Maria Felix: Sus espectaculares joyas Cartier

María de los Ángeles Félix Güereña nació en abril de 1914 y fue una conocidísima actriz y cantante mexicana. Junto a Pedro Armendáriz y Dolores del Río, fue una de las figuras más exitosas del cine latinoamericano de las décadas de 1940 y 1950. Considerada una de las actrices más bellas de la Época de Oro del cine mexicano, su gusto por la delicadeza y fuerte personalidad le valieron el título de diva al inicio de su carrera. 

Hoy queremos hablaros un poco de María Félix, pero queremos centrarnos sobre todo en las espectaculares joyas que lució a lo largo de su vida.

María Félix

Maria, era hija de un militar y contaba con quince hermanos. Durante su infancia vivió en Álamos y más tarde se mudaron a Guadalajara. Fue en esta ciudad, cuando ella tenía 17 años, que comenzó a llamar mucho la atención por su increíble belleza. Llegó a ser Reina de Belleza de la Universidad de Guadalajara. 

Fue en esta misma época que Maria Felix conoció a Enrique Álvarez Alatorre, vendedor de la firma de cosméticos Max Factor. Entre los dos surgió un romance y llegaron a casarse y tener un hijo: Enrique “Quique”. Tras 6 años de matrimonio la pareja decidió divorciarse, y Maria regresó con su familia a Guadalajara. En aquella época el divorcio no estaba muy bien visto, y Maria sentía como la gente cotilleaba y comentaba que era divorciada. Por ello, decidió mudarse a Ciudad de México con su hijo, y así alejarse de todos los cotilleos. 

Su vida profesional

Una tarde después del trabajo mientras caminaba por la calle en la Ciudad de México, el director y cineasta Fernando Palacios se le acercó para preguntarle si quería hacer películas. Su respuesta fue:

«Cuando yo quiera, será por la puerta grande».

Palacios finalmente la convenció de incursionar en el cine. Su carrera como actriz consta de 47 películas realizadas en México, España, Francia, Italia y Argentina. Llamada “la diosa suprema del cine en español” por The New York Times. Pero Maria no solo trabajó como actriz, también lo hizo como modelo para muchos pintores de renombre. MAria tuvo una vida apasionante, pero hoy queremos centrarnos en sus joyas. Si queréis que hablemos sobre su vida más en profundidad, no tienes más que decírnoslo en comentarios.

Las joyas de María Félix

Parece claro que María Félix se identificó con las serpientes por todo el simbolismo de creatividad, sabiduría y fuerza que representan estas criaturas. Usó joyas de serpiente durante toda su vida adulta. Aunque también utilizó muchas joyas de otros reptiles, tenía predilección por ellos. Su estilo se volvió mucho más audaz a mediados de la década de 1960, un período en el que su residencia principal estaba en París con su tercer marido, un empresario suizo llamado Alexander Berger. Alrededor de 1966 visitó el buque insignia de Cartier en la rue de la Paix y encargó un collar de serpiente que quería que fuera del tamaño de, bueno, una serpiente grande.

El collar de serpiente

Como podéis ver en la foto, el tamaño de la serpiente es imponente. El collar esta compuesto de platino, oro amarillo, dos esmeraldas que conforman los ojos y esmalte verde, rojo y negro. La espectacular pieza contiene un total de 2.473 diamantes de talla brillante y baguette (con un total de 178,21 quilates). Los artesanos de Cartier tardaron dos largos años en crear esta joya, hoy emblemática de la Maison Cartier. El amor entre María y Cartier se convirtió en un hito de la joyería, creando continuamente joyas para ella.

El collar de cocodrilo

En 1975, Félix le encargó su joya de reptil más excepcional: un collar doble de cocodrilo. La legendaria historia detrás del diseño es que La Doña entró en Cartier abrazando un pequeño cocodrilo bebé vivo que traía como fuente de inspiración. Quería encargar un collar réplica de su querida mascota.

Cartier se tomó una licencia creativa para crear dos cocodrilos en lugar de uno, e iluminarlos de oro amarillo con gemas. Un cocodrilo está cubierto con 1.023 diamantes amarillos de talla brillante que pesan 60,02 quilates. Cabujones de esmeralda en forma de navette forman los ojos. El otro está cubierto con 1.060 esmeraldas que pesan 66,86 quilates. Tiene ojos cabujón de rubí. Los cocodrilos se pueden usar individualmente como broches o se pueden unir para formar un collar.

Los pendientes de serpiente

Unos años después de adquirir el collar de serpiente, Félix encargó de manera especial un audaz par de pendientes de serpiente dorados con esmalte turquesa que cubría las escamas de la cabeza y la punta de la cola. Pequeños rubíes forman los ojos. Si bien los pendientes están lejos del aspecto de un artículo de Cartier, se sienten más como la colección de animales de la joyería francesa hecha a lo largo de los años. Son parisinos y salvajes, es decir, elegantes. En la foto más abajo podemos ver como luce estos pendientes y su enorme tamaño.

Maria Felix lució numerosas joyas a lo largo de su vida. Todas mezcladas, muchas pulseras juntas, collares, anillos… Podríamos decir que las luce de “manera exagerada”. Pero nosotras tenemos que reconocer que ¡NOS ENCANTA!. Esa forma de lucir tantas joyas a la vez, de forma tan elegante y a cada una más impresionante. El “menos es mas” no existía para ella, y aunque en ocasiones funciona muy bien, el estilo de Félix a nosotras nos apasiona. 

Bibliografía

https://theadventurine.com/

https://en.wikipedia.org/

https://nudemagazine.com/

Cruces a lo largo de la historia

Uno de los símbolos que más ha estado de moda en la joyería en los últimos años ha sido, sin duda, la cruz. Las cruces se han utilizado en joyería para colgantes, broches, pendientes, pulseras… Con multitud de formas y estilos diferentes, utilizadas con fines muy variados. Hoy os queremos contar la historia de las cruces a lo largo de la historia. 

La cruz

Según la Real Académica de la Lengua se define la cruz como:

  • Figura formada por dos líneas que se atraviesan o cortan perpendicularmente.
  • Insignia y señal del cristiano, en memoria de haber padecido en ella Jesucristo.
  • Distintivo de muchas órdenes religiosas, militares y civiles.

Historia de las cruces

La figura de la cruz es uno de los símbolos más grandes y antiguos en la historia de la humanidad. Se han descubierto muestras de cruces desde la época de la prehistoria. Incluso, se han encontrado piedras de arcilla de unos 10.000 años de antigüedad en las que están grabadas imágenes de cruces. 

En Europa se descubrieron, en cementerios y lugares sagrados, algunos objetos datados de la Edad de Bronce en los cuales había cruces grabadas en ellos.

En Egipto, la cruz llamada Anikh o Anj era el símbolo de la vida. Hay imágenes de una princesa egipcia con siete cruces en forma de hojas de papiro sobre su cabeza. Esta cruz egipcia, fue adoptada más tarde por los cristianos coptos de Egipto.

Los españoles al llegar a América, se encontraron también con dibujos de cruces en las culturas Azteca e Inca.

Se han encontrado cruces incluso en la antigua cultura China. Y en Cnosos de Creta se encontró una cruz de mármol que data nada menos que del siglo XVII a.C.

En la época de Alejandro Magno, la cruz se conviertió en un símbolo de tortura, ya que se sacrificaban y crucificaban en ella a los prisioneros de guerra. También los babilonios, los persas y los cartagineses emplearon la cruz para estos fines de tortura bélica. Esta costumbre pasó a Grecia, donde además fue también un signo de divinidad. Hay una imagen de esta época donde se ve a Baco llevando una banda sobre la cabeza cubierta de cruces. De Grecia pasó a Roma, donde se aplicaba la muerte en la cruz a delincuentes, asesinos, sacrílegos y enemigos del gobierno. Esta costumbre se mantuvo en Roma hasta el siglo IV d.C cuando definitivamente fue abolida en todo el imperio.

La cruz como simbolo Cristiano

Como hemos visto, la cruz ha estado presente en prácticamente todas las culturas del mundo a lo largo de la historia. 

Para los cristianos la cruz es signo de salvación y representa a Cristo. Pero esto no siempre ha sido así. Durante los tres primeros siglos, los cristianos que sufrían toda clase de persecuciones, se identificaban entre ellos con otros símbolos como el pez, el pastor, la paloma…

No fue hasta que llegó el emperador romano Constantino, hacia el año 312 d.C cuando la cruz empezó, poco a poco, a ser el nuevo símbolo del Cristianismo. La leyenda cuenta como Constantino, que por cierto, no era cristiano, el día antes de la batalla contra el ejército de Majencio tuvo una visión: vio en el cielo una enorme cruz y oyó una voz que decía: “por este signo vencerás”. Mandó entonces señalar con este signo todos los escudos de su ejército y, al día siguiente, ganó la batalla. 

Adoptó el Crismón como símbolo y estableció oficialmente la religión Cristiana en todo el imperio. El término crismón es la denominación de la más usual de las representaciones del cristograma​ o monograma de Cristo: XP.

crismon

Constantino se convirtió al Cristianismo antes de morir. Y desde entonces, poco a poco, la cruz se fue convirtiendo en el símbolo Cristiano. Ya en el siglo III se habla de “los religiosos de la cruz” para definir a los cristianos.

Las cruces en la Edad Media

La técnica propia de la joyería romana, se combina con las filigranas de la tradición Bizantina. En esa época era muy común que en la orfebrería se utilizara el esmalte. Sobre todo para la técnica del Tabicado Bizantino. Normalmente, se trataba de objetos de uso ornamental o religioso como cruces, por supuesto.

Se empleaban el oro y la plata, aunque también el cobre. Y se empezaba a emplear el pan de oro y la técnica del alveolado (incrustación piedras preciosas, vidrio y otros materiales). 

Se sigue empleando el oro y la plata, y se empieza a emplear el pan de oro y la técnica del alveolado (incrustando piedras preciosas, vidrio y otros materiales).

Cruz de Lothair

Las cruces en el Renacimiento 

Con los nuevos avances tecnológicos de la época, se empezaron a poder tallar piedras preciosas de mayor dureza que las empleadas en épocas anteriores. Otra novedad es el empleo de piedras semipreciosas como la malaquita, el alabastro, el lapislázuli, etc. Estas quedaban engastadas en el oro o la plata, combinando muchas veces con esmaltes. 

Cruz

Las cruces en el Barroco

Los diseños de las cruces de la época Barroca se cargan con composiciones florales, vegetales, lazos, nudos…  Pero se siguen empleando piedras preciosas y semipreciosas en abundancia.

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La cruz en el Art Nouveau

En 1890 hace su aparición el “Art Nouveau», que rompe con todas las épocas anteriores. Sobre todo con la época de las joyas de estilo Victoriano. Se introducen nuevas formas y técnicas de esmaltado, terminando también con el reinado del diamante. Predominan las formas curvas y asimétricas. La naturaleza entra de pleno en la ornamentación de las joyas de esta época y  también en el diseño de las cruces. En ellas vemos motivos exóticos, que a veces combinan con alguna piedra preciosa o semipreciosa.

Las cruces en el Art Decó

A partir de 1920 aparece el nuevo movimiento artístico “Art Decó», rompiendo las formas exuberantes del Art Nouveau. En joyería, y por lo tanto también en las cruces, se busca la simplificación. Se inspira en las formas geométricas planas y superpuestas de los movimientos cubista y constructista. Y también toma inspiración de las culturas egipcias, precolombinas e hindúes.

Vintage by Lopez-Linares

Las cruces son para nosotras un imprescindible en nuestras colecciones. Ya no es solo que no pasen de moda, sino que nos encantan, tanto en pendiente como en colgante. Por eso queremos enseñarte algunas de nuestras joyas con cruces. ¡Que esperamos te gusten mucho!

Los pendientes de cruces no están en la web, pero si te interesan puedes escribirnos por WhatsApp al 660116577 y te damos toda la información. Puedes ver toda nuestra colección de cruces aquí.

cruces
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Trifari: Historia de la joyería

En el post de hoy queremos hablaros de la joyería Trifari. Como sabéis, nos gusta conocer la historia de la joyería y recorrerla a lo largo de los años a través de sus joyeros y marcas más famosas. Por eso, tenemos que contaros la historia de Trifari: que es, probablemente la mejor y más conocida marca-fábrica de bisutería en América.

Gustavo Trifari

El genio de la joyería de fantasía y fundador de la marca Trifari, Gustavo Trifari, nació en 1883 en Nápoles, Italia, en una familia de excelentes orfebres ya famosa en la ciudad a mediados del siglo XIX. Se inició en el arte de la joyería bajo la tutela de su abuelo Luigi. Años más tarde, en 1904 emigró a Estados Unidos. 

En 1910, fundó junto con su tío Ludovico, la empresa «Trifari & Trifari», pero dos años después, su tío abandonó la empresa. Gustavo continuó con una producción personal que gozó de enorme éxito durante muchos años. Y siguió creando colecciones de joyas espectaculares bajo el nombre de Trifari. 

Crear hermosas joyas de fantasía no fue poca cosa, y Trifari era conocido por sus rigurosas medidas de control de calidad. Muchos coleccionistas están de acuerdo en que las piezas de joyería Trifari, especialmente las de la década de 1930 a 1960, están muy por encima de las ofertas de la competencia. 

Trifari

Su éxito estos años no solo se debió a la gran calidad de sus joyas. También coincide con el momento en que Alfred Philippe se incorporó a la firma como jefe de diseñadores. Y los diseños empezaron a lucirlos estrellas de Broadway y Hollywood.

Materiales y técnicas

Los diseñadores de joyería de alta gama de la época usaban con frecuencia plata esterlina, o un acabado chapado en oro, para marcos de joyería engastados a mano. Los diseñadores de Trifari utilizaron estas mismas técnicas, pero usando materiales mucho menos costosos. 

Trifari utilizaba varios tipos de materiales, la mayoría de ellos bastante económicos. Todos ellos fueron elegidos por su potencial para convertirse en joyas de lujo de aspecto real. Estos son los materiales más comunes:

  • Perlas de imitación
  • Diamantes de imitación
  • Esmalte
  • Lucite (para hacer imitaciones de piedras preciosas)
  • Plata esterlina
  • Trifanium (metal base que se parecía a la plata o al oro)
  • Piedras semipreciosas (es decir, coral o jade)

Con el tiempo algunos de los materiales principales cambiaron, sin embargo, una cosa a la que se adhirieron fue el uso de materiales económicos. El valor de las joyas estaba determinado por la artesanía y la atención al detalle. 

El exito de Trifari

El mayor éxito se alcanzó cuando la primera dama Mamie Eisenhower, esposa del presidente Eisenhower, se atrevió a renunciar a los diamantes en un baile inaugural por algunas piezas decorativas que llevaban la marca Trifari. Después de eso, todas las damas querían ser igual de elegantes, especialmente porque los modelos eran clásicos y refinados, pero también asequibles.

De hecho, durante la década de 1950 a 1960 muchas otras marcas de joyería intentaron copiar a Trifari. Algunas de las colecciones que tenía estaban incluso patentadas, como por ejemplo Claire de Lune y Moghul. Es por eso, que hasta hubo un juicio en el que se acusó a Coro de copiar algunos de los diseños de Trifari, siendo este último quien lo ganó. 

Joyas más famosas: The Jelly Belly Brooches

En esta colección, se les conocía como “vientres de gelatina”, y los broches tenían la forma de una variedad de seres, desde abejas y tortugas hasta ranas, pájaros y cerdos. Una moda que a dia de hoy podemos seguir viendo. En nuestra colección tenemos varios broches de animales y siguen siendo un éxito a día de hoy.

Pero, ¿por qué se les conocía como «vientres de gelatina»? Porque tenían sus vientres hechos de lucita en tonos coloridos que se asemejaban a la textura de la gelatina. 

Trifari

Colección de joyas de perlas

Trifari también tenía una colección de joyas realizada con perlas de imitación, con un elaborado trabajo en metal. La bisutería parecía, por supuesto, real, y sin mirar muy de cerca, uno ni siquiera sabría que las perlas eran falsas.

Fue una joya de esta colección la que antes os contábamos que utilizó la Primera Dama Mamie Eisenhower y gracias a la cual se hizo tan famosa la marca. 

Trifari

Clip-mates

La colección Trifari “clip mates” fue una respuesta al estilo de doble recorte que solía estar de moda. En pocas palabras, era un tipo de broche que se podía separar en dos clips diferentes. Dependiendo del diseño, uno de ellos podría incluso usarse como colgante. 

Trifari

En nuestra colección de joyas también tenemos algún broche estilo “clip mate”. Que pueden utilizarse tanto juntos como separados. Y no solo como broche, sino que también puedes utilizarlo en el pelo, como accesrio y queda precioso.

Por supuesto que Trifari tiene muchisimas mas colecciones que estas que os estamos enseñando. Pero nos hemos querido centrar en ellas porque son piezas que nosotras también tenemos en Vintage by López-Linares. Si bien es cierto que, nosotras solo utilizamos plata 925 y piedras semipreciosas naturales, así como perlas de agua dulc

La Tiara Taylor o Tiara Mike Todd

Hoy os traigo la última pieza que hemos creado para nuestra colección de joyas históricas de novia: la tiara Taylor. Una preciosa joya antigua de finales del S.XIX que Mike Todd regalara a su bellísima esposa Liz Taylor en 1957.

Tiara Taylor

La joya original montada en platino y oro, es un diseño muy clásico pero de una belleza y actualidad sorprendentes, que a nosotras nos ha servido de inspiración para crear esta elegante pieza que es el sueño de cualquier amante de las joyas antiguas.

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El productor de cine falleció en un terrible accidente cuando apenas llevaba un año casado con la ya famosa actriz. Contaba la actriz en sus memorias que el día que se la entregó el productor la dijo: «Eres mi reina, y creo que deberías tener una tiara».

La actriz luciría la tiara por primera vez en los Premios de la Academia de 1957, donde la película de Todd  “La vuelta al mundo en ochenta días”

ganaría el Oscar a la Mejor Película. La actriz  también la lució en el Festival de Cine de Cannes ese mismo año.

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No importaba que las tiaras no estuvieran especialmente de moda en ese momento, ella la usaba y sabia de veras lucirla con total naturalidad y elegancia.

Las joyas de Liz Taylor

Os dejo el link a un curioso vídeo en el que vemos a la actriz con la joya. Y en el que al final vemos algunas imágenes del funeral de su entonces marido.

https://youtu.be/VKbAtO3rGS0

La colección de joyas de Taylor fue subastada después de su muerte. Gran parte de sus ingresos se destinó a su fundación para la lucha contra el SIDA. La tiara salió a subasta en diciembre de 2011 y se estimó que alcanzaría  un precio de venta de unos 80.000 $. Pero se remató en la astronómica cifra de 4.200.000$.

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En este momento ignoro quién tiene esta increíble joya en su poder.

La Tiara Liz, como a mí me gusta llamarla, es la última pieza que ha entrado a formar parte de nuestra colección de tiaras de novia. Una joya inspirada en esta peculiar pieza que luciera una de las más bellas y grandes artistas de Hollywood.

Espero que os guste.

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Perlas: La piedra del mes de junio

Como todos los meses, hoy queremos hablaros de la piedra natal de junio. Curiosamente, junio tiene tres piedras natales (perla, la piedra de la luna y la alejandrita). Hasta hoy no sabía que podía haber más de una piedra por mes. Así que investigué un poco y descubrí que, la razón principal por la que algunos meses tienen múltiples piedras de nacimiento es que varias piedras antiguas se han vuelto demasiado raras de conseguir a día de hoy.

El único otro mes con tres piedras de nacimiento es diciembre, con turquesa, circón y tanzanita. Pero nosotras hemos decidido hablaros de la perla, porque ya tenemos un post hablando de la piedra de la luna. Os lo dejamos por aquí por si queréis leerlo.

¿Qué son las perlas?

Una perla es un objeto duro y brillante producido dentro del tejido blando de un molusco vivo con caparazón. Al igual que las conchas de los moluscos, las perlas están compuestas de carbonato cálcico en forma cristalina diminuta, que se ha ido depositando en forma de capas concéntricas. La perla ideal es perfectamente redonda y lisa, pero pueden aparecer muchas otras formas, conocidas como barrocas. De este tipo de perla hablaremos más adelante. 

Tipos principales:

Existen dos tipos principales de perlas: las naturales y las cultivadas. Las perlas naturales son las que se forman naturalmente en los moluscos. El proceso de creación comienza cuando un parásito entra dentro del molusco. Este, para intentar combatir a este parásito va segregando finas capas de nácar, que poco a poco, unas encima de las otras van creando la perla. Por eso, este proceso es tan lento y una perla puede tardar muchos años en crearse.

Por otro lado tenemos las perlas cultivadas. Estas se producen en condiciones similares a las naturales pero el proceso se crea de forma artificial. ¿Cómo? Muy sencillo. Los agricultores cultivan moluscos en granjas de perlas, y son ellos mismos quienes insertan cuidadosamente el parásito dentro del molusco para que sea este mismo quien empiece el trabajo de creación de la perla. 

Por último, existen las perlas sintéticas o de imitación, que están creadas con materiales artificiales y buscan imitar a la perla con un coste mucho menor. Lógicamente, estas últimas intentan asemejarse a las naturales o cultivadas pero nunca alcanzan a tener ni el brillo ni la textura que las auténticas.

Categorías: De agua dulce y de agua salada

La diferencia entre las perlas de agua dulce y agua salada es, donde se han formado. Las de agua dulce se forman en los moluscos que viven en lagos y ríos. Mientras que las de agua salada se han formado en moluscos que viven en océanos. 

Gran variedad de colores y formas.

Las perlas pueden tener diferentes colores. Si bien el color más común es el blanco, éstas se encuentran naturalmente en varios otros colores. Naturalmente, las perlas pueden ser color blanco, dorado o rosado. Existen otros colores como puede ser el color chocolate o grisáceo, pero este es un color que no se da naturalmente en la perla. Sino que es el resultado de un pequeño tratamiento de color. 

Existen perlas perfectamente redondas, conocidas como «tradicionales». Y otras que tienen formas irregulares y no esféricas, conocidas como «barrocas». Estas últimas se utilizaron mucho en piezas Victorianas y Art Nouveau. Su encanto viene de las diferentes formas que pueden tomar, que las hacen completamente únicas y jamás serán una igual a otra.

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En nuestra colección de joyas trabajamos la mejor calidad de perlas de agua dulce. Las tenemos en diferentes colores y tamaños. Trabajando además, tanto las barrocas como las tradicionales. En nuestra colección encontrarás piezas del Barroco, la época Victoriana, y la Edad Media, utilizando perlas de la mejor calidad e inspiradas en joyas históricas.

Link a nuestra colección de joyas con perlas.

Bibliografía

https://www.pearlsonly.com/blog

https://en.wikipedia.org/

Rubens y su retrato de Isabella Brandt

Hoy queremos hablaros de nuestra última reproducción. Se trata de unos pendientes realizados en plata bañada en oro con iolita. Una piedra de la que también hablaremos un poco ya que son los primeros pendientes que realizamos con ella. Estos pendientes están inspirados en los pendientes que luce Isabella Brandt, esposa de Peter Paul Rubens, que fue quien la retrató.

Isabella Brandt 

Isabella (1591 – 15 July 1626) era la hija mayor de Jan Brant, un importante funcionario de la ciudad de Amberes, y Clara de Moy, hija de Hendrik de Moy. Su tía Marie de Moy estaba casada con Phillipe I Rubens, hermano de quien se convertiría en su futuro marido. Isabella Brant se casó con el hermano de su tío, Peter Paul, el 3 de octubre de 1609 en St. Michael’s Abbey, en Amberes. Tuvieron tres hijos: Clara, Nicolaas, y Albert. Tenía 34 años cuando murió a causa de la peste.

Rubens

Sir Peter Paul Rubens (1577- 1640) fue un artista y diplomático flamenco del Ducado de Brabante, situado en el sur de los Países Bajos (lo que hoy conocemos como Bélgica). Se le considera el artista más influyente de la tradición barroca flamenca. Sus composiciones altamente cargadas hacen referencia a aspectos eruditos de la historia clásica y cristiana. Su estilo barroco único e inmensamente popular enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Que seguían el estilo artístico dramático e inmediato promovido en la Contrarreforma. Rubens fue un pintor que produjo retablos, retratos, paisajes y pinturas de historia de temas mitológicos y alegóricos.

Sus influencias en la pintura

Al viajar a Italia, Rubens fue influenciado por los maestros venecianos, Tiziano, Veronés y Tintoretto, antes de establecerse en Mantua como pintor de la corte de Vincenzo I de Gonzaga (1562-1612). También visitó Florencia y Roma, viendo obras de arte clásicas y las obras maestras del Renacimiento de Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci, así como el arte barroco de Caravaggio. 

También viajó a España por Gonzaga, visitando a Felipe II y viendo su colección de obras de Rafael y Tiziano. El viaje fue artístico, pintando un exquisito retrato del Duque de Lerma (1552 – 1625), pero también diplomático por parte de Gonzaga. Luego regresó a Italia, permaneciendo en Mantua, Génova y Roma, donde pintó el altar mayor de la Chiesa Nuova. Su estancia en Italia fue muy influyente, tanto que Rubens adoptó su firma de cartas como Pietro Paolo Rubens.

El retrato de Rubens a Isabella Brandt

Este es el retrato en el que nos hemos inspirado para reproducir nuestra joya histórica. Y es que los pendientes que luce Isabella Brandt nos parecieron espectaculares. A día de hoy, podemos encontrar este retrato en la Galería de los Uffizi en Florencia. Este en concreto fue terminado en 1625, y no fue el único retrato que hizo de su esposa durante los diecisiete años que estuvieron juntos, hasta que ella murió. 

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Se trata de un retrato de medio cuerpo sobre el fondo oscuro en el que podemos ver una cortina roja y una columna. Isabella nos sonríe. Es una sonrisa cautivadora pero vacilante. Este retrato de su esposa se considera una de las obras maestras del retrato de Rubens. En 1705, esta pintura, junto con otras, fue donada por el elector palatino del Rin, Johann Wilhelm, a su cuñado, el gran príncipe Fernando de Médicis. Del retrato de Rubens de su esposa, Fernando le escribió a su cuñado: “…supera la imaginación y es un prodigio de aquel famoso pincel…”.

Vintage by López-Linares

Aquí os enseñamos la reproducción de los pendientes. Como os comentábamos antes, están realizados a mano en plata bañada en oro con iolita. El nombre de Iolita proviene de la palabra griega ios, que significa violeta. 

Iolita, es el nombre con el que se conoce a este mineral en gemología. En mineralogía es conocido como corderita. Curiosamente, la corderita fue descubierta en 1813, en especímenes de Níjar, Almería, aquí en España. Recibe su nombre por el geólogo francés Louis Cordier. Os hablaremos más adelante de esta piedra en un post mucho más detallado. 

Esperamos que os guste mucho este nuevo pendiente. Os dejamos el link a la web por si queréis verlo en más detalle. 

Collar Patiala: La historia del Maharaja Sir Bhupinder Singh

En el blog de hoy vamos a hablar de una de las piezas de joyería más espectaculares y caras de la historia. Se trata del collar Patiala, propiedad de Sir Bhupinder Singh, el maharajá de Patiala, hombre amante del lujo y de la ostentación. 

Quién fue Sir Bhupinder Singh

Maharaja Sir Bhupinder Singh, (1891 – 1938), de la realeza india, fue el maharajá gobernante del estado principesco de Patiala en la India británica desde 1900 hasta 1938.

Bhupinder Singh nació en Moti Bagh Palace, Patiala y se educó en el Aitchison College. A los 9 años, en 1900, sucedió como Maharaja del estado de Patiala tras la muerte de su padre, Maharaja Rajinder Singh. Un Consejo de Regencia gobernó en su nombre hasta que tomó poderes parciales poco antes de cumplir 18 años, y fue investido con plenos poderes por el virrey de la India, el cuarto conde de Minto, en noviembre de 1910.

collar patiala

Fue quien fundó el Banco Estatal de Patiala en 1917. Además, se desempeñó como Canciller de la Cámara de los Príncipes de 1926 a 1931. Trabajó incansablemente por el mejoramiento de la vida de sus súbditos e introdujo muchas reformas sociales en Patiala.

Es quizás el maharajá más famoso de Patiala, mejor conocido por su extravagancia y por ser jugador de críquet. Sus equipos de cricket y polo, Patiala XI y Patiala Tigers, estaban entre los mejores de la India. Fue un gran mecenas de los deportes.

Las extravagancias de Sir Bhupinder Singh

Como comentábamos antes, a él le gustaba muchísimo el lujo. Por poner algunos ejemplos, fue el primer hombre en la India en poseer un avión, que compró al Reino Unido en 1910. Al tener un avión, tuvo que hacerse construir una pista de aterrizaje en Patiala. 

También era conocido por poseer una colección excepcional de medallas, que se creía que era la más grande del mundo en ese momento. Hizo construir un sistema de monorriel único en Patiala conocido como Patiala State Monorail Trainways. Y también mandó construir multitud de edificios con unos diseños arquitectónicos impresionantes. Entre ellos el Templo Kali y el Palacio Chail View.

Pero hoy queremos hablar de sus joyas. En concreto del collar Patiala.

Collar Patiala

Fue en 1925 que el padre de Sir Bhupinder Singh fallece. Como herencia, su padre le dejo un espectacular diamante amarillo conocido como “De Beers”. En ese momento, acudió a la joyería parisina Cartier para encargar que le hicieran uno de los collares más espectaculares de la historia. Una pieza que se diseñó directamente en base al diamante De Beers y que tiene casi 500 quilates.

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El collar tenía cinco cadenas que se unían en una. Contenía 2.930 diamantes, incluido como pieza central el séptimo diamante más grande del mundo en ese momento, el «De Beers». Ese diamante tenía un peso precortado de 428 quilates y pesaba 234,65 quilates en su engaste final. Es el diamante amarillo talla cojín más grande y el segundo diamante facetado amarillo más grande del mundo. El collar también contenía otros siete diamantes grandes que oscilaban entre 18 y 73 quilates y varios rubíes birmanos. 

Esta fue la pieza de joyería más cara jamás hecha en la historia y, a día de hoy, habría costado unos 30 millones de dólares hacerlo. O sea, un auténtico espectáculo que el maharajá lució en todas las celebraciones a las que acudió en su reinado. Y no nos extraña nada, porque semejante joya merecía ser lucida infinidad de veces.

Que ha sido del collar Patiala

Por desgracia, de lo que sucedió con la joya a partir de 1947 poco o nada se sabe. Alrededor de ese año, cuando ya el maharajá había fallecido, el collar desapareció del Tesoro Real de Patiala.

Durante años no hubo señales de este collar, cuando de repente, el diamante “De Beers” reapareció en la subasta de Sotheby’s en 1982. Solo apareció el diamante, sin el collar. Allí, la oferta por el diamante alcanzó los $3,16 millones, pero no está claro si alcanzó su precio de reserva.

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Años después, en 1998, Eric Nussbaum, un socio de Cartier, encontró parte del collar en una joyería de segunda mano en Londres. Estaba montado en un colgante. Cartier decidió comprar esa parte del collar y reemplazar las piedras que faltaban con réplicas para restaurarlo y que pareciera el original. Reemplazaron los diamantes perdidos con circonitas cúbicas y diamantes sintéticos. Y montaron una réplica del diamante «De Beers» original.

El collar Patiala ha sido tan importante que, incluso, Doc & Film International hizo un documental sobre él. Por si queréis verlo y profundizar mucho más en la historia del collar. 

Ahora solo podemos ver el collar en recreaciones y réplicas. De hecho, una nieta de Bhupinder Singh de Patiala ahora es joyera en California. Participó en una exposición «Maharajá: el esplendor de las cortes reales de la India» en el Museo de Arte Asiático, donde se exhibió el collar recreado.

Esmeralda: La piedra del mes de mayo

Parece mentira que ya estemos en mayo, y como todos los meses, hoy vamos a hablar de la piedra natal de este mes. En este caso, es la esmeralda. Una piedra preciosa que nos gusta muchísimo a las dos. El origen de la palabra esmeralda no lo tengo muy claro, he encontrado referencias de dos versiones diferentes.

Origen de la palabra esmeralda

Por un lado, encuentro que la palabra esmeralda viene del francés antiguo “esmeralde”, deformación vulgar del latín “smaragdus”. Este vocablo latino viene, a su vez, del vocablo  griego “smáragdos”, que significa  esmeralda.

La otra teoría es que procede del vocablo persa “zamarat”. Que significa “piedra verde”. Lo cual nos indica que no está nada claro el origen de la palabra.

La esmeralda es un mineral que pertenece a la familia del berilo, el cual se presenta incoloro. Pero cuando contiene cromo y, algunas veces, vanadio adquiere el tono verde especial de la esmeralda.

Es, además, la única piedra preciosa de este color que se encuentra en la naturaleza en forma cristalina. Geológicamente es un auténtico fenómeno de la naturaleza, por lo cual solo se encuentra en muy determinadas zonas del planeta. Las esmeraldas procedentes de Colombia, se encuentran en terreno de rocas sedimentarias. Mientras que las que proceden de Brasil, Zimbabue, Zambia o Egipto son extraídas en terrenos de rocas volcánicas.

Su historia

Ya en el 4000 a.C era uno de los productos estrella en los mercados y zocos de Babilonia. Gracias a los escritos de Estrabón sabemos que, en el alto Egipto, había unos enormes yacimientos de esmeraldas. De aquí es de donde procedían casi la totalidad de las esmeraldas de la antigüedad, llamado Smaraglus Mons, “montañas de esmeraldas”.

Se cree que la explotación de estas minas se remonta al año 1800. a.C. Y que su producción, ya muy debilitada, llegó al reinado de Cleopatra, quien las explotó al máximo debido a la gran debilidad que sentía por estas piedras. Después de su muerte, la explotación de las minas se abandonó.

En cuanto a Europa, encontramos el yacimiento de Habachtal. Este yacimiento proporcionó las valiosas esmeraldas que lucieron los cortesanos y la nobleza de la Edad Media.

Cuando los españoles llegaron a Perú en el siglo XVI, se encontraron por primera vez con esta piedra. Los Incas la utilizaban tanto para adornarse como para comercializar con ella.

En 1537 llegaron los españoles al territorio de los Muzo-Colombia. Los muzos guardaron el secreto de sus yacimientos de esmeralda, pero por casualidad, en 1555, Antonio Sepúlveda dio con ellos. Los españoles estuvieron sacando piedra de allí hasta principios del S.XIX.

La exportación de esmeraldas

Desde entonces, Colombia abastece el mercado internacional de esmeraldas en un 55% del total de las exportaciones mundiales. Colombia es el mayor productor, seguido de Brasil y, en tercer lugar, Zambia. Las esmeraldas colombianas son muy apreciadas por su color verde radiante, que solo lo da el subsuelo colombiano. Mientras que las del Brasil son famosas por su variedad de tonalidades verde, que va desde el verde clarito a un bonito verde medio oscuro.

Zambia fue una antigua colonia Británica, y cuenta con varios yacimientos de esmeraldas. Entre todos ellos, el yacimiento de Mina Miku es el que produce esmeraldas de una calidad extraordinaria. Sus tonalidades de verde, su bajo número de inclusiones y su transparencia se pueden comparar con las esmeraldas de Colombia. Su producción es mucho menor que la de Colombia, abasteciendo el mercado internacional en un 5%. La demanda de las esmeraldas de Zambia ha experimentado un alza considerable desde que Tiffany lanzara toda una colección de alta joyería con esmeraldas de Zambia.

Algunas clases de esmeraldas especiales:

La esmeralda Trapiche.

Es una esmeralda especial que solo se encuentra en Colombia (Mina Muzo y Mina Peñas Blancas). Esta esmeralda tiene la particularidad de que, en su interior, crece un mineral llamado albita, formando una rueda de seis ejes de color negruzco. Son esmeraldas muy escasas y muy apreciadas por los coleccionistas, llegando a alcanzar altísimos precios.

Esmeralda Ojo de gato.

Es otra variedad de esmeralda que solo se encuentra en las minas de Coscuez, localizadas en Boyacá (Colombia). Tiene irisaciones y refleja la luz formando una línea luminosa perpendicular que recuerda al ojo del gato. 

esmeralda

Algunas de las esmeraldas más famosas de la historia:

Teodora: Es la esmeralda tallada más grande del mundo, tiene 57.000 quilates. Su procedencia es del Brasil y está valorada en 11 millones de euros.

Fura: Es la segunda esmeralda más grande del mundo, después de la Esmeralda Teodora. Su procedencia es de las minas Muzo (Colombia). Se halló en 1999 junto con la esmeralda Tena, tiene 11.000 quilates.

Tena: Es la esmeralda más valiosa del mundo debido no tanto a su tamaño, si no a su color verde oscuro. Tiene 2.000 quilates y fue hallada en las minas Muzo (Colombia) junto a la esmeralda Teodora.

Gachalá: Extraída en 1967 en la mina de la Vega de San Juan en Gachalá (Colombia). Tiene 858 quilates y es de un verde transparente intenso. Está expuesta en el Instituto Smithsoniano de Washington.

Mogul: Otra de las esmeraldas más grandes del mundo. Fue extraída en Colombia (mina Muzo). Su peso es de 217,80 quilates y fue vendida a la India en el siglo XVI, donde las esmeraldas eran muy demandadas por el Imperio Mogol. Fue el constructor del Taj Mahal, el emperador musulmán Shah Jahan, de la dinastía Mogol, quien mandó cortarla en forma rectangular y hacer en las dos caras unas grabaciones. En un lado están grabados textos de oraciones, y por el otro lado lleva tallados adornos florales. La esmeralda fue subastada y hoy está expuesta en el Museo Islámico de Qatar.

Vintage by López-Linares

En nuestra web podrás encontrar varios modelos de pendientes realizados con esmeraldas. Al ser una piedra tan difícil de encontrar no tenemos una amplia colección, pero los pendientes que tenemos de esmeralda seguro que te van a encantar. Si has nacido en mayo o quieres hacer un regalo a una persona nacida en mayo, sin duda la esmeralda es el detalle perfecto. 

Nuestras joyas realizadas en esmeralda.

La Condesa de Castiglione: La verdadera estrella de la fotografía temprana

En el post de hoy os vamos a contar la historia de la Condesa de Castiglione. Una mujer con una vida alucinante, que además, a día de hoy es conocida como una estrella de la fotografía temprana. Una mujer que ejerció de espía y que ayudó a la unidad de Italia. 

La Condesa de Castiglione.

Su nombre era Virginia Oldoni. Nació en Turín, en el seno de una familia de la nobleza italiana.  Su educación fue esmerada; dominaba cuatro idiomas, así como la danza y la música. A todo esto le acompañaba una belleza extraordinaria junto con una gracia y desenvoltura muy viva. Sin dejar atrás su desbordante inteligencia. 

Con solo 17 años contrajo matrimonio con el Conde de Castiglione, doce años mayor que ella, el cual se mostró desde el primer momento como una persona fría y reservada. Muy distinto del carácter jovial de la condesa. A ella, por el contrario, le encantaban las fiestas y los viajes.  

El matrimonio tuvo un único hijo llamado Giorgio que moriría a edad temprana de viruela. En una de las innumerables fiestas la condesa coincidió con su primo Cavour, primer ministro del Rey Víctor Manuel II de Cerdeña y el Piamonte. Este le propuso a su querida prima hacer uso de sus encantos e influir para que el Emperador Napoleón III se pusiera de parte de Italia. Para así atacar al enemigo austriaco y, al mismo tiempo, hacer de espía en Francia. Los condes aceptaron la propuesta y partieron hacia París.

Su romance con Napoleón I.

Tras varios intentos en distintas fiestas, consiguieron ser presentados al emperador Napoleón y a su reciente esposa Eugenia. El Emperador, amante de la belleza femenina, no tardó  en caer  en brazos de la condesa. Y comenzó un romance que duró  dos años y, como era de esperar, escandalizó a todo París. 

El escándalo llevó a su marido a pedir la separación matrimonial. El idílico romance se cortó de pronto cuando se descubrió la doble vida de la condesa y la correspondencia que enviaba y recibía de Italia. Se vio obligada rápidamente a abandonar París y a Napoleón. Regresó a Italia donde pasó de la vida fastuosa de París a estar prácticamente recluida en su casa. Años después, volvió a París, donde vivió sus últimos veinte años, en un sencillo entresuelo de la plaza Vendôme. Se convirtió en una mujer solitaria y triste; salía de noche con un velo negro que le cubria el rostro. Le llamaban “la loca de Vendôme”.  Murió sola en 1899 olvidada de todos. 

Esto es, por supuesto, un breve resumen de su vida. Si os interesa saber más en detalle toda su historia, no dudéis en decírnoslo y hacemos un post más detallado. Pero en el de hoy, queremos centrarnos en su faceta de artista fotográfica.

Artista fotográfica.

Cuando vimos por primera vez esta fotografía nos quedamos sin palabras. Fue tomada, nada más y nada menos que, alrededor de 1863.

En 1856 comenzó a posar para Mayer y Pierson, dos fotógrafos favorecidos por la corte imperial francesa. Durante los siguientes 40 años, dirigió a Pierre-Louis Pierson para que la ayudara a crear 700 fotografías diferentes. Gastó gran parte de su fortuna personal e incluso se endeudó para ejecutar este proyecto masivo. 

Os vamos a ir dejando algunas de las fotografías que le hicieron. Nosotras hemos alucinado con todas ellas. Fijaos lo modernas que son para la época. Son fotografías que bien se podrían haber tomado en nuestra época y tienen más de 150 años. 

Virginia Oldoini fue una modelo muy consciente. La mayoría de las fotografías muestran a la Condesa con sus atuendos teatrales, como el famoso vestido de Reina de Corazones. Se retrató a sí misma como varios personajes bíblicos y literarios como Beatriz, Salambo, Medea, Lady Macbeth, Judith, una monja, una prostituta, Ana Bolena, Reina de Etruria, Reina de Corazones e incluso un cadáver en un ataúd.

En la década de 1890 comenzó de nuevo una breve colaboración con Pierson, aunque sus fotografías posteriores muestran claramente su pérdida de cualquier juicio crítico, posiblemente debido a su creciente inestabilidad mental. Ella deseaba montar una exhibición de sus fotografías en la Exposition Universelle (1900) titulada “La mujer más bella del siglo”, aunque esto jamás llegó a suceder. El 28 de noviembre de 1899 murió a los 62 años y fue enterrada en el cementerio Père Lachaise de París.

Robert de Montesquiou, poeta simbolista y ávido coleccionista de arte, estaba fascinado por la Condesa de Castiglione. Pasó 13 años escribiendo una biografía, La Divine Contesse, que apareció en 1913. Después de su muerte, recopiló 433 de sus fotografías, todas ellas se encuentran en la colección del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Vintage by Lopez-Linares.

Como amantes de la fotografía, estamos fascinadas con Virginia Oldoni. Sus poses, el atrezzo, la iluminación… son todo elementos muy novedosos para la época. Parecen fotografías que se hayan realizado en nuestra época. En aquellos años parecía impensable que se hicieran este tipo de fotografías. Pero la Condesa de Castiglione fue, sin duda, una mujer valiente y moderna. Tanto en su vida, como en los proyectos fotográficos que realizó. Os hemos dejado algunas imágenes en este post, pero si queréis ver más, podéis hacerlo en este link. Sin duda os recomendamos verlo! 

 

Bibliografía

Todas las fotografías: Pierre-Louis Pierson, The Countess of Castiglione’s back and hair, The Metropolitan Museum of Art, New York, NY, USA.

https://www.dailyartmagazine.com/

https://www.metmuseum.org/art/

Ann Lowe y Jackie Kennedy: La historia detras de su vestido de novia

En el post de hoy venimos a hablar de una mujer que nos ha llamado mucho la atención. Se trata de Ann Lowe, la mujer que estuvo detrás del diseño y fabricación del vestido de novia de Jackie Kennedy. Además, os contaremos el pequeño problema que hubo con este vestido de novia, que estuvo a punto de no estar listo el dia de la boda. 

Ann Lowe

Ann Cole Lowe nació en la zona rural de Clayton, Alabama, en 1898. Era la bisnieta de una mujer esclava y propietaria de una plantación en Alabama. Ann asistió a la escuela en Alabama hasta que la abandonó a la edad de 14 años. El interés de Lowe por la moda, la costura y el diseño provino de su madre Janey y su abuela Georgia, ambas costureras. Dirigían un negocio de confección que, a menudo, era frecuentado por miembros de la alta sociedad de Montgomery. 

ann lowe

La madre de Lowe murió cuando ella tenía tan solo 16 años. Fue en ese momento cuando Lowe se hizo cargo del negocio familiar. Y no solo eso, sino que tuvo que asumir la  responsabilidad de terminar cuatro vestidos de gala para la primera dama de Alabama, que habían quedado incompletos cuando murió su madre. 

A los 18 años, llegó a una escuela de moda de Nueva York solo para ser segregada de sus compañeros de clase blancos. Se destacó y se graduó pronto, antes de pasar 10 años trabajando en Florida y establecerse más tarde en Nueva York.

Lowe fue la primera afroamericana en convertirse en una destacada diseñadora de moda. Sus diseños únicos fueron los favoritos entre las personas de la alta sociedad desde la década de 1920 hasta la década de 1960. Fue conocida por diseñar el vestido de novia de tafetán de seda color marfil que usó Jacqueline Bouvier cuando se casó con John F. Kennedy en 1953. Es de este vestido del que vamos a hablar hoy en el post.

Jackie Kennedy

Jacqueline Lee «Jackie» Kennedy Onassis (de soltera Jacqueline Bouvier) fue una socialité, escritora, fotógrafa y editora de libros estadounidense que se desempeñó como primera dama de los Estados Unidos de 1961 a 1963. como esposa del presidente John F. Kennedy. Fue una primera dama popular, que se ganó el cariño del público estadounidense con su sentido de la moda, devoción a su familia y dedicación a la Casa Blanca. Durante su vida, fue considerada un icono de la moda internacional.

Jacqueline Bouvier y el representante de los Estados Unidos, John F. Kennedy, pertenecían al mismo círculo social y fueron presentados formalmente por un amigo en común, el periodista Charles L. Bartlett, en una cena en mayo de 1952.

Kennedy estaba ocupado compitiendo por el escaño en el Senado de los Estados Unidos en Massachusetts; la relación se volvió más seria y él le propuso matrimonio después de las elecciones de noviembre. Jackie tardó un tiempo en aceptar, porque le habían asignado cubrir la coronación de la reina Isabel II en Londres para The Washington Times-Herald. Después de un mes en Europa, volvió a Estados Unidos y aceptó la propuesta de matrimonio de Kennedy. Por lo que renunció a su cargo en el periódico. Su compromiso fue anunciado oficialmente el 25 de junio de 1953.

El vestido de novia de Jackie Kennedy

Janet Lee Bouvier, la madre de Jacqueline, contrató a Lowe para diseñar y confeccionar todos los vestidos de la fiesta nupcial. Lowe fue quien había confeccionado el vestido de Bouvier para su boda con Hugh Auchincloss.

El vestido de novia de Jackie estaba hecho de tafetán de seda color marfil. Diseñado con un escote barco y una enorme falda redonda. La falda presentaba bandas dobladas entretejidas y diminutas flores de cera. El velo de encaje que lució Jacqueline Bouvier había pertenecido a su abuela; una tiara de encaje y azahar anudaba el velo a su cabello. Su ramo de novia estaba hecho de gardenias y orquídeas blancas y rosas.

Llevaba pocas joyas con el vestido, pero lo que llevaba puesto tenía un significado personal. El collar de perlas de un solo hilo era una reliquia familiar; también usó un prendedor de diamantes de sus padres y un brazalete de diamantes de su novio, John F. Kennedy.

El vestido que lució Jackie el día de su boda no tenía nada que ver con el que ella hubiera deseado llevar. Ella soñaba con un vestido muy minimalista y de líneas rectas. Todo lo contrario a lo que su madre tenía pensado para ella. De hecho, cuando vio el boceto gritó horrorizada “parece la pantalla de una lámpara”. Pero, como era común en aquella época, Jackie acabó aceptando llevar el vestido por imposición familiar.

La inquietante historia detrás el vestido de boda de Jackie Kennedy

Lowe y su equipo estuvieron trabajando durante ocho semanas en el vestido de novia de Kennedy y los quince vestidos que lucirían sus damas de honor. Solo en el vestido de la novia se necesitaban alrededor de 45 metros de tela. ¡Os podéis imaginar el trabajo que llevaba cada vestido! 

Pues la tragedia llegó tan solo diez días antes de la boda. Una noche, en el taller de Lowe, ubicado en Lexington Avenue, se rompió una tubería. Esto provocó una inundación que arruinó por completo el vestido de la novia y nueve de los vestidos de las damas de honor. 

Ann tuvo que contactar con su proveedor de telas, que milagrosamente tenía tela suficiente para reponer y poder volver a hacer los diez vestidos destrozados. En tan solo unos días, los vestidos en los que habían estado trabajando dos meses estaban listos. Consiguieron entregarlos a tiempo, pero no sin una consecuencia económica… En lugar de una ganancia estimada de $700, Lowe perdió $2200 en el proyecto.

Después de la paliza y el estrés que vivió Ann para volver a hacer todos los vestidos, el espectacular vestido, que fue ampliamente fotografiado y apareció en los titulares de los periódicos, influiría en los vestidos de novia y vestidos de gala estadounidenses promedio. Sin embargo, tristemente Ann Lowe nunca fue mencionada como la diseñadora del mismo.

Las vueltas que da la vida

Esta parte de la historia me ha parecido super curiosa. Aunque no se sabe al cien por cien que sea verídica me ha parecido un giro en la historia precioso.

Resulta que en 1964, cuando Jackie Kennedy ya era una ex primera dama (viuda de John F. Kennedy), cualquier resentimiento relacionado con el vestido estaba más que olvidado. Lowe fue citada en el Saturday Evening Post y, entre otras cosas, contó que Jackie había sido una novia muy «dulce». La revista Ebony sugirió que no fue hasta este momento que Jackie se enteró de toda la terrible experiencia que Lowe había sufrido con sus vestidos y la inundación de su taller. 

Poco después de esta entrevista, Ann Lowe se vio envuelta en serios problemas de deudas. Parece que tenía deudas de miles de dólares con el Servicio de Impuestos Internos. Fue un día que, de repente, Lowe se entera que “un amigo anónimo” ha pagado una gran cantidad de sus impuestos atrasados. Tanto es así que su deuda se redujo a la mitad. Según contó The Washington Post, Lowe siempre sospechó que ese “amigo anónimo” realmente había sido Jackie Kennedy.

 

Bibliografía

https://face2faceafrica.com/

https://www.vogue.co.uk/

https://www.townandcountrymag.com/