Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
Parece mentira que ya haya terminado 2022. A nosotras desde luego se nos ha pasado volando!!! Seguramente, parte de que los días y meses se nos pasen tan rápido es porque trabajamos haciendo lo que más nos gusta. Y dicen que, cuando haces lo que te gusta, no es trabajo no? Desde luego nosotras amamos nuestro trabajo, y estamos muy felices de poder empezar un año más juntas. Un año que vendrá repleto de novedades, tanto de joyas, con nuevos diseños, como sorteos y otras muchas sorpresas que os tenemos preparadas.
Sobre todo queremos agradeceros que sigáis con nosotras día a día, apoyando nuestro trabajo y compartiendo esta pasión por las joyas antiguas que nos une. Sois vosotras/os los que conseguís que podamos seguir dedicándonos a lo que nos apasiona.
Daros la bienvenida a todas/os los que nos habéis conocido este año y nos seguís y comentáis en redes sociales. Aprovecho para dejaros nuestra cuenta de instagram, en la que somos super activas y todos los días os subimos alguna joya nueva, y videos de nuestras piezas. Hablando de vídeos, con ellos empezamos más seguidamente este año, y ya sois muchas/os los que nos decis que os encantan porque os permite ver las joyas mucho mejor que en foto. Seguiremos haciéndolos por supuesto, pero recordaros que siempre que queráis podéis escribirnos por WhatsApp (660116577) para que os mandemos fotos y videos de las piezas que os gustan.
Os deseamos una muy feliz navidad, un prospero año nuevo y que seais muy muy felices!!! ¡Nos vemos en 2023 con muchas ganas!
Kramer fue fundada en Nueva York en 1943 por el diseñador Louis Kramer con sus hermanos Morris y Henry, que pronto se unieron a la compañía. Astutamente, los productos de su marca se lanzaron en todos los rangos de precios.
Los diseños de alta joyería.
Su joyería de gran calidad era una de las más lujosas y artísticas, usando diamantes y pedrería «pavé». La traducción literal de pavé es “pavimentar” o “adoquinar”. Recibe este nombre porque las piezas están realizadas con trozos de cristal unidos como las calles adoquinadas, también perlas simuladas, lapislázuli, jade, rubí y piedras de zafiro. También realizaba trabajos de «diamanté» (que es lo mismo pero con diamantes). Como su contemporáneo Albert Weiss, Louis K. favoreció un estilo de diseño rico en piedras.
Kramer prefirió patrones abstractos y sus diseños geométricos encontraron favor en los 50 cuando se produjo el conocido «Golden Look” (el look dorado) donde se comenzó a usar metal bañado en oro. Y en los 60, el «Diamond Look” (el look de diamante) donde se utilizaba con plata bañada para conseguir un efecto hielo. Otros diseños clave incluían pedrería cubierta con una red negra. Sus diseños eran siempre innovadores y bien realizados. La joyería de más alto precio de la compañía, estaba marcada normalmente como «KRAMER» o «KRAMER OF NEW YORK». Mientras que las piezas de menor precio solamente llevaban una etiqueta.
Junto con muchos otros diseñadores de bisutería, también hizo pasadores con temática navideña, que fueron especialmente populares durante la guerra de Corea, cuando las madres y esposas se las llevaban a sus hombres.
Louis Kramer creó diseños exuberantes y relucientes para adaptarse a todos los bolsillos de la época. Tal era el calibre de su trabajo que fue invitado para fabricar bisutería para Christian Dior en los primeros en 1950, con la marca «Kramer for Christian Dior» y «Dior by Kramer». Kramer creó muchas piezas de calidad hechas a mano, que tenían bonitos y espectaculares diseños. Estos incluían flores, insectos, mariposas, coronas, tortugas, pájaros… sólo por nombrar unos pocos. Produjo piezas de joyería con la mejor pedrería y cristal Austriaco, perlas simuladas en gran variedad de colores. Las perlas simuladas consistían en cuentas hechas para parecerse a una perla, sin serlo realmente.
La casa Dior insistía en que la bisutería que se vendía bajo su nombre debía reflejar la calidad del diseño de la compañía. Y sólo a los joyeros más reputados se les encargaban dichas piezas. Dior reconoció el arte y buen hacer de Kramer. Las piezas «Dior by Kramer» o «Kramer for Christian Dior» son altamente codiciadas por los coleccionistas y los precios son cada vez más altos. Christian Dior favoreció el movimiento en su joyería y se pudo haber inspirado en el uso que Kramer hacía de gotas de cristal puestas en anillos de engarce, los cuales capturaban la luz a medida que la persona se movía.
Cómo reconocer una pieza de Kramer
El nombre de «Kramer NY» en un engaste de metal en tono de peltre (el peltre es una aleación de estaño) fecha una pieza entre los 40 y los 50, siendo esta época considerada la mejor de Kramer. Desde finales de los 50 hacia delante, las piezas estaban marcadas como «Kramer» en una placa oval o triangular. Otras marcas a destacar incluyen «Amourelle», una línea establecida por el diseñador Frank Hess (antes diseñador de Haskell, que fue a trabajar para Kramer en 1963), extremadamente rara. Y «Kramer Setting», que data de la II Guerra Mundial. En esta época era cuando se usaba plata Sterling porque otros metales estaban restringidos para su uso en la guerra. La compañía cesó su producción a finales de los 70.
Los coleccionistas buscan anchos brazaletes con sutiles paletas de color, grandes petos (o pecheras, o baberos) de pedrería, lazos y collares de catarata. Son valiosos los accesorios completos con el sello de la compañía. Junto con su contemporáneo Weiss, Louis es hoy día cada vez más reconocido de lo que fue en su tiempo, y sus precios no hacen más que subir.
A vosotras, qué os parecen sus joyas? Sin duda son piezas únicas, con diseños espectaculares que no pasarán nunca de moda.
Parece mentira que ya hayamos llegado al último mes de año, a mi desde luego se me ha pasado volando!! Las piedras natales de este mes son la turquesa, la tanzanita y la circonita. Como de la turquesa ya hablamos en un post anterior (te lo dejo aquí) y de la circonita también (te lo dejo aqui), vamos a hablar de la tanzanita.
La Tanzanita
Es la variedad azul y violeta del mineral zoisita (un hidroxisorosilicato de calcio y aluminio), causada por pequeñas cantidades de vanadio. No fue hasta 2002 que la tanzanita se convirtió en la piedra natal del mes de diciembre.
El nombre «tanzanita» se le dio porque el único depósito de tanzanita de importancia comercial conocido en el mundo se encuentra en el norte de Tanzania. El nombre refleja el origen geográfico limitado de la gema. Todas las minas están ubicadas en un área de aproximadamente ocho millas cuadradas en Merelani Hills, cerca de la base del Monte Kilimanjaro y la ciudad de Arusha.
Aunque casi todas las piedras preciosas más populares del mundo se conocen y utilizan desde hace cientos de años, ésta no se descubrió en cantidades comerciales hasta la década de 1960. En poco tiempo desde entonces, se ha convertido en la segunda gema azul más popular después del zafiro.
Dado su atractivo color, rareza y la publicidad que acogió su descubrimiento, el valor de esta piedra es bastante alto. Apenas un poco menor que el de los zafiros azul-violeta a los que se parece. Pero rara vez se ve en el mercado y es, en gran medida, un artículo de colección. Tiffany tiene una de las exhibiciones de tanzanita más grandes y hermosas del mundo.
«La tanzanita es la piedra azul más hermosa descubierta en 2000 años». – Tiffany&Co.
Significado de la Tanzanita según su color
Por un lado, la tanzanita violeta representa majestuosidad. Se cree que inspira una sensación de asombro, misterio y magia. Cuanto más oscura es la piedra, más valiosa es y más lujoso se vuelve su significado.
Las piedras de tanzanita más oscuras se han asociado durante mucho tiempo con la realeza debido a la profundidad y riqueza de su color. También se cree que tienen un fuerte significado para los logros y los sueños de uno. Además de representar una guía para convertir los grandes sueños en realidad.
Se cree que las gemas de tanzanita color índigo representan el corazón y el intelecto combinados con la intuición y la pureza. Estas piedras se utilizan como símbolos de dignidad, verdad, juicio y longevidad.
Vintage by Lopez-Linares
Como veis, la tanzanita es una piedra preciosa muy rara y valiosa. Nosotras en nuestra colección de joyas no tenemos ninguna con esta preciosa piedra. Al menos por ahora. Pero si tenemos con las otras piedras del mes de diciembre: La turquesa y la circonita. Te dejamos el link a nuestra web aquí por si quieres visitar nuestra colección.
Hoy os venimos a presentar nuestra última reproducción de una joya histórica. Se trata de un colgante inspirado en el cuadro de Le Tre Grazie de Sandro Botticelli. Así que os vamos a enseñar los dos modelos de colgante que hemos reproducido y os vamos a contar la historia de este precioso cuadro.
Le tre Grazie en la mitología Griega y Romana
En la mitología griega las Carites o Gracias eran las diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la fertilidad y la creatividad humana. Eran tres diosas llamadas: Aglaya (la belleza), Eufrosine (el júbilo, la alegría) y Talía (la fertilidad, el amor altruista).
En la mitología romana a estas diosas se las puede identificar como: Castitas (la virgen), Pulchritude (la esposa) y Voluptas la amante). Como veis, dos lecturas diferentes de las mismas divinidades. Una lectura griega en la que se describen tres aspectos de un mismo atributo y la romana, que se refiere a tres arquetipos de mujer.
Según la mitología griega, las Carites eran hijas de Zeus y de la ninfa Eufrosine, hija del Titán Océano. Vivían en el Olimpo, donde habitualmente acompañaban a la diosa Afrodita (diosa del amor) y a Eros. Estas diosas regalaban a los otros dioses y a los mortales alegría, elocuencia, sabiduría, y creatividad en las artes.
Representación de Le tre Grazie
Le Grazie (en castellano, Las Gracias) eran unas diosas jóvenes muy bellas, humildes y modestas. Siempre se las representa juntas, y una de ellas dando la espalda, entrelazadas, jugueteando o danzando con el pelo medio suelto debido a su continuo movimiento. Al principio se las representaba vestidas con unas finas y transparentes túnicas. Más tarde, se las despojó de toda vestimenta y empezaron a aparecer desnudas sin ningún tipo de ropajes.
Tanto en la cultura romana como en la griega, las gracias presidían siempre los banquetes, los bailes, las celebraciones, todo aquello que fuera placentero o produjera alegría. Le tre Grazie son la representación de la “Triple diosa” de todas las antiguas mitologías de la humanidad.
El río Cefiso, que pasa cerca de Delfos, estaba consagrado a ellas y tenían sus propias festividades llamadas “las Caristesias”. Las Caristesias eran unas fiestas de acción de gracias en las que se celebraba con un banquete llamado “Charistía” en el cual se comía una torta de miel llamada “Pyramus”. Estas eran unas fiestas llenas de alegría, alboroto y excesos, donde Cupido tenía frecuentemente un gran papel.
La obra de Le tre Grazie
En el Renacimiento, una escultura de mármol de las tres Gracias, (copia romana de una griega), que se encuentra en el centro de la Biblioteca Piccolomini del Duomo de Siena, fue la inspiración de la mayoría de las obras que en esa época se hicieron sobre Le tre Grazie. Tal es el caso de Botticelli.
En el cuadro de “La alegoría a la primavera” Botiticelli pinta a Le tre Grazie danzando en el jardín de Venus, diosa romana del amor. Bailan entrelazando sus brazos formando un círculo en el cual se establece un diálogo de amor donde se da amor, se recibe amor y se devuelve el amor. Cada una de las Gracias representa estos tres momentos del diálogo del amor:
Pulchritudo representa la belleza. Está casada con Héfeso, el artesano de los dioses, por eso es la diosa que inspira y da habilidades creativas a los artistas y poetas. Lleva un hermoso colgante en el cuello. Es la Gracia que inicia el movimiento de la danza del amor y da su mazo izquierda a Castitas.
Castitas, castidad y fertilidad, es la que preside los banquetes y festividades otorgando dones de abundancia y fertilidad. Es la que recibe, y ella a su vez da la mano a Voluptas.
Voluptas es la alegría y el placer. Hermosa y atrayente gracia con mirada enigmática, lleva su transparente túnica recogida en el pecho con un broche. Voluptas es la que cierra el círculo devolviendo e iniciando el movimiento de retorno. Voluptas y Pulchritudo con sus brazos forman un arco encima de la cabeza de Castitas, como queriéndola proteger de la flecha que Cupido le está lanzando. Pero su pecho ya está herido e inflamado de amor, y su mirada se desvía hacia Mercurio, el mensajero de los dioses que cuida del jardín de la eterna primavera.
Vintage by Lopez-Linares
Esperamos que os haya gustado la historia de Le tre Grazie (Las Tres Gracias) y que os guste el cuadro donde nos hemos inspirado para reproducir este colgante. Está realizado a mano en plata bañada en oro con piedras semipreciosas. Puedes verlo en nuestra tienda online.
Hoy venimos a hablar de una mujer que se hizo muy popular en la corte belga por su belleza y bondad. Se trata de Louise Marie D’Orleans.
Louise Marie D’Orleans, cuyo nombre completo era Louise-Marie Thérèse Charlotte Isabelle of Orléans, era una jovencita de gran belleza, rubia de ojos azules, muy tímida e inocente. Ella, lo último que quería era convertirse en Reina, entre otras cosas, porque eso le suponía separarse de su familia. Nacida en Palermo, Sicilia, el 3 de abril de 1812, era la hija mayor del futuro rey francés Luis Felipe I, y de su esposa María Amalia de las Dos Sicilias. De niña tuvo una educación religiosa y burguesa gracias al papel desempeñado por su madre y su tía, la princesa Adélaïde de Orléans, con quien estaba muy unida. Su tía le dio una educación religiosa estricta. También aprendió a hablar inglés, alemán e italiano.
Matrimonio de Louise Marie D’Orleans con el Rey Leopoldo I
En 1830, su padre se convirtió en rey de los franceses. Gracias a esto, su posición cambió y su estatus se elevó al de “la hija mayor de un rey».
El 9 de agosto de 1832, Louise, de veinte años, se casó con el rey Leopoldo I de Bélgica, veintidós años mayor que ella, en el Palacio de Compiègne. Se trataba del segundo matrimonio de Leopold. Que estuvo casado con su primera esposa Charlotte de Gales hasta 1817 que falleció en un parto. Como Leopold era protestante, él y Louise tuvieron una ceremonia tanto católica como calvinista.
A la madre de Louise no le gustaba este matrimonio por el hecho de que Leopoldo era protestante. Pero dado que el padre de Louise era un nuevo monarca y su posición era débil a los ojos de otros monarcas, el matrimonio se consideró favorable para la nueva dinastía francesa de Orleans. Ya que esto también facilitaría los matrimonios de sus hermanos/as con miembros de dinastías establecidas.
Como casi todos los matrimonios de la época, este se arregló en contra de la voluntad de Louise. Ella no estaba feliz de dejar Francia y a su familia. Pero su marido Leopold siempre tuvo cuidado de tratarla con consideración y respeto desde el primer momento. Tuvieron un matrimonio considerado “armonioso”. Nunca se arrepintió de este matrimonio ya que llegó a enamorarse profundamente de su marido. Fue una devota esposa y madre muy cariñosa de sus cuatro hijos. La tercera de sus hijos fue Carlota que se casó con el Archiduque Maximiliano de Austria (hermano de Francisco José, marido de “Sissi”).
La vida de Louise Marie D’Orleans como reina
Al ser una persona bastante tímida, y como su esposo prefería que ella viviera una vida familiar tranquila, no tuvo muchas oportunidades de superar su timidez. Louise rara vez participó en la representación pública, pero actuó como asesora política de su cónyuge. Su extensa correspondencia es una valiosa fuente histórica de la época y ha sido publicada. Vivió una vida familiar privada dedicada a la crianza de sus hijos. Con los años, la confianza del rey en las capacidades de su esposa creció hasta el punto de sugerir al gobierno que la reina Louise debería ser nombrada regente oficial cuando él estuviera ausente del país. Sin embargo, su sugerencia encontró una oposición tan unánime que se vio obligado a retractarse de sus planes.
A pesar de llevar una vida bastante familiar y lejos de la vida pública, los reyes organizaban regularmente representaciones reales privadas en forma de recepciones, bailes y banquetes estatales para la aristocracia en el Palacio Real de Laeken. Durante los primeros años de su reinado, la mayoría de los invitados eran británicos, ya que la nobleza belga seguía siendo en gran parte leal a la Casa de Orange. Pero gradualmente la aristocracia belga comenzó a asistir a las recepciones reales. Los invitados a las recepciones reales eran casi las únicas personas que Louise conocía en Bélgica. Entre este pequeño círculo, Louise gradualmente se volvió un poco menos tímida y parecía disfrutar de los bailes de máscaras.
Su últimos años
Después del nacimiento de su último hijo en 1840, Leopold y Louise solían pasar su tiempo libre por separado: mientras Leopold visitaba las Ardenas, Louise prefería pasar sus vacaciones en Ostende. A partir de 1844, Leopold mantuvo una relación con Arcadie Claret, a quien instaló en una casa cercana al palacio de Bruselas. La salud de Louise, que se vio debilitada por el parto así como por las desgracias de su familia en Francia, provocó que las simpatías del público estuvieran con Louise contra Leopoldo en este asunto, y el carruaje de su amante fue bombardeado con inmundicia en la calle.
La reina murió de tuberculosis en el antiguo palacio real de Ostende el 11 de octubre de 1850. Su muerte fue confirmada en actas por los ministros Charles Rogier y Victor Tesch. Dedicó su vida a los necesitados, era de una caridad inagotable, por lo cual el pueblo belga la lloró cuando en 1850 murió de tuberculosis con apenas 38 años de edad.
Su cuerpo fue llevado a Laeken y se erigió un monumento en Ostende. Está enterrada junto a su esposo en la Cripta Real de la Iglesia de Nuestra Señora de Laeken.
Como cada mes hoy hablamos de la piedra natal del mes de noviembre. En el caso de este mes, como alguno otro, son dos piedras las que le corresponden. Se trata del citrino y el topacio. Pero como ya hemos hablado en otro post del topacio (os lo dejo aquí), este mes vamos a centrarnos en el citrino.
El citrino también es conocido como la piedra del verano. Su color amarillo nos recuerda al sol, los limones, el brillo y luminosidad de los largos dias de verano y la vibra vintage de los años dorados de Hollywood.
El citrino
El citrino es una variedad de cuarzo cuyo color varía de amarillo pálido a marrón, pasando por el naranja brillante, debido a una distribución submicroscópica de impurezas de hidróxido férrico coloidal.
Se decía que el citrino se usaba del Antiguo Testamento, y que formaba parte del pectoral de Aarón. El citrino se apreció por primera vez como una piedra preciosa de color amarillo dorado en Grecia entre el 300 y el 150 a. C., durante la época helenística. El cuarzo amarillo se usaba antiguamente para decorar joyas y herramientas, y eventualmente se convirtió en una posesión preciada y comenzó su camino hacia la joyería de moda.
En la época Victoriana, el citrino estaba muy ligado a otros cuarzos preciosos. A la reina le encantaba este cristal. Cuando se introdujo en Europa, comenzó a ser una piedra muy utilizada en joyería de moda, en ropa, muebles e invadió el mundo del diseño de interiores. También se presentó durante la era Art Deco (entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial).
A día de hoy, Brasil es el principal productor de citrino, y gran parte de su producción proviene del estado de Rio Grande do Sul.
Significado
Citrino proviene de la palabra latina «citrina» debido a su claridad y color cítrico pálido. También de la palabra “citron” que significa limón. Se dice que es una «Piedra del Sol» que retiene su luz y obtiene energía de él.
Como comentábamos, el citrino se asocia con esos suaves días de verano, pero entonces cómo es que es la piedra de nacimiento para el mes de noviembre, que ya es invierno? Si bien es sorprendente al principio, en realidad funciona porque cuando se acercan las noches oscuras de invierno, este puede ser el momento en que más anhelamos la luz. Y cuando se trata de signos del zodiaco, parece que Aries, Leo y Libra se enamoran más de la personalidad soleada del citrino.
Citrino en joyeria
Durante miles de años, el Citrino se ha utilizado como pieza central en impresionantes joyas e incluso hasta el día de hoy, joyeros y artesanos quieren seguir honrando esta increíble piedra. Cuando eliges joyas con citrino para colocarlas sobre la piel, no hay barrera y tu cuerpo puede absorber mejor la poderosa energía del cristal curativo.
Si buscas otras piedras que complementen perfectamente con el citrino, sin duda, debes elegir la amatista. Otras piedras incluyen el cuarzo rosa para elevar esos niveles de amor propio, el ágata para la fuerza mental y la claridad, la labradorita para preservar la cordura del alma, la fluorita para sus estados de ánimo del arcoíris y la piedra solar para una calidez aún más dorada. El topacio, el cuarzo ahumado y la turmalina son otras piedras que combinan perfectamente con la piedra citrina amarilla.
Vintage by Lopez-Linares
Sabías que la piedra preciosa correspondiente al decimotercer aniversario de boda es el citrino? En nuestra colección tenemos muchas joyas con esta piedra, ya que es una piedra que nos encanta. Su tono amarillo nos recuerda de verdad al verano, pero aun asi nos parece una piedra que luce muchismo tambien en invierno.
Coincidiendo que estamos en la semana de Halloween queríamos hablaros de esta curiosa tradición. ¿Sabías que el origen de esta celebración no viene directo de Estados Unidos, sino de lo que hoy conocemos como Irlanda?. Halloween surgió a raíz de una costumbre celta y hoy te contamos la historia de su origen.
La tradición se originó con el antiguo festival celta de Samhain, cuando la gente encendía hogueras y se disfrazaban para ahuyentar a los fantasmas. En el siglo VIII, el Papa Gregorio III designó el 1 de noviembre como una fecha para honrar a todos los santos. Pronto, el Día de Todos los Santos incorporó algunas de las tradiciones de Samhain. La noche anterior se conocía como la víspera de Todos los Santos (en inglés All Hallows Eve) y más tarde, fruto de ese término, se conoce como Halloween.
El origen de Halloween
Como decíamos antes, la tradición de Halloween en Occidente se remonta a miles de años atrás. Concretamente al festival de Samhain, es decir, el festival celta de Año Nuevo. Porque para los celtas el año nuevo comenzaba el 1 de noviembre. Pero no solo eso, sino que también marcaba el fin del verano. De hecho, Samhain significa exactamente “fin del verano”. Por lo que este festival marcaba el cierre de la temporada de cosecha y la llegada del invierno (y el nuevo año).
Los celtas creían que el velo entre los mundos; el de los vivos y el de los muertos era más estrecho en ese momento. Y que, por tanto, los muertos podían regresar y caminar donde lo habían hecho antes. Además, aquellos que habían muerto en el último año y que, por una razón u otra, aún no se habían marchado del todo, podían hacerlo en este momento. Y podían interactuar con los vivos para despedirse.
Además de causar problemas y dañar las cosechas, los celtas pensaban que la presencia de espíritus del otro mundo facilitaba a los druidas, o sacerdotes celtas, a hacer predicciones sobre el futuro. Para un pueblo totalmente dependiente del volátil mundo natural, estas profecías fueron una importante fuente de consuelo durante el largo y oscuro invierno.
Para conmemorar el evento, los druidas construían enormes hogueras sagradas, donde la gente se reunía para quemar cosechas y animales como sacrificio a las deidades celtas. Durante la celebración, vestían disfraces, que generalmente consistían en cabezas y pieles de animales, e intentaban adivinar la suerte de los demás y leer el futuro.
El dia de todos los Santos
La cristianización de símbolos paganos, templos, festivales, leyendas e iconografía religiosa está bien establecida y se aplica al festival Samhain, así como a muchos otros. El Papa Bonifacio IV, en el siglo VII fijó el 13 de mayo como el Día de Todos los Santos (All Hallows’ Day), día festivo para celebrar a aquellos santos que no tenían un día propio. Lo hizo cuando consagró el gran templo pagano del Panteón en Roma a Santa María y los mártires cristianos. Pero, en el siglo VIII el Papa Gregorio III decidió trasladar la fecha de la fiesta al día 1 de noviembre.
Algunos eruditos afirman que se hizo intencionalmente. Con el objetivo de cristianizar a Samhain al convertirlo en la Víspera de Todos los Santos. Esto probablemente sea cierto, ya que el movimiento en su día, seguía un paradigma cristiano establecido de «redimir» todas las cosas paganas en un esfuerzo por facilitar el proceso de conversión de una determinada población.
Halloween hoy en dia
Hoy en día hemos conservado algo del origen de esta festividad, pero ha evolucionado mucho. En España por ejemplo ya hace varias décadas que incluimos esta festividad en nuestro calendario. Y la verdad es que la forma en que lo celebramos nosotros en España es muy parecida a la de Estados Unidos.
Las fiestas, tallar calabazas, pedir dulces y usar disfraces aterradores son algunas de las tradiciones consagradas de Halloween. Y como no, decorar con telarañas, murciélagos y calabazas… nuestras casas, colegios y trabajos. Y como olvidarnos de los dulces y chuches! Son de lo más importante de Halloween. De hecho, ¿sabías que una cuarta parte de todos los dulces que se venden anualmente en Estados Unidos se compran para Halloween? Y a ti, ¿qué te parece esta fiesta? ¿La celebras?
Hoy volvemos con la sección en la que hablamos de trajes de novia. En cada post os hablamos de un traje de novia que nos haya llamado la atención por su diseño, estilo y modernidad. Sobre todo para la época del vestido. En el caso de hoy, queremos hablar de un vestido de novia muy curioso que, además, fue diseñado por un diseñador español: Paco Rabanne. Primero os contaremos un poco sobre la vida del diseñador, y luego nos centraremos en el diseño e historia del vestido.
Paco Rabanne
Famosamente conocido como Paco Rabanne, Franciso Rabaneda Cuervo es un diseñador de alta costura español que nació el 18 de febrero de 1934 para iluminar el mundo de la moda. Su carrera en la moda comenzó cuando perfeccionó sus habilidades en joyería en Balenciaga, Dior y Givenchy.
La madre de Rabanne era jefa de sastrería en Balenciaga en España. Cuando comenzó la Guerra Civil Española, él y su madre partieron hacia Francia. Allí estudió arquitectura en la Ecole des Beaux Arts y se graduó allí en 1964. En 1965, Paco inició su carrera como diseñador, exhibiendo una línea de doce conjuntos contemporáneos, titulada The Unwearables. Fue entonces cuando presentó su primer vestido hecho de plástico.
En 1966 estableció su propio negocio y utilizó materiales como el plástico, el papel y el metal para sus peculiares y llamativos diseños. Aunque su formación inicial comprendió la arquitectura, se hizo popular como ‘l’enfant terrible‘ durante la década de 1960 en el mundo de las tendencias y la moda. Muchos de sus diseños tienen un toque arquitectónico y esto es lo que hace que sus diseños destaquen como lo hacen.
Rabanne es conocido por diseñar el vestuario de películas como Barbarella. Mylène Farmer utilizó sus diseños en sus conciertos musicales. Françoise Hardy también era una gran admiradora de las obras de Rabanne. Además de esto, sus diseños fueron lucidos por Brigette Bardot, Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor y muchas más personalidades que se sienten atraídas por algo atípico.
Curioso vestido de novia de Paco Rabanne
Si bien muchas novias se decantan por prendas tradicionales y elegían un vestido de diseño conservador, la novia que usó el vestido del que vamos a hablar era excepcionalmente vanguardista. Incluso para la década de 1960. Esta prenda fue encargada al diseñador Paco Rabanne para una boda de finales de los años 60. Está confeccionado con rectángulos de cuero blancos unidos entre sí con pequeños anillos de metal; los segmentos alternos están adornados con tiras de aluminio batido remachadas en cuero. Las estructuras de ingeniería de este vestido son indicativas del trabajo del diseñador.
Paco Rabanne rechazó los métodos tradicionales de alta costura. Creía que la única vía para el avance de la moda era la utilización de nuevos materiales y técnicas. Rabanne experimentó con plásticos, aluminio y cuero para crear algunas de las prendas más vanguardistas de los años 60.
El trabajo de Rabanne con materiales inusuales fue producto de su tiempo. Los avances tecnológicos que se habían originado durante los años de la guerra dieron como resultado la producción de nuevos plásticos que inundaron los hogares de clase media en la década de 1950. Además, la carrera espacial de la década de 1960 revolucionó las ideas sobre la vida, el arte y la vestimenta. Las prendas se volvieron sobrias, geométricas y futuristas. La ropa comenzó a reflejar los cambios sociales y culturales en las actitudes hacia las mujeres y sus cuerpos. Los colores eran llamativos. Las faldas eran cortas. Los vestidos tenían forma, talla única, eran unisex y estratégicamente transparentes.
La novia que lució este vestido fue, como los diseñadores y artistas de la época, un producto de la época. Su elección de vestido comunicaba su sensación de seguridad en sí misma, incluso en un entorno tan ritual como la ceremonia de la boda. Esta fue su oportunidad de presentarse a sí misma, sus ideas e identidad a una audiencia elegida de amigos y familiares. Y tú, ¿qué opinas del vestido? Crees que te hubieras atrevido a casarte con un vestido así en los años 60? ¿Y ahora? Te leemos!!!
La palabra abanico, del latín vannus, significa aparato para soplar la paja del grano. La gente antiguamente usaba un simple abanico de hojas de palma para separar la paja del grano o para ayudar a encender un fuego. Dado que el origen del hombre estaba cerca del ecuador, se puede especular que este accesorio también se utilizó como una solución práctica para el clima cálido. Agitando el aire con hojas de palma o dos alas de pájaro unidas. El origen exacto es desconocido. Pero los abanicos como accesorio de moda femenino se remonta a miles de años y se puede ver en los primeros bajorrelieves, esculturas y pinturas.
El abanico en la historia
Las primeras tumbas de Tutankamón de 1350 a. C. contenían un abanico cincelado en oro con una escena pintada del joven rey. Se cree que los abanicos chinos más antiguos son bambú tejido del siglo II a. C., excavado cerca de Changsha, en la provincia de Hunan. Fueron encontrados en la tumba de Mawangdui. Pero la historia de los abanicos en China es anterior a estos, como los abanicos de plumas que se usaban en las ceremonias. Aunque es posible que no hayan sobrevivido en el tiempo. Los primeros ejemplos probablemente fueron abanicos fijos, no solo para refrescarse, sino también para protegerse la cara en presencia de dignatarios. Ahora se cree que el abanico brisé, hecho de palos tallados o decorados sujetos con una cinta, fue llevado de Japón a China. El abanico plegable, tal como lo conocemos hoy en día, fue una modificación de aquel abanico brisé que traían los viajeros.
El abanico occidental más antiguo data del siglo VI y perteneció a la reina Teodolinda, reina de los lombardos. El primero de los abanicos fue un abanico ceremonial, un flabelo, y se conserva en la basílica de San Juan Batista en Monza, cerca de Milán. El abanico de la reina Teodolinda tiene un asa montada en plata con una hoja de vitela morada decorada con oro y plata. Se conserva en su caja original aún intacto. No fue hasta 1857 que la existencia de este abanico fue ampliamente publicitada por un arquitecto victoriano, William Burges.
Evolución del abanico
Con el tiempo, el abanico evolucionó de un accesorio práctico para aventar granos o mover aire caliente para una dama, a convertirse en un símbolo de estatus de la aristocracia y la santidad. Originalmente, solo se usaban materiales naturales como hojas de palma y plumas para hacer abanicos. Pero con el paso del tiempo se utilizó una gran variedad de materiales, incluyendo vitela ornamentada, pergamino, seda, plumas, dorados, pinturas, gemas brillantes y lentejuelas. A mediados del siglo XVI aparecieron en Europa estas atractivas novedades, siendo paulatinamente eclipsado el abanico fijo por el abanico plegable. Debido a la comodidad de llevarlo cuando no se utiliza. Uno podría doblarlo y guardarlo en un estuche delgado, y guardarlo en una bota o manga hasta que lo necesite. El abanico plegable se hizo más popular y ofreció fascinantes posibilidades para el arte en miniatura. La hoja entera se utilizó para la decoración. Los motivos decorativos eran generalmente tomados de tapices, manuscritos, mitología clásica o historia bíblica.
Los abanicos, frecuentemente criticados como extravagancias innecesarias para los ricos, eran accesorios femeninos muy caros en los períodos anteriores. Hubo muchas críticas a los abanicos ya que se había convertido en un símbolo de estatus social.
Producción de abanicos.
Fans Makers Company se estableció en Londres en 1709, ya que la industria ya contaba con especialistas en fabricación de palos y pintores de abanicos. Esta forma de arte floreció y aumentó su popularidad. A medida que las actividades comerciales se expandieron con East India Company, el mercado de abanicos cambió drásticamente. Debido a que los abanicos estaban más disponibles a través de acuerdos comerciales y de viajes, se los consideraba menos un lujo ocasional y más una necesidad. Cualquier mujer con pretensiones de moda podía permitirse este necesario accesorio, aunque fuera una versión en papel más económica.
Las técnicas de producción en masa satisficieron una demanda cada vez mayor de este accesorio a medida que aumentaba la popularidad de este accesorio en la clase media. A pesar de su apariencia delicada, los abanicos se fabricaron para soportar mucho uso. Muchos abanicos de la aristocracia y la realeza sobreviven a día de hoy y se pueden ver en museos como el Victoria and Albert Museum de Londres o el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.
Según un libro de referencia de productos de 1894, los abanicos de papel japoneses tenían un precio de 50 a 75 centavos cada uno en venta al por mayor. El comercio de abanicos japoneses, incluidas todas las importaciones, ascendió a más de 3.000.000 dólares al año. Los abanicos más costosos para uso general estaban hechos de plumas de avestruz y palitos de perlas. Estos abanicos cotizaron a 60 dólares cada uno en el mercado minorista. Debido al aumento de la demanda de avestruz, que también se utilizó mucho en este período para decorar sombreros y prendas.
Almacenamiento, mantenimiento y cuidado de abanicos.
Es tentador tratar de reparar uno mismo un abanico dañado, pero es recomendable dejar el trabajo de restauración a los profesionales. Es mejor conservar los restos de seda de papel o cinta en lugar de intentar que se vea mejor reemplazándolos con materiales más nuevos. Si el remache se extrajo o se perdió, se pueden encontrar reemplazos a través de The Fan Circle International.
Los abanicos deben mantenerse fuera de la luz para conservar su color. La luz, la temperatura y el aire son factores clave en la vida de un abanico. Obviamente, los abanicos y otros textiles deben estar en un ambiente libre de humo. Los abanicos se almacenan mejor en posición plegada, en papel tisú libre de ácido. Si están en exhibición, deben sujetarse adecuadamente y dejar reposar después de 2 o 3 meses. El valor de un abanico se basa en la condición, la edad y la rareza. Como con cualquier coleccionable, cuanto más auténtico es, más valioso es. No sólo monetariamente sino desde una perspectiva histórica. Debido a su utilidad limitada en la actualidad, uno debe comprar solo aquellos abanicos que estén en buenas condiciones o que le parezcan personales debido a su significado sentimental, artístico o histórico.
Partes de un abanico.
Los palos, que pueden ser de marfil, hueso, madera, nácar, bambú u otro material adecuado, son la estructura principal del abanico. Los palos exteriores suelen ser más ornamentados o de apariencia más pesada y se les conoce como guardias. La montura u hoja es la cubierta del abanico, que puede ser de varios materiales, como seda, una variedad de telas estampadas o pintadas, u otros materiales, como plumas. La montura es donde se muestra el arte y la creatividad con lentejuelas, bordados o motivos pintados. A menudo hay un cordón con una borla adjunta para que la dama lleve el abanico sobre su brazo cuando no lo está usando.
Idioma del abanico
La coqueta mujer victoriana sería capaz de comunicarse con su novio o aspirante a novio de una manera discreta y silenciosa por el movimiento de su abanico. El significado de este lenguaje silencioso del abanico es el siguiente:
Cerrar el abanico muy despacio significaría: Me casaré contigo.
Presionar el abanico entreabierto contra tus labios significaría: Bésame.
Amenazar con un abanico cerrado significa: No seas imprudente.
Dibujar el abanico en la mejilla significa: te amo
Cubrir la oreja izquierda con un abanico abierto significa: No contar nuestros secretos.
Este lenguaje de señas de fanáticos fue registrado en la Oficina de Patentes de Washington DC. Los abanicos se han utilizado a lo largo del tiempo para comunicar el estado de uno. Ofrecer saludos, señalar una ejecución, refrescarse del calor del día y transmitir mensajes secretos. Su historia ha sido larga y colorida. Afortunadamente para nosotros, muchos de estos fanáticos permanecen con nosotros hoy y no podemos más que preguntarnos cuál ha sido su historia individual.
Te dejamos nuestra colección de abanicos por si eres tan amante de este accesorio como nosotras! Tenemos tanto abanicos antiguos originales del siglo XIX como otros que son reproducciones.
Comenzamos un nuevo mes y con él llega la piedra del mes, aunque en este caso, son las piedras del mes. Resulta que octubre tiene dos piedras natales: el ópalo y la turmalina. Vamos a hablar un poco de cada una aunque nosotras, por ahora no trabajamos con turmalina. Pero son dos piedras muy bonitas así que vamos a contaros un poco su historia.
El ópalo
Buscando información sobre esta piedra he encontrado datos super curiosos que creo que os van a gustar tanto como a nosotras. ¿Sabías que el ópalo era la piedra favorita de la Reina Victoria?
Historia del ópalo
Aproximadamente el 95% de las piedras de ópalo se encuentran en Australia. Antiguamente, los aborígenes nativos australianos creían que los colores del ópalo provenían del arcoíris que se formó cuando el creador de la tierra la tocó con su pie. Y es que el ópalo tiene muchísimos destellos de colores, pareciéndose mucho a un arcoiris. Aunque la realidad es que, los colores provienen de millones de diminutas esferas de silice que refractan la luz y crean ese deslumbre de color dentro de la piedra.
Una de las razones por las que los ópalos son tan raros y preciosos es que las esferas que contienen tienen que tener una forma uniforme y un cierto tamaño para crear colores que podamos ver.
Que los ópalos sean tan preciados se debe a que tardan millones de años en formarse, unos cinco millones de años por centímetro de piedra. Los investigadores actualmente creen que la razón por la cual Australia es tan sumamente rica en ópalos es que, partes del continente se inundaron con aguas ricas en sílice hace 20 millones de años. La evaporación resultó en depósitos de sílice en grietas y cantos rodados, que finalmente se convirtieron en ópalos.
Pero Australia no es el único lugar donde se pueden encontrar ópalos. ¡También están en Marte! Los científicos revelaron en 2008 que se habían descubierto depósitos de ópalo en Marte. Lo que puede demostrar que alguna vez pudo haber vida en ese planeta. Ya que, como comentábamos antes, el ópalo se forma a través de la evaporación del agua para dejar sílice.
Simbolismo del ópalo
Siglos de leyendas rodean las piedras preciosas de ópalo. Durante la Edad Media, se pensaba que el ópalo traía suerte al portador. Sin embargo, eso cambió a principios del siglo XIX cuando se publicó una historia sobre una princesa encantada que usaba un ópalo que cambiaba de color según su estado de ánimo. Sin embargo, unas pocas gotas de agua bendita extinguieron el fuego mágico de la piedra y la mujer murió pronto.
Los romanos creían que era la gema más preciosa y poderosa. Además la consideraban un símbolo de amor, y era conocida como la Piedra de Cupido. Eso ha llevado a algunos a creer que tiene el poder de promover el romance y la pasión. Durante mucho tiempo ha sido un símbolo de esperanza, pureza y verdad.
Las tribus árabes nómadas creían que el ópalo caía a la Tierra durante las tormentas eléctricas y contenía relámpagos en su interior.
Los antiguos griegos sentían que los ópalos presentaban el don de la profecía: la capacidad de ver el futuro. También hubo un tiempo en que se decía que el ópalo podía crear poderes de invisibilidad para quienes lo usaban.
Algunos creen en el poder del ópalo para mejorar o promover la salud de los ojos.
La turmalina
Las piedras del mes de octubre están muy relacionadas con el arcoiris. Sabías que muy pocas gemas pueden igualar la gama de colores de la turmalina? Incluye todos los tonos del arcoíris: rojos y rosas, esmeralda a verde neón, azules profundos, morados y amarillos. Algunas piedras incluso tienen varios colores.
Historia de la turmalina
A lo largo de la historia y debido a sus coloridas variantes, la turmalina se ha confundido con otras piedras preciosas. En el siglo XVI, un conquistador español encontró turmalina verde en Brasil, que confundió con esmeralda. Su error se mantuvo hasta la década de 1800, cuando los mineralogistas finalmente identificaron a la turmalina como su propia especie mineral.
Los depósitos de turmalina estadounidense provocaron el aumento de la popularidad de esta piedra preciosa. En 1876, el mineralogista George Kunz se volvió loco cuando vendió turmalina verde de Maine a Tiffany & Co.
Otros lugares donde podemos encontrar esta piedra es en Brasil y África.
Simbolismo de la turmalina
Se sabe que la piedra preciosa de turmalina ayuda a aliviar el estrés, aumenta el estado de alerta mental, mejora la circulación y fortalece el sistema inmunológico. Es un poderoso agente para reducir las dolencias relacionadas con las toxinas.
Vintage by Lopez-Linares
Nosotras, como ya os contábamos antes, no tenemos ninguna joya hecha con turmalina. Pero si os gustaría que la hiciéramos escribenos en comentarios!!! En cambio, de ópalo y si tenemos, te dejamos las fotos aquí y esperamos que te gusten mucho.
Aunque a veces se considera una piedra preciosa, los corales son, de hecho, un pólipo muy pequeño. Vive en colonias, secretando un esqueleto ramificado calcáreo que puede ser rojo, rosa o incluso blanco. Tenemos un post en nuestro blog en el que os hablamos un poco mas del coral en joyería, podéis verlo aquí.
Pero hoy queríamos hablar del coral en la mitología. Os vamos a contar la historia de cómo surgió el coral en la naturaleza, según la mitología antigua. Una historia muy curiosa y bonita que creemos que os puede interesar.
Los corales en en la mitología
Cuenta Ovidio que, después de matar a Medusa y liberar a Andrómeda, Perseo colocó la cabeza de la Gorgona sobre un lecho de algas para evitar dejarla directamente sobre la arena. Las algas absorbieron la sangre del monstruo y se convirtieron en piedra. Las ninfas marinas, presenciando este milagro, repitieron el experimento con otras ramitas y las esparcieron por el mar como plántulas. Así, según Ovidio, el coral adquirió su cualidad de ser blando bajo el agua y endurecerse al contacto con el aire.
En la antigua Roma y durante la Edad Media, se creía que el coral tenía propiedades curativas. También se pensó para protegerse de los maleficios. Plinio cuenta que la gente ponía coral alrededor del cuello de los bebés como amuleto contra el peligro.
Estas cualidades talismanicas se trasladaron a la iconografía cristiana. En las escenas de la Virgen y el Niño, a veces se ve una ramita de coral en la mano de Cristo o alrededor de su cuello, como señal de protección.
Un collar de coral y pendientes de coral son usados como adornos por la personificación de África en la representación de las cuatro partes del mundo.
Y también en muchas otras pinturas como esta de Andrea Mantegna, Victory Altarpiece.
Vintage by Lopez-Linares
En nuestra colección de joyas vintage encontrarás muchas piezas realizadas con distintos tipos de coral. Tenemos coral rojo, coral piel de ángel… Te dejamos el link a nuestra web para que veas la colección de joyas de coral.
Hoy queremos hablaros de un icono, una mujer que llegó a ser de las más deseadas y admiradas de la gran pantalla en el Hollywood de los años dorados. Se trata de la espectacular Rita Hayworth. Hoy queremos centrarnos en contaros un poco sobre sus cinco bodas, aunque también hablaremos un poco sobre quién fue ella.
Rita Hayworth
Rita Hayworth, nacida con el nombre de Margarita Carmen Cansino fue una de las actrices más emblemáticas y glamurosas de la época dorada del cine estadounidense. Así como la diva máxima de Hollywood de la década de 1940. Ocupa el puesto 19º en la lista del American Film Institute de las grandes estrellas del Séptimo Arte. Fue apodada «la diosa del amor» por la prensa rosa de su tiempo debido a su extraordinaria belleza y la enorme atracción que ejercía sobre el público masculino. Gilda, su mítico personaje, es considerado hasta la actualidad como el prototipo de la belleza femenina.
Nació en Nueva York, en 1918 y fue hija del bailarín español Eduardo Cansino Reina, natural de la localidad sevillana de Paradas, y Volga Margaret Hayworth, una bailarina estadounidense de los Ziegfeld Follies.
Las 5 bodas de Rita Hayworth
Debajo de esa personalidad de mujer fatal se escondía una persona sencilla, tímida e insegura, que lo único que buscaba en la vida era ser querida. Por ello, lo intentó en cinco ocasiones, pero siempre escogió al hombre equivocado.
Primer matrimonio
Su primer matrimonio fue en 1937, cuando tenía tan solo 18 años. Sus padres se opusieron a este matrimonio ya que, su marido Edward Judson casi le triplicaba la edad. Sus padres no consiguieron evitar el matrimonio y, además,Edward se convirtió no solo en su marido, sino también en su manager. Judson era un hombre frío, astuto y calculador y la manipulo a su antojo.
La boda se celebró con una sencilla ceremonia civil en Las Vegas. Rita llevó en su primera boda un sencillo traje de chaqueta de tarde, muy juvenil, que remataba con un gran lazo del mismo tono en la cabeza.
Para Edward Judson Rita era un diamante en bruto al que había que pulir, exhibir y explotar. Por ello la vestía, cambiaba de imagen, e incluso la hizo visitar clubes nocturnos… hasta que, por fin, consigue un suculento contrato de siete años de duración con Columbia Pictures. Rita en ese momento era una cría sin gran carácter, con poca cultura, que se dejó manipular pero con el tiempo se dio cuenta que lo único que le interesaba a su marido de ella era el dinero. El matrimonio acabó en divorcio, al término del cual, Rita se encontró literalmente en la calle sin un dólar en su cuenta bancaria. Todo lo que había ganado se lo había confiscado su marido. Decepcionada declararía: “Me casé con él por amor, pero él se casó conmigo para hacer una inversión.”
Segundo matrimonio
El segundo matrimonio fue con el actor, director y productor de cine Orson Welles. Un día de 1941, Orson Welles, durante una reunión de amigos, arranca la foto de Rita de la portada de la revista Life y dice: “ésta será mi próxima mujer.” Un íntimo le dice : “estás loco, por más famoso que te creas, ella, seguramente, ni sabe de tu existencia”. Por entonces Rita rodaba una película en Brasil y llega a sus oídos que Orson Welles, al que ni siquiera conoce, anda diciendo que se iba a casar con ella. Rita creyó que querían gastarle una broma porque Welles era un genio, un intelectual y ella se consideraba fuera de su nivel. Para ella, Orson era un sueño inalcanzable.
Pero Orson consiguió lo que quería y en septiembre de 1943 se casaron en una discreta ceremonia. Para esta ocasión Rita escogió otro traje de chaqueta, esta vez más formal que el de su primer matrimonio. Y, sobre su cabeza, lució una bonita pamela del mismo color del traje con un tul que le cubría el rostro.
Los primeros meses de matrimonio fueron felices; a Orson le fascinaba la vulnerabilidad y fragilidad de Rita, que no tenía nada que ver con la imagen de mujer fatal que refleja en la gran pantalla. Rita consiguió hacerse un sitio en el mundo de las amistades de Orson. Se sentía bien junto a ellos, y cuando hablaban de temas profundos callaba e intentaba aprender lo máximo posible. El abismo intelectual entre los dos era grande y esto provocaba en ella falta de confianza en sí misma. Con la llegada de Rebeca, su primera hija, Rita creyó que esto uniría aún más su matrimonio, pero fue todo lo contrario. Orson, comenzó a vivir su vida profesional, social y política alejado de Rita y la niña, no quería ninguna atadura. Pronto vinieron las infidelidades de su marido, lo que que les llevó a la separación. Aunque sí hubo intentos de reconciliación, al final se acabaron divorciando.
Tercer matrimonio
En el caso de Rita, a la tercera no fue la vencida. Tras su segundo divorcio, se encontraba bastante hundida y con una gran depresión. Por lo que decide marcharse a Europa.
Allí, en la Riviera, conoce en una fiesta al príncipe Aly Khan, hijo del Aga Khan III, y famoso playboy. El príncipe que había quedado prendado de ella desde que la vió actuar en “Gilda”, nada más verla en la fiesta, la cortejó y la sedujo. Rita creyó ver en él el amor que necesitaba. Así que en mayo de 1949 se casaron en el pueblecito francés de Vallauris, en plena Costa Azul.
Rita estaba elegantísima, con un bonito traje midi de novia, de corte clásico con falda plisada. Estaba confeccionado en muselina azul celeste, una gran pamela a juego y un pequeño ramo de azahar en sus manos. La celebración se hizo en el hotel L’Horizon y fue sin duda todo un acontecimiento. Aly hizo construir una alfombra para que pisara por ella Rita, perfumó la piscina con 450 litros de agua de colonia y, sobre el agua, pusieron sus iniciales con flores frescas. Todo fue como un cuento de hadas.
A los pocos meses del enlace, Rita dio a luz a su segunda hija, Jasmine. El cuento de hadas acabó y un buen día el príncipe decidió que ya estaba bien de placidez familiar y que había llegado el momento de volver a su antigua vida social. Por lo que se instaló de nuevo en su mansión de la costa azul, dejando a Rita al margen. De nuevo se encontró sola, esta vez en un país extraño al cual seguía con gran esfuerzo acomodando. Estaba rodeada de lujo, llena de joyas, pero de nuevo sola y humillada por las infidelidades de Aly. En 1953 se divorciaron y con sus dos hijas regresó a los Estados Unidos.
Cuarto matrimonio
Su cuarto enlace matrimonial fue con el cantante argentino Dick Haymes. Se encontraron por primera vez cuando este aún estaba casado y su carrera de cantante estaba en declive. Haymes tenía graves problemas económicos, ya que sus dos ex esposas estaban tomando acciones legales en su contra. Y por ello tenía muchas deudas. Rita acabó pagando la mayor parte de ellas. Al problema económico se unió el peligro de ser deportado a Argentina por ser un extranjero ilegal. Ella se hizo cargo de su ciudadanía casándose con él en septiembre de 1953.
Lo hicieron en el Sands Hotel de las Vegas, en presencia de las dos hijas de Rita. La novia estaba radiante, esta vez llevaba un elegante vestido escotado de cuello de barco, guantes largos y un elegante tocado con velo que le cubría la cara. Haymes nunca llegó a salir a flote en su carrera, más bien vivía de los ingresos de Rita. Las infidelidades de Dick eran públicas y notorias, era un déspota con Rita, llegando en una ocasión a golpearla en la cara públicamente en un club nocturno de los Ángeles. Esa fue la gota que colmó el vaso, Rita hizo las maletas y se fue para nunca regresar a su lado. Después de este nuevo fracaso, cayó en una fuerte depresión, encontrándose nuevamente sin dinero y moralmente hundida.
Quinto, y último matrimonio de Hoy Rita Hayworth.
Buscando el amor verdadero, comienza una relación con el productor de cine James Hill. Un cuarentón, soltero aficionado a la música y al arte, una persona de vida tranquila que podría ser el remanso de paz que ella tanto buscaba. El 2 de febrero de 1958 en una privada y sencilla ceremonia contraen matrimonio en Beverly Hills, Los Ángeles. Rita que necesitaba de la paz y el sosiego de una vida hogareña quiere dejar el mundo del cine, idea a la que se opone rotundamente su marido, y la obliga a continuar con su carrera.
A los tres años de matrimonio, Rita no puede más. Su carácter se vuelve inestable y agresivo y comienza a abusar del alcohol, que era lo que le daba fuerzas para continuar en ese momento. El matrimonio se deshace, James menosprecia a su mujer en público y en privado. Rita sufre como nunca y en septiembre de 1961 pide el divorcio alegando crueldad mental extrema.
Fue el alcohol y el Alzheimer los que obligaron a Rita Hayworth a retirarse del cine… Su hija Jasmine cuidó de ella y fue de su hija de quien recibió el calor y el cariño que toda su vida estuvo buscando.
Parece increíble que ya (casi) haya terminado el verano. No se si vosotras sois de las que preferís iros de vacaciones en septiembre… para todas ellas os deseamos unas felices vacaciones. Nosotras nos fuimos en agosto, así que ya estamos totalmente de vuelta a la rutina. Y super felices de empezar de nuevo tras la vuelta. Hoy, como cada primer miércoles del mes, os hablamos de la piedra natal de septiembre: en este caso, se trata de los zafiros.
La piedra de nacimiento de septiembre, el zafiro, podemos decir que es pariente de la piedra de nacimiento de julio, el rubí. Ambas son formas del mineral corindón, una forma cristalina de óxido de aluminio. El corindón rojo se llama rubí. Y todas las demás formas de corindón con calidad de gema se llaman zafiros. Todo el corindón, incluido el zafiro, tiene una dureza de 9 en la escala de Mohs. Eso hace que el zafiro sea el segundo mineral en dureza después del diamante.
El zafiro
Por lo general, los zafiros son de color azul. Eso sí, pueden ser de diferentes tonalidades de azul, desde el más pálido hasta un índigo profundo. El tono del zafiro depende de la cantidad de titanio y hierro que se encuentra dentro de la estructura del cristal. El tono de azul más apreciado en un zafiro es el azul aciano medio/profundo.
Las minas de zafiros más importantes están, sobre todo, en Myanmar, República Checa, Brasil, Kenia, India, Sri Lanka, Australia, Tailandia, Canadá y Madagascar.
Tipos de zafiros
Los zafiros azules son el tipo de zafiro más conocido y buscado. Pero no solo existen los zafiros azules, también los hay de otros colores, dependiendo de su formación. Aunque nosotras solo trabajamos con zafiros de color azul, nos parece interesante compartiros otros colores que existen.
Los zafiros rosas son otra variedad con su propio encanto. El zafiro con tono rosa vibrante aparece cuando hay presencia de cromo durante el proceso de creación de la gema. Los zafiros rosados son maravillosamente románticos y cada vez más populares para los anillos de compromiso.
Los zafiros amarillos son una variación cautivadora. El color suele ser cálido y vibrante, y complementa bien la mayoría de las configuraciones de joyería. Los zafiros amarillos se parecen mucho a los diamantes amarillos, pero son una alternativa más económica.
Los zafiros verdes son una variedad menos vista y no tradicional. Pueden ser bastante pálidos o tener un tono profundo e intenso, o algo intermedio.
Los zafiros blancos son un tipo que se parece mucho a los diamantes y pueden usarse como una alternativa de precio reducido. El aspecto es similar a primera vista, sin embargo, no tendrá el brillo y la luz que tiene un diamante.
Zafiros famosos
El zafiro tiene una conexión con el romanticismo y se usa muy a menudo en los anillos de compromiso. Los zafiros han sido la piedra preciosa más apreciada por la realeza y la clase acomodada durante siglos. Por lo que no sorprende que hayan ganado popularidad últimamente como la piedra nupcial.
Anillo de compromiso de Kate Middleton
De hecho, uno de los anillos de compromiso de zafiro más famosos perteneció a la fallecida princesa Diana. Con este anillo de 18 quilates de su madre, el Príncipe William le propuso matrimonio a Kate Middleton. Hecho que, sin duda, sentó un precedente y ha provocado una tendencia creciente entre las parejas que buscan anillos de compromiso con gemas de colores.
Anillo de compromiso de Josefina
A pesar de que el anillo es exquisito, no marcó el comienzo de un matrimonio especialmente feliz. Aunque se dice que el enamorado emperador gastó una fortuna en el anillo, que combina perfectamente un zafiro en forma de lágrima con un diamante, para su amada Joséphine, su unión fracasó rápidamente. Napoleón partió para conquistar Milán, y Joséphine, prefiriendo quedarse en París con sus hijos de un matrimonio anterior, tuvo una aventura con el teniente Hippolyte Charles, lo que dejó a su marido horrorizado y resentido durante años. El anillo se vendió por 1,17 millones de dólares (incluida la prima del comprador) en una subasta en Francia en 2013.
Blue Bell
Esta magnífica gema se vendió por 17 millones de dólares en una subasta de Christie ‘s en noviembre de 2014. Estableciendo el récord del zafiro más caro jamás vendido en una subasta pública. El Blue Belle ha cambiado de manos varias veces en sus casi 100 años de historia. Se compró originalmente en 1937 con la intención de usarlo como regalo de coronación para la reina Isabel II, pero nunca terminó en posesión de la reina. El collar fue comprado recientemente por un coleccionista saudita.
Broche Logan
Otro conocidísimo zafiro es el broche de zafiro Logan. Se trata del segundo zafiro más grande jamás conocido. Cuenta con nada menos que 422,99 quilates. Y está expuesto en el Museo Nacional de Historia Natural en Washington, D.C.
Vintage by Lopez-Linares
Como os comentabamos antes, nosotras solo trabajamos zafiros azules, pero tenemos una amplia coleccion de joyas realizadas con estas gemas. Siempre realizados en piezas de plata (o plata dorada), hechas a mano. Te dejamos aqui el link a la coleccion de joyas con zafiro.
Hace unos meses una de vosotras nos dijo que le haría mucha ilusión que hablaramos de la Tiara floral de La Casa Real. Así que hoy queremos contaros un poco su historia. Hemos estado investigando para poder contaros bien la historia y, la verdad, es que no hay demasiada información sobre esta tiara. Pero aunque sea un post un poco más corto de lo normal no queríamos dejar de hablar de esta tiara porque es verdaderamente preciosa.
Historia de la Tiara
La historia de la tiara es bastante curiosa. Fue el rey Alfonso XII de España (bisabuelo del rey emérito Juan Carlos) quien la adquirió para regalársela a su esposa, María Cristina de Austria. La pieza perteneció a la familia durante más de medio siglo. Pero cuando estos se exiliaron en 1930, la vendieron, y el rastro de la tiara desapareció durante muchos años. Lo curioso viene cuando Franco, la adquiere y se la regala, en nombre de España, a la -emerita- Reina Sofia como regalo de bodas con el Rey Juan Carlos.
Existen muchas teorías que cuentan que esta tiara fue realizada por Mellerio en París, en 1867. Pero al parecer esto no es cierto. La corte española ha confirmado que Franco compró una pieza antigua para Sofía en lugar de encargar una nueva. La tiara fue hecha en 1879 por una firma de joyería británica, J.P. Collins, para el rey Alfonso XII de España.
Se trata de una pieza convertible, que se puede usar como un collar o dividirse en una serie de tres broches. Tres flores de diamantes de cinco pétalos están conectadas por una guirnalda de hojas y follaje de diamantes, lo que le da a la tiara una apariencia clásica y atemporal.
De hecho, la primera vez que Doña Sofía utilizó la tiara fue en 1962, durante la gala de su preboda en Atenas. Y lo utilizo de collar. Años más tarde volvió a utilizar la pieza a modo de collar para la celebración del centenario de la Monarquía Griega. No fue hasta 1979, en una visita de estado a Suecia, que pudimos ver a la reina emérita lucir la pieza como tiara.
La Tiara Floral
Esta espectacular tiara ha sido usada por todas las principales damas reales: la reina Sofía, la reina Letizia, la infanta Elena y la infanta Cristina, quien incluso la usó el día de su boda en 1997.
En los últimos años, la tiara la ha llevado casi exclusivamente la reina Letizia. Algunos han sugerido que tal vez la reina Sofía le haya dado la tiara a su nuera, pero no tenemos forma de saber si la tiara ha sido regalada o simplemente prestada. Lo que sí sabemos es que Letizia ha seguido utilizando esta hermosa tiara durante su reinado. Y la reina emérita, en cambio, ha dejado de utilizar tiaras en público.
Pero como Letizia continuó usando esta hermosa tiara incluso durante el reinado de su esposo, y Sofía básicamente dejó de usar tiaras en público por completo, creo que es justo decir que seguirá siendo una parte regular de la rotación de joyas de Letizia.
A vosotras que os parece esta tiara? Os gusta tanto como a nosotras? Si queréis leer otros posts sobre tiaras famosas, podéis hacerlo aquí.
Como muchos ya sabéis, a nosotras nos encanta la fotografía. Es verdad que forma, de alguna manera, parte de nuestro trabajo. Ya que nos gusta hacer unas fotografías diferentes y originales para enseñaros mejor las piezas de nuestra colección de joyas. Para ello, hemos hecho bastantes cursos de fotografía y hemos aprendido mucho de otros artistas y fotógrafos. Uno que nos encanta es Edward Weston. Así que hoy queríamos hablaros un poco de él y enseñaros sus preciosas fotos.
Edward Weston
Edward Henry Weston nació el 24 de marzo de 1886 en Illinois, Estados Unidos. Pasó la mayor parte de su infancia en Chicago, donde asistió a la Oakland Grammar School. Con tan solo 16 años, y utilizando una cámara Bull’s Eye #2 propiedad de su padre, comenzó a hacer fotografías. Sus primeras capturas fueron los parques de Chicago y la granja de su tía.
Su primera fotografía fue publicada en 1906 en Camera and Darkroom. En esa época decide mudarse a California para trabajar brevemente como topógrafo y fotógrafo itinerante. Realizó trabajos de topografía en lugares tan bonitos como San Pedro, Los Ángeles y Salt Lake Railroad. En este momento se da cuenta que necesita una formación más seria en fotografía, y por eso decide volver a Illinois y estudiar en la Facultad de Fotografía de Illinois en Effingham. Se apuntó a un curso que tenía una duración de 12 meses y él lo completó con éxito en tan solo 6 meses. Nada más terminar el curso decide volver a California y trabajar como retocador en el George Steckel Portrait Studio de Los Ángeles. En 1909, Weston pasó al estudio de retratos Louis A. Mojoiner como fotógrafo y demostró habilidades sobresalientes con la iluminación y la pose.
Su desarrollo como fotógrafo
En 1911, Weston abrió su propio estudio de retratos en Tropico, California. Esta sería su base de operaciones durante las próximas dos décadas. Weston tuvo éxito trabajando en un estilo pictórico de enfoque suave; ganando muchos premios profesionales. Weston ganó reputación internacional por sus retratos de alta clave y estudios de danza moderna. Se publicaron artículos sobre su trabajo en revistas como American Photography, Photo Era y Photo Miniature. Weston también fue autor de muchos artículos para muchas de estas publicaciones.
Weston conoció a la fotógrafa Margrethe Mather en su estudio en Tropico en 1912.. Mather se convirtió desde ese momento en su asistente de estudio. Además fue su modelo más frecuente durante esa década. Mather tuvo una influencia muy fuerte en Weston. De hecho, más tarde él la llamaría “la primera mujer importante en mi vida”. Weston comenzó a escribir diarios en 1915 que se conocieron como sus «Daybooks«. Hacían una crónica de su vida y desarrollo fotográfico hasta la década de 1930. De esto hablaremos un poco más adelante.
Años más tarde, en 1922, Weston visitó la planta siderúrgica ARMCO en Middletown, Ohio. Las fotografías tomadas aquí marcaron un punto de inflexión en la carrera de Weston. Durante este período, Weston renunció a su estilo pictorialista con un nuevo énfasis en la forma abstracta y una resolución más nítida de los detalles. Las fotografías industriales eran verdaderas imágenes directas: sin pretensiones y fieles a la realidad. Weston escribió más tarde: «La cámara debe usarse para registrar la vida, para representar la sustancia misma y la quintaesencia de la cosa en sí, ya sea acero pulido o carne palpitante«.
En 1923 Weston se mudó a Ciudad de México donde abrió un estudio fotográfico con su aprendiz y amante Tina Modotti. Muchos retratos y desnudos importantes se realizaron durante este tiempo en México.
Su regreso a California.
Cuando regresó a California en 1926, Edward Weston comenzó a trabajar en su proyecto que, merecidamente, lo llevó a ser más famoso. Estos trabajos eran formas naturales, primeros planos, desnudos y paisajes.
Entre 1927 y 1930, Weston realizó una serie de primeros planos monumentales de conchas marinas, pimientos y coles partidas en dos, resaltando las ricas texturas de sus formas escultóricas. Weston se mudó a Carmel, California en 1929 y tomó la primera de muchas fotografías de rocas y árboles en Point Lobos, California.
En la época de 1936 se marca el comienzo de la serie de desnudos y dunas de arena de Weston en Oceano, California, que a menudo son considerados como de sus mejores trabajos. En ese mismo año, Weston se convirtió en el primer fotógrafo en recibir una beca Guggenheim para trabajos experimentales. Después de recibir esta beca, pasó los siguientes dos años realizando fotografías en el oeste y suroeste de Estados Unidos.
Los Daybooks de Edward Weston
Como comentábamos antes, Weston fue un escritor prolífico. Sus diarios, que se publicaron con el nombre “Daybooks” constaban de dos volúmenes con un total de más de 500 páginas.
Estos no incluyen los años del diario que llevó entre 1915 y 1923; por razones que nunca aclaró, las destruyó antes de partir hacia México. También escribió decenas de artículos y comentarios, así como más de 5000 cartas escritas a mano o mecanografiadas que enviaba a sus amigos, compañeros de profesión, sus hijos…
Además, Weston mantuvo notas muy detalladas sobre los aspectos técnicos y comerciales de su trabajo. El Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona, ahora alberga la mayoría de los archivos de Weston. Allí se guardan multitud de documentos, correspondencia, páginas de sus Daybooks, documentos personales y recuerdos que tenía cuando falleció.
Cuando se combinan sus escritos con sus fotografías, ambos brindan una serie extraordinariamente vívida de ideas sobre su desarrollo como artista y su impacto en las futuras generaciones de fotógrafos.
Sus ultimos años.
Weston comenzó a experimentar síntomas de la enfermedad de Parkinson en 1946 y en 1948 tomó su última fotografía de Point Lobos. En 1946, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó una gran retrospectiva de 300 grabados del trabajo de Weston. Durante los siguientes 10 años de enfermedad progresivamente incapacitante, Weston supervisó la impresión de sus trabajos por parte de sus hijos, Brett y Cole. Su Portafolio del 50 Aniversario se publicó en 1952 con fotografías impresas por Brett. Entre 1952 y 1955 se llevó a cabo un proyecto de impresión aún más grande. Brett imprimió lo que se conoció como Project Prints. Una serie de 8 a 10 copias de 832 negativos consideradas las mejores de la vida de Edward. La Institución Smithsonian realizó el espectáculo, «El mundo de Edward Weston» en 1956, rindiendo homenaje a sus notables logros en la fotografía estadounidense. Edward Weston murió el 1 de enero de 1958 en su casa, Wildcat Hill, en Carmel, California. Las cenizas de Weston se esparcieron en el Océano Pacífico en Pebbly Beach en Point Lobos.
