Stanley Hagler: El Picasso de la Joyería

Como amantes de la joyería que somos, nos encanta conocer la historia de joyeros de épocas más antiguas. Conocer cómo empezaron, cómo creaban sus joyas, en qué se inspiraban, los materiales que utilizaban… Así que hoy, queríamos hablaros del conocidísimo joyero Stanley Hagler. Quien, a lo largo de su carrera, ganó el prestigioso premio Swarovski 11 veces por «Grandes diseños en joyería».

Stanley Hagler

Stanley Hagler nació en Denver, Colorado en 1923. Fue un veterano de la Segunda Guerra Mundial y luego se graduó de la Universidad de Denver en 1949 con una licenciatura en derecho.

Trabajó como asistente de Miriam Haskell en los años 40 para empezar a crear sus propios diseños en 1950. Su carrera como diseñador comenzó con un enorme reto: el diseño del brazalete “fit for a queen” para Wallace Simpson, la duquesa de Windsor. Ella tenía pasión por la bisutería y se enamoró de sus diseños, convirtiéndose en una gran admiradora. En 1953, Stanley Hagler Jewelry Co. se estableció con Edward Nakles en el Greenwich Village de la ciudad de Nueva York. 

La joyería de Stanley Hagler

Hagler se ha ganado la reputación de «Picasso en el campo de la joyería» por crear joyas de imaginación únicas, coloridas y con diseños sorprendentes y, en ocasiones extravagantes. Que no solo vendía en su país natal, Estados Unidos, sino que consiguió que sus piezas se vendieran en países como Japón, Inglaterra, Alemania, Francia, Australia y Suiza. Y que personajes tan famosos como Ivana Trump, Barbara Walters o Madeleine Albright, entre otras, lucieran sus joyas. 

Las primeras creaciones de Hagler combinaron el diseño actual con componentes antiguos. Usó materiales de calidad, como vidrio soplado a mano de Murano, cristales de Swarovski en colores claros y vibrantes, racimos de perlas de aljófar, cuentas de semillas de colores y filigranas chapadas en oro ruso.

La artesanía de sus joyas fue excepcional. Todas las piezas estaban cableadas a mano y las piedras y los cristales estaban engastados con puntas en lugar de pegados. La obsesión de Hagler por los detalles convierte sus diseños en ejemplares. Las piezas eran en múltiples ocasiones multiusos; de modo que, por ejemplo, un collar se podía usar como tal o como una pulsera doble. 

Una de las especialidades de Hagler era hacer joyas utilizando perlas de imitación. Hizo perlas barrocas con cuentas de vidrio sopladas a mano y luego las sumergió en resina de perlas hasta 15 veces para obtener la máxima luminosidad. También usó perlas en colores inusuales como coral, azul profundo y marrón miel. Todo un ejemplo de originalidad.

Su unión con Mark Mercy.

Stanley Hagler diseñó y creó todas sus joyas él mismo hasta 1979, fue en este año cuando Mark Mercy se unió a su empresa. Mercy, estuvo interesado en el diseño desde que era un niño. Fue gracias a su tío que conoció a Stanley y cuando éste le ofreció a Mercy ser su aprendiz, no dudó ni un momento en aceptar. 

Durante los años siguientes, aprendió el oficio de diseño de joyas gracias a Hagler. Mercy era muy detallista y ponía mucho empeño en su trabajo y pronto comenzó a crear sus propios diseños para Hagler.

En 1981, Ian St. Gielar, admirador del trabajo de Stanley Hagler, se mudó desde Polonia a Estados Unidos. Comenzó a trabajar a tiempo parcial para Hagler en 1985, aprendiendo las técnicas de cableado de componentes a filigrana. En 1989, se convirtió en diseñador colaborador. Hagler habló muy bien de él y lo consideró un “genio”.

Su etapa en Florida.

En 1983, la empresa se mudó a Florida. Con el comienzo de los problemas de salud de Hagler, este le ofreció a Mercy que se asociaran en el negocio y él aceptó encantado. Después de que Hagler falleciera en 1996, una marca comercial de derecho consuetudinario permitió que Mercy pudiera conservar los derechos de nombre de “Stanley Hagler N.Y.C”.

Ian St. Gielar dejó la empresa en 1994 y comenzó una nueva empresa con su propio nombre en 1996, el mismo año en que falleció Hagler. A menudo describía sus piezas como «estilo Stanley Hagler».

Su esposa, Valentina, trabajó con él durante más de ocho años. Después de que St. Gielar falleciera en 2007, ella continuó su trabajo bajo el nombre de “Ian Gielar Studio” siguiendo los deseos de Ian. 

Mercy ha mantenido todos los derechos legales para usar el nombre de Stanley Hagler N.Y.C. en sus joyas. Además compró todos los componentes originales y antiguos de las líneas de joyería de Stanley Hagler que permiten que se sigan produciendo las mismas piezas hechas a mano de alta calidad. Mercy continúa creando y vendiendo joyas con el estilo Hagler en la actualidad.

Vintage by Lopez-Linares

A día de hoy, las joyas de Stanley Hagler siguen siendo muy admiradas y coleccionadas por muchas personas en todo el mundo. 

Las piezas pueden encontrarse con las siguientes marcas: “Stanley Hagler” desde 1950 hasta 1983. “Stanley Hagler N.Y.C” desde 1983 hasta 1993. Y “Stanley Hagler NYC” y/o “IAN St. GIELAR” desde 1993. Son las marcas que utilizó Ian St Gielar para marcar sus diseños. De hecho, algunos de sus diseños llevaban las dos marcas en la parte de atrás. 

Nosotras tenemos que incluirnos en esa lista de admiradores de Hagler. Sus piezas nos cautivaron desde siempre, el estilo, los materiales y lo modernas que eran sus piezas en aquella época. 

Nos impresiona como era capaz de crear esas piezas tan elaboradas, con esas cuentas tan pequeñitas. Formando esas flores, y figuras tan preciosas y difíciles de conseguir. 

Bibliografía

Kingdom Sparkle

Costume Jewelry Collectors

Granate: La piedra del mes de enero

Hoy venimos a contaros un par de curiosidades sobre el granate. El nombre de esta piedra proviene del latín granatum, que significa “con granos”. O, para ser mas exactos procede del concepto «malum granatum», es decir: «árbol de la granada«. Planta cuyas semillas tienen forma, tamaño y color similares a la piedra de este mes.

La piedra del mes.

Este año abrimos una nueva sección en nuestro blog. En ella queremos hablaros de la piedra que representa cada mes. Así, os contaremos un poco su historia, para que solía utilizarse en la antigüedad y que propiedades la caracterizan. Y, por supuesto alguna que otra curiosidad, que es lo que más nos divierte buscar. Lo de cotillear en internet y nuestros libros de joyas ya sabéis que nos vuelve locas.

Encontramos el granate en la naturaleza en infinidad de tonalidades: verde, naranja, naranja rosado, rojos púrpura muy saturados e incluso algunos azules. Aunque hay que reconocer que el más popular es el rojo granada. El granate puede facetarse, o dejarse como cabujón.

Simbolización de la piedra de granate.

La piedra natal de enero simboliza el reencuentro veloz de los amantes separados. Como en el mito griego que cuenta la historia de Hades. Éste le regaló a Perséfone una granada, como garantía para su rápido retorno.

Por ello, siempre puedes darle un granate a tu ser querido antes de que comience un viaje. Además, se cree que esta piedra preciosa afianza el vínculo entre los amantes distanciados. En la actualidad, el granate es considerado como la piedra preciosa del segundo aniversario de bodas.

El granate históricamente.

En Egipto, los faraones usaban collares de granates en vida. Luego eran llevados al más allá como valiosas posesiones. Ya que se consideraba un antídoto contra la mordedura de serpientes, así como un remedio contra la intoxicación alimentaria. También se pensaba que tenía la capacidad curativa de reducir la fiebre.

Los Griegos escribieron que los granates podían evitar que los niños se ahogaran y que actuaban como un potente antídoto frente al veneno.

La antigua Roma, los granates estuvieron entre las piedras preciosas más comercializadas: usados especialmente para incrustar elementos de oro, una técnica llamada cloisonné.

Fue conocida como la «piedra del guerrero» durante las cruzadas (1095-1291), el granate fue un talismán común usado por cristianos y musulmanes por igual. Se pensaba que protegía de todos los males y peligros a los viajeros. En Cachemira en 1892, los Hunza usaron balas de granate para luchar contra los británicos, en la creencia de que los granates eran más mortíferos que el mismo plomo. Curiosamente, un gran numero de estas balas preciosas fueron recogidas por las tropas británicas y pueden verse en museos en la actualidad.

Se piensa que, si el granate de repente pierde su brillo y resplandor, es una señal de un desastre inminente. Aunque, recordemos, que si utilizamos colonias, perfumes o cremas sobre nuestras piedras preciosas, éstas perderán su brillo!

Historia actual.

Como anécdota más actual, en la subasta de 1996 de la herencia de Jacqueline Kennedy-Onassis en Sotheby’s encontramos un asombroso broche con flor de granate en cabujón del siglo XIX. Que se vendió por nada más y nada menos que 145.000 dólares. En esta subasta se vendieron pertenecidas de la carismática Jackie por valor de más de 34 millones de dólares.

Se dice que el granate es una piedra con mucha fuerza, relacionada con el signo de acuario, y que simboliza la vitalidad, el coraje, la alegría, la pasión y el entusiasmo. ¡Yo creo que es la combinación perfecta para empezar bien el año! 

Y ya sabéis es la piedra del segundo aniversario de boda y la piedra de todas aquellas que hayan nacido en enero. Me parece un detalle precioso regalar una joya con una piedra con tantas propiedades positivas. Por ello, quiero dejarte algunas ideas de pendientes realizados con granate.

Pendientes Aarón Granate
Pendientes Cecilo Granate
Pendientes Venere e Marte
Pendientes Cyrano Granate

Vintage by López-Linares

Os hemos dejado algunos modelos de pendiente en granate que nos parecen perfectos para regalar. Pero, tenemos muchos modelos más. Aquí tienes el link a la web a todos los pendientes de granate que tenemos. Por si quieres verlos.

Os deseamos un muy feliz mes de enero.

Gentile da Fabriano «Adoración de los Reyes Magos»

Considerada la obra maestra de Gentile da Fabriano y una de las obras cumbres del Gótico italiano.

La obra maestra:

Es un retablo pintado sobre madera y fechado en 1423. La obra fue un encargo del acaudalado banquero florentino Palla Strozzi -adversario de la familia Medici-,  para decorar la capilla de la iglesia de la Santísima Trinidad de la ciudad de Florencia.

Es una obra de una riqueza extraordinaria. En la que se empleó una gran cantidad de oro y polvo de lapislázuli para el manto de la virgen, una piedra muy apreciada y cara en esa época. Esto nos demuestra la gran posición social de Palla Strozzi a la hora de hacer el encargo.

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El bellísimo retablo se encuentra enmarcado con una impresionante moldura gótica dorada que imita la forma de un tríptico. Que hace que la escena quede unificada y nos dé la sensación de encontrarnos ante una ventana.

El marco del retablo de Gentile da Fabriano

En la parte superior del marco están representados los profetas Jeremías, Isaías, Daniel y Ezequiel, así como Moisés y el rey David, con tres tondos (círculos decorativos) donde  están representados Cristo Redentor, la Virgen María y el Arcángel San Gabriel. Siguiendo con la descripción del marco, vemos que  en la parte inferior del retablo hay tres miniaturas que representan “la Natividad”, “la Huida de la sagrada familia a Egipto”  y “la Presentación del Niño en el templo”, realizadas con toda clase de detalles.

El tema del retablo es religioso. Representando la adoración de los Reyes Magos ante el Niño Dios;  un tema muy demandado en esa época por la nobleza florentina. Ya que simbolizaba la sumisión de los grandes poderes de la tierra ante el Dios encarnado.

La pintura es narrativa, habiendo un hilo conductor que narra la escena. Podemos ver al cortejo que acompaña a los tres Reyes Magos. Compuesto por nobles, animales representativos de la nobleza italiana como halcones, caballos, monos o perros de caza. Todos ellos dan varias vueltas llenando el fondo del cuadro para dirigirse primero a la Ciudad Santa. Pasando por el palacio de Herodes para llegar, por fin, al lugar en el que se encuentra la Sagrada Familia con el Niño Dios sentado en las rodillas de la Virgen María.

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La obra está plagada de detalles. Alguno de ellos pone un toque de humor, como la lagartija que sube por la pared del portal de Belén, o el escudero arrodillado que le está quitando las espuelas al tercero de los Reyes.

Los detalles de la obra:

La escena principal es muy hermosa. Se ve a los tres Reyes rodeados de su enorme séquito de nobles caballeros, cómo van a adorar al Niño Jesús y le van a ofrecer los presentes reales del incienso, el oro y  la mirra. Uno de ellos ya ha ofrecido el suyo y está arrodillado ante el Niño, el cual, cariñosamente, le da las  gracias acariciándole la cabeza.

Si nos fijamos, cada rey tiene una edad diferente. Queriendo representar las tres edades del hombre. El detallismo con que están pintados los mantos de los Reyes, su riqueza y los brocados de los tejidos con relieves de plata y oro están realizados por Gentile con la técnica del punzón. Dándoles un realismo extraordinario. Y todos estos brocados tan recargados es en los que nos hemos inspirado para crear la pieza que hoy os traigo hasta nuestro blog. La cruz de plata dorada y piedras semipreciosas que hoy es la protagonista de nuestra sección de joyas históricas.

Como detalle curioso os quería contar que el noble que se encuentra justo detrás del último Rey, mirando al espectador y llevando en su mano un halcón es Palla Strozzi. Es la primera vez que el donante de la obra forma parte de la historia representada en ella. Y esta idea de incluir al mecenas en la obra fue algo que muchos nobles imitaron desde entonces, como por ejemplo los Medici.

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Este retablo fue muy admirado y venerado en Florencia, sobre todo el día de la fiesta de la Santísima Trinidad de Florencia. Como era fiesta mayor se organizaba una importante procesión con la participación de los nobles florentinos. El abad, antes de entrar en la iglesia, daba tres golpes en el suelo, se abrían las puertas y entraba la procesión que se dirigía a la capilla presidida por el retablo de “La Adoración de los Reyes Magos”. Una procesión muy similar a la que acompaña a los Reyes en el retablo pintada por Gentile da Fabriano.

Sobre el autor de esta soberbia obra me gustaría destacaros:

Gentile da Fabriano, cuyo verdadero nombre era Gentile di Niccolo di Giovanni di Massi, recibió el apelativo de Fabriano por ser originario de esta ciudad.

Fue un notable pintor, representante del estilo gótico internacional. En sus obras abunda el uso del oro, figuras estilizadas de ricos ropajes y una detallada recreación de la naturaleza.

Gentile nacería en 1370 en el seno de una familia de comerciantes de paños. Su padre, Niccolo de Giovanni Massi, y su madre mueren siendo él muy joven. No se conocen datos de su infancia ni de su formación como pintor. Se supone que debió tener contacto con las escuelas pictóricas del norte de Italia. Como la de Siena, la de Lombardía y, sobre todo, la de Pavía – que por entonces era un centro cultural muy importante – donde existía una importante escuela de miniaturas en la que posiblemente Gentile aprendió esta técnica, que más tarde aplicará en muchas de sus obras.

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La carrera del autor.

Su carrera como pintor fue totalmente atípica para aquella época. Al contrario que los otros artistas, él nunca quiso establecerse y crear su propio taller. Prefiriendo ir de un lado a otro de Italia, trabajando en las distintas cortes italianas y absorbiendo el movimiento artístico de la pintura italiana de cada lugar donde estaba.

En 1405 se tiene constancia de su estancia en Venecia. Lugar donde se inscribió como alumno en la Scuola dei Mercanti. No se sabe nada más de él hasta 1408, en el que le encargan realizar un fresco para decorar la Sala del Maggior Consigglio del Palacio Ducal de Venecia, pintando “La batalla de Oton III y los venecianos”. Para realizar este trabajo Gentile tuvo dos asistentes. Uno era Pinasello, que estuvo a su lado hasta el final de su vida. Y el otro un joven llamado Jacobo Bellini que llegaría a ser un famoso pintor y patriarca de una gran familia de pintores.

Este trabajo en el palacio Ducal le daría bastante fama y prestigio. Es aquí, en Venecia, donde Gentile adquiere el colorido rico y brillante de los artistas venecianos. En esa época consta en los archivos de Venecia que realizó un cuadro para el famoso coleccionista de arte Francesco Amandi.

Cuando en el año 1422 llega a Florencia, su fama está muy consolidada y los nobles florentinos   nada más llegar le llenan de encargos, tanto que se ve obligado a abrir un taller para poder atender a los ilustres clientes. Es en esta ciudad donde realizará dos de sus más conocidas obras. Una de ellas fue el encargo de un retablo para el altar mayor de la Iglesia de San Nicolás Oltrano de Florencia. Retablo que se mantuvo en su lugar de origen hasta 1830, año en que fue totalmente desmembrado y vendido por partes, y otra de ellas es su obra maestra: “La Adoración de los Reyes Magos”, de la que ya os he hablado anteriormente.

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La Virgen con el Niño y Santos.

Todavía en 1425 ha de dejar Florencia y marchar a Siena para realizar otro encargo, un fresco también muy famoso de “La Virgen con el Niño y Santos”, en el interior de la catedral de la ciudad. Y nada más terminar esta obra, el Papa Martín V le reclama desde Roma para decorar la nave central de la Basílica Lateranense. Marcha para allá con su querido ayudante y discípulo Pisanello, pero Gentile no puede acabar el trabajo porque le llega su hora y muere ese mismo año. Ha de ser Pisanello el que, después de 5 años de duro trabajo, concluya la obra. Pisanello vuelve a Florencia y se hace cargo del taller de su maestro.

Nadie sabe con certeza dónde fue enterrado este gran artista cuya producción de obras fue   muy numerosa, pero que por desgracia gran parte de ella se ha perdido a consecuencia de la destrucción de muchas de las iglesias para las que trabajó por todo el norte de Italia.

Aun así, cuando se recorre el norte de Italia: Ferrara, Pavía, Perugia, Lombardía, Florencia, …  es inevitable no encontrarte alguna obra de este gran pintor.

Podéis ver la cruz con más detalle en el siguiente link:

Cruz Gentile da Fabriano

Imágenes:

Artehistoria.com

Khanacademy.org

Navidades en Brasil: Tradiciones.

Tan solo quedan dos días para que se acabe el año 2021. Un año que, a nosotras, nos ha traído muchas alegrías. Y esperamos que el próximo año sea también así. Hoy venimos a hablaros en sí. Esta época tan bonita que nos une a todos mucho más de lo habitual. Pero, como todos ya conocemos las tradiciones de España, hoy queríamos hablaros de las Navidades en Brasil.

¿Por qué Brasil?

Bueno, cuando decidí que me apetecía contaros las tradiciones de fin de año y Navidad de otro país, no pude pensar en otro país. Tengo dos grandes amigas viviendo allí y siempre nos encanta contarnos las tradiciones de nuestros países. Yo les cuento las de España, país que adoran. Y ellas me cuentan las de Brasil, país que yo adoro. Y que he tenido la suerte de poder conocer gracias a ellas. Aunque me falta poder ir en Navidad, y celebrar el fin de año en la playa.

Navidades en Brasil

Las Navidades en Brasil son uno de los días festivos más importantes. Uno de los datos divertidos más interesantes sobre las Navidades en Brasil es que la celebran en los primeros días del verano. ¿Te imaginas una Navidad calurosa? Puede sonarnos extraño… pero en Brasil (al igual que en otros países del emisferio sur, claro!) hacen unos 30 grados afuera. Esto hace que los brasileños celebren la Navidad con sus familias vistiendo ropa de verano con nieve artificial rociada aquí y allá.

Al ser un país mayoritariamente católico, Brasil celebra esta festividad como la mayoría de los países de Europa occidental y los EE. UU., Con solo algunos detalles interesantes y divertidos que son exclusivos de los brasileños. Me sorpredió descubrir que en Brasil también celebran la Misa del Gallo (Missa do Galo). La misa tiene este nombre porque el gallo anuncia un nuevo día y esta misa ocurre a la medianoche.

Después de todo, Brasil es una ex colonia portuguesa y también recibió a muchos inmigrantes de Europa, principalmente de Italia, Portugal y Alemania.

Christmas tree and lighted trees in Ibirapuera Park at night in December in Sao Paulo city, Brazil.

Cena de Navidad

A diferencia de la noche de fin de año, la Navidad en Brasil es una fiesta familiar en la que se reunen con todos los miembros de la familia. Esta cena de Navidad, o en portugués “Ceia de Natal”, se sirve acompañada de mucha música. Siempre me sorprende ver que en todas las celebraciones de mis amigas estan todos cantando, tocando la guitarra… La música es una parte esencial en sus celebraciones.

Si bien cada región tiene sus propias tradiciones, la mayoría de la gente suele servir una cena navideña brasileña centrada en un chester, que es un pollo mucho más grande, donde aproximadamente el 70% de su peso está en los muslos y el pecho, de ahí el nombre chester. Pero, qué es un chester? La verdad yo no tenía ni idea… jamás lo había escuchado. Pregunté a mis amigas, por supuesto, pero también encontré un artículo muy divertido donde lo explican. Así que os lo comparto aquí porque es muy interesante.

Volviendo a la comida, algunos hogares sirven pierna de cerdo adobada asada a fuego lento (pernil) o pavo. Todos los platos se sirven con una variedad de ensaladas y arroz blanco, que se saltea con ajo y cebolla. Y por supuesto, no puede faltar la farofa. Farofa es una mezcla de harina de mandioca seca con sal, mantequilla, especias y tocino crujiente picado.

El árbol de Navidad.

Parece extraño pensar en decorar un árbol de Navidad en pleno verano… con su nieve y su estilo frío. Pero, así lo hacen los brasileños. Nada de decorar sus palmeras… ellos decoran el árbol como lo hacemos en España. Además, les gusta esparcir nieve artificial sobre el árbol de Navidad para dar la bienvenida a Papá Noel. De esta manera, se siente «como en casa».

En cuanto a la decoración de las calles, la mayoría de los lugares decoran las principales calles comerciales y lugares turísticos. En São Paulo, la Avenida Paulista se ilumina por completo y se construye una Casa de Papá Noel sobre la avenida. El Parque Ibirapuera también se llena de luces de colores y alberga con orgullo un enorme árbol de Navidad. De hecho, es el más grande de la ciudad.

Lo mismo ocurre con Río de Janeiro. Las calles principales se iluminan con luces navideñas y se coloca un árbol flotante en la Laguna Rodrigo de Freitas. Este es el árbol de Navidad más grande del mundo, midiendo 70 m y contando con más de 900.000 lámparas LED. Wow!

City of Gramado with the Christmas decoration. In December, the mountains of Rio Grande do Sul are visited by tourists. Aerial view.

Fin de año en Brasil

Los brasileños son extremadamente supersticiosos cuando se trata de las tradiciones de Nochevieja. Es difícil pasar por alto a los millones de personas vestidas de blanco que salpican la playa de Copacabana para la exhibición de fuegos artificiales de clase mundial. y luego se lanzan a las olas del océano cuando el reloj marca la medianoche.

Por eso, os queremos contar las tradiciones más divertidas de la Nochevieja en Brasil.

  • Saltar 7 olas de mar cuando el reloj marca la medianoche: Por cada ola que saltan, piden un deseo. La leyenda supuestamente proviene de Umbanda, una religión afrobrasileña que es una mezcla de creencias africanas, católicas romanas, espíritas e indígenas. El número 7 es sumamente sagrado en Umbanda y está vinculado a la Diosa del Agua Lemanjá, quien te dará la fuerza para superar las dificultades del próximo año.
  • Vestir de blanco en la víspera de Año Nuevo: La tradición de la vestimenta totalmente blanca también proviene de las religiones africanas como un homenaje al dios Oxalá. Luego fue adoptado por católicos romanos y evangelistas por igual.
  • Usar ropa interior multicolor para un buen año nuevo: Ojo al color que eliges, porque cada uno tiene un significado diferente. Deberás usar el que se ajuste a tu deseo para el año nuevo.

Blanco = paz y armonía
Azul) = ttranquilidad y amistad
Amarillo) = dinero y suerte
Rosa = amor
Rojo) = pasión
Naranja) = éxito profesional
Verde = salud
Violeta) = inspiración

  • Comenzar el año nuevo en una superficie elevada: Para comenzar el Año Nuevo con una buena nota, los brasileños se aseguran de hacer la cuenta regresiva hasta la medianoche desde una superficie elevada. Subidos en una silla resistente, a una mesa o a los hombros de tu marido hasta la medianoche y bájate con el pie derecho, ¡literalmente!

Algunas me han parecido unas tradiciones muy diferentes a las nuestras, y otras que se parecen bastante. Yo, puedo decir, que tengo muchas ganas de pasar unas Navidades en Brasil.

Vintage by López-Linares

Tengas las tradiciones que tengas en Fin de Año, nosotras queremos desearte un muy buen 2022. Estamos trabajando para traeros muchísimas novedades este nuevo año, que esperamos os guste y os ilusionen tanto como a nosotras.

Despedimos este 2021 dandoos las gracias, como siempre, por todo vuestro apoyo y cariño.

Piero del Pollaiolo: 7 virtudes

Con motivo de nuestro viaje a Florencia, queremos hablaros de este maravilloso pintor. En concreto de las 7 virtudes de Piero del Pollaiolo. Si no nos seguís en instagram, os aninamos a hacerlo, ya que compartimos muchas historias sobre joyas históricas y arte. De hecho, en este viaje a Florencia «os llevamos con nosotras» compartiendo fotos de nuestro viaje e historias curiosas que fuimos descubriendo estando allí.

Piero del Pollaiolo

Piero del Pollaiuolo fue un pintor renacentista italiano de Florencia nacido en 1443. Su hermano era el artista Antonio del Pollaiuolo y los dos trabajaban juntos frecuentemente. Su trabajo muestra tanto influencias clásicas como interés por la anatomía humana. Al parecer, los hermanos realizaron disecciones para mejorar sus conocimientos sobre el tema.

En nuestro viaje a Florencia tuvimos la suerte de visitar la Gallería Uffizi. La verdad es que todas sus obras y esculturas nos llamaron mucho la atención. Pero en este post queríamos hablaros de las 7 virtudes. Siete cuadros que representan las siete virtudes: caridad, fe, templanza, prudencia, esperanza, fortaleza y justicia. A pesar del patrón repetitivo de la composición, cada una de las Virtudes adopta una pose diferente y los detalles decorativos diferencian la arquitectura de mármol en cada sentido.

Prudencia

La prudencia sostiene un espejo para ver detrás de ella. Y agarra una serpiente, que un pasaje del Evangelio nos dice que es por naturaleza un animal prudente.

Justicia

Junto con la Fortaleza, la Templanza y la Prudencia, la Justicia era una de las virtudes cardinales requeridas por la humanidad para vivir una vida de rectitud. Justicia sostiene una espada en su mano derecha y balancea el mundo sobre su rodilla izquierda. Se ha sugerido que el hermano mayor de Piero, Antonio del Pollaiolo, pudo haber ayudado a su hermano a pintar el Ciclo de Virtudes.

Esperanza

La Esperanza, con las manos unidas en oración, eleva los ojos al cielo. El Ciclo de Virtudes que se encargó de pintar a Piero del Pollaiolo en 1469, se mantuvo en el Tribunale della Mercantanzia (o Tribunal de la Culpa) hasta 1777, cuando fueron trasladados a la Galería de los Uffizi.

Caridad

La Caridad fue la primera virtud que se pintó en el Ciclo de las Virtudes encargado a Piero en 1469 para la Corte de la Culpa en la Piazza della Signoria. Los atributos de la Virtud son fuego ardiente y un niño, al que amamanta.

Fe

La Fe, junto con la Esperanza y la Caridad, es una de las virtudes teologales cristianas inspiradas por Dios en el alma del hombre. La Virtud sostiene el crucifijo y el cáliz de la Eucaristía. La orfebrería se realiza con notable habilidad mimética, una característica recurrente del estilo de Piero del Pollaiolo.

Templanza

La Templanza -en otras palabras la moderación y la capacidad de controlar los instintos- se representa mezclando agua fría y caliente. Como las demás Virtudes, se sienta en un precioso trono de mármol decorado con motivos clasicistas.

Fortaleza

La Fortaleza es una pintura del maestro renacentista italiano Sandro Botticelli, terminada en 1470. Para nuestra sorpresa, la séptima Virtud no está pintada por Piero del Pollaiolo. A diferencia de los otros paneles del Ciclo, pintados sobre madera de ciprés, la Fortaleza está pintada sobre álamo, una madera más utilizada para pintar en cuadros en la Toscana.

La Fortaleza se representa como una mujer joven con armadura debajo de su delicada túnica y agarrando la batuta de mando.

Como curiosidad, y no nos sorprende, os contamos que las comprensibles protestas de Pollaiolo a la participación de Botticelli contribuyeron a limitar la participación del mismo en la comisión a esta única figura. Botticelli pudo contar con la ayuda de Tommaso Soderini, uno de los comisionados de Mercanzia, y debido a su intrusión, el gremio de pintores modificó sus estatutos para proteger a sus miembros de otras interferencias externas

Vintage by López-Linares – Piero del Pollaiolo

Esperamos que os haya gustado conocer un poco más acerca de la historia de estos cuadros. Os contaremos pronto muchas novedades del por qué de nuestro viaje a Florencia. Contadnos, ¿habéis estado alguna vez? ¿Cuál fue vuestro lugar favorito?

Frances Amelia: Un corpiño espectacular.

En la noche del 22 de junio de 1887, amigos y familiares se unieron a Mordecai Morris White y Hannah Amelia Coffin White para presenciar el matrimonio de su hija mayor, Frances Amelia, con John Gates en la casa de los White en Auburn Avenue en Cincinnati. Sin duda, fue un evento decoroso y elegante, como correspondía a una familia adinerada y de posición en la ciudad como eran ellos.

Cuando Mordecai White murió en 1913, su patrimonio se estimó entre quince y veinte millones de dólares. White había ganado su fortuna principalmente como un importante financiero en el medio oeste. Aquí se desempeñó como presidente de la junta del Fourth National Bank desde 1875 hasta 1908. Otras empresas comerciales incluyeron una sociedad en AH Wells & Co, un comerciante mayorista, además de intereses en ferrocarriles y compañías de seguros en Cincinnati y sus alrededores. White era conocido como un hombre con los más altos principios, una visión amplia y una manera amable y cortés.

El vestido de novia de su hija estaba de moda y era opulento, como era de esperar dada la situación financiera de Mordecai White. El vestido tiene un corte de estilo princesa clásico en la espalda. En lugar de encajes, la novia optó por adornar su vestido con tul de seda adornado profusamente con colgantes de abalorios y perlas artificiales. Las revistas de moda entre 1885 y 1887 mencionaban con frecuencia este tipo de adornos de pedrería.

Harper’s Bazar en octubre de 1887 informó que «las cuentas están enhebradas y unidas a la red en bucles», describiendo exactamente los adornos que adornan la capa de red en el escote y en la falda del vestido de Frances White. Aquí, los bucles se realzan con perlas de imitación en un patrón general. La capa de tul se divide en el centro, donde la falda está muy cargada de azahares realizados en cera. Aunque el bullicio todavía estaba de moda en 1887, Frances eligió un estilo más conservador. Eso, o fue lo suficientemente moderna como para darse cuenta de que su desaparición estaba a la vuelta de la esquina.

Frances y su esposo criaron a tres hijos en su casa de Oak Street en el elegante barrio de Clifton. John Gates y su hermano James asumieron el control de su negocio familiar, John Gate & Co., un fabricante de botas y zapatos, tras la muerte de su padre.

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¿No os parece increíble el diseño de este vestido? A nosotras el corpiño nos ha llamado mucho la atención. El nivel de detalle, la forma en la que están cosidas todas las perlas con esas cuentas plateadas tan pequeñas. Es una labor que verdaderamente es una obra de arte.

Florencia: Ciudad Histórica

En el post de hoy queríamos contaros es que este mes hemos viajado a Florencia. Una ciudad que impresiona no importa las veces que la hayas visitado.

Uno de los motivos por los que fuimos de viaje es para buscar inspiración para nuestras nuevas colecciones. Ya sabéis que nos especializamos en la reproducción de joyas antigüas, joyas históricas de cuadros maravillosos. Y dónde mejor que Florencia para visitar museos que nos inspiren a crear nuevos modelos. 

¡Te animo a que nos sigas en Instagram si no quieres perderte nada en @vintagebylopezlinares! Allí os compartimos el viaje de primera mano pero, si te lo perdiste, te dejamos un pequeño resumen por aquí. 

Cattedrale di Santa Maria del Fiore. Catedral de Florencia.

La catedral florentina es uno de los edificios más grandes de la cristiandad. La fachada original, diseñada por Arnolfo di Cambio y normalmente atribuida a Giotto, fue de hecho comenzada veinte años después de la muerte de Giotto.

Símbolo de la riqueza y el poder de la capital toscana durante los siglos XIII y XIV. Destaca, de forma singular, la grandiosa cúpula, obra de Filippo Brunelleschi, una estructura isostática de 100m de altura interior. Se necesitaron 4 millones de ladrillos para su constucción.

Basílica de Santa Croche

Otro de los lugares que no os podéis perder si vais a Florencia es la Basílica de Santa Croche. Esta basílica es la iglesia franciscana más grande del mundo. Sus características más notables son sus dieciséis capillas, muchas de ellas decoradas con frescos de Giotto y sus alumnos, y tumbas y cenotafios. La leyenda dice que Santa Croche fue fundada por el mismo San Francisco. 

Tuvimos la suerte de visitar Florencia cuando ya estaba todo decorado de Navidad. Os recomiendo muchísimo ir en estas fechas, por de verdad merece la pena ver la ciudad decorada tan bonita. Había luces preciosas en todas las calles, árboles de Navidad, y un ambiente muy acogedor. Además, había mercados navideños muy divertidos. Tenían comida, bebida, puestos con decoraciones navideñas… Estaba todo realmente precioso. Nosotras ya tuvimos la suerte de visitar Florencia en otra ocasión, y nos encantó conocerla vestida de Navidad.

Galleria dell’Accademia

Sin duda un museo que no puedes perderte. Aparte de que aquí podrás ver al famoso David de Miguel Angel, tiene muchas otras esculturas y pinturas realmente increíbles.

David es una obra maestra de la escultura renacentista, realizada en mármol entre 1501 y 1504 por el artista italiano Miguel Ángel. David fue originalmente comisionado como una de una serie de estatuas de profetas que se colocarían a lo largo de la línea del techo del extremo este de la catedral de Florencia, pero en cambio se colocó en una plaza pública, fuera del Palazzo Vecchio, la sede del gobierno cívico en Florencia. La estatua fue trasladada a la Galleria dell’Accademia, en 1873, y luego reemplazada en su ubicación original por una réplica.

Galleria Uffizi

Otro museo impresionante es la Galleria Uffizi. Esta foto demuesta las vistas tan increíbles que tiene la Gallería. Ademas de multitud de obras de arte. La galería ocupa por completo el primer y segundo piso del gran edificio construido entre 1560 y 1580 y diseñado por Giorgio Vasari. Es famoso en todo el mundo por sus destacadas colecciones de esculturas y pinturas antiguas (desde la Edad Media hasta la Edad Moderna).
Las colecciones de pinturas del siglo XIV y del Renacimiento incluyen algunas obras maestras absolutas: Giotto, Beato Angelico, Filippo Lippi, Botticelli, Leonardo y Michelangelo. 

Y además, disfrutarás de estas vistas tan espectaculares del Ponte Vecchio.

Vintage by López-Linares

No podemos negar que Florencia es una ciudad que nos apasiona. Podríamos estar horas escribiendo sobre ella. Fuimos muy poquitos días así que no pudimos disfrutar de todos los lugares tanto como nos hubiese gustado. Por eso os dejamos un resumen muy pequeño de esta ciudad majestuosa. Sin duda, estamos deseando volver. Y vosotras, ¿habéis estado en Florencia? ¡Contadnos!

Un Mac de lo más Vintage.

La casa de subastas Christie’s ha puesto en venta una reliquia de la informática. Una de las primeras piezas diseñadas por Steve Wozniak y construido a mano en el garaje de los padres de Steve Jobs. Se trata de un Apple-1 o lo que sería el primer paso para el éxito a largo plazo de Apple en el mundo de los ordenadores personales.

Esta unidad en particular parece haber sido de las primeras 25 unidades producidas, ya que no tiene un logotipo NTI de diamante grabada en la capa de cobre y el código en el procesador 6402 es “1576”, lo que sugiere que fue fabricado en la semana 15 de 1976, es decir, a principios de abril.

Hasta el 9 de julio la casa de subastas admite pujas por la curiosa máquina, y por el momento su coste alcanza la nada desdeñable cifra de 320.000 dólares.

La subasta ha recibido el nombre de «First Bytes: Iconic Technology from the twentieth century», y ésta es una de sus piezas estrella.

Ya en mayo de este año una casa de subastas alemana remataba un ordenador de esta misma época por la cifra de 671.000 dólares.

Este pequeño ordenador tenía originariamente un precio de 666,66 dólares para la placa base sin teclado, transformador o pantalla de vídeo.

Me resulta curioso pensar que alguien haya guardado esta pieza en su garaje durante más de 35 años. Probablemente nunca soñó con revender su viejo ordenador con un beneficio tan grandioso.

Mac es ya un objeto Vintage.

Vestido de Novia Japonesque: La novia Fénix.

Hoy volvemos con uno de nuestros famosos posts: las novias antiguas. Nos encanta leer sobre vestidos de novia antiguos. Y ver la diferencia entre cómo son los vestidos de novia de ahora. Todos nos parecen alucinantes, originales y únicos. Esta vez, no nos vamos tan lejos como otras veces. Se trata de un vestido relativamente moderno, pero que estamos seguras que os va a sorprender tanto como a nosotras. 

La novia occidental y la novia oriental.

En los últimos veinte años, al igual que otros aspectos de la cultura occidental, el encanto del vestido de novia blanco de un solo uso se ha extendido por todo el mundo. En particular, las novias asiáticas han adoptado este modo: a veces usan ropa tradicional para la ceremonia y se cambian a un vestido blanco de estilo occidental para la recepción. Este elegante diseño fue creado para una novia japonesa por el artista holandés Claudy Jongstra.

Pareciendo ser un vestido blanco algo tradicional desde el frente, la vista posterior revela un fénix colorido en vuelo. El fénix es un pájaro mitológico adoptado por muchas culturas. Está genéticamente ilustrado, como aquí, con largas plumas de cola. Se creía que el pájaro vivía durante siglos. Al final de su ciclo de vida, construyó un nido reducido a cenizas del que surgió un nuevo fénix para comenzar una nueva vida. Simbolizando el renacimiento y la renovación, este dramático ciclo de vida corresponde al rito transformador de iniciación en el que participan los novios cuando se casan.

Claudy Jongstra

Formada como diseñadora de moda, Claudy Jongstra se graduó en 1989 en Hoogeschool voor de Kunsten, Utrecht, y pronto estableció su propio estudio de diseño. En 1994 se inspiró en una exposición de creación de fieltros que transformó su trabajo. Intrigada por el proceso, Jongstra perfeccionó esta técnica antigua, lo que resultó en un nuevo enfoque del concepto tradicional de tejido de fieltro. Para ella, el fieltro ofrece la emocionante posibilidad de agregar varios materiales diferentes, como la seda, el lino o el acetato, junto con la lana, produciendo tejidos sorprendentemente ligeros que conservan una calidad orgánica y terrosa.

El maravilloso vestido de novia.

Este diseño combina lana merino, seda cruda, gasa de algodón, organza de seda, cachemira cruda y lino crudo afieltrado a mano para producir una tela suave con varias texturas y brillos en toda la superficie. La imagen del ave fénix se afieltra directamente en la tela colocando fibras coloreadas naturalmente con tintes vegetales en su lugar antes de que comience el proceso. Debido a que el vestido fue hecho para una novia japonesa, el diseño incorpora un cinturón ancho que se asemeja a un obi. Las plumas de la cola del fénix serpentean alrededor de la cintura. El fieltro grueso y con muescas forma el lazo tradicional en el centro de la espalda.

El vestido es el segundo de tres piezas comparables. El primero fue producido para la novia y presentado en una exposición en el Salone del Mobile, Milán, en 2000. La pieza que se ve aquí fue encargada por Murray Moss de Moss Gallery, Nueva York y posteriormente comprada por el Museo de Arte de Cincinnati. Un tercer vestido de diseño similar se encuentra ahora en la colección del Museo Fries, Leeuwarden, Países Bajos. Cada pieza está relacionada, pero es única, ya que el proceso de “fieltrado” no es una ciencia exacta.

Druzy: Origen, Significado y Propiedades.

Hoy queremos hablaros del druzy. Se trata de un mineral que nos cautivó desde el primer momento que lo vimos. Por eso, es el protagonista de nuestro último anillo. Y queremos contaros todo sobre este mineral, para que apreciéis aún más la belleza de esta pieza.

Se conoce como druzy a la masa agregada de pequeños cristales («drusa de cristal»). Estos grupos de cristales pueden estar formados por muchos minerales diferentes. Como por ejemplo, granate, dolomita, malaquita y calcita también se encuentran en los cristales Druzy. Los colores de los minerales y las formas, tamaños y brillo de los cristales formados dependen de la composición del fluido. El tamaño del cristal variará según la función de la temperatura y la presión del fluido.

¿Cómo se forma el Druzy en la naturaleza?

Como ya hemos mencionado, el druzy son conjuntos de pequeños cristales de minerales que se forman en la superficie de otra piedra. El proceso geológico que forma un druzy, es el siguiente: El agua trae minerales a la superficie de una roca. Cuando este agua se evapora, se produce un enfriamiento y los minerales que permanecen en la propia roca comienzan a formar cristales en la parte superior. Según los minerales que hayan sido traídos por el agua, el druzy se formará de un color diferente. Existen tonalidades casi infinitas incluyendo color del arco iris, el blanco, el rosa, el azul, el morado, el verde o el negro.

El cuarzo es uno de los tipos de druzy más comunes. Independientemente del mineral que lo forme, el aspecto general suele parecerse al del azúcar. Los diminutos cristales se consideran hermosos porque, como las piedras preciosas grandes, brillan y atrapan los rayos de luz.

Los lugares donde es más común encontrar este mineral son África, Brasil, Europa, América del Sur y Estados Unidos.

Propiedades:

Como todos los minerales, el druzy cuenta con sus propias propiedades curativas. Se dice que este mineral irradia buena energía, aumenta la relajación, elimina los niveles de estrés, purifica y limpia el cuerpo. Además, amplifica otros cristales, disminuye la depresión y la ansiedad y fortalece el espíritu.

Para obtener todos los beneficios de este mineral, generalmente es una buena idea llevarlo puesto. Bien sea en un collar, anillo o pulsera. Nosotras te damos la opción de llevarlo en un precioso anillo con una tonalidad azul espectacular.

Anillo Druzy Vintage by López-Linares

Usos:

Como os comentábamos, podemos utilizar este mineral en joyería y disfrutarlo y lucirlo a diario. Así nos aseguramos de que los poderes calmantes y curativos de este cristal permanecen cerca del calor de nuestro cuerpo.

Pero también existen piezas de druzy de un tamaño mucho más grande que nos sirven para decorar y mejorar la energía de nuestro hogar. Los practicantes de Feng Shui utilizan con bastante frecuencia este cuarzo para aportar energía y brillo a los hogares y/u oficinas. Simplemente colocando la piedra cerca de una ventana para agregar luz natural curativa.

Vintage by López-Linares

Este anillo de la nueva colección es uno de los más especiales que tenemos. Como todas nuestras piezas, está realizado a mano en plata bañada en 3 micras de oro de 24 kilates. Esta pieza es especial ya que es una pieza única. El druzy es un mineral que es prácticamente imposible encontrar dos iguales. Este anillo está realizado a partir de la propia piedra, es decir, se engastó en el propio mineral. Es por esto que es una pieza única. Ya que tienen un color, tamaño y engaste que lo hace único.