“Balenciaga Shaping Fashion”

Este mes de noviembre me gustaría cerrarlo con la exposición de uno de mis diseñadores de moda favoritos, él es el “Gran Maestro” español de la alta costura, ese en el que todos se inspiran y al que todos los diseñadores soñarían parecerse.

 

La exposición a la que vamos a viajar hoy está teniendo lugar en Londres en el marco de uno de los más prestigiosos museos de la capital inglesa, el Victoria & Albert. El museo abre sus puertas hasta el 18 de febrero para mostrarnos cada día más de 100 piezas del prestigioso modisto español Cristóbal Balenciaga.

Hace un siglo, el modisto español abría una boutique en San Sebastián que se convertiría en una de las casas con más historia de la moda española. El modisto abandonaría su tierra para entrar en París por la puerta grande, destacando sobre grandes del momento como Coco Chanel o Christian Dior.

La muestra se centra en los años cincuenta y sesenta, y en ella podemos ver esas siluetas tan características del modisto, con esas formas perfectas, casi arquitectónicas, esos volúmenes que envolvían a la mujer de forma magistral y la daban un halo de elegancia que muy pocos han logrado.

Sus prendas son verdaderas obras de arte. Balenciaga siempre estuvo asociado a un corte impecable, limpio, sencillo y, casi celestial, de una perfección inigualable.

Audrey Hepburn, Jackie Kennedy, Ava Gardner y un sinfín de lo que hoy llamaríamos “influencers”, fueron incondicionales de la marca.

Yo he querido ilustrar este post de hoy con fotografías de uno de mis fotógrafos favoritos, hubiera sido un sueño ver trabajar a Richard Avedon en un plató de fotografía junto a Cristobal Balenciaga.

Pero siempre nos quedará Londres, y si tenéis la suerte de viajar a la capital inglesa no dejéis de visitar esta muestra. Y si lo hacéis, por favor, no dejes de escribirme para contarme qué os ha parecido.

Ya sabéis, en el Victoria & Albert., hasta el 18 de febrero de 2018: “Balenciaga Shaping Fashion”

Bibliografia:

Vam.ac.uk

Wmagazine.com

Pinterest.es

Hijosdelacaducidad.wordpress.com

Highlowvintage.com

 

LOS BLOOMER: Una prenda para todas las mujeres con sentido común

Desde hace varias temporadas los pantalones balineses o anudados al tobillo, sobre todo en verano, se llevan muchísimo. Esta prenda de corte oriental que vemos por la calle y que ahora lucimos con tantísima naturalidad, tuvo serios problemas de aceptación cuando fue introducida en el vestuario femenino a mediados del siglo XIX.  Aquí va su historia.

Todo empezó en la primavera de 1851 cuando una mujer estadounidense, llamada Elizabeth Smit Miller, hija del abolicionista y congresista Gerrit Smith, harta de no poder hacer con comodidad sus tareas de jardinería a causa de su abultada falda larga, tomó la resolución de acabar con el problema y, recordando  los amplios  pantalones de las mujeres turcas que había visto un viaje por Europa, ideó una nueva y cómoda forma de vestir para las mujeres.

El nuevo modelo consistía en unas enaguas largas y anchas que se estrechaban en los tobillos a modo de bombachos y, sobre ellas, iba una falda más corta que las habituales faldas victorianas. El nuevo look entusiasmó a su prima Elizabeth Cady Staton, quien lo adoptó de inmediato. Cady era amiga de la por entonces famosa sufragista Amelia Bloomer, que al verlo quedó fascinada y no tardó en ser portadora de uno de estos revolucionarios trajes.

Amelia Bloomer en esa época dirigía su propio periódico: “The LilY”, una publicación dedicada a la mujer donde se trataban los temas femeninos – educación, moda, sufragio, etc. – desde el punto de vista reformista, reclamando la igualdad de la mujer en la sociedad. Amelia aprovechó la ventaja que supone tener su propio medio de comunicación y publicitó la nueva prenda femenina. Concretamente, en el número de mayo de 1951, recomendaba su uso y escribía: “para todas las mujeres con sentido común”. Fue tal el escándalo y la repercusión que tuvo la prenda que terminaron adoptando el nombre de la citada periodista.

La nueva prenda de vestir y su publicidad en el periódico de Amelia provocaron una oleada de indignación entre la sociedad e insultos en la prensa, pero esto solo hizo que se multiplicaran los artículos relacionados – algunos de la propia Elizabeth Cady Staton, que escribía bajo el seudónimo de “Girasol”- con la propuesta del uso de este nuevo atuendo reformista.

Pronto a estos pantalones se les conocieron con el nombre “The Bloomers”.

Fueron muchas las mujeres que se atrevieron a usarlos a  pesar de ser ridiculizadas. Algunas lo usaban  convencidas de la gran comodidad que aportaban, otras lo hicieron por reivindicación usando los bloomers como símbolo de la igualdad de derechos de la mujer.  Pero, con el paso del tiempo, fueron las propias feministas las primeras en dejar de usarlos, al pensar que la popularidad  de los bloomers estaba desviando la atención de sus reivindicaciones y temiendo no ser tomadas en serio.

Al final los bloomers no desaparecieron siendo usados en gimnasios y sanatorios. Elizabeth Miller y Amelia no se rindieron tan fácilmente y mantuvieron su uso hasta finales de las década de 1850, incluso presentándose con ellos en recepciones y eventos sociales.

La desaparición de los bloomers fue solo momentánea, volviendo a aparecer su uso en 1890 para la realización de deportes a los que la mujer se estaba incorporando, como el ciclismo, el tenis o los baños de mar. Eso sí, su renacimiento trajo consigo alguna variación, como el uso de tejido más adecuados y la eliminación de la falda superpuesta.

BIBLIOGRAFIA:

Victoriana.com

La casa victoriana.com

WIKIPEDIA

LAS BODAS DE AUDREY HEPBURN

Audrey Hepburn se casó dos veces, aunque en realidad casi fueron tres.

En 1952 y con 23 años casi contrae matrimonio con el rico industrial británico James Hanson. Ese año se encontraba en Roma filmando la famosa película “Vacaciones en Roma” junto a Gregory Peck. La boda se iba a celebrar justo al terminar el rodaje. Audrey quería un vestido de novia especial, de corte romántico y se lo encargó  a las famosas hermanas y diseñadoras italianas Fontane.

Con el vestido terminado, la pareja dio por terminada la relación y la boda se suspendió.

Audrey pidió a las famosas modistas que regalasen el vestido a una bonita muchacha italiana que no tuviera recursos para comprarse un traje de novia. La joven afortunada fue Amabile Altobella, lo lució y lo guardó como tesoro familiar.

En el 2002 la familia Fontane logró recuperar el vestido, que en 2009 sería subastado para donar los beneficios de la venta a las dos organizaciones en las que Audrey Herpurm estuvo trabajando los últimos años de su vida: “The Audrey Hepburn Childrens Fundation” y “UNICEF”.

A los dos años de romper su compromiso, en una fiesta en casa de su gran amigo Gregory Peck, conoce a Mel Ferrer. El flechazo fue inmediato y se casaron en una capilla privada del siglo XIII del pueblo suizo de Burgenstock, muy cerca del romántico lago de Lucerna. Fue una ceremonia íntima con apenas una veintena de invitados.

Para esta ocasión Audrey quiso un vestido de novia de inspiración victoriana. Escogió como diseñador y modisto a Pierre Balmain, que le confeccionó un vestido midi de organdí blanco con falda tipo corola de cuello alto, abotonado y ceñido a la cintura con un recogido terminado en lazada. En la cabeza una sencilla corona de rosas blancas que le daban un aspecto angelical. El matrimonio duró 10 años, del que nació su único hijo, Sean.

Tras el divorcio con Mel Ferrer Audrey conoce en un crucero por las islas griegas a un médico y play boy italiano llamado Andrea Dotti, con el que se casaría un año después.  Audrey, para esta ocasión, quería un vestido especial, distinto y quién mejor para ello que su amigo y modisto preferido Givency. Nadie como él podría trasmitir la elegancia natural y el encanto inocente de Audrey. Conocía perfectamente a la actriz.

La boda se celebra, casi en secreto, en el ayuntamiento de Morges (Suiza). Audrey impacta a todos con su vestido “Baby Doll” de lana rosa, cuello chimenea y mangas acampanadas. Como adorno lleva en la mano un sencillo bouquet de florecillas blancas y cubriendo su cabeza un pañuelo del mismo paño rosa del vestido. Givency había dado en el clavo, acababa de nacer la “novia moderna”.

¿ Con cuál de los dos trajes os quedaríais?

A mi me gusta más el primero, aunque el segundo tiene un corte exquisito y la sentaba de cine¡

 

 

Diccionario Vintage: La esmeralda

El origen de la palabra esmeralda no lo tengo muy claro, he encontrado referencias de dos versiones diferentes.

Por un lado, encuentro que la palabra esmeralda viene del francés antiguo “ESMERALDE”, deformación vulgar del latín “SMARAGDUS”. Este vocablo latino viene a su vez del vocablo  griego “SMÁRAGDOS”, que significa  esmeralda. Y la otra teoría es que procede del vocablo persa “ZAMARAT”, que significa “piedra verde”. Lo cual nos indica que no está nada claro el origen de la palabra.

Un mineral que pertenece a la familia del berilo, el cual se presenta incoloro, pero cuando contiene cromo y algunas veces vanadio adquiere el tono verde especial de la esmeralda.

Es, además, la única piedra preciosa de este color que se encuentra en la naturaleza en forma cristalina. Geológicamente es un auténtico fenómeno de la naturaleza, por lo cual solo se encuentra en muy determinadas zonas del planeta. Las esmeraldas procedentes de Colombia, encontrándose en terreno de rocas sedimentarias. Mientras que las esmeraldas de Brasil, Zimbabue, Zambia o Egipto son extraídas en terrenos de rocas volcánicas.

Su Historia.

Ya en el 4000 a.C era uno de los productos estrella en los mercados y zocos de Babilonia. Gracias a los escritos de Estrabón sabemos que en el alto Egipto había unos enormes yacimientos de esmeraldas, de donde procedían casi la totalidad de las esmeraldas de la antigüedad, llamado Smaraglus Mons, “montañas de esmeraldas”.

Se cree que la explotación de estas minas se remonta al 1800. a.C  y que su producción, ya muy debilitada, llegó al reinado de Cleopatra, la cual las explotó al máximo dado la gran debilidad que sentía por estas piedras. Después de su muerte, se  abandonó la explotación de las minas.

En cuanto a Europa, encontramos el yacimiento de Habachtal que proporcionó las valiosas esmeraldas que lucieron los cortesanos y la nobleza de la Edad media.

Cuando los españoles llegan a Perú en el siglo XVI se encontraron por primera vez con esta piedra, con la cual los incas se adornaban y comerciaban.

En 1537 llegaron los españoles al territorio de los Muzo- Colombia. Los muzos guardaron el secreto de sus yacimientos de esmeralda, pero por casualidad, en 1555, Antonio Sepúlveda dio con ellos. Los españoles estuvieron sacando piedra de allí hasta principio del S.XIX.

Desde entonces Colombia abastece el mercado internacional de esmeraldas en un 55 % del total de las exportaciones mundiales. Colombia es el mayor productor, seguido de Brasil y, en tercer lugar, Zambia. Las esmeraldas colombianas son muy apreciadas por su color verde radiante que solo lo da el subsuelo colombiano, mientras que las del Brasil son famosas por su variedad de tonalidades verde, que va desde el verde clarito a un bonito verde medio oscuro.

Zambia fue una antigua colonia británica y cuenta con varios yacimientos de esmeraldas. Entre todos ellos, el yacimiento de Mina Miku es el que produce esmeraldas de una calidad extraordinaria, sus tonalidades de verde, su bajo número de inclusiones y su transparencia se pueden comparar con las esmeraldas de Colombia. Su producción es menor que las colombianas abasteciendo el mercado internacional en un 5%. La demanda de las esmeraldas de Zambia ha experimentado un alza considerable desde que Tíffany lanzara toda una colección de alta joyería con esmeraldas de Zambia.

Algunas clases de esmeraldas especiales:

La esmeralda Trapiche

Es una esmeralda especial que solo se encuentra en Colombia (Mina Muzo y Mina Peñas Blancas). Esta esmeralda tiene la particularidad que en su interior crece un mineral llamado Albita, formando una rueda de seis ejes de color negruzco. Son esmeraldas muy escasas y muy apreciadas por los coleccionistas alcanzando altísimos precios.

La esmeralda Ojo de gato

Es otra variedad de esmeralda que solo se encuentra en las minas de Coscuez, localizadas en Boyacá (Colombia). Tiene irisaciones y refleja la luz formando una línea luminosa perpendicular que recuerda al ojo del gato. 

Algunas de las esmeraldas más famosas de la historia:

La esmeralda Teodora: Es la esmeralda tallada más grande del mundo, tiene 57.000 quilates. Su procedencia es del Brasil y está valorada en 11 millones de euros.

La esmeralda Fura: Es la segunda esmeralda más grande del mundo después de la Esmeralda Teodora. Su procedencia es de las minas Muzo (Colombia). Se halló en 1999 junto con la esmeralda Tena, tiene 11000 quilates.

La esmeralda Tena: Es la esmeralda más valiosa del mundo debido no tanto a su tamaño si no a su color verde oscuro. Tiene 2000 quilates y fue hallada en las minas Muzo (Colombia) junto a la esmeralda Teodora.

La Esmeralda Gachalá: Extraída en 1967 en la mina de la Vega de San Juan en Gachalá (Colombia), tiene 858 quilates y es de un verde trasparente intenso. Está expuesta en el Instituto Smithsoniano de Washington.

La Esmeralda Mogul: Otra de las esmeraldas más grandes del mundo. Fue extraída en Colombia (mina Muzo), su peso es de 217’80 quilates y fue vendida a la India en el siglo XVI, donde las esmeraldas eran muy demandadas por el imperio mogol. Fue el constructor del Taj Mahal, el emperador musulmán Shah Jahan, de la dinastía mogol, quien mandó cortarla en forma rectangular y hacer en las dos caras unas grabaciones. En un lado  están grabados textos de oraciones y por el otro lado lleva tallados adornos florales. La esmeralda fue subastada y  hoy está expuesta en el Museo Islámico de Qatar.

Nosotras no tenemos joyas realizadas con esmeraldas ya que solamente trabajamos con piedras semipreciosas, pero os dejo una preciosa selección de piezas realizadas con circonita verde y con piedras semipreciosas de este mismo color.

¡Noviembre se viste de verde en Vintage By López-Linares!

JOYAS EN VERDE

La colección de Linda y Steven Plochocki en el FIDM

Este mes de octubre vamos a viajar hasta la ciudad de Los Angeles para hacer un pequeño recorrido por una exposición que se inauguró el 6 de junio, pero que podríamos visitar hasta finales de este año.

La exposición cuenta con una increíble selección de piezas de moda antiguas donadas por Linda y Steven Plochocki. Un recorrido por la historia de la moda de la mano de una de las parejas que más amor ha demostrado a lo largo de los años por preservar y conservar la moda de siglos pasados.

Linda estudio costura en una pequeña escuela privada siendo joven, y fue allí donde nació su pasión por la moda. Luego, a comienzos de la década de los 80, comenzaría a comprar piezas especiales y a restaurarlas con sus propias manos para conservarlas.

Linda siempre ha tenido un gran interés en la historia de la moda, junto con la historia mundial, los textiles y la vestimenta étnica. Aunque su época favorita es la de principios del siglo XX., las formas cambiantes y el movimiento de las telas en los vestidos siempre han sido sus favoritos.

La pareja haría su primera donación al museo en el año 2008, fue un traje a rayas de Jean Paul Gaultier, después vendrían multitud de complementos. El primero de ellos fue un sombrero de paja fechado en 1895-1905.

La exposición cuenta con dos de las piezas favoritas de Linda en manos del museo: una bata pintada a mano, perteneciente a la Helen Larson Historic Fashion Collection, y un vestido de novia c.1878 de Pingat.

Antes de decidir si donar o no una pieza al Museo FIDM, hay que contar con la aprobación del equipo directivo y, por supuesto, tener muy en cuenta que la pieza sea especial y diferente. También es importante que, a ser  posible, la pieza se encuentre en las mejores condiciones, ya que los museos muchas veces tampoco tienen un elevado presupuesto para restauración.

Es importante educar al público sobre la historia de la moda. La historia de la moda está íntegramente ligada a la historia de la humanidad, y esto es algo que el Fidm nos recuerda en cada una de sus exposiciones.

Aunque Linda y Steven Plochocki no son los únicos que han contribuido a hacer grande esta colección, del Museo Fidm sí son, diríamos, los más importantes benefactores, por lo que merecen que el FIDM les haga este gran honor.

Ya sé que la mayoría de vosotros no vais a poder iros hasta Los Angeles, pero el Museo tiene una preciosa web en la que se puede ver parte de su colección.

Internet es lo que tiene, nos permite viajar a los lugares más remotos casi con un solo clic. Por eso os he dejado aquí debajo los enlaces a su web, para que la echéis un vistazo.

Web del Museo Fidm: FIDM MUSEO

Imágenes y Bibliográfica:

Fidmmuseum.org

Wikipedia

 

 

 

Miriam Haskell – La historia de una emprendedora incansable

Hoy os traigo el último video que grabé en nuestro emblemático espacio de la calle de Claudio Coello, 60. Fue justo unos días antes de marcharme de vacaciones y de cerrar para siempre.

Pero ya sabéis que ahora tengo una preciosa tienda online, en la que paso la mayor parte de mi tiempo y que, la verdad, me está dando muchísimas satisfacciones.

Mientras editaba el video, me ha entrado cierta nostalgia al recordar la cantidad de gratos momentos que he pasado durante los casi 30 años entre esas paredes, pero ya sabéis que los tiempos cambian y que hay que saber adaptarse y aprovechar las nuevas oportunidades que nos llegan en la vida, o que nosotros mismos debemos provocar.

Bueno, no me enrollo más… Este mes he venido a hablaros de una de mis diseñadoras de bisutería favoritas, se trata de Miriam Haskell.

Me chifla su trabajo, y la verdad es que he disfrutado muchísimo metiéndome en su vida para conocerla mejor y poder contárosla a vosotros. Lo he disfrutado de lo lindo.

Os dejo el video con toda su historia, y al final os enseño algunas de las piezas que tengo suyas en mi pequeña colección de bisutería antigua.

¡Ya me contareis qué os ha parecido su estilo y si os ha gustado su trabajo!

 

El Granate

EL GRANATE

 La palabra granate viene del latín “granatum”, que significa “con granos”.

 El granate es un grupo de minerales que incluye seis variedades importantes de piedras preciosas, tan similares alguna de ellas que es difícil distinguirlas. El granate se da en todos los colores, menos en azul, siendo el color rojo-granate y el verde los más conocidos.

La transparencia, la trasmisión de la luz y su dureza son algunas de las características que le hacen ser una piedra muy apreciada en joyería, desde tiempos inmemorables.

Los yacimientos de este mineral se encuentran repartidos por todo el planeta, siempre junto a las altas cordilleras montañosas.

El granate ha sido una piedra muy utilizada por el hombre desde la Edad de Bronce. Por ejemplo, se han encontrado joyas con granate en Egipto, en Grecia y en el Imperio Persa, los cuales le llamaban “león Granate” y, entre otras aplicaciones, la usaban contra la fiebre.

En la Edad Media era una de las piedras más usadas para adornar joyas. Los cruzados llevaban granate engarzado en sus armaduras y escudos militares como símbolo de protección. Los bizantinos y visigodos han dejado una numerosa muestra de objetos adornadas con esta piedra.

En la época Victoriana y art Decó, el granate sigue siendo una piedra imprescindible en la joyería. La talla que se empleaba hasta entonces, la de cabujón, deja paso a la talla escalonada, en facetas o mixta, que le da un brillo y una luz mucho más espectacular.

Yo este mes se lo voy a dedicar a  esta piedra, y hasta aquí os traigo algunos ejemplos de piezas que podéis encontrar en la web realizados con ellas.

Ya me diréis qué os parecen y si soléis usar joyas realizadas con esta piedra. A mí, personalmente, siempre ha sido una piedra que me ha resultado muy favorecedora y fácil de combinar. Eso sí, no me gusta que sea demasiado oscura que ya, casi, parezca negra.

Os dejo el link a una pequeñas selección de joyas con granate de nustra web:

EL GRANATE EN VINTAGE BY LOPEZ-LINARES

 

“Espectaculares gemas y joyas”

El Museo Hillwood es uno de esos hermosos lugares a los que yo no dejaría de ir nunca si me encontrara en la ciudad de Washington.

El Museo Hillwood fue el hogar de Marjorie Merriweather Post, ya os he hablado de ella en  “70 años de moda a través del estilo de Marjorie Merriweather” y  “Cartier: La deslumbrante Joyería Histórica de Marjorie Merriweather”.

Marjorie heredó a la temprana edad de 27 años el imperio de los cereales Post de su padre, que en ese momento estaba valorado en más de 20 millones de dólares.

Mujer carismática y visionaria, desarrolló un gusto por el arte francés del siglo XVIII y posteriormente por el imperio ruso. Gran coleccionista de piezas de arte de valor único, su mansión terminó convertida en un grandísimo museo en el que sé con certeza que podría pasarme horas.

Este mes os vuelvo a hablar de ella, después de casi dos años, ya que el pasado 10 de junio se inauguraba otra preciosa exposición sobre sus joyas.

“Espectaculares gemas y joyas”

Una exposición que nos deslumbra con exquisitos ejemplos de joyas históricas y con algunas de las joyas más bellas del siglo XX.

Durante siglos, las piedras preciosas han sido las piezas centrales de la joyería hecha para adornar a la realeza, la aristocracia, la alta sociedad y las estrellas de Hollywood.

Después de la Primera Guerra Mundial, muchas de las más increíbles joyas de la historia pasaron a manos nuevas, y los cambios revolucionarios en la moda llevaron a la innovación en el diseño de las mismas.

Marjorie Post se encontraba entre esta élite de nuevos ricos, y adquirió joyas y las rediseñó con algunos de los más afamados joyeros de la época. Marjorie no sólo estaba interesada en usar las joyas, ella era una gran experta en gemología y también gustaba de conocer la historia de cada una de las piezas que adquiría. El resultado de su colección es una de las mejores de la historia americana del S.XX.

En esta magnífica exposición podréis disfrutar de más de cincuenta piezas que alguna vez pertenecieron a Marjorie Merriweather Post, y podréis conocer la historia detrás de cada una de ellas.

Entre sus piezas más emblemáticas destacan diseños de Cartier, Van Cleef y Arpels, Harry Winston y Verdura, entre muchos otros.

La muestra “Espectaculares gemas y joyas” muestra los mejores ejemplos de la colección de Hillwood. Piezas legadas por Marjorie para el disfrute de generaciones futuras que, junto con préstamos importantes de piezas que ella misma legó a otros museos y colecciones privadas, han regresado a su hogar por un tiempo para completar la muestra.

La exposición ofrecerá la oportunidad de examinar la gran calidad y belleza de las gemas en la colección, su significado histórico y la evolución del diseño en la joyería del siglo XX, desde los años 1900 hasta los años sesenta.

Una de las joyas más significativas y conocidas de la colección de Marjorie, que sigue en la colección privada del museo Hillwood, es un broche colgante de esmeralda y diamante hecho por la rama londinense de Cartier en la década de 1920. Esta pieza icónica, cuenta con más de 250 quilates de esmeraldas indias talladas del período mogol, incluyendo una esmeralda del siglo XVII tallada en forma de una flor con una inscripción persa en un lado.

Otro ejemplo es la gran joya de diamantes y rubíes que supuestamente se hizo a principios del siglo XIX para la duquesa de Oldenburg, hija de la gran duquesa María Nikolaevna.

En contraste, la exposición también cuenta con importantes piezas modernas, como un elegante broche floral de rubí y diamantes de Van Cleef & Arpels, que Marjorie compró en 1969.

Otros ejemplos son: un precioso alfiler de bailarina Van Cleef & Arpels inspirado en una pintura de Marie Camargo; un broche de peridoto, oro y diamante de David Webb y un anillo de amatista en forma de pera Verdura, todos ellos audaces en el diseño.

Estos son algunos ejemplos.

Yo, para los que estéis interesados, os dejo el link a la web con todos los detalles, y os animo a acercaros a ver tanto la casa como las joyas, si tenéis la gran suerte de viajar a Washington antes del 7 de Enero de 2018.

Hillwood Museum

Imágenes: Hillwood Museum

Melvin Sokolsky, soñó que volaba en una burbuja

Melvin Sokolsky, un genio que jamás estudió fotografía, pero que comenzó a disparar con apenas 10 años con una vieja máquina de su padre.

Inspirado por un sueño en el que se vio flotando dentro de una burbuja a través de paisajes exóticos, creó la serie “Bubble”.

La serie vio la luz en la revista Harper´s Bazar en 1963 en ella una mujer sobrevuela la ciudad de París dentro de una burbuja transparente;  fue tal el éxito de las serie que un año después se rehízo con más modelos y en lugares más variados.

La burbuja, se fabricó en diez días en plexiglás y sus bisagras eran de aluminio.

Esta serie revoluciono la historia de la fotografía de moda. Melvin Sokolsky había encendido el mundo de la fotografía de moda con su estilo innovado.

 

Fotografías de @Melvin Sokolsky.

Cerramos Claudio Coello 60, estrenamos tienda online y nos vamos unos días de vacaciones

Queríamos contaros que después de más de 30 años de trabajo en pleno barrio de salamanca, hemos decidido apostar por el comercio online y cerramos nuestra emblemática tienda de Claudio Coello, 60.

Aunque nos da mucha pena abandonar este local que ha sido nuestro hogar y el vuestro durante tantísimo tiempo, estamos muy ilusionada con la idea de poder trabajar desde casa y con más libertad horaria.

Yo por mi parte, durante este verano, voy a planificar esta nueva etapa que ahora comienza, y para hacerlo lo mejor posible, voy a trabajar mano a mano con Barrio Digital, una innovadora empresa dedicada al marketing digital que acaba de aterrizar en España.

Ellos me van a ayudar a que todo resulte sencillo, y sobre todo, que vosotros casi ni notéis la falta de la tienda en Madrid.

Quiero desde aquí agradecer de todo corazón a mis padres la oportunidad que me dieron en su día de entrar a formar parte de este precioso negocio que ha sido López-Linares Anticuarios y Vintage By López-Linares. Ellos me han permitido tener un trabajo durante más de 30 años que me ha llenado totalmente tanto a nivel profesional como personal.

Y sobre todo dar las gracias a todos los clientes que a lo largo de estos años han confiado en nosotros y nos han permitido ayudarles a elegir aquella pieza que mejor se adaptaba a sus necesidades y gustos.

¡¡Gracias de corazón a todos por confiar en nosotros!!

Para contároslo todo hemos  grabar un video que tenéis colgado en YouTube,

Me ha costado lo suyo convencer a mi madre para que me acompañe en este último video desde la tienda, pero al final lo he conseguido!!!

Aquí tenéis nuestra despedida, cargada de sentimientos, nervios y sin guion. Un poco caótica, pero somos nosotras mismas al natural.

Ya sabéis que sigo conectada por redes y que podréis encontrarme siempre en:

www.lopezlinares.com  y  info@lopezlinares.com

¡¡ OS MANDO UN BESO ENORME A TODOS !!