Gran Duquesa Maria Nikolaevna, hija de Zar Nicolás II y la Emperatriz Alejandra Feodorovna

Joven de buen carácter, vivaz y coqueta, era considerada la segunda más bella de las hijas del zar. Decían que su hermana Tatiana era aún más bella.

Poseía unos expresivos ojos azules, tan grandes que en la familia eran conocidos como «los platillos de María». Vivía en una de las 100 habitaciones del palacio de Alejandro, a  20 km al sur de San Petersburgo, con su hermana la Gran Duquesa Anastasia, formando lo que en palacio se conocía como «la pequeña pareja».

Su tutor francés Pierre Gilliard dijo de ella que era “alta y bien estructurada, con mejillas sonrosadas”. Tatiana Botkina decía que la expresión de los ojos de Maria era «suave y gentil». Durante su infancia su apariencia física era comparada con la de los ángeles de Botticelli. El Gran Duque Vladimir Alexandrovich de Rusia la llamaba «El bebé amigable», por su naturaleza buena.

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Al estallar la revolución rusa, fue confinada junto a su familia en el Palacio Alejandro de Tsárskoye Seló. En agosto de 1917 fue trasladada con ellos a Tobolsk (Siberia) y posteriormente, en la primavera de 1918, a Ekaterimburgo. En la madrugada del 17 de julio de ese mismo año murió asesinada por los bolcheviques, junto a su familia y varios sirvientes.

Retrato de la retratista Christina Robertson (1796-1854), en la que podemos apreciar su sutil y melancólica belleza.

Fotografías: @María López-Linares

Flor Charo Agruña 

 

Diccionario Vintage: Con la «Z» Zafiro

Podemos buscar el origen de la palabra zafiro en el latín Sapphirús, el griego Sappeiros  o el  hebreo Sapir, todas ellas utilizadas para designar a las gemas de color azul.

El zafiro era conocido y muy usado desde la antigüedad, sobre todo se asocia a la cultura persa. Piedra preciosa de la familia del corindón. El zafiro es una variedad del corindón transparente por su tonalidad azul.

La gran diferencia entre el zafiro y el rubí es que el zafiro, al encontrarse en las zonas  superiores de la capa terrestre donde abunda el oxido de hierro y el titanio  adquiere ese color azul que le distingue de su hermano el rubí.

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Existe una gran variedad de gamas de colores de zafiros a los cuales se les denomina  “zafiros de fantasía” :   blanco, verde, amarillo, rosa, marón , transparente….

Los zafiros más cotizados son:

  • El de Cachemira con un color azul intenso aterciopelado.
  • El zafiro de Myanmar que posee un precioso color azul índigo
  • El zafiro de Sri-Lanka muy demandados por su color azul arándano intenso.

Zafiros famosos

  • La estrella de la India

Es el zafiro más grande, descubierto hace 300 años en Sri Lanka. Tiene 536 quilates. Y está expuesto en el Museo Americano de Historia Natural.

  • El Zafiro Logan

Es el zafiro facetado más grande conocido. Tiene 423 quilates y está expuesto en el Museo Smithsoniano de Historia Natural. Washington Dc.

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  • Zafiro Stuart

Es un zafiro de 104 quilates. Colocado en la corona real británica  debajo del rubí “Príncipe negro”  para la coronación de la reina Victoria en 1908. Más tarde, para la coronación de Jorge V el zafiro  fue desplazado a la parte posterior de la corona poniendo en su antiguo lugar a la  segunda “Estrella de África”.

  • Zafiro Ruspoli

Es un zafiro en forma de diamante de 135 quilates que perteneció a Luis XIV. Actualmente está expuesto en el  Museo de Historia Natural de Francia.

  • Zafiro Millenium

Es un zafiro de 61.500 quilates tallado por el italiano Alessio Boschi.  En la piedra están talladas las caras de algunos personajes de la humanidad como Beethoven o Shakespeare Este zafiro en bruto fue descubierto en Madagascar en 1995.

IMÁGENES:

Losmasraros.com

Millenniumsapphire.com

María López-Linares

 

Diccionario Vintage: Con la «A» Abalorio

Abalorio, del árabe Al-ballurí, que significa  “de vidrio”. La Real Academia española de la Lengua lo define como: conjunto de cuentas agujereadas, con las cuales ensartándolas, se hacen adornos y labores.

Historia del  Abalorio

Los abalorios han sido usados por el  hombre desde las primeras civilizaciones tanto para adorno personal como para protección de los espíritus malignos o como amuletos de prosperidad e incluso también se usaron como moneda de cambio.

Los primeros abalorios aparecen  en el año 100.000  a. C.  En la época prehistórica se encuentran guijarros con una perforación que está  hecha expresamente para pasar por ellas un cordón.                                     

Conforme avanza la historia, el uso de los abalorios se extiende por todo el mundo a la vez que se refina tanto el proceso y técnica de elaboración, como la materia prima con la que se elaboran.

Desde los primeros abalorios encontrados en la época prehistórica hasta el final del imperio romano, la técnica de elaboración fue casi la misma; y  desde la época romana  hasta el siglo XX, en realidad hay pocas  las innovaciones en  las técnicas empleadas;  es en el uso de los distintos materiales  donde se aprecia el cambio de una época a otra. Pero a partir del siglo XX, los avances técnicos y científicos  introducen importantes innovaciones  tanto en los  materiales empleados como en los modos y técnicas de elaboración.

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Las principales técnicas empleadas  en la artesanía del Abalorio

Técnica  de la filigrana

Es una técnica empleada en orfebrería  que consiste en  decorar con hilos de metal (oro o plata) Incrustados, superpuestos, o individuales creando formas y figuras. Es una técnica muy antigua  que ya se empleaba en el antiguo Egipto, Mesopotamia,  Bizancio , Grecia..etc.

Técnica del Cloisonné

Consiste en contornear el dibujo con metal. En la antigüedad se usaban incrustaciones  con piedras preciosas, vidrio  y otros metales. Actualmente  se usa esmalte vidriado. Esta técnica se uso mucho en el imperio Bizantino y en China.

Técnica de granulación

Consiste en decorar con la unión de pequeños granitos de metal sobre otra superficie de metal siguiendo un diseño determinado.. Es una de las más antiguas tecnicas empleadas en el abalorio. Ya en el año 2.500 a.C encontramos objetos elaborados con esta con esta técnica

 Clases de materiales en el Abalorio

Actualmente se emplea toda clase de materiales: madera, plastico, piedra, materiales naturales de origen animal como el hueso, el coral, marfil , conchas, ambar….  o   vegetal como semillas . Actualmente los abalorios de cristal  son los que más se imponen, destacando entre los cristales : el cristal de Bohemia ,el de Murano y el austriaco ( cristal de swarosky)  que por su calidad, su brillo y colores variados es muy apreciado en joyeria .26

Florence Carlisle y su aventura europea.

Una curiosa costumbre entre la clase acomodada americana de finales del S.XIX era que al alcanzar la mayoría de edad solían realizar un viaje por Europa, una aventura que era conocida como “El Gran Tour”. Un apasionante viaje en el que los jóvenes aprovechaban no solo para visitar la Roma clásica, sino también para perderse por los lugares de moda de la capital francesa, o para estudiar de cerca la pintura renacentista de los mejores museos italianos. Este “Tour” era una ocasión perfecta para ser presentados en Londres ante la Reina de Inglaterra y, de este modo, entrar a formar parte de lo que ellos llamaban la “buena sociedad”. Ser presentado en la Corte se había convertido en un pasaporte para la formar parte de un restringido circulo y así asegurarse la aprobación en la alta sociedad americana.

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Parece que nuestra protagonista de esta semana se encontraba en el censo londinense en el año 1871, domiciliada en el Hotel St. James en Jermyn Street, viajando junto a su madre y su hermano con un grupo de cuarenta americanos

Florence Carlisle, para ser presentada ante la reina tenía que cumplir con unas estrictas normas de vestimenta. Las señoras debían llevar un vestido de noche con escote bajo y manga no muy corta. Se requería el uso de un tocado de tres plumas de avestruz con un pequeño velo.

El vestido que os traigo hoy, y que se encuentra actualmente en Museo de Arte de Cincinnati, lleva el sello de una modista de Londres, la Sra. James, una de muchas en el West End que se especializó en el traje de corte. Está claro, por las fotografías originales tomadas en Londres, que la señora James realizó para  Carlisle un vestido que seguía las más estrictas reglas de protocolo.

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Como el vestido de una novia, este tipo de trajes de corte estaba hecho especialmente para la ocasión. No es de extrañar que las damas vistieran sus trajes de novia el día que eran presentadas en la corte o que por el contrario usaran los trajes con los que se las presentaban en sociedad para contraer matrimonio. El vestido fue donado al museo como vestido de corte y de novia. Sin embargo, Carlisle no se casó hasta junio de 1884, por lo que parece poco probable que fuera usado para dos fechas tan separadas. El vestido es una joya en su diseño y ejecutado en un tono dorado  y cargado de detalles románticos. Con una preciosa falda llena de pequeños volantitos plisados y una preciosa cola de seda natural. Un diseño que bien podría lucir cualquier novia de este S.XXI.

¿No os parece que los trajes de novia clásicos nunca pasan de moda?

Bibliografía:

Wedded Perfection Two centuries of wedding gowns- Cynthia Amnéus.

María Palmer, sobrina del famoso pintor inglés Sir Joshua Reynolds.

En el retrato que os dejo podemos ver a una joven y lozana María pintada por el afamado artista de la época Sir Thomas Lawrence, que llegó a presidir la Royal Academy de Londres. La baronesa aparece ataviada con un vistoso vestido de seda amarilla, llevando en su brazo izquierdo dos sencillas pulseras, seguramente de oro.

Una gran dama de la sociedad británica que hoy os dejo en mi Vintage Blog.

María Palmer, segunda esposa de Murrough O’Brien 10º barón de Inchiquin, 5º conde de Inchiquin y 1er. marqués de Thomond, soldado y político irlandés.

La pareja contraería matrimonio el  25 de julio de 1792. María era la hija mayor de John Palmer, de Palmer House, y de  Mary Reynolds una hermana del famoso pintor inglés 19

Por tanto María era  sobrina carnal del afamado pintor y principal heredera de su tío. Ella fue una mujer con un gran capital para la época, lo que le permitió de pagar en más de una ocasión las  deudas de su marido.

Murrough  tenía fama de jugador y bebedor, pero también se  uniría a la Guardia de Granaderos y sería oficial en Alemania, donde ganó grandes honores en la batalla de Lauffeld en 1747. Se retiró en 1756 y entró en la Cámara de los Comunes irlandesa. Ocupó un puesto en el  parlamento para Harristown hasta 1768.

A causa de su apoyo a la Ley de Unión de Gran Bretaña e Irlanda, el 29 de diciembre 1800 fue nombrado marqués de Thomond en Irlanda y barón Thomond de Taplow en el Reino Unido el 2 de octubre 1801, Este último título le permitió sentarse en la Cámara de los Lores del Reino Unido. Tuvo una estrecha relación con el rey Jorge III.

Parece que, como era costumbre en la época, tuvo un hijo ilegítimo, Thomas Carter. Fue compositor en Londres durante la década de 1790 y  vivió con su padre en Taplow Court durante una temporada, prestándole dinero, igual que haría su esposa, para pagar sus múltiples deudas.

Espero que os guste.

 

Louis Icart el gran ilustrador de moda en los años 20.

Louis Icart, artista autodidacta, no tuvo formación académica alguna.  Comenzó a dibujar a edad muy temprana. En 1907 se traslada a Paris para dedicarse al dibujo y a la pintura. En esta época realizó hermosos grabados que muy pronto le dieron fama.

Icart fue uno de los mayores y más considerados ilustradores de los talleres de moda de la época, todos los grandes nombres de la moda de los años 20 y los 30 querian trabajar con él. Querian sus ilustraciones como soporte de venta para sus ultimas creaciones de moda.

Icart, que había nacido en Toulouse en el seno de una modesta famila, pero de gran inquietud cultural y artística, sería el mayor exponente de la pintura, el grabado y la ilustración de moda de estos años.

Icart participaría en la primera guerra mundial, hecho que le llegó a traumatizar y con el que solamente encontraba consuelo dibujando en el primer soporte que tenía entre sus manos. Al terminar la guerra todos esos dibujos, la mayor parte aguatintas, fueron convertidos en grabados que comercializaría en Europa y los EEUU.

Su gran musa fue su esposa Fanny Volmers, ella aparece en la mayoría de sus dibujos y grabados.

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En 1925 en pleno Art Decó, Icart se convirtió en todo un símbolo de esta época.

Icart en sus dibujos representa a las mujeres de forma sensual y elegante, pero siempre con un matiz delicado y a veces con un toque de humor. Fue un símbolo de la época Art Decó y aun hoy sus dibujos y grabados originales son altamente cotizados en los mercados de segunda mano mundiales

Murió en Paris en 1950.

Hoy os traigo dos de sus grabados que, por casualidades de la vida, cayeron en mis manos hace apenas unos días. No pude resistirme a fotografiarlos y, por supuesto, decido acompañarlos de dos de mis piezas más queridas de la colección Arte Decó.

¿Conocíais a este ilustrador y pintor francés?

¿Qué os parece su obra?

Yo había visto alguna de sus obras, pero al escribir estas líneas y buscar toda la información necesaria, me he quedado totalmente prendada de su delicadeza y su elegancia.

Espero que a vosotros también os guste este pequeño hallazgo que os traigo hoy.

Ayer encontré este vídeo en YouTube que me ha parecido precioso

Un traje de novia color maiz, un referente en el S.XIX

Elizabeth Kissam (1844-1902), hija de un comerciante del centro de Nueva York, contrajo matrimonio con Henry De Bus natural de Ohio en pleno S.XIX. Su futuro suegro poseía negocios de fabricación de alambiques, cubas y cisternas de los que Henry se haría cargo al poco de volver de la guerra civil y casarse con Elizabeth.

En 1868 la empresa tomó el nombre “Debus Tub and Coopering Co”, con oficinas en la calle Elm en el centro de Cincinnati. Coopering era un negocio lucrativo, ya que en aquella época había más de 35 fábricas de cerveza solamente en el distrito Over- the-Rhine de Cincinnati, y la fábrica de Henry suministraba material prácticamente a todas ellas.

Elizabeth Kissam eligió un vestido para el día de su boda de aire vanguardista para la época.Una falda con un más que generoso vuelo y un dobladillo de más de 50 cm que la hacían caer con una elegancia especial. Con la invención de la crinolina en la década de 1850, las faldas ganaron muchísimo volumen y se hicieron cada vez más impactantes. Con la ventaja de ser muchísimo más ligeras y permitir a las mujeres moverse con muchísima más libertad que las antiguas y pesadas enaguas para dar volumen.

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La mayoría de los vestidos de su época se hicieron en dos piezas, el corpiño separado de la falda. En esta ocasión Elizabeth eligió un diseño en el que la falda iba unida a la blusa. Este tipo de diseños comenzaron a verse en las revistas de moda de 1859, pero fueron muy pocos modelos los que se debieron realizar ya que apenas han sobrevivido. Yo creo que debían ser mucho más incómodos y menos prácticos que los vestidos de dos piezas.

El color de este vestido de novia es bastante llamativo. En vez de blanco Kissam eligió un color oro rosado, en una seda de tafetán que cambiaba de color según la luz que recibía. Un color al que algunas revistas de moda de la época hacen referencia como color maíz.

La prenda está escasamente decorada con un estrecho encaje de bolillos hecho a mano y cosido justo dentro de la línea del cuello, y un detalle algo más ancho por debajo del busto y sobre los hombros. Un pequeño decorado realizado con dos hilos, uno en color dorado y el otro de un satén blanco,  embellecen el corpiño y las diminutas mangas abullonadas. Los botones están cubiertos con un delicado remate de ganchillo fino.

Un vestido con una  impresionante falda para una mujer con  apenas 50 cm de cintura, que se conserva en perfectas condiciones.

Bibliografia: Two Centuries of wedding gowns  Cynthia Amneús.

Diccionario Vintage: Con la «R» Relicario

Se llama relicario a una cajita o estuche que antiguamente se llevaba colgada en el cuello.  En un principio su uso era meramente religioso, sirviendo para  guardar reliquias o recuerdos de santos.

El cristianismo denomina reliquias a los restos de aquellas personas que han sido santificadas. Por extensión, se conoce como reliquia a las cosas que pertenecieron a los santos o que tuvieron algún tipo de contacto con ellos, y relicario al lugar en el que se guardaban.

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Tenemos constancia de su uso ya en el S.IV en el Tesoro de Monza, regalados por San Gregorio a la reina Teodolina.

Entre ellos se encuentran ciertas botellitas, muy comunes en aquella época, que sólo contenían algodón empapado en aceite bendecido, o tomado de las lámparas que ardían junto al sepulcro de algún mártir.

Pero con el paso de los años su uso se fue popularizando y comenzaron a llevarse encima con algún recuerdo de alguien. Al popularizarse su uso para guardar mechones de cabello su nombre evoluciono al de “guardapelo”, pieza de  joyería de la que ya hemos hablado antes.

 

 

Maria Lucrecía de Medici

Un magnifico collar de perlas y oro a juego con una sencilla tiara y unos pendientes son las joyas que porta Maria Lucrecía de Medici, nuestra protagonista de hoy en este magnífico retrato de Brocino

Cosme de Médici contraería matrimonio con una de las más ricas damas de la nobleza de Nápoles, Leonor de Toledo. Leonor era una de las nietas del segundo duque de Alba.

Este matrimonio supuso para Cosme una alianza política con el reino de Nápoles y una cuantiosa dote que invertiría entre otras cosas en numerosas obras de arte. El matrimonio tendría once hijos aunque solamente les sobreviviría uno de ellos, Fernando I de Medici.

Pero hoy la protagonista es María Lucrecía, una de sus hijas más queridas. María no sería la primera hija de Cosme, ya que unos años antes había nacido Biá de Medici, hija natural de Cosme y una dama desconocida, que llegó a criarse en la corte como si de una princesa se tratara hasta su prematuro fallecimiento.

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María fue en cambio la primera hija legítima de Cosme y nacería en el propio palacio de los Medici recibiendo el nombre de María en honor a sus dos abuelas.

Por sus contemporáneos sabemos que ella no sólo fue de una belleza extraordinaria, era una jovencita amable, refinada, elegante y con unas grandes dotes para las letras y las artes. María hablaba con fluidez el español, enseñado por diferentes profesores y su propia madre.A una tierna edad se había planificado su boda, comprometiéndola con Alfonso II de Este, pero el matrimonio jamás se concretó ya que María fue atacada por la malaria y moriría con apenas  17 años.

Cuentan las crónicas de la época que para Cosme I,  su hija María, fue el gran amor de su vida. La niña de sus ojos y su hija más querida. Quizás por eso y porque fue considerada en la época una de las damitas más bellas de Florencia decidiera inmortalizarla en la mano de uno de los más prestigioso artistas de la época, Brozino. María nos dejaría toda su belleza inmortalizada gracias a este gran artista y Cosme mantendría este retrato en sus dormitorios privados hasta el mismo día de su propia muerte.

Entre los retratos de los hijos de Cosme, el de María es el más solemne de todos y en el yo destacaría tanto el majestuoso ropaje como las preciosas joyas que porta.

Nosotras hemos traído hasta nuestra colección del renacimiento una copia de los pendientes que luce en el cuadro, realizados en plata dorada y cuarzo. Una réplica de la joya estamos seguras serán una de las piezas más admiradas de nuestro escaparate.

¡Esperamos que os guste!

Bibliografia

Kleio.org

Wikipedia

Fotografias:

Galería de los Ufizzi

@ María López-Linares Vintage Photography

 

 “Grandes damas de la antigüedad”- Norah Lindsay

Vamos a dedicarles uno de nuestras secciones a las grandes damas de la antigüedad. Mujeres que por su estilo, su personalidad, su carácter y su valentía llegaron a marcar tendencia en algún momento en el mundo de la moda.

A todas ellas vamos a buscarlas un pieza muy especial, una pieza que estamos convencidas de que ellas mismas habrían elegido para lucir en algún momento de sus  interesantes vidas.

Nuestra primera invitada es Norah Lindsay.  Nora fue una proyectista de jardines de la alta sociedad inglesa entre las dos guerras mundiales, convirtiéndose en una importante diseñadora de jardines, tanto en el Reino Unido como en toda Europa

Nacida en la India, en el seno de una familia militar anglo irlandesa de clase alta, a los 22 años se casaba con Sir Harry Lindsay.

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La pareja recibiría como regalo de bodas una preciosa residencia en Sutton, Courtenay Manor, en el condado de Oxfordshire, un pintoresto e idílico lugar cargado de precisas casitas, graneros y establos que le servirían a Norah para  desarrollar sus aptitudes como jardinera y paisajista.

Influenciada por otra gran dama de la jardinería inglesa, Gertrude Jekyll, en 1924, después de su fracaso matrimonial y enfrentándose a una ruina financiera, Norah se embarcó en una fructífera carrera como diseñadora de jardines.

Pasó toda su vida relacionada con los niveles más altos de la sociedad, encontrándose en su lista de clientes lo más florido de la nobleza británica. Sus diseños pueden verse aun en algunas de las casas de campo más emblemáticas de toda Inglaterra.

En la imagen  que os adjunto, un sencillo retrato del pintor y escultor ingles George Frederic Watts, Nora aparece con un vaporoso vestido de gasa y encaje, adornado por una preciosa lazada en tono turquesa. Como único complemento un precioso broche en la parte izquierda de su cuadrado escote.

Nosotras hemos elegido un precioso broche de inspiración victoriana, realizado con piedras semipreciosas, que nos ha parecido lo más indicado para este precioso vestido.

IMÁGENES Y BIBLIOGRAFIA:

http://en.wikipedia.org/wiki/Norah_Lindsay

@María López-Linares Vintage Photography