Fundación Cervantes Virtual: Una gran biblioteca virtual

Hoy queríamos hablaros de una iniciativa que nos ha parecido super interesante. Sobre todo en los tiempos que corren, donde es quizás más complicado poder disfrutar de una biblioteca. Se trata de la Fundación Cervantes Virtual. Aunque fue fundada hace muchos años, queríamos contároslo hoy porque nos parece un recurso muy útil. Tanto para personas amantes de la literatura y los libros, como para estudiantes de colegio y de universidad. 

¿Qué es la Fundación Cervantes Virtual?

Se trata de la primera biblioteca virtual en lengua castellana, que posee la mayor colección de contenidos culturales en español de internet. Podrás encontrar contenido tanto de autores españoles como iberoamericanos. 

Fue creada por iniciativa de la Universidad de Alicante y con el patrocinio del Banco Santander y la Fundación Marcelino Botín en 1999. Actualmente está gestionada por una fundación que preside Mario Vargas Llosa. La idea original del proyecto la concibió Andrés Pedreño Muñoz, rector de la Universidad de Alicante en ese momento, inspirándose en el concepto de biblioteca digital de algunas universidades estadounidenses. 

¿Qué podemos encontrar en la biblioteca virtual Miguel de Cervantes?

En esta biblioteca podrás encontrar infinidad de libros y escritos de multitud de áreas diferentes. Desde libros de arte, historia, literatura, hasta archivos, la biblioteca americana, y literatura infantil y juvenil. Cada una de las áreas ofrece un importante catálogo de autores, títulos, personajes, temas y otros materiales. Para que os hagáis una idea de todo lo que podéis encontrar: en 2011, su catálogo tenía nada menos que 198.000 registros bibliográficos, de los cuales unos 60.000 eran libros.

Además, cuenta con una hemeroteca multimedia donde encontrarás imágenes, una videoteca y una fonoteca. En esta fonoteca, hay una gran cantidad de audiolibros para que disfrutes de los mejores escritos sin necesidad de leerlos. 

Areas de interés.

Todos los escritos están catalogados en diferentes áreas, siendo estas las siguientes:

 

 

¿Qué os ha parecido la biblioteca virtual Miguel de Cervantes?. ¿La conocíais?. A nosotras nos ha encantado descubrirla y estamos seguras que va a sernos muy útil para conocer mejor la historia de las épocas de nuestras joyas. 

Bibliografía

http://fundacion.cervantesvirtual.com/

Boda de Mikk Jagger y Bianca

Hoy volvemos con una famosa boda: la boda de Mikk Jagger y Bianca. Nos vamos a centrar un poco en el vestido y en cómo el traje de boda de Bianca Jagger allanó el camino para futuras modas en novias. 

¿Quiénes son Bianca y Mikk?

Todos conocemos seguramente a Mikk Jagger. Sir Michael Philip Jagger nació el 26 de julio de 1943 en Dartford, Kent, Inglaterra. A lo largo de su vida se le ha conocido por ser cantante, compositor, actor y productor de cine. Se ganó la fama mundial como cantante principal y uno de los miembros fundadores del famosísimo grupo los Rolling Stones. La carrera de Jagger se ha extendido por más de cinco décadas y ha sido descrito como “uno de los testaferros más populares e influyentes en la historia del rock & roll”.

Por otro lado, Blanca Pérez-Mora Macías, más conocida a día de hoy como Bianca Jagger, nació el 2 de mayo de 1945 en Nicaragua. Bianca estudió ciencias políticas en París gracias a una beca. También fue actriz y, a día de hoy, es una reconocida defensora de los derechos humanos. Estuvo influenciada Gandhi y su éxito sin violencia, y por la filosofía oriental en general. Esto le hizo viajar mucho por la India. 

CREDIT: MANCHESTER DAILY EXPRESS/SSPL/GETTY IMAGES

La pareja

Bianca y Mikk se conocieron gracias a un amigo en común en una fiesta después de uno de los conciertos que los Rolling Stones dieron en Francia en septiembre de 1970. Desde que se conocieron se hicieron inseparables y se enamoraron rápidamente. Se dice que Bianca era tan parecida a Mikk que era imposible que no se enamoraran. 

El 12 de mayo de 1971, cuando Bianca tenía cuatro meses de embarazo, la pareja decide casarse en una ceremonia católica en Saint-Tropez (Francia). Eso la convierte en la primera y única esposa del cantante. 

Boda de Mikk Jagger y Bianca 

Bianca ya empezaba a convertirse en una de las it girls más influyentes de la década de 1970. Fue musa y confidente de Andy Warhol. Es por esto que, cuando salió del juzgado de Saint-Tropez vestida con una maravillosa falda color marfil de corte al bies de Yves Saint Laurent y una chaqueta smoking a juego sin nada debajo, con un sombrero de ala ancha con velo, no es extraño que causara un auténtico frenesí mediático. Siendo considerado uno de los looks más icónicos de todos los tiempos. En ese momento recordemos que estaba embarazada de cuatro meses, pero el corte de la falda ocultaba ligeramente la barriga. 

CREDIT: REG LANCASTER/DAILY EXPRESS/HULTON ARCHIVE/GETTY IMAGES

Al terminar la ceremonia, la pareja se trasladó en un espectacular Bentley al Café Des Arts, lugar donde se celebró la recepción. Acudieron invitados de renombre como Sir Paul McCartney, Keith Richards, Eric Clapton, Brigitte Bardot y Julie Christie. Después de la cena, donde no faltó el caviar y el champán, se trasladaron al Hotel Byblos para continuar con la fiesta. Fue en este mismo hotel, en la suite Luna de Miel donde la pareja se hospedó. 

La boda de Mikk Jagger y Bianca ha pasado a la historia como una de las bodas más elegantes y hedonistas del Siglo XX. 

La ruptura de la pareja

Ser la mujer de Mikk Jagger no sería nada fácil para Bianca. La única hija de la pareja, llamada Jade, nació el 21 de octubre de 1971 en París, Francia. Y tan solo unos años después, en 1978 sus padres se divorciaron.

La infidelidad fue una especie de sello distintivo del matrimonio de los Jagger. Sin embargo, el final del matrimonio llegó a más de un año de la relación de Mick con el modelo Jerry Hall. Bianca demandó el divorcio por adulterio. Bianca confesó más tarde “Mi matrimonio terminó el día de mi boda”.

La pareja a dia de hoy

Bianca nunca se volvió a casar y se desconoce su estado civil actual. Durante las últimas décadas, ha centrado su energía en las causas sociales, con un énfasis particular en los problemas que afectan a su país natal: Nicaragua. 

Por su parte, Jagger y Hall tuvieron cuatro hijos a lo largo de su relación, que finalmente llegó a su fin en 1999 después de varias décadas. Actualmente, el músico está saliendo con la ex bailarina Melanie Hamrick, con quien comparte un hijo de 4 años llamado Deveraux.

¿Qué os ha parecido el vestido de Bianca? Contadnos que nos encantará saber vuestra opinión sobre cualquier aspecto de la boda de Mikk Jagger! 

Bibliografía

https://therake.com/

https://www.instyle.com/

https://www.tatler.com/

https://en.wikipedia.org/

Día del Padre: Te contamos cuándo y cómo surge esta preciosa tradición

Con motivo del día del padre, que se celebra este viernes 19 de marzo, hemos pensado contaros la historia de cómo surgió este día tan señalado. 

¿Cuándo surgió el Día del Padre?

El “Día del Padre” surgió el 19 de junio de 1909 en Estados Unidos cuando una mujer llamada Sonora Smart Dodd quiso homenajear a su querido padre, Henry Jackson Smart. Este era veterano de la Guerra Civil, y había quedado viudo muy joven, al fallecer su esposa en el parto de su sexto hijo. Sonora fue la única hija y tuvo que encargarse de la crianza y educación de sus seis hermanos, incluido el recién nacido.

Un día cuando escuchaba un sermón en la Iglesia, en el que hablaban sobre el día de la madre, pensó que debería también existir un día para conmemorar la labor de los padres. Es por ello que propuso el día del cumpleaños del suyo, el 5 de junio. En su lugar, la Alianza eligió el tercer domingo de junio.

Es por ello que, el primer día del padre de Estados Unidos se celebró en Spokane Washington así en su honor el 19 de junio de 1910.

En 1916 el entonces presidente Wilson enviaría un telégrafo a esta ciudad elogiando los servicios del día del padre.

Dos presidentes  intervinieron en hacer realidad esta fiesta: en 1924 el presidente Calvin estableció oficialmente  el Día  Nacional del Padre y en 1966 el presidente Lyndon Johnson proclamó el tercer domingo de junio como Día del Padre en los Estados Unidos.

El día del padre en diferentes países.

Esta festividad en los países de origen católico se celebra el 19 de marzo, coincidiendo con el día de San José.

Otro dato curioso es que, en toda Escandinavia, la tradición del Día del Padre se adoptó en la década de 1930. Originalmente se utilizó la fecha estadounidense, pero en 1949 los países nórdicos decidieron trasladarla al segundo domingo de noviembre. Esto fue en parte para colocarlo a medio año del Día de la Madre, pero también se eligió para aumentar las ventas en un período comercial tranquilo antes de Navidad. 

El único país que no se alineó fue Dinamarca. Se olvidaron de informar al público y a la prensa sobre el cambio de fecha, por lo que el Día del Padre se mantuvo el mismo día que el Día de la Constitución.

Pero sea cual sea la fecha lo importante es que existe un día especial para recordar a los padres cuanto les queremos y cuanto les agradecemos su entrega y su amor.

Joyas para hombres

La verdad es que casi no tenemos reproducciones de joyas históricas para hombre. Y como hoy queríamos dedicarle el post a ellos, hemos pensado que lo mejor sería contaros la historia de los gemelos.

¿Dónde nace este complemento tan masculino que en los últimos años las mujeres hemos adaptado a nuestra forma de vestir?

¿Cómo surgieron los gemelos?

El origen de los gemelos se remonta al siglo XVII. Surgieron cuando los hombres querían algo más elegante para sus camisas que cintas o corbatas para sujetar los puños. Los hombres comenzaron a usar pequeñas cadenas que se sujetaban al final de un botón de oro o plata. Y se pasaban por los orificios del brazalete para mantenerlos unidos. ¡Así nacieron los gemelos!

En su origen eran piezas bastante caras que no todo el mundo podía permitirse. Pero al llegar la Revolución industrial, la producción de gemelos se disparó y era más asequible realizarlos. Esto permitió fabricar una mayor variedad de gemelos.

La crisis y el auge de los gemelos 

A finales del siglo XX, la industria de los gemelos tuvo un período de recesión. Los fabricantes de camisas comenzaron a realizarlas con botones en los puños. Esto no dejaba cabida a los preciosos gemelos. Pero eso no desanimó a las grandes empresas de joyería, como Tiffany y Cartier. Todos sabían que los gemelos habían llegado para quedarse.

A día de hoy el gemelo se ha convertido en un elemento de moda muy utilizado tanto por hombres como por mujeres. Podemos encontrarlos en cualquier forma o estilo y para todo tipo de vestimentas. Desde plata, oro, seda, nácar, ónix, oro blanco y mucho más. 

Aquí puedes ver nuestra preciosa colección de gemelos de reproducción.

 

 

Bibliografía

https://www.cufflinksdepot.com/

https://www.timeanddate.com/

https://en.wikipedia.org/

Imagen: ABC

Bia de Medici: Los pendientes que luce en el retrato de Bronzino

Hoy queremos hablaros de unos preciosos pendientes y contaros la historia de cómo llegaron hasta nosotras. Se trata de los pendientes de Bia de Medici.

Los pendientes de Bia de Medici

Lo cierto es que estos pendientes llegaron hasta nuestro espacio por pura casualidad. Pero quedamos totalmente prendadas de ellos nada más verlos.

La elegante tonalidad de su citrino y la pequeña perla colgando, nos entusiasmaron desde el primer momento.

De inmediato me puse a buscar información sobre la primera propietaria de tan delicada pieza. No tardando en dar con ella: Bia De Medici, también conocida por Bianca.

El retrato de Bia de Medici

Cuando vi por primera vez el retrato que Bronzino había realizado de ella, no sabría explicar muy bien cuál fue la sensación que me causó. Mi primera sorpresa fue la de comprobar que se trataba de una niña. Una niña de poco más de cinco años que, si bien mostraba una belleza y dulzura indudables, sin embargo me trasmitía algo que me inquietaba. Encontraba su mirada algo fría y distante…

Y es muy curioso, porque el día que comencé a escribir esta entrada, vino a casa a tomar café mi gran amiga Monica Giannini. Le enseñé el retrato, para que me diera su opinión. Al ser ella pintora, su opinión me resultaba más que indicada. Y cuál fue mi sorpresa al comprobar que a ella le resultaba tan inquietante como a mí.

Hasta que no conocimos la historia de Bia, no fuimos capaces de entender por qué este retrato, siendo de una belleza difícil de igualar, nos inquietaba tanto al mirarlo.

Quisiera pediros un favor. Deteneos unos instantes en esta obra. Sentid qué os trasmite Bia de Medici durante unos instantes… y luego, os sigo contando sobre ella….

La historia de Bianca

Su historia, aunque triste, se desarrolló en uno de los hogares con más lujos y refinamientos de la Italia del S.XVI. Hija ilegitima de Cosme I de Medici, nació cuando su padre apenas había alcanzado los 18 años de edad. Y aún no se había casado. Bia nunca vivió con su madre y ni siquiera sabemos quién fue ella, parece ser que solo el propio Cosme y su madre supieron quien fue.

Nacío en 1537 y fue llevada casi de inmediato a Florencia para ser criada en la corte con su padre. Sabemos que Cosme I siempre sintió una predilección especial hacia ella, mimándola y dándole todos los caprichos que se le antojaban.

El matrimonio de Cosme y Leonor

La alegría de ambos duro muy poco. Cuando Bia contaba con tan solo dos añitos, Cosme I contrajo matrimonio con Leonor de Toledo. Los que habéis seguido mi blog os acordareis de ella: “Un broche y dos Leonores“. De ella tenemos un precioso broche en nuestra colección de joyas históricas.

Leonor nació en Salamanca, hija de don Pedro Álvarez de Toledo —Virrey de Nápoles— y de María Osorio Pimentel —II marquesa de Villafranca del Bierzo—.

El duque de Florencia Cosme I de Médici buscaba una esposa que pudiera ayudarle a reforzar su posición política. Y el Emperador Carlos V necesitaba una alianza con los Médici para poder tener tropas españolas dentro de los territorios toscanos. La candidata perfecta fue la hija del virrey de Nápoles. Leonor era bella, extremadamente rica y su padre uno de los hombres más poderosos e influyentes de la península itálica. Además, pertenecía al linaje de la Casa de Alba.

El matrimonio entre Cosme y Leonor se celebró en Florencia, el 14 de mayo de 1539. La pareja residió en un principio en el actual Palacio Medici Riccardi. Trasladándose poco después al Palazzo Vecchio, mejorado y engrandecido para la ocasión. Diez años después de la boda, el matrimonio se trasladó a su nueva residencia comprada por Leonor: el Palacio Pitti.

Por un lado he leído que Leonor exigiría de inmediato el traslado de la niña a “Villa Di Castello”, lugar donde viviría con su abuela paterna. Y por otro he leído que, aunque la niña partiría a vivir con su abuela Leonor, no fue tan mala madre (madrastra) con ella como yo pensaba al principio.

Sus años en Villa di Castello

Bia compartió esos años en el palacio con Giuliana, hija ilegitima de Alejandro de Medici, apenas dos años mayor que ella. Las niñas compartieron juegos y travesuras siendo la alegría de su abuela. Hasta que en 1542 cuando Bia contaba con 5 años, ambas enfermaron de unas fiebres. Cosme I exigió que se le informara a diario del estado de las pequeñas, pero lamentablemente a los pocos días Bia fallecía. Tenía apenas 6 años.

Cosme I encargó de inmediato el retrato a Bronzino, en esos momentos ya un reputadísimo artista.

Lo que me dejó impresionada fue el enterarme de que Bronzino pintó esta preciosa tabla, a partir de la máscara funeraria que habían obtenido de Bia tras su fallecimiento. Bia nunca posó para el gran artista. En ese momento comprendí por qué el retrato me inquietaba tanto, y por qué la mirada de Bia me resultaba tan fría y distante.

Cosme I nunca llegó a superar la pérdida de su primera hija. Es por ello, que su retrato permaneció por muchos años en la galería privada de Cosme. Para su contemplación personal y mantenerla en su recuerdo.

A pesar de la triste historia de la pequeña Bia, los pendientes me siguen pareciendo bellísimos. Creo que Bronzino eligió esta pieza de joyería por su delicadeza y sencillez. Y cuando los veo, no puedo por menos que imaginarme a Bia correteando por las porticadas logias de Villa Di Castello, bajo la complaciente mirada de su augusta abuela.

Dicen los expertos que este retrato de Bronzino es una de sus obras maestras.

¿Cuál ha sido vuestra primera impresión al contemplar este retrato?

Bibliografïa.

https://www.virtualuffizi.com/

https://www.historyofroyalwomen.com/

Leyenda de Lagertha: Mujeres icónicas

Hoy venimos a hablaros de la leyenda de Lagertha, la famosa vikinga. Como ya os comentamos hace unas semanas, estamos pensando en hacer una colección de joyas inspiradas en las joyas vikingas. Por lo que hemos pensado que por que no hablar de la leyenda de esta gran mujer. ¿Existió de verdad? ¿Es real lo que se cuenta de ella en la serie de Vikingos? 

Según la leyenda, Lagertha (también conocida como Ladgerda) fue una dama y guerrera vikinga que gobiernó lo que hoy conocemos como Noruega. Fue, además, esposa -y ex esposa- del tan famoso vikingo Ragnar Lodbrok. El relato de Lagertha fue contado y grabado por el cronista Saxo Grammaticus en el siglo XII, en varios pasajes de su noveno libro de la Gesta Danorum.

Gesta Danorum – Wikimedia Commons (public domain)

Según la erudición moderna, es probable que Lagertha no fuera una figura histórica, sino un reflejo de cuentos sobre mujeres guerreras vikingas o sobre la deidad nórdica Thorgerd. Pero, ¿qué sabemos de ella?

¿Quién fue Lagertha?

Esta mujer, en la obra de Saxo, cumple un papel de mujer fuerte y guerrera. Cosa que no se esperaría de las mujeres históricas de la época. A pesar de que en nuestros días se pinta a las mujeres vikingas como mujeres fuertes y guerreras… La realidad es que, cuando se evalúa críticamente el material arqueologico e histórico que disponemos hoy el dia sobre la época, no existe evidencia suficiente para respaldar este concepto de mujer. 

Si es cierto que, en las sagas nórdicas antiguas, se muestra a las mujeres fuertes, tomando decisiones, avivando la venganza, haciendo frente a sus maridos e, incluso, participando en guerras y peleas. La popular serie de televisión “Vikings”, de la que os hablamos en un post anterior (podéis verlo aquí) muestra a Lagertha en un papel de luchadora y guerrera fuerte, capaz de defenderse y participar -y ganar- numerosas guerras. 

Lagertha según el Gesta Danorum de Saxo Grammaticus (Sigo XII)

Según la Gesta Danorum, Lagertha comenzó su carrera como guerrera cuando Frø, rey de Suecia, invadió Noruega y mató al rey noruego Siward. Frø puso a las mujeres de la familia de Siward (el rey que había matado) en un burdel. Para así humillarlas públicamente. Al enterarse de esto, Ragnar Lodbrok (nieto de Siward) acudió con un ejército a vengar a su abuelo. Muchas de las mujeres que Frø había llevado al burdel se vistieron con ropa de hombre y lucharon del lado de Ragnar. Se cuenta que, la clave para la victoria de Ragnar, fue Lagertha. En su libro, Saxo relata:

“Ladgerda, una hábil amazona, que, aunque doncella, tenía el coraje de un hombre, y luchó al frente entre los más valientes con el cabello suelto sobre los hombros. Todos se maravillaban de sus inigualables hazañas, porque sus cabellos que volaban por su espalda delataban que era una mujer.”

La verdadera historia de Lagertha y Ragnar

Ragnar quedó verdaderamente impresionado por el coraje que había demostrado Lagertha y quiso cortejarla. Lagertha por su parte, fingió interés por él. Ragnar fue a pedirle la mano, y en ese momento fue atacado por un oso y un sabueso que vigilaban la casa de Lagertha. Estranguló al sabueso, mató al oso con su lanza y se ganó la mano de la que entonces fue su mujer. Según la leyenda de Saxo, Ragnar y Lagertha tuvieron un hijo llamado Fridleif. Y dos hijas cuyos nombres se desconocen.

Tiempo después, tras uno de sus viajes a Dinamarca para luchar en una guerra civil, Ragnar se divorcio de Lagertha. Según cuenta Saxo este divorcio se debió a que él todavía seguía molesto con ella por haber puesto contra él a esas dos bestias en su casa. 

Ragnar volvió a casarse con otra mujer llamada Thora Borgarhjör, hija del rey de Suecia. Se ganó su mano después de numerosas aventuras, pero al regresar a Dinamarca se enfrentó nuevamente en una guerra civil. Ragnar envió una tropa a Noruega en busca de apoyo, y Lagertha, que todavía lo amaba, acudió en su ayuda con 120 barcos, según cuenta Saxo.

Lagertha cómo se la imaginaba Morris Meredith Williams en una litografía de 1913 (Image: Public Domain)

Muchas de las historias que se cuentan de Lagertha coinciden y se parecen mucho a las de la diosa nórdica Thorgerd. 

Respecto a la muerte real de Lagertha, se desconoce. No hay escritos que confirmen cómo falleció.

La leyenda de Lagertha.

Los que hayáis visto la serie de Vikingo estaréis de acuerdo en que, el personaje de la serie tiene más que ver con la interpretación de Saxo, que con lo que se esperaba de las mujeres de la época. No quiero hacer ningún spoiler por si alguien aún no ha visto la serie. Pero si os puedo decir que, el personaje de la serie si está basado en una guerrera legendaria, fuerte y luchadora. Aunque su relación con Ragnar, los hijos que tuvo y su vida personal en la serie no tiene nada que ver con lo que cuenta Saxo en su Gesta Danorum. Al igual que su muerte, que se interpretó de cierta manera en la serie, siendo un dato desconocido. 

Y vosotros que pensais, que Lagertha fue una increíble luchadora vikinga o que es solo una leyenda? Yo, personalmente, prefiero quedarme con que lo fue. Me gustó mucho su personaje en la serie. Así que me gustaría pensar que la verdadera Lagertha se parecía un poco al personaje de Vikings. 

Photo by Bernard Walsh – © 2016 History

Bibliografía

https://www.ancient.eu/

https://en.wikipedia.org/

https://www.fotogramas.es/

Joyeria Vikinga: ¿os apetece que hagamos una colección de joyas nueva?

Hoy me gustaría hablaros de la joyería vikinga. En nuestro blog siempre hablamos de joyería en diferentes épocas de la historia. Como por ejemplo, la Edad Media, el Renacimiento, la época Victoriana… Pero, si nos remontamos muchísimos años antes, también encontramos que también hacían uso de la joyería. 

La verdad que me he animado a contaros un poco de la historia de la joyería vikinga a raíz de haber terminado de ver la serie Vikingos (nombre original: “Vikings”). Y que, por supuesto, aprovecho para recomendaros si no la habéis visto aún. Está increíblemente bien ambientada y refleja muy bien sus vidas, costumbres, vestimentas…

Fotografía: History Channel

Los vikingos

A lo que vamos: sus joyas. Cuando nos imaginamos un vikingo, nos lo imaginamos vestido de guerrero con su espada, sus cascos y sobre todo, con cuernos. Navegando en sus barcos hacia tierras desconocidas para conquistarlas y saquearlas brutalmente. Pero también utilizaban pulseras, anillos, collares, broches etc… Todos ellos hechos con bronce y plata y piedras preciosas, con diseños maravillosos. Además, la joyería era utilizada tanto por hombres como por mujeres.

Uso de la joyería vikinga

Los vikingos usaban la joyería por motivos más allá de los meramente estéticos. Como siempre a lo largo de la historia las joyas se han utilizado como símbolo de riqueza. Pero, en el caso de los vikingos, al igual que muchas otras culturas, las utilizaban también como forma de pago, es decir, como moneda de intercambio para hacer pagos por bienes y servicios. 

Las joyas vikingas podían ser finas, detalladas y estilosas cuando querían reflejar la riqueza de las personas. Como podría ser en el caso de los reyes. Pero también había joyeria basta y gruesa, pensada para resistir el ardor de las batallas. Además, se utilizaban para mostrar alianzas y fidelidad a sus dioses. Los vikingos eran muy devotos y creían que, con sus joyas y amuletos tendrían a los dioses de su lado para ganar las batallas y guerras. Por ello, solían utilizar motivos del martillo de Thor. 

De izquierda a derecha: martillo de Thor de Bredsättra: un colgante Mjolnir de 
plata chapado en oro de 4,6 cm de la parroquia de Bredsättra, cien Runsten, 
municipio de Borgholm, Öland, condado de Kalmar, Suecia (dominio público). 
Colgante de martillo de Rømersdal, Bornholm (CC BY-SA 3.0). Una copia del 
colgante del martillo de Thor de Skåne (CC BY-SA 4.0)  
Imagen de: https://www.ancient-origins.net/ 

Evolución de su joyería 

Los vikingos solían coger ideas de otros lugares que conquistaban para hacerse sus joyas. Siempre las llevaban a su terreno dándoles su toque. Les gustaban mucho los motivos de animales, como las serpientes. 

Esta civilización desarrolló una nueva técnica, conocida como el corte con viruta. Consistía en cortar la superficie de una hoja plana de metal con un cincel y crear así una serie de facetas que captaban la luz y brillaban. Otras de sus técnicas favoritas eran la filigrana y el repujado. A diferencia de sus contemporáneos Bárbaros, los vikingos utilizaban las piedras con moderación.

Conocemos la joyería vikinga gracias a las piezas que se han encontrado a lo largo de la historia. Los vikingos creían en el cielo, al que ellos llamaban Valhalla. Y es por este motivo que enterraban a sus difuntos llenos de joyas y piezas que consideraban que necesitarían en su nueva vida junto a los dioses que veneraron en su vida terrenal. 

Foto de los hallazgos de Silverdale Hoard. Imagen de Ian Richardson.

Vintage by Lopez-Linares

¿Y a vosotros? ¿Os gustan las joyas de los vikingos? Y si habéis visto la serie, ¿qué os ha parecido? Yo, os tengo que decir, que me ha encantado. Se ha convertido en una de mis series favoritas. Primeramente por la trama, que me parece una pasada. Pero además me encantó la puesta en escena. Y, aunque las joyas me gustaron muchísimo, lo que más me fascinó fueron sus peinados. Me los haría todos si no fuera tan negada para la peluquería!!!

Además, os queríamos preguntar si os apetece que hagamos una colección de joyas nueva que esté inspirada en las joyas vikingas de la serie. Hemos pensado, que si os gustan, podemos hacer una pequeña colección inspirada en la serie de Vikingos. Os leemos en comentarios! Y os dejamos unas cuantas fotos para que nos deis vuestra opinión. 

Fotografia: Katheryn Winnick. Personaje: Lagertha

Fotografia: Alyssa Sutherland. Personaje: Aslaug

Fotografia: Katheryn Winnick. Personaje: Lagertha

Fotografía: Georgia Hirst. Personaje: Torvi

Fotografía: Georgia Hirst. Personaje: Torvi

Fotografia: Katheryn Winnick. Personaje: Lagertha

Fotografia: Alyssa Sutherland y Travis Fimmel. Personajes: Aslaug y Ragnar.

Bibliografía

https://sonsofvikings.com/

https://www.dkfindout.com

https://pristinefire.in/

 

Turquesa: Diccionario Vintage con la T

En nuestro diccionario Vintage hoy vamos con la letra T y queremos hablaros de una preciosa piedra natural: la turquesa. 

Esta piedra preciosa ha sido conocida con numerosos nombres a lo largo de la historia. La palabra “turquesa” data del Siglo XVII, y fueron los franceses quienes le dieron el nombre. La denominaron turquoise, que significaba “Turco”, porque el mineral fue traído por primera vez a Europa a través de Turquía desde las minas en el histórico Khorasan de Irán (Persia).

Características de la turquesa

La turquesa se caracteriza por su maravilloso color azul que puede ser opaco o translúcido. El color azul puro es muy raro de encontrar en esta piedra ya que suele estar atravesada de venas -o vetas- de otros minerales o rocas contiguas. Estas vetas suelen ser de color pardo, gris oscuro o negro. 

En las siguientes fotos podéis ver mejor la diferencia entre una turquesa más pura, que es azul en su totalidad. Y otra que tiene vetas negras. ¿Cuál os gusta más? 

La turquesa puede ser también en tono más bien verdoso. Su gama de colores va del turquesa al azul y al verde. La dureza y la riqueza del color son dos de los principales factores para determinar el valor de la turquesa.

Esta piedra es una de las piedras que mejor sintoniza con las personas de signo Acuario. 

Propiedades

La turquesa es una piedra purificadora que disipa la energía negativa y se puede usar para proteger contra influencias externas o contaminantes en la atmósfera. Es por ello que, desde tiempos inmemoriales se ha utilizado para hacer amuletos. La turquesa equilibra y alinea todos los chakras, estabilizando los cambios de humor e infundiendo calma interior. Ofrece bienestar al cuerpo y paz al espíritu.

Antiguamente se decía que la turquesa tenía propiedades de curación. Entre ellas, ayudaba a la absorción de nutrientes, reforzaba el sistema inmunológico, estimulaba la regeneración de tejidos y curaba el cuerpo en general. Se dice que contiene efectos antiinflamatorios y desintoxicantes, y alivia los calambres y el dolor. La turquesa se utilizaba para purificar los pulmones, calmar y aclarar los dolores de garganta y curar los ojos. 

Fotografia: https://www.freepik.es/

Origen

Las primeras turquesas llegaron a Europa, como os comentábamos antes, de Turquía (de ahí su nombre. Pero a día de hoy, esta piedra se puede encontrar en Estados Unidos, Arabia Saudi, Afganistán, Egipto, México, China, Irán, Perú, Bolivia, Polonia, Rusia, Francia y el Tibet. Se trata de una piedra preciosa bastante fácil de encontrar. 

Usos

La turquesa ha sido un mineral muy utilizado desde hace muchos miles de años. Los faraones egipcios, los aztecas, persas, y casi todas las civilizaciones antiguas las utilizaban para hacerse joyas y adornos. 

A pesar de tratarse de unas de las gemas más antiguas, probablemente la turquesa no fue una piedra importante ni utilizada como piedra ornamental hasta el siglo XIV. Se cree que, la  disminución de la influencia de la Iglesia Católica Romana en esta época dio lugar al uso de la turquesa en la joyería secular. Por otro lado, en la India no fue conocida hasta muchos años más adelante, en el siglo XVIII. 

Cuidados de la turquesa

Como casi todas las piedras naturales y piedras preciosas, la turquesa no debe entrar en contacto con alcohol, productos de limpieza, perfumes, cremas… Estos productos hacen que la piedra pierda su brillo y color natural, y quedan opacas y sin vida. 

Hay que tener mucho cuidado cuando tenemos joyas que llevan piedras incrustadas, sobre todo con los perfumes y las cremas. Es muy común ponernos nuestras joyas y después echarnos colonia. Y es más fácil de lo que parece que le llegue algo de producto e, inmediatamente, pierda su brillo. 

Además, hay que tener en cuenta que este brillo no se puede recuperar. Por lo que hay que tener verdadero cuidado de no estropear la piedra, ya que no tiene arreglo. 

¿Cuál es vuestra piedra preciosa favorita? ¡Contadnos en comentarios que os leemos! 

Bibliografía:

https://en.wikipedia.org/

https://geology.com/

https://www.energymuse.com/

MET Opera: una serie de conciertos y óperas en streaming

Hoy queremos hablaros de una iniciativa que está llevando a cabo el MET Opera (The Metropolitan Opera) de Nueva York. Se trata de una serie de conciertos y óperas en streaming. Estos eventos, conocidos como “Met Stars Live in Concert” para los conciertos y “Nightly Opera Streams” en el caso de las óperas, presenta a las más grandes estrellas de ópera y canto actuando en vivo vía satélite desde sorprendentes lugares de Europa y Estados Unidos. 

Sobre MET Opera

Primero quiero contaros un poco qué es el Metropolitan Opera de Nueva York. Fue fundada en 1883, cuando un grupo de empresarios adinerados decidieron que querían su propio teatro. Decidieron ubicarlo en Broadway con la Calle 39 (39th Street). En un principio crearon este teatro para representar absolutamente todas sus obras en Italiano, independientemente de su idioma original. Después, decidieron que se interpretara todo en Alemán. Para finalmente tomar la decisión de realizar la mayoría de sus obras en el idioma original de la misma (salvo algunas excepciones puntuales).

Casi desde el principio, quedó claro que el teatro de la ópera de Broadway no contaba con las instalaciones escénicas adecuadas. Es por ello que, cuando el MET se unió a otras instituciones de Nueva York, deciden formar el “Lincoln Center for the Performing Arts”. Y la nueva Metropolitan Opera House, se inaugura en el Lincoln Center en septiembre de 1966, equipada con las mejores instalaciones técnicas.

En la Metropolitan Opera se han involucrado muchos de los artistas más importantes del mundo. Entre otros muchos, MET Opera ha destacado a Christine Nilsson, Marcella Sembrich, Emma Eames, Lillian Nordica y Enrico Caruso. Como curiosidad, Enrico Caruso tocó por primera vez en 1903. Y, en el momento de su muerte, 18 años después había cantado más funciones con el MET que con todas las demás compañías de ópera del mundo juntas.

MET Stars Live in Concert

Debido a la situación actual del Coronavirus, el Metropolitan Opera House permanece cerrado. Se ha tenido que cancelar la temporada de conciertos y óperas de manera presencial para salvaguardar la salud de todos. 

Pero esto no va a impedir que podamos disfrutar de las mayores estrellas de la ópera. Que actuarán en una nueva e innovadora serie de recitales. Se trata de un evento de pago en el que, podrás ver a los artistas cantar desde lugares majestuosos de todo el mundo. Están grabados en video, por supuesto en directo, y con varias cámaras para darle calidez a la gala virtual. Podremos ver a los artistas tocando desde lugares como una antigua abadía en Baviera, un castillo noruego, una terraza al aire libre en un acantilado con vistas al Mar Mediterraeo. También una iglesia en Gales o una mansión histórica en Washington DC. No suena genial? 

Más abajo os dejamos el cartel publicitario de los conciertos y el link para que veáis los horarios y artistas pinchando aquí.

Las entradas para cada concierto cuestan $20 y las actuaciones pueden verse durante 14 días. Cada concierto tiene una duración aproximada de 75 minutos.

Imagen: Metropolitan Opera

Nightly Opera Streams

Cada día, a consecuencia del cierre del establecimiento, el MET Ópera pone a disposición de su audiencia la retransmisión gratuita de la serie Live in HD. El programa incluye actuaciones destacadas y completas de los últimos 14 años, protagonizadas por los mejores cantantes de ópera del mundo.

MET te da la oportunidad de disfrutar cada día de una actuación diferente. Las transmisiones están disponibles a través de su web y de las aplicaciones de Met Opera on Demand para todos los dispositivos (Apple, Amazon, Roku y Samsung Smart TV). Las obras retransmiten a las 19:30 EDT, es decir, a medianoche horario español. Y está disponible únicamente durante las 23 horas siguientes a su retransmisión. 
Te dejamos el link de las fechas y horarios de todas las actuaciones de ópera pinchando aquí.

Imagen: Metropolitan Opera

¡Hay muchísimas, seguro que alguna te interesa!  Os animáis a una tarde de ópera? Puede ser una gran oportunidad para ver algunas de sus obras maestras.

Bibliografía

https://www.metopera.org/

Reproducción de Joyas con Historia

Hoy os traemos en primicia nuestra última reproducción de joyas con historia.

Comenzamos el 2021 con una joya que perteneció a una dama misteriosa. Retratada por un artista cuya identidad sigue siendo hasta ahora muy controvertida. Se trata del cuadro conocido como “La Dama del Armiño” española. Y, a raíz del detallado estudio de la obra, también como “la dama de las tres mentiras.

Este cuadro, propiedad del Museo de Glasgow, ha fascinado a los espectadores desde que se exhibió por primera vez en 1838.

Atribuida a El Greco desde su paso en 1938 por la Galería Española de Luis Felipe de Orleans en el Louvre. Donde figuraban nueve obras del Greco, entre ellas esta misteriosa dama. Hoy queremos contaros la fascinante historia de esta preciosa obra. De los diferentes artistas a los que se les ha atribuido, así como la posible identidad de la mujer representada.

Familia Stirling Maxwell

La obra fue adquirida por Sir William Stirling Maxwell en 1853, no he podido descubrir dónde,. Siendo legada a la ciudad de Glasgow hace 50 años, junto con la mansión Pollok House donde actualmente se encuentra expuesta.

Permitidme que para empezar os ponga en antecedentes de esta maravillosa casa y la familia que la habitó.

Pollok House, residencia de la familia Maxwell desde hace siglos, se encuentra a solo 3 millas de Glasgow.

Hay documentación de La familia Maxwell como establecida en esa área desde que Sir John Maxwell se instaló allí a mediados del siglo XIII. La familia y sus generaciones venideras habitaron la zona. Pero no sería hasta 1747 que se encargaría la construcción de esta residencia familiar, finalizando su construcción en 1752.

La familia, por supuesto, no había estado sin casa todos esos siglos. En la misma finca habían construido tres castillos en el área inmediata.

  • El primero de ellos, que probablemente data de mediados del siglo XII, está asociado a una roca en el jardín de rododendros.
  • El segundo, data de finales del siglo XV. Se cree que estuvo en un sitio cerca del río, donde se encuentran a día de hoy los establos.
  • El tercer castillo fue una ampliación del segundo. Se realizó en los años 1500 o 1600, en el mismo lugar. No queda hoy en día nada de estos castillos anteriores. La piedra utilizada en ellos fue sin duda reutilizada durante la construcción de Pollok House.

Sir William Stirling Maxwell

Pero llegamos a la época del barón que compraría nuestra Dama del Armiño.

Estamos en 1865. El octavo barón, otro sir John Maxwell, murió sin hijos y pasó todas sus propiedades, incluido el título, a su sobrino Sir William Stirling de Kier. Posteriormente este tomó el nombre de Sir William Stirling Maxwell. Él sería el que, viajando por toda Europa, quedó especialmente fascinado con España y sus pintores.

Para 1865 había construido una gran colección de obras de arte españolas, parte de la cual permanece expuesta hoy en Pollok House. Por supuesto, entre las obras que compró en 1853 se encuentra la “Dama del Armiño” española. Que en esas fechas se atribuyó a El Greco.

Historia del Arte Español, por Stirling

Stirling se hizo con una de las mayores colecciones de arte español en manos de un extranjero. Pero su pasión por nuestro arte no se quedaría aquí. En 1848 publicó sus tres volúmenes de “Historia del arte español, una extensa mini enciclopedia con toda la historia de nuestros más ilustres pintores.

He encontrado a la venta no solamente una serie de la primera tirada, sino el archivo digitalizado, por si os crea curiosidad conocer más de cerca esta obra. Se trata de 499 páginas dedicadas al arte español. Sinceramente, no me importaría nada hacerme con un ejemplar original.

El Museo del Prado, en el año 2016 presentó la exposición “Copiado por el sol”.

Por primera vez en la historia, esta exposición reuniría los diversos materiales que Stirling empleó en la creación del libro. Aquí tenéis los links a los documentos que hemos encontrado al respecto.

https://archive.org/

https://www.metmuseum.org/

Stirling también escribiría el primer gran estudio en inglés sobre Velázquez en 1855.

La Herencia de Stirling Maxwell

La colección de arte español estuvo expuesta en la casa familiar de Stirling, Keir House (Escocia). Y en su domicilio de Mayfair en Londres. Pero tras su muerte en 1878 su legado quedó dividido entre sus dos hijos:

  • Sir John Stirling Maxwell, el primogénito y decimo barón trasladó su parte (unas 50 obras) a Pollok House, en Glasgow.
  • El resto de la colección (alrededor de 80 pinturas) junto con la vivienda de Keir House donde habían nacido ellos, pasó a manos del hermano pequeño Archibal Stirlong Maxwell (1867-1931)

Los herederos de este Archibal venderían la mayor parte del contenido de Keir House en Christie’s en diciembre de 1982. Y el resto en 1995, por lo que esta parte de la colección quedó totalmente dispersada.

En 1975, también venderían la casa de Keir House por £2 millones a Mahdi Al Tajir, un empresario de Dubái y embajador de los Emiratos Árabes Unidos.

En cuanto a Pollk House, que siempre fue pasando a manos del primogénito y heredero del título de barón. Se donó 1966 junto con todo su contenido a la ciudad de Glasgow, que la mantiene abierta como museo. La familia tiene aún acceso y uso de una zona privada de la residencia. Solamente para su uso personal, pero el resto es visitable y dicen que es una de las viviendas más acogedoras del norte de Inglaterra. Cuenta asímismo con un prestigioso restaurante donde, incluso, se celebran bodas y eventos empresariales.

El estudio de La Dama del Armiño

Ahora vamos a centrarnos en el estudio del cuadro en sí. Que tiene su complejidad, ya que la polémica le rodea desde hace décadas.

Se cree que la pintura data de finales de la década de 1570. Poco después de que El Greco se mudara a España,

  • La mujer representada primeramente se creyó que era la hija del Greco. Después, su nuera, Alfonsa de los Morales. Hasta creerse que era Jerónima de las Cuevas, esposa de El Greco y madre de Jorge Manuel, único hijo del pintor. Siendo apenas nada lo que se conocía acerca de estas mujeres a comienzos del siglo XX.
  • Años más tarde, surgió por primera vez la hipótesis de que la retratada fuese una de las hijas de Felipe II, la infanta Catalina Micaela de Austria. Se trata de una teoría planteada en 1913 por el experto en arte Elías Tormo (1869-1957). Éste, propuso comparar la supuesta pintura de El Greco con el bellísimo retrato de la infanta que realizó Alonso Sánchez Coello, conservado en el Museo del Prado. Las semejanzas entre ambos son siempre muy señaladas por los partidarios de esta teoría, entre las que me encuentro yo misma!!

  • Pero no se queda aquí la cosa, también hay partidarios de que se trate de doña Juana de Mendoza, duquesa de Béja. Por su parecido también con un retrato suyo en poder de la casa de Griñón. Vamos, que el lio es monumental y no sé si voy a ser capaz de aclararos algo o voy a liaros aún más.

El cuadro se atribuye a Sofonisba Anguissola

En una entrada del blog “Cuaderno de Sofonisba” del año 2011, página de referencia para conocer la obra de la pintora renacentista Sofonisba Anguissola, nos proponen cambiar la denominación del cuadro de la llamada Dama del Armiño por la de “Dama de las tres mentiras”: Ni viste un cuello de armiño, ni se trata de una obra de El Greco, ni es una dama desconocida.

Ya unos años antes, en 1999, una de las mayores expertas de la obra de Sofonisba Anguissola, María Kusche, lo explicaba en una conferencia que dio con motivo de la Exposición “Felipe II, un príncipe del Renacimiento” en el Museo del Prado. Antes de comenzar la conferencia, que se anunciaba como “Dama vestida de armiño de la mano de El Greco”, la experta explicaba su desacuerdo en estos tres puntos. No era el retrato de una “dama desconocida”, ya que se trataba de la infanta Catalina Micaela, hija pequeña de Felipe II. “Tampoco vestía de armiño”, era una piel de lince. Y “por supuesto no era una obra de El Greco” sino de la pintora italiana Sofonisba Anguissola.

Controversia sobre la atribución a Sofonisba Anguissola

A lo largo de la conferencia fue desgranando los argumentos que le habían llevado a atribuir la obra a la pintora Sofonisba Anguissola. En buena parte se basaba en los trabajos de otra especialista en historia de la moda: Carmen Bernis (1918-2001). Quien, a través de sus estudios, llega a tres conclusiones que van a ser fundamentales para la reconsideración de la autoría de la obra:

  • La primera, que la fecha de realización no está entre 1577 y 1580 como se había venido afirmando. Sino que es más tardía y debe situarse a mediados de la década de 1590. Afirmación basada en el estudio de la moda y del peinado.
  • La segunda, que el cuadro no puede ser de ningún modo de El Greco. Tanto por su estilo como por la fecha. Ya que difiere totalmente de la técnica que usa El Greco hacia finales de siglo.
  • La tercera, que la dama representada es Catalina Micaela de Austria (apoyando la opinión ya formulada por Elías Tormo). Esta teoría se apoya también bastante en que la pintora fue aya de Catalina Micaela. Ya que llego a la Corte española como dama de compañía de su madre la reina Isabel de Valois.

Estudios de moda y peinado

A partir de los estudios de Carmen Bernis sabemos que la dama no era doncella, pues lleva una toca de mujer casada. Que era una prenda habitual entre las mujeres españolas. Aunque se trata de una toca de lujo hecha de una tela fina y transparente. El atuendo, que corresponde a la moda española de fines del XVI, siempre ha llamado la atención por lo singular. Lo que, según la experta, se debe a que va vestida de calle. Es por ello por lo que en lugar de llevar un cuello de rizada lechuguilla, lleva sobre los hombros una especie de capa. Llamada en la época “bohemio”, forrada de piel de lince que apenas deja ver el traje que viste, del que sólo vemos que asoma un puño rizado.

Si nos fijamos en el “bohemio” con piel de lince que lleva el príncipe Don Carlos de Austria en el retrato de Sánchez Coello y que se encuentra en la Sala 56 del Museo del Prado, nos permite hacernos una idea de cómo sería el que lleva la infanta Catalina Micaela en el retrato que comentamos. Según Carmen Bernis el bohemio empezó siendo una prenda masculina cuyo uso se extendió posteriormente a las mujeres.

Por diversos documentos, y sobre todo por sus propios retratos, sabemos que Catalina Micaela siguió vistiendo según la moda española después de su matrimonio. Pues encargaba sus vestidos a España. Siendo su hermana Isabel Clara Eugenia la que se ocupaba de enviarle a Italia lo que pedía, tras convertirse en duquesa de Saboya por su matrimonio con Carlos Manuel I de Saboya. En las cuentas reales del año 1592 consta que pedía: “ropas, vasquiñas y bohemios” forrados de piel en su parte delantera.

Uno de los elementos que permiten afinar más la fecha de cuadro, según Bernis, es el estilo del peinado. Por ser uno de los elementos de la moda femenina que permite datar mejor los cambios. Ya que fue elevándose progresivamente en los últimos años del siglo hasta llegar a formar un copete, como el que luce la infanta Catalina Micaela en este retrato.

La identidad de la dama.

La identidad de la dama en la actualidad aun no me ha quedado del todo clara. Si bien, por lo que he podido investigar, para mí es casi seguro que se trate de ella. El parecido de sus retratos, a pesar de la diferencia de años, es extraordinario. Podemos verlo en la siguiente fotografía donde hemos superpuesto las caras de ambos retratos.

¿Quién fue Catalina?

Catalina Micaela fue, junto con su hermana Isabel Clara Eugenia, la hija predilecta de Felipe II. Huérfana de madre cuando aun no había cumplido el año de vida. Catalina Micaela vivió una infancia feliz gracias al cariño de su hermana, su tía la infanta Juana y su nueva madre, Ana de Austria.

En 1583 empezaron las negociaciones con el ducado de Saboya para casar a Catalina Micaela. Por aquel entonces, la reina Ana había dado a luz a varios hijos que había perdido. Y el infante Felipe era aún un niño. Por lo que Isabel Clara Eugenia debía permanecer al lado de su padre como posible heredera al trono. El papel de Catalina Micaela pasaba por cerrar una alianza de estado a través de su matrimonio.

El acuerdo se selló y en 1585 toda la corte se trasladó a Zaragoza para celebrar la boda entre la infanta española y Carlos Manuel I de Saboya. Con gran tristeza y pesar, la joven duquesa se despidió de su familia en el puerto de Barcelona.

A pesar de la tristeza por tener que vivir separada de sus seres queridos, Catalina Micaela pronto se adaptó a la nueva corte. Alejada de la rígida etiqueta que imponía la monarquía española.

En diez años Catalina tuvo diez hijos. Su prolífica maternidad trajo la alegría a la corte saboyana. Pero fue también la razón de su desaparición. El 6 de noviembre de 1597 Catalina Micaela moría al dar a luz a su hija Juana, quien tampoco sobreviviría al parto. La duquesa dejaba huérfanos a diez niños y un gran vacío en la corte de Turín.

En España, un anciano Felipe II ordenó decir misa de difuntos en la capilla del Escorial. Acompañado de su otra hija, el monarca español moriría un año después.

Mayo 2014 “El Greco de Toledo”

La obra se expuso por última vez en España en dos ocasiones durante 2014. La primera en mayo, en el marco del cuarto centenario de la muerte de El Greco en la ciudad de Toledo, en la exposición “El Griego de Toledo”. Exposición comisariado por Fernando Marías y que hasta la fecha ha sido la exposición más visitada de la ciudad. Con más de 1.000.000 de visitantes. ¡¡Todo un éxito!!.

Fernando Marías reconocía haber incluido el retrato en la muestra por razones más sentimentales que estrictamente científicas. En esta ocasión tuve la fortuna de poder verla, y aun recuerdo cómo me quedé de impactada. Sin casi poder reaccionar, frente a esta bella y enigmática dama.

Posteriormente, en junio de ese mismo año, se pudo ver en el Prado en el marco de la exposición “El Greco y la Pintura Moderna”. Se presentaba también como “Greco” ¿?, junto a una reinterpretación de la obra de Cézanne.

Posteriormente la obra se atribuyó a Sofonisba Anguissola durante unos años.

El cuadro se atribuye a Alonso Sánchez Coello.

Pero la obra no estaba en la exposición que el Prado dedica a la pintora en 2019. Explica su comisaria, Leticia Ruiz, que, tras la muestra de 2014 en el Prado, la obra fue estudiada en el Gabinete Técnico del Prado. En colaboración con los Museos de Glasgow, cotejando los análisis realizados a los Grecos del Prado con los de otras obras. Fundamentalmente con los retratos atribuidos a Sofonisba y a Alonso Sánchez Coello.

Pues bien, según Leticia Ruiz, se ha llegado a la conclusión de que «La dama del armiño» no es obra del Greco. Ni siquiera de Sofonisba Anguissola, sino de Sánchez Coello.

El estudio realizado por el Dr. Mark Richter y por Dra. Hilary McCartney de la Universidad de Glasgow en el año 2019, parece que han atribuido definitivamente la obra a Sánchez Coello.

Reproducción de Joyas con Historia

Debo de reconoceros con tristeza que esta nueva teoría haya dejado fuera a Sofonisba Anguissola como autora de este cuadro. Ya que, como os contaba al principio, ella, al ser su aya desde la infancia de la infanta, podría perfectamente haberla retratado con esta vestimenta. Aunque fuera tan poco frecuente en la época para representar a una infanta de España.

En resumidas cuentas, que parece que la identidad de la dama no está del todo clara. Pero sí la autoría de Sánchez Coello, o eso parece. Yo, personalmente, aún tengo la esperanza de que futuras investigaciones aclaren algo más sobre esta.

En cualquier caso, preciosa obra y la dama que la protagoniza. Pero de momento nos conformamos con el anillo que luce en su mano. Que ese sí que es seguro que viene directamente inspirado de esta obra. Esta es nuestra última reproducción de joyas con historia. Te dejamos más abajo las fotos y el link a nuestra web aquí.

Espero que toda esta historia os haya resultado interesante.

Bibliografía

https://www.bbc.com/

http://cuadernodesofonisba.blogspot.com

https://blogs.20minutos.es/

https://www.latribunadetoledo.es/

https://www.elpoderdemiami.com/

http://opusincertumhispanicus.blogspot.com/

http://opusincertumhispanicus.blogspot.com/

Gertrude Margaret: La desconocida amiga de Lawrence de Arabia

Gertrude Margaret Lowthian Bell, la desconocida amiga de Lawrence de Arabia, nació el 14 de julio de 1868  en el condado inglés de Durham. Fue la primera hija del matrimonio formado por Sir Hug Bell y Mary Shield. La familia Bell era la sexta fortuna de Inglaterra. 

Gertrude fue conocida por ser una gran escritora, viajera, política, administradora y arqueóloga que exploró, cartografió y se volvió muy reputada en la formulación de políticas imperiales británicas debido a su conocimiento y contactos, acumulados a través de extensos viajes en Siria-Palestina, Mesopotamia, Asia Menor y Arabia. 

Pero, ¿cómo fue la infancia de esta reputada mujer?

La infancia de Gertrude quedó marcada cuando, a los 3 años de edad, quedó huérfana de madre. Mary Shiel murió dando a luz a su hijo. Por este motivo, Gertrude y su padre tuvieron una relación muy cercana y especial. A los cuatro años, el señor Hug volvió a casarse con una mujer llamada Florence. Esta tenía 24 años y era una amante de los libros, tanto así que tenía como afición escribir cuentos. Florence y Gertrude se encariñaron enseguida y siempre tuvieron una muy buena relación. 

La niña fue educada en casa. Su padre fue muy consciente del talento de Gertrude y quiso que estudiara en una de las mejores universidades. Por ello, cuando cumplio los diecisiete anos este la envió a estudiar a la prestigiosa universidad Queens College de Londres. En la universidad destacó entre todas las alumnas y sus profesores eran conscientes de la valía de Gertrude. Uno de ellos aconsejo a Hug que su hija continuase sus estudios en la Universidad de Oxford. Gertrude, en ese momento, se convirtió en la segunda mujer en aprobar los exámenes de grado en Inglaterra. 

La vida adulta de Gertrude

A los 20 años, Gertrude seguía soltera. A pesar de que a ella era algo que no le preocupaba lo más mínimo, era una situación extraña a ojos de la sociedad de la época. Llegó un punto en el que se sentía presionada y decidió salir de Inglaterra e ir a visitar a unos familiares suyos que trabajaban en la embajada británica de Teherán. Este viaje le cambió la vida. Afloró su espíritu aventurero y se aficionó a la arqueología. Además, en la misma embajada conoció a Henry Cadogan, un hombre apuesto, culto e inteligente. Ambos se enamoraron y tenían planes de casarse y tener un futuro juntos. Pero Hug, al conocer que Henry no poseía ninguna fortuna, no aprobó el matrimonio y la relación entre ambos terminó. 

En 1894, volvió a Inglaterra y comenzó a escribir su primer libro. En él relataba sus vivencias, acompañado de fotos y escritos que ella misma hizo durante los mismos.

Los apasionantes viajes de Gertrude y cuándo conoce a Lawrence de Arabia

En 1899, Gertrude decide volver a Oriente. Esta vez quería realizar un viaje por el desierto. Viajo con arqueólogos británicos, con los que compartía momentos y vivencias. Convivio con los jefes de las tribus nómadas de Egipto y compartía momentos con las mujeres de los harenes árabes. 

Entre 1900 y 1918, Gertrude viaja por Europa. Incluso, llegó a dar la vuelta al mundo en dos ocasiones, inmortalizando todo en su cámara Kodak. Ella siempre viajó lujosamente, con multitud de maletas transportadas por camellos. Pasó varios años viviendo en Turquía, donde seguía dedicándose a la arqueología. En una de sus expediciones conoce a Lawrence de Arabia y establecen una importante relación de amistad. En estos años en Turquía, Gertrude también conoce y se enamora de Charles Doughty-Wylie, un veterano de guerra. Por desgracia, muere en el desembarco de Galípoli en 1915, suceso que afectó mucho a  Gertrude y le hizo caer en una depresión. 

Su vida en la política.

Tras la Guerra Mundial, el gobierno britanico necesitaba una persona que conozca bien la zona de Turquía, el idioma, las costumbres e, incluso a los propios jefes tribales. Gertrude conocía todo eso de sobra: era la candidata perfecta. Comenzó a trabajar en el servicio de inteligencia britanico, convirtiéndose a su vez en la primera mujer en trabajar allí. Ella trabajó a las órdenes del presidente Winston Churchill, y fue la única mujer en participar en la Conferencia del Cairo de 1921. 

Gertrude desarrolló un trabajo importantísimo. Fue ella misma quien redactó las leyes fundamentales de Irak. Además, se encargó de estudiar el terreno para poder delimitar las fronteras del país.

El final de su vida.

Cuando Gertrude se retiró de la política, su padre ya había fallecido. Y ella, no tenía pareja. Se comenzó a sentir muy sola y bastante triste por su situación. El 11 de julio de 1926 escribió una nota a un amigo suyo pidiéndole que cuidara de su perro. Al día siguiente, la encontraron muerta en la cama de su residencia de Bagdad. Nunca se confirmo oficialmente que su muerte fuera un suicidio. A Gertrude se la despidió con honores militares y su cuerpo descansa en el cementerio cristiano de Bagdad. 

Bibliografía:

http://www.mujeresenlahistoria.com

http://www.elcorreo.com/

https://www.wikipedia.org/