XVIII también en España se conoció un importante desarrollo de la armería damasquinada en Madrid, Ripoll y el país vasco.

Pero seria a partir de mediados del S.XIX, con la llegada de la familia Zuloaga y un pequeño grupo de damasquinadores toledanos, cuando este arte alcanzaría su gran momento en España, recibiendo numerosísimos premios en diversas Exposiciones Universales tanto europeas como americanas. En el S.XIX ya existieron en España varios centros de producción de damasquinado: Madrid, Toledo y Éibar. Existiendo también cierta polémica sobre quién empezó primero si los toledanos o los eibarreses.

La historia es importante, por supuesto, pero en este momento para mí lo verdaderamente digno de tenerse en consideración es que ya prácticamente apenas quedan maestros damasquinadores, y que los pocos que quedan se concentran casi en su totalidad en la ciudad de Toledo.

 

¿QUÉ ES EXACTAMENTE EL DAMASQUINADO?

 

Ante todo, quiero explicaros con imágenes este sorprendente proceso que tuve la fortuna de ver por primera vez en su taller a través de las manos expertas del gran maestro Mariano San Félix. Es curioso, que casi la primera persona con la hicimos amistad en Toledo fuera él, y cómo uno de esos fines de semana que pasábamos en la ciudad tuviéramos la suerte de que nos abriera las puertas de su taller y nos mostrara cómo era capaz de convertir una humilde placa de hierro en una obra de arte.

Es importante saber cómo se realiza el damasquinado para saber valoralo y apreciarla como se merece

  • Lo primero que necesitamos para damasquinar es una base de hierro dulce, que llaman los damasquinadores, donde poder incrustar el hilo de oro. Actualmente existen dos fabricas que yo conozca que venden las bases ya cortadas para damasquinar. El problema surge cuando quieres hacer un diseño diferente, entonces tienes que buscar un artesano en el hierro capaz de cortarte a mano y con segueta esas finas laminas de hierro.
  • El siguiente paso es picar el hierro. Picar significa hacer un finísimo surco del grosor de una cuchilla de afeitar en tres direcciones diferentes. La primera pasada mas fuerte que la segunda y la tercera la más finita. En estas estrías que se forman es donde se incrusta el hilo de oro. Este proceso de picado también puede realizarse al ácido en zonas de difícil acceso.
  • Quemar, sometiendo el hierro a altas temperaturas hasta que queda negro, y luego dejándolo enfriar para poder trabajar el siguiente paso.
  • Aquí entra el arte de cada damasquinador ya que deben dibujar a mano las complicadas decoraciones que suelen utilizarse en este arte.
  • Ahora comenzaría realmente la labor de damasquinado. Se trata de introducir el hilo de oro o plata con un punzón de presión encima del picado, siguiendo el dibujo previamente realizado. Contorneando los perfiles y, si fuera necesario, rellenando los espacios que quedan entre ellos.
  • Después se pavona la pieza. Se trata de la inmersión de las piezas metálicas en una mezcla de nitrato de potasio y nitrato de sodio a temperaturas de entre 310 y 350 °C. Después de llevar a cabo esta inmersión, las piezas son lavadas con jabón caliente.
  • Ahora llega la parte que le da vida al oro, el pulido y bruñido de la pieza. Se realiza con un bruñidor de piedra sanguínea (ágata) bruñendo toda la labor, consiguiendo que el oro adquiera fijeza y estabilidad.
  • Posteriormente, y como acabado final, se monta la pieza.

 

La pasión y el amor con la que Mariano explica su trabajo, a sus ya más de 80 años, es admirable. Te trasmite toda la pasión que aún despierta en él este arte, calándote muy hondo.

Fue en el preciso instante en el que le vi sentado trabajando el hierro y jugando con esos pequeños y casi trasparentes hilos de oro, sin más utillaje que buriles y macetas, cuando mi imaginación se pudo en marcha y cuando supe que tenia que llevar esta artesanía hasta nuestro espacio.

Mariano San Félix ha sido el impulsor de la “Fundación Damasquinado de Toledo”, que se constituyó sorprendentemente hace muy poco en la ciudad de Toledo.

La Fundación Damasquinado de Toledo es una institución de carácter privado y sin ánimo de lucro, que se constituye con la voluntad de dar cabida a todo tipo de organismos públicos, personas físicas y jurídicas, artesanos y comercializadores del damasquinado toledano. Sus objetivos son, entre otros, Conservar, Difundir, Investigar y Exponer el damasquinado como arte, y actualmente está moviendo conciencias en la administración comunitaria para conseguir algo que ya debería haberse conseguido para el damasquinado hace mucho tiempo: la consideración de “Bien de Interés Cultural” (BIC).

Creo que es algo que la Comunidad de Castilla la Mancha le debe al damasquinado y a todos los artesanos y artesanas que se han dejado la piel incrustando oro y plata a lo largo de los siglos.

 

NUESTRO PROCESO CREATIVO

 

Ahora lo que quiero es contaros un poco el proceso del damasquinado y cómo surgió la idea de crear esta colección.

¿Cómo podría yo llevar esta maravillosa técnica hasta nuestro espacio?, me preguntaba. Quería rendir un homenaje, no solamente a la ciudad de Toledo que tan bien nos había recibido, se trataba también de rendir un homenaje a este ancestral arte y hacer lo que fuera necesario para que se mantuviera vivo. En definitiva, trabajar por y para el damasquinado como lo haría cualquier toledano.

Apostamos, como siempre, por fusionar historia y arte. Encontrar un punto de unión entre esta preciosa artesanía y ese estilo tan decadente que caracterizan nuestras joyas.  Así comenzaron la investigación, la documentación y los primeros bocetos. Pero, sobre todo, la búsqueda de esas manos artesanas que fueran capaces de hacer realidad nuestros sueños.

No sé si fue la casualidad o el destino lo que hizo que consiguiéramos dar con los dos artesanos que reunían nuestras premisas. Uno de ellos, un alumno que acababa formarse y de obtener la acreditación en el dominio de las “Técnicas Sanfelinianas” de damasquinado, patrocinadas por la Fundación Damasquinado de Toledo, impartidas por su presidente el maestro Mariano San Félix. Y la otra, una mujer. Una joven promesa del damasquinado toledano que aporta ese lado más femenino y elegante a la técnica. Queríamos apostar decididamente por sabia nueva, la juventud aporta una energía contagiosa, y no nos equivocamos. Gracias a su implicación y profesionalidad hemos conseguido hacer realidad esta colección.

Todas las piezas que componen esta colección, que seguirá viva y en permanente crecimiento, están damasquinadas enteramente a mano en todo su proceso de elaboración, realizadas con oro de 24 quilates y plata de ley, siendo todos ellos diseños propios que solamente podréis encontrar en nuestro espacio de Toledo. Como siempre, inspirados en las joyas españoles de los siglos XVII, XVIII y XIX, siguiendo, como es costumbre en todas nuestras joyas, las técnicas artesanales utilizadas por los grandes maestros.

Os dejamos algunas fotografías de nuestras piezas damasquinadas a continuación y os esperamos en nuestro pequeño rincón de la calle del Nuncio Viejo nº 8, en pleno Casco Histórico de Toledo, con muchísima ilusión por enseñaros nuestro trabajo, para que seáis vosotros mismos los que juzguéis si participáis de mi objetivo de luchar todos a una para que este valiosísimo arte decorativo no caiga en el olvido.

Tengo también desde aquí que hacer una mención especial de agradecimiento a los orfebres toledanos y de fuera de Toledo, que han hecho posible que esta colección vea la luz y a Enrique de Lucas Tortajada, porque sin su inestimable ayuda aquella tarde en plena pandemia nos habrían resultado más difíciles nuestros comienzos.

Os esperamos cargadas de ilusión y deseando saber qué os parece esta nueva iniciativa.

Como os decía antes, la historia del damasquinado es apasionante, permitiéndome recomendaros adquirir cualquiera de estas publicaciones para conocer no solo su proceso sino toda la historia que atesora este arte milenario. Debo también destacar la perseverancia de Luis Peñalver a lo largo de todos estos años por difundir el damasquinado en diversas publicaciones, que por cierto nos ha servido de gran ayuda no solamente para escribir este pequeño post sino también como referente e inspiración a la hora de crear esta nueva colección.

Bibliografía:

EL ARTE DEL DAMASQUINADO

EL ARTE Y TRADICION DE LOS ZULOAGA. DAMASQUINADO ESPAÑOL DE LA COLECCIÓN KHALILI .LAVIN, James D.

LAS REJAS DE VILLALPANDO

EL DAMASQUINADO DE TOLEDO. Aproximación a su Historia.  Félix del Valle y Díaz

FUNDACION DAMASQUINADO DE TOLEDO 

Ansorena prestigio y clase desde hace más de 100 años.

Celestino Ansorena deja Álava, su ciudad natal, a finales de los años 30 y se instala en Madrid, donde empieza a abrirse camino como joyero en su taller joyería de la calle Espoz y Mina. Será muy pronto cuando, gracias a su gran maestría como joyero, realizará su primer encargo importante: la reina Isabel II encarga una tiara papal para el Papa Pio XIX con motivo de la proclamación de la Inmaculada Concepción.  Tras este primer encargo para la casa real, se producen muchos más de la alta sociedad madrileña, como un brazalete para la viuda del general Diego de los Ríos, una espada para el general Martínez Campos, infinidad de condecoraciones oficiales y los popularmente apodados “lazos de dama”.

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En 1860 Celestino Ansorena es nombrado “joyero y diamantero de la Real Casa“. El rey Alfonso XII encarga en Ansorena la diadema que lucirá en su boda su esposa María de las Mercedes.

El negocio después de Celestino Ansorena

En el año 1896 muere Celestino y sus descendientes se hacen cargo del negocio, continuando con la gran trayectoria de Celestino. En 1905 se encarga a los talleres de Ansorena una espectacular corona para la Virgen del Pilar, empleando para su creación joyas procedentes de miles de familias españolas. Para su elaboración intervinieron 33 artesanos joyeros y se tardaron 44 días en terminarla.

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A partir de este encargo comienza para Ansorena una época de gran prestigio y producción, Además de la Casa Real, toda la alta sociedad madrileña luce creaciones de casa Ansorena. En 1912 recibe casa Ansorena el nombramiento de “Proveedores de la Real Casa, “como reconocimiento a su brillante labor en el arte de la joyería.

Alfonso XIII encargará la tiara de brillantes que lucirá su esposa Victoria Eugenia el día de su boda, apodada “la buena”.  El taller de la calle Espoz y Mina se cierra y se traslada a la calle Alcalá, donde actualmente se  encuentra. La reina Victoria Eugenia, amante de las joyas, se convertirá en una asidua clienta de la casa Ansorena.

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De Ansorena es el collar famoso “de chatones” que el Rey Alfonso XIII regala a la reina Victoria Eugenia, al cual irá aumentando con dos diamantes en cada aniversario, cumpleaños, nacimiento de un hijo, … Llegando el collar a poder dar dos vueltas.

Con la guerra civil española la joyeria interrumpe sus producciones y cierra la tienda. Será en 1940 cuando los descendientes de Celestino Ansorena abran de nuevo los talleres, continuando hasta el día de hoy en que sigue siendo una de las joyerias mas significativas de Madrid. De Ansorena es la tiara “flor de lys” que el rey Felipe VI regaló a Doña Letizia con motivo de su boda.

Bibliografia:

@Wikipedia

@Ansorena

Imágenes:

@Ansorena

Centenarios Madrid

Grace Kelly 16 curiosidades de una boda de película

Primavera de 1956, el Principado de Mónaco se viste de gala. El 18 y el 19 de abril se celebraba el enlace civil y religioso del Príncipe Rainiero de Mónaco con la norteamericana y famosa actriz de Hollywood Grace Kelly.
Ahora se cumplen 56 años de aquel memorable acontecimiento, y nosotras hemos decidido que este acontecimiento es más que merecedor de convertirse en nuestro “Icono Vintage” de abril.
Fueron días de fiesta en el pequeño estado de Mónaco. Días inolvidables… para ellos y para el resto del mundo. Fue una de las bodas más recordadas del S.XX y probablemente la novia más admirada e imitada de todos los tiempos.

Curiosidades de la boda de Grace Kelly

Sobre la novia y su traje se ha escrito hasta la saciedad. Yo hoy me voy a quedar con algunas anécdotas de la boda, que es probable que desconozcáis y que me han resultado curiosas:
  • Francia sufrió una huelga general de electricidad la noche anterior al primer encuentro de Grace Kelly con Rainiero III. Toda la ropa de la princesa Grace estaba muy arrugada después del largo viaje, y no pudo ser planchado el traje que tenía previsto lucir, por lo que tuvo que optar por un sencillo vestido negro estampado en flores, que no estaba tan arrugado como el resto.
  • El anillo de pedida un diamante en talla esmeralda de 10,47 quilates, montado en platino. Grace lo lució durante la filmación de «Alta sociedad» y se puede ver en la película.
  • Como regalo de boda, Rainiero obsequio a Grace con un magnifico juego completo de collar, pulsera y pendientes de Van Cleef & Arpels. Conjunto que podéis apreciar en la fotografía adjunta.
  • Los monegascos regalaron a Grace y Rainiero un Rolls Royce descapotable, negro y crema como regalo de boda. Después de la ceremonia religiosa, la pareja condujo por las calles de Montecarlo para que todos los ciudadanos pudieron disfrutar de la belleza de la novia y la felicidad de la pareja.
  • Aristóteles Onassis obsequió a Rainero III y la Princesa Grace como regalo de boda con un yate, el “Deo Juvente II”. Con él, la pareja viajó por todo el Mediterráneo durante su luna de miel. Me resultó curiosa la historia del Deo JuventeII, del podéis saber más en el siguiente link: Historia del Deo Juvente II.
  • Rainiero encargó a la casa Creed la creación de un perfume exclusivo, para que Grace lo utilizara en el día de la boda. Su nombre: «Fleurissimo». Fue otro de los detalles con los que Rainiero agasajó a la novia. El perfume fue fabricado en exclusiva para la princesa hasta 1972, fecha en que comenzó a comercializarse al público. Posteriormente fue usado por iconos como Jacqueline Kennedy Onassis o Madonna. He encontrado un precioso articulo en español: Olibanum:Cuaderno de Fragancias
  • Toda la población adulta de Mónaco fue invitada a la celebración de la boda. Resulta curioso imaginarse un jefe de estado invitando a todos sus súbditos a su banquete de bodas. En un pequeño estado como Mónaco eso fue más sencillo, no obstante se reunieron más de 3.000 monegascos.
  • La Metro-Goldwyn-Mayer, como regalo de boda obsequió a Grace todo el vestuario de «Alta sociedad» (su última película), así como el magnífico vestido de boda diseñado por Helen Rose.
  • Bajo el vestido de boda, las enaguas de Grace tenían diminutos lazos de satén azul.
  • Grace llevaba «El manual de la novia» de J.M. Lelen, durante su boda con el Príncipe Rainiero. El libro fue un regalo de un amigo de la familia, Mr. John F. McCloskey de Chestnut Hill, y fue decorado por el departamento de vestuario de la M-G-M.
  • Los zapatos de novia de Grace fueron diseñados por David Evins. Se fabricaron con un penique de cobre en el zapato derecho, para darle suerte. Una creencia popular dice que Grace llevaba zapato plano para que no fuera mucho más alta que Rainiero. Los zapatos tenían un tacón 6,35 cms.
  • Grace fue peinada por Sydney Guilaroff, uno de los peluqueros favoritos de Marilyn Monroe, que trabajó con Greta Garbo, Greer Garson, Judy Garland, Elizabety Taylor, Joan Crawford, Ava Gardner, Lana Turner, entre muchas otras.
  • Joseph Hong, de Neiman Marcus, diseñó los vestidos de las damas de honor, y Patricia Kidder los fabricó. Estaban hechos de organdí de seda amarilla, sobre una bajo falda de tafetán de seda amarilla.
  • El ramo de novia de Grace era de lirio de los valles. Grace dejó el ramo en el altar de la capilla de St. Devote después de la boda. Las damas de honor llevaban rosas de té.

  • Después de la ceremonia, Grace donó el vestido al Museo de Arte de Philadelphia, ciudad en la que había nacido.
  • La Princesa Grace y Rainero III pasaron parte de su luna de miel en el hotel Formentor de Mallorca.
En total 16 curiosidades de la boda de Grace Kelly y Rainiero de Mónaco. Pero yo me quedo con esta frase de Oscar de la Renta:
 
«En el día de su boda, Grace Kelly da un nuevo significado a la palabra «icono». Todo su aspecto, desde el regio velo hasta los femeninos detalles de encaje y el conservador vestido, hacen de ella una novia atemporal.»
 
Os dejo el link a tres curiosos vídeos que he encontrado en Youtube sobre la boda:

Por último os dejo el link a una página americana que vende una Barbie vestida de Grace Kelly el día de su boda.

Lisner, la joyeria «Richelieu»

Aunque hasta hace poco las piezas de Lisner no eran muy apreciadas por los coleccionistas, últimamente sus precios han ido subiendo y están ganado muchos adeptos entre los coleccionistas modernos.

David Lisner nació en Alemania en 1846. En 1864, Lisner y su familia emigraron a Nueva York. Su padre Selig y sus hermanos George y Abraham eran comerciantes. David Lisner fundó su empresa D. Lisner & Co. en 1904 establecida en Nueva York. A principios del siglo XX, el hijo de David Lisner, Sidney, y un primo Saul (Solomon) Ganz se unieron a la empresa.

En un principio, la compañía hacía sus propios diseños de joyería de buena calidad y no los marcaba. Fue justo antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, cuando Lisner se convirtió en el agente oficial en los Estados Unidos de Elsa Schiaparelli, importando y vendiendo las piezas de la diseñadora francesa. Además, tenía la licencia para producir su joyería y accesorios en los Estados Unidos, venderla y distribuirla.

En los años 30 la compañía Whiting & Davies, conocida por sus bolsos de malla de metal, fabricó algunas piezas para la marca.

Pero el gran apogeo de Lisner llegaría en los 50s. La joyería que produjo en esos años llegó a ser muy popular por sus combinaciones de colores, sus atractivos diseños y, sobre todo, su bajo precio.

La base de estas piezas era la lucita o plexiglás, un material desarrollado por Dupont en 1937. Un plástico acrílico que se podía colorear y moldear.

El Presidente de la compañía en esa época era Victor Ganz, un genio creativo con instinto para la moda. Fue lo suficientemente sagaz para desarrollar el estilo comercial y limpio que mantiene a las piezas de Lisner con la misma frescura que en el momento que fueron creadas.

Los diseños estaban colocados sobre bases cromadas o bañadas en plata y, a partir de los 60, en «blackjapanned metal» (que es un tipo de lacado en negro sobre metal). Estas piezas sobre base negra fueron populares en su día y muy codiciadas hoy.

Lisner-1959-Aurora-Borealis

 

Lisner-1962-Golden-Treasures

A finales de los 50 y principios de los 60 Lisner introdujo una nueva gama, marcada como «Richelieu», que era de mejor calidad y más cara. Las piezas son más escasas hoy día y, si están en buenas condiciones, los precios pueden ser relativamente altos.

Los precios de los diseños de Lisner han comenzado a subir últimamente, debido a que las piezas de otros diseñadores de la época se han puesto por las nubes. En la medida que el precio de piezas de diseñadores más premiados sube, las piezas de menor precio, tales como las de Lisner, crecen en demanda. Las piezas marcadas y bien diseñadas están llamadas a incrementar su valor.

La compañía usó la marca «LISNER», en mayúsculas, para sus propias piezas por primera vez en 1935. Desde 1959 se utilizó «LISNER» en mayúsculas con una «L» alargada. Sin embargo los compradores deben tener en cuenta que los moldes y sellos se reutilizaron posteriormente, así que la marca no es un indicador fiable de la fecha de una pieza.

Lisner compró Richelieu Pearl Company a mediados de la década de 1970 y la empresa pasó a llamarse Lisner-Richelieu Corp. Victoria Creations compró Lisner-Richelieu en 1979 pero, después de otra rotación de propiedad, el nombre de Lisner dejó de aparecer en las joyas a mediados de la década de 1970-80.

IMÁGENES:

Jewelry Patent Proyect

El Oro: Tipos de baño para las joyas

Hoy queremos hablaros del oro y los tipos de baño de oro que existen. Es un post un poco más informativo para que entendáis como se hacen las joyas bañadas en oro. Es cortito pero contiene mucha información! 

El oro

Metal amarillo, el mas dúctil y maleable de todos, y uno de los mas pesados, solo atacable por el cloro, el bromo y el agua regia, que se encuentra siempre nativo en la naturaleza, y en polvo finisimo forma la purpura de Casio. Cristaliza en el sistema regular (hexaedro, octaedro, trisquisoctaedro) o en dendritas, frecuentemente en agujas o granos, dando a estos el nombre de pepitas (de oro) cuando ya son de cierta dimensión.

Sus yacimientos se encuentran en aluviones, filones y también entre las rocas sedimentarias. Aunque nativo, no se encuentra en estado de pureza absoluta, ya que aparece siempre aleado con otros metales, en especial con la plata. Cuando esta proporción es de 1 ⁄ 3 se le da el nombre de electrum. Mientras que en otros casos contiene paladio, platino, rodio etc Con el cobre y la plata se alea con fines prácticos, para darle mayor dureza, sin modificar apenas su maleabilidad. 

Oro chapado

Para recurrir mecánicamente de una capa de oro una lámina de cobre etc, se baña primero su superficie, cuidadosamente lavada, con una disolución de una sal de oro, para formar así una delgada capa de oro, y se une luego esta con una chapa fina de oro al calor rojo por presión entre cilindros.

Oro galvanico

Como baño se emplea una solución de cianuro auricopotásico, que se prepara disolviendo en 1000 partes de agua destilada, 10 de clorhidrato de cloruro áurico y 100 de cianuro potásico. Como electrodo positivo sirve una plancha de oro y como electrodo negativo el objeto que se va a dorar.

Oro molido

Procedimiento de dorado a fuego, hoy sustituido por el chapado. Se extendía una amalgama de oro y mercurio sobre la superficie del objeto que se quería dorar (generalmente, bronce o latón) de manera uniforme, a pincel. Y después se calentaba cuidadosamente para que se evaporara el mercurio (de ahí el nombre de “dorado a fuego”) quedando solamente la capa de oro como revestimiento.

Tiara Poltimore: La historia de esta joya

Hoy queremos hablaros de una tiara espectacular, se trata de la Tiara Poltimore. Queremos hacer un recorrido sobre la historia de esta joya tan impresionante y descubriros alguna que otra curiosidad. 

Cuando más conocida se hizo esta tiara podemos decir que fue cuando la lució la Princesa Margarita el día de su boda, el 6 de mayo de 1960. Pero, ¿a quién pertenecía esta tiara?

Poltimore

La diadema tiene una rica historia. Conocida como la tiara de Poltimore, perteneció originalmente a Lady Poltimore (Florence Bampfylde), la esposa del segundo barón Poltimore. De hecho, Margaret, la esposa del tercer barón Poltimore, usó la tiara en la coronación del rey Jorge V en 1911.

El nieto de Lady Poltimore, el cuarto barón Poltimore, puso la tiara a la venta en una subasta en 1959. Allí, fue donde la Princesa Margarita la compró por 5.500 libras.

La Princesa Margarita, a pesar de tener acceso a las joyas de la corona (la duquesa de Cambridge, por ejemplo, usa tiaras que le prestó la reina), la entonces joven de 29 años quería algo que pudiera llamar suyo. “Es algo tan moderno”, le dijo a Vogue Sara Prentice, directora creativa de House of Garrard. “Estamos descubriendo cada vez más que las mujeres compran para sí mismas, pero allá por 1959, ella lo eligió por sí misma. Debe haberle encantado hacer eso”.

Un año y medio después, el 6 de mayo de 1960, la princesa Margarita lució la tiara en la ocasión más importante: su boda con Antony Armstrong-Jones. Ahora era parte de la historia. Se convirtió en la tiara más asociada con la princesa Margarita, de hecho su esposo la fotografió en la bañera con ella puesta. 

La Princesa Margarita, no solo lució la tiara a modo de tiara, sino también como collar y broches. Porque si, esta tiara puede convertirse en collar y nada menos que 11 broches. 

La tiara Poltimore

Fabricada en 1870 por House of Garrard en Londres, es el epítome del estilo de joyería de la era victoriana: los diamantes en forma de cojín y de talla antigua  evocan la flora y la naturaleza. Estos se alternan con motivos de volutas engastados con diamantes, cada uno coronado por terminales de diamantes de talla antigua, hasta la línea de diamantes engastados en pinza, montados en plata y oro. 

Como comentamos antes, la tiara puede convertirse en collar y en 11 broches. Toda una auténtica joya. 

El paradero exacto de la tiara de Poltimore hoy en día se desconoce públicamente. Con el fin de recaudar fondos para cubrir los exorbitantes impuestos sobre sucesiones, los hijos de la Princesa Margarita subastaron la pieza en Christie’s en Londres el 13 de junio de 2006 junto con otras 90 joyas y muchas de sus otras posesiones personales. La tiara se vendió por £926,400. Naturalmente, algunos pensaron que la familia real debería haber comprado la joya histórica. El drama que lo rodea es realmente digno de un episodio completo de The Crown. De hecho, en la temporada 3 de la serie se vislumbra una escena que recrea el momento de Margaret en la bañera con la tiara Poltimore.

Y a ti, ¿qué te parece esta tiara? A nosotras nos vuelve locas!! Es que las novias con tiara son nuestra perdición. Te dejamos el link a nuestra colección de tiaras por si te interesa. 

Ava Gardner: Sus tres bodas

Ava Lavinia Gardner, conocida mundialmente como Ava Gardner fue una de los mayores mitos de Hollywood del siglo XX. Nacida en Grabtown, Carolina del Norte, el 24 de diciembre de 1922, fue la menor de siete hermanos. Sus padres, Mary Elizabeth «Molly» y Jonas Bailey Gardner eran aparceros del tabaco y vivían humildemente. Ella era de ascendencia inglesa y escocesa-irlandesa.

La infancia de Ava Gardner

Ava fue criada en la fe bautista de su madre. Cuando ella y sus hermanos aún eran pequeños, la familia perdió su casa. Molly recibió una oferta para trabajar como cocinera y ama de llaves en un alojamiento para maestros en la escuela cercana Brogden. Esta incluía pensión para la familia y Jonas pudo continuar cultivando tabaco como aparcero y complementó la disminución del trabajo con trabajos eventuales en aserraderos.

En 1931, la escuela cerró, lo que obligó a la familia a renunciar finalmente a sus sueños de propiedad y se mudaron a una ciudad más grande, Newport News, Virginia, donde Molly encontró trabajo administrando una casa de huéspedes para muchos trabajadores marítimos de la ciudad. Mientras estaban en Newport News, Jonas se enfermó y murió de bronquitis en 1938, cuando Ava tenía 15 años. Después de la muerte de su padre, la familia se mudó a Rock Ridge, cerca de Wilson, Carolina del Norte, donde Molly dirigía otra pensión para profesores. Ava asistió a la escuela secundaria en Rock Ridge y se graduó allí en 1939. Luego asistió a clases de secretariado en Atlantic Christian College en Wilson durante aproximadamente un año.

Su carrera

Hoy queremos centrarnos en sus tres bodas, pero no podemos dejar de mencionar como se hizo conocida. 

Gardner estaba visitando a su hermana Beatrice en la ciudad de Nueva York en el verano de 1940, cuando el esposo de esta, Larry Tarr, un fotógrafo profesional, se ofreció a tomar su retrato como regalo para su madre Molly. Estaba tan contento con los resultados que exhibió el producto terminado en la ventana delantera de su Tarr Photography Studio en la Quinta Avenida. 

Un empleado legal de Loews Theatres, Barnard Duhan, vio el retrato de Gardner en el estudio de Tarr. En ese momento, Duhan a menudo se hacía pasar por un buscador de talentos de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para conocer chicas. Pero esta vez, no consiguió que la recepcionista del estudio les diera el teléfono de Ava. Así que les comento que «Alguien debería enviar su información a MGM», y los Tarr lo hicieron de inmediato.

Poco después, Gardner viajó a Nueva York para ser entrevistado en la oficina de MGM por Al Altman, jefe del departamento de talentos. Con las cámaras rodando, le indicó a la joven de 18 años que caminara hacia la cámara, se diera la vuelta y se alejara, luego reorganizó algunas flores en un jarrón. No intentó grabar su voz porque su fuerte acento sureño le dificultaba entenderla. Sin embargo, Louis B. Mayer, jefe de MGM, envió un telegrama a Altman: «Ella no puede cantar, no puede actuar, no puede hablar, ¡es excelente!» Le ofrecieron un contrato estándar por el estudio y dejó la escuela para ir a Hollywood en 1941, con su hermana Beatrice acompañándola. Lo primero que hizo MGM fue proporcionarle un entrenador de oratoria, ya que su acento de Carolina era casi incomprensible para ellos y Harriet Lee como su profesora de canto.

Ava Gardner

Así es como Ava Gardner pasó a ser el icono que todos conocemos. Conocida mundialmente por su exuberante belleza como “el animal más bello del mundo”. Su vida sentimental estuvo plagada de infortunios a pesar de haber contraído matrimonio en tres ocasiones.  

Su primera boda fue con el entonces popularísimo Mikey Rooney. Le conoció el día en que la contrataron para la MGM. Cuando estaba conociendo los estudios apareció Mikey disfrazado de Carmen Miranda, y quedó prendado de su belleza. Se casaron en enero de 1942 en la iglesia presbiteriana de Ballard rural (California). No hubo traje blanco de novia, los novios con unos sencillos trajes sastres adornados con una gran orquídea blanca ella, y un clavel blanco él, se dieron el “Sí quiero”. El matrimonio fue un fracaso, debido a la inmadurez de los dos. Tan solo un año se divorciaron.

Segundo matrimonio

El segundo matrimonio, en octubre de 1945, fue con el clarinetista de jazz. Para esta segunda boda, Ava elige otro traje sastre muy parecido al de su primer matrimonio. Incluso podríamos asegurar que llevaba la misma gran orquídea blanca sobre su pecho. Artie resultó ser un snob que detestaba todo lo referente a la vida profesional de Ava. La ninguneaba por su falta de cultura y se esforzó en culturizarla obligándola a  matricularse en la universidad a distancia de California, o llevándola a reuniones culturales para que aprendiera… Pero con esto solo consiguió que Ava perdiera la confianza en sí misma y tuviera verdaderos problemas de autoestima, hasta el punto de tener que ponerse en tratamiento psiquiátrico. Gardner empezó a abusar del alcohol: “ Me emborrachaba porque me sentía insegura”. El matrimonio no aguantó y duró escasamente un año.

Tercer matrimonio

El tercer matrimonio fue con el conocidísimo Frank Sinatra. Fue todo un acontecimiento en el mundo del espectáculo. Después de un tormentoso noviazgo se casaron en Filadelfia (Pensilvania) en noviembre de 1951. Esta vez la novia cambiaba de look: lució un bonito vestido de novia muy de los años 50, con un cuerpo de escote halter adornado de picos hechos de tela  muy sensual. Y una falda de cintura alta con silueta A-Line confeccionada de tela semitransparente. Esta vez cambió la orquídea por un bouquet de bonitas flores blancas. 

Parece que ha encontrado al hombre se su vida. Pero no es así. La carrera de Frank está en declive y aparecen los celos tanto profesionales, como personales, las peleas son continuas, y el alcohol hace estragos entre ellos… El matrimonio se separa dos años después y se divorcian en 1957. Que  hubo amor entre ellos no hay duda, un amor mal entendido, pero se querían. La prueba de ello es que Frank siempre estuvo cerca de Ava en los momentos más difíciles de la actriz y cuidó económicamente de ella hasta su muerte. 

Feliz Navidad y Feliz 2023

Parece mentira que ya haya terminado 2022. A nosotras desde luego se nos ha pasado volando!!! Seguramente, parte de que los días y meses se nos pasen tan rápido es porque trabajamos haciendo lo que más nos gusta. Y dicen que, cuando haces lo que te gusta, no es trabajo no? Desde luego nosotras amamos nuestro trabajo, y estamos muy felices de poder empezar un año más juntas. Un año que vendrá repleto de novedades, tanto de joyas, con nuevos diseños, como sorteos y otras muchas sorpresas que os tenemos preparadas.

Sobre todo queremos agradeceros que sigáis con nosotras día a día, apoyando nuestro trabajo y compartiendo esta pasión por las joyas antiguas que nos une. Sois vosotras/os los que conseguís que podamos seguir dedicándonos a lo que nos apasiona.

Daros la bienvenida a todas/os los que nos habéis conocido este año y nos seguís y comentáis en redes sociales. Aprovecho para dejaros nuestra cuenta de instagram, en la que somos super activas y todos los días os subimos alguna joya nueva, y videos de nuestras piezas. Hablando de vídeos, con ellos empezamos más seguidamente este año, y ya sois muchas/os los que nos decis que os encantan porque os permite ver las joyas mucho mejor que en foto. Seguiremos haciéndolos por supuesto, pero recordaros que siempre que queráis podéis escribirnos por WhatsApp (660116577) para que os mandemos fotos y videos de las piezas que os gustan. 

Os deseamos una muy feliz navidad, un prospero año nuevo y que seais muy muy felices!!! ¡Nos vemos en 2023 con muchas ganas!

Un abrazo muy fuerte

María y Carola

Kramer: Un diseñador de joyas exquisito

Kramer fue fundada en Nueva York en 1943 por el diseñador Louis Kramer con sus hermanos Morris y Henry, que pronto se unieron a la compañía. Astutamente, los productos de su marca se lanzaron en todos los rangos de precios.

Los diseños de alta joyería.

Su joyería de gran calidad era una de las más lujosas y artísticas, usando diamantes y pedrería «pavé». La traducción literal de pavé es “pavimentar” o “adoquinar”. Recibe este nombre porque las piezas están realizadas con trozos de cristal unidos como las calles adoquinadas, también perlas simuladas, lapislázuli, jade, rubí y piedras de zafiro. También realizaba trabajos de «diamanté» (que es lo mismo pero con diamantes). Como su contemporáneo Albert Weiss, Louis K. favoreció un estilo de diseño rico en piedras.

Kramer prefirió patrones abstractos y sus diseños geométricos encontraron favor en los 50 cuando se produjo el conocido «Golden Look” (el look dorado) donde se comenzó a usar metal bañado en oro. Y en los 60, el «Diamond Look” (el look de diamante) donde se utilizaba con plata bañada para conseguir un efecto hielo. Otros diseños clave incluían pedrería cubierta con una red negra. Sus diseños eran siempre innovadores y bien realizados. La joyería de más alto precio de la compañía, estaba marcada normalmente como «KRAMER» o «KRAMER OF NEW YORK». Mientras que las piezas de menor precio solamente llevaban una etiqueta. 

Junto con muchos otros diseñadores de bisutería, también hizo pasadores con temática navideña, que fueron especialmente populares durante la guerra de Corea, cuando las madres y esposas se las llevaban a sus hombres.

Kramer x Christian Dior

Louis Kramer creó diseños exuberantes y relucientes para adaptarse a todos los bolsillos de la época. Tal era el calibre de su trabajo que fue invitado para fabricar bisutería para Christian Dior en los primeros en 1950, con la marca «Kramer for Christian Dior» y «Dior by Kramer». Kramer creó muchas piezas de calidad hechas a mano, que tenían bonitos y espectaculares diseños. Estos incluían flores, insectos, mariposas, coronas, tortugas, pájaros… sólo por nombrar unos pocos. Produjo piezas de joyería con la mejor pedrería y cristal Austriaco, perlas simuladas en gran variedad de colores. Las perlas simuladas consistían en cuentas hechas para parecerse a una perla, sin serlo realmente. 

La casa Dior insistía en que la bisutería que se vendía bajo su nombre debía reflejar la calidad del diseño de la compañía. Y sólo a los joyeros más reputados se les encargaban dichas piezas. Dior reconoció el arte y buen hacer de Kramer. Las piezas «Dior by Kramer» o «Kramer for Christian Dior» son altamente codiciadas por los coleccionistas y los precios son cada vez más altos. Christian Dior favoreció el movimiento en su joyería y se pudo haber inspirado en el uso que Kramer hacía de gotas de cristal puestas en anillos de engarce, los cuales capturaban la luz a medida que la persona se movía.

Cómo reconocer una pieza de Kramer

El nombre de «Kramer NY» en un engaste de metal en tono de peltre (el peltre es una aleación de estaño) fecha una pieza entre los 40 y los 50, siendo esta época considerada la mejor de Kramer. Desde finales de los 50 hacia delante, las piezas estaban marcadas como «Kramer» en una placa oval o triangular. Otras marcas a destacar incluyen «Amourelle», una línea establecida por el diseñador Frank Hess (antes diseñador de Haskell, que fue a trabajar para Kramer en 1963), extremadamente rara. Y «Kramer Setting», que data de la II Guerra Mundial. En esta época era cuando se usaba plata Sterling porque otros metales estaban restringidos para su uso en la guerra. La compañía cesó su producción a finales de los 70. 

Los coleccionistas buscan anchos brazaletes con sutiles paletas de color, grandes petos (o pecheras, o baberos) de pedrería, lazos y collares de catarata. Son valiosos los accesorios completos con el sello de la compañía. Junto con su contemporáneo Weiss, Louis es hoy día cada vez más reconocido de lo que fue en su tiempo, y sus precios no hacen más que subir. 

A vosotras, qué os parecen sus joyas? Sin duda son piezas únicas, con diseños espectaculares que no pasarán nunca de moda.

Tanzanita: Piedra natal del mes de diciembre

Parece mentira que ya hayamos llegado al último mes de año, a mi desde luego se me ha pasado volando!! Las piedras natales de este mes son la turquesa, la tanzanita y la circonita. Como de la turquesa ya hablamos en un post anterior (te lo dejo aquí) y de la circonita también (te lo dejo aqui), vamos a hablar de la tanzanita. 

La Tanzanita

Es la variedad azul y violeta del mineral zoisita (un hidroxisorosilicato de calcio y aluminio), causada por pequeñas cantidades de vanadio. No fue hasta 2002 que la tanzanita se convirtió en la piedra natal del mes de diciembre.

El nombre «tanzanita» se le dio porque el único depósito de tanzanita de importancia comercial conocido en el mundo se encuentra en el norte de Tanzania. El nombre refleja el origen geográfico limitado de la gema. Todas las minas están ubicadas en un área de aproximadamente ocho millas cuadradas en Merelani Hills, cerca de la base del Monte Kilimanjaro y la ciudad de Arusha.

Aunque casi todas las piedras preciosas más populares del mundo se conocen y utilizan desde hace cientos de años, ésta no se descubrió en cantidades comerciales hasta la década de 1960. En poco tiempo desde entonces, se ha convertido en la segunda gema azul más popular después del zafiro.

Dado su atractivo color, rareza y la publicidad que acogió su descubrimiento, el valor de esta piedra es bastante alto. Apenas un poco menor que el de los zafiros azul-violeta a los que se parece. Pero rara vez se ve en el mercado y es, en gran medida, un artículo de colección. Tiffany tiene una de las exhibiciones de tanzanita más grandes y hermosas del mundo.

«La tanzanita es la piedra azul más hermosa descubierta en 2000 años». – Tiffany&Co.

Significado de la Tanzanita según su color

Por un lado, la tanzanita violeta representa majestuosidad. Se cree que inspira una sensación de asombro, misterio y magia. Cuanto más oscura es la piedra, más valiosa es y más lujoso se vuelve su significado.

Las piedras de tanzanita más oscuras se han asociado durante mucho tiempo con la realeza debido a la profundidad y riqueza de su color. También se cree que tienen un fuerte significado para los logros y los sueños de uno. Además de representar una guía para convertir los grandes sueños en realidad.

Tanzanita

Se cree que las gemas de tanzanita color índigo representan el corazón y el intelecto combinados con la intuición y la pureza. Estas piedras se utilizan como símbolos de dignidad, verdad, juicio y longevidad.

Vintage by Lopez-Linares

Como veis, la tanzanita es una piedra preciosa muy rara y valiosa. Nosotras en nuestra colección de joyas no tenemos ninguna con esta preciosa piedra. Al menos por ahora. Pero si tenemos con las otras piedras del mes de diciembre: La turquesa y la circonita. Te dejamos el link a nuestra web aquí por si quieres visitar nuestra colección.