“Grandes damas de la antigüedad”- Norah Lindsay

Vamos a dedicarles uno de nuestras secciones a las grandes damas de la antigüedad. Mujeres que por su estilo, su personalidad, su carácter y su valentía llegaron a marcar tendencia en algún momento en el mundo de la moda.

A todas ellas vamos a buscarlas un pieza muy especial, una pieza que estamos convencidas de que ellas mismas habrían elegido para lucir en algún momento de sus  interesantes vidas.

Nuestra primera invitada es Norah Lindsay.  Nora fue una proyectista de jardines de la alta sociedad inglesa entre las dos guerras mundiales, convirtiéndose en una importante diseñadora de jardines, tanto en el Reino Unido como en toda Europa

Nacida en la India, en el seno de una familia militar anglo irlandesa de clase alta, a los 22 años se casaba con Sir Harry Lindsay.

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La pareja recibiría como regalo de bodas una preciosa residencia en Sutton, Courtenay Manor, en el condado de Oxfordshire, un pintoresto e idílico lugar cargado de precisas casitas, graneros y establos que le servirían a Norah para  desarrollar sus aptitudes como jardinera y paisajista.

Influenciada por otra gran dama de la jardinería inglesa, Gertrude Jekyll, en 1924, después de su fracaso matrimonial y enfrentándose a una ruina financiera, Norah se embarcó en una fructífera carrera como diseñadora de jardines.

Pasó toda su vida relacionada con los niveles más altos de la sociedad, encontrándose en su lista de clientes lo más florido de la nobleza británica. Sus diseños pueden verse aun en algunas de las casas de campo más emblemáticas de toda Inglaterra.

En la imagen  que os adjunto, un sencillo retrato del pintor y escultor ingles George Frederic Watts, Nora aparece con un vaporoso vestido de gasa y encaje, adornado por una preciosa lazada en tono turquesa. Como único complemento un precioso broche en la parte izquierda de su cuadrado escote.

Nosotras hemos elegido un precioso broche de inspiración victoriana, realizado con piedras semipreciosas, que nos ha parecido lo más indicado para este precioso vestido.

IMÁGENES Y BIBLIOGRAFIA:

http://en.wikipedia.org/wiki/Norah_Lindsay

@María López-Linares Vintage Photography

Diccionario Vintage: Con la «P» Pulsera

Pulsera, adorno de joyería que rodea la muñeca por completo. La pulsera suele estar formada por eslabones de variado tamaño, lo que permite que sea una joya flexible y se adapte perfectamente al tamaño de la muñeca que lo luce, a diferencia de los brazaletes que son rígidos.

Es frecuente utilizar esta misma palabra para definir los relojes que se llevan en la muñeca, reloj de muñeca.

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Hay muchas variantes para asignar las pulseras,  las más comunes son: semanario, para asignar pulseras de siete aros iguales; brazaletes, de los que ya hemos hablado con anterioridad; esclava, tipo de pulsera con una placa grande que suele llevar un nombre grabado.

Las pulseras son adornos de joyería usados tanto por hombres como por mujeres. La moda en el uso de pulseras se ha extendido con el paso de los años, siendo un tipo de joya que se puede usar tanto de día como de noche.

magenes: @María López-Linares- Vintage Photography

¡Consigue el look de Gloria  Vanderbilt en el Vogue de septiembre!

Regresamos de vacaciones y no podíamos haberlo hecho con una noticia más bonita que la publicada en el Vogue de septiembre de este precioso editorial.

De la mano de Belén Antolín, y tras la cámara de Miguel Reveriego, la sofisticada belleza de Gloria Vanderbilt nos lleva a pasearnos por una deliciosa campiña.

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Gloria  Vanderbilt luce una elegante silueta ceñida con volantes, encajes y puntillas, y sobre la que los complementos de Vintage By López-Linares lucen primorosamente.

Nuestras perlas, camafeos, pulseras, anillos y collares completan un look cargado de sofisticación y elegancia, que nos recuerda en cierta medida a las damas de la alta sociedad del S.XIX.

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Todas estas joyas se encuentran a la venta en nuestra tienda online, y si lo que estás deseando es conseguir una mirada diferente esta selección de joyas te va a ayudar mucho a conseguirlo.

No dejes de pasarte a visitarnos. He preparado, especialmente para ti, una selección de las joyas de este editorial:

Broche

Collar de perlas y camafeo

Collar de perlas y cristal de Swarovski

Collar de perlas

Pendientes de perlas y plata

Pendientes de plata dorada y perlas

Pendientes de plata dorada y media perla.

Créditos:

@Belén Antolín

@Miguel Reveriego

@Vogue septiembre 2015

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Mata Hari, diosa de la mentira

La historia de Mata Hari (1876-1917) es la crónica de una mentira. Eso sí, una mentira bien elaborada y magistralmente adornada que consiguió traer de cabeza a media Europa en plena contienda mundial. Esta  gran impostora holandesa, llamada realmente Margaretha Geertruida Zelle, fue en realidad una cuentista desde su juventud. Ni era bailarina, ni de origen hindú y mucho menos poseía formación como espía.

Sus virtudes, eso sí, saltaban a la vista para la mayoría de hombres a los que conquistó en su meteórica carrera. Quizás, como escritora de ficción hubiera llegado a ser una anciana aclamada por sus lectores, pero la realidad es que un pelotón de fusilamiento se la llevó por delante a los 41 años. En ese momento, ella ya era un mito. Obsesionada con los militares, suya es la frase: “Prefiero ser la amante de un oficial pobre que de un banquero rico”.

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Su bautizo como Mata Hari tuvo lugar en París, cómo no. Llegó a la ciudad de la luz –eso sí es cierto–, procedente de las Indias Orientales holandesas, donde había residido un tiempo tras casarse a los dieciocho años con un oficial destinado allí. Un matrimonio que le sirvió de trampolín y supuso la primera piedra de una monumental catedral de falsedades.

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En 1902, abandonó al esposo y a una hija y regresó a Europa con la idea de triunfar en París con su nueva identidad de hindú y el nombre de Mata Hari  –ojo del día–.  Los parisinos pronto quedaron encantados con esa exótica y sensual morena que siempre se contoneaba dejando a la vista un hermoso cuerpo. Tuvo numerosos protectores y contratos en diferentes ciudades europeas, pero la Gran Guerra estalló y sorprendió a la holandesa en Berlín. Allí era la amante del jefe de policía de la ciudad, y poco después se convirtió en la amante del cónsul alemán en Ámsterdam, el mismísimo jefe del espionaje…

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Fue él quien pensó en Mata Hari para que sonsacase información a los militares franceses. Se convertía así en la agente H-21. Era una mujer tan ambiciosa que eno dudó en jugársela haciendo de agente doble. Se dice que en París se ofreció directamente al capitán Ledoux, quien servía al frente del servicio de espionaje galo. Este, consciente de la fama de la mujer, accede pero manteniéndola muy vigilada.

Otras versiones sostienen que ella en realidad fue a verle para solicitar un salvoconducto para viajar a otra ciudad a ver a un amante, y que en esa entrevista, el francés le ofreció que se convirtiera en espía para ellos. Comienzan sus mayores aventuras de alcoba con numerosos oficiales de distintas nacionalidades. La tela de araña que construía Mata Hari con cada militar con el que iniciaba un romance pronto la atrapó. Fue detenida e interrogada. Al parecer, es ahí cuando pronunció su ya famosa –y es de suponer que verdadera – frase: “¿Una ramera? Sí, pero una traidora, ¡jamás!”.

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Acusada de alta traición por los franceses, fue sentenciada a muerte, a pesar de que nunca hubo pruebas concluyentes de su delito. El 15 de octubre de 1917 era fusilada. No permitió que le vendaran los ojos, así que pudo mirar a los ojos de los oficiales por última vez. Dicen que incluso les lanzó un último y provocador beso. Nadie reclamó su cadáver. Una gran ironía para una mujer cuyo cuerpo había sido tan idolatrado en vida. Greta Garbo la popularizó en el cine durante la década de los treinta.

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Texto @Esther Ginés

Imágenes: @María López-Linares Vintage Photography y @wikipedia

Diccionario Vintage: Con la «S» Sarta

En joyería se emplea el término sarta para definir una serie de cuentas enfiladas en un hilo.

Podemos hablar de sarta de perlas, de coral, de oro o de cualquier otro material susceptible de ser tallado, con un agujero en medio y que nos sirva para realizar un collar o pulsera del largo deseado.

En Salamanca y León se llama “sarta” a un tipo de collar de cuentas ensartadas, que no han de tener un valor elevado necesariamente.

Se utiliza el verbo ensartar para definir la acción de coser o tejer una sarta de perlas.

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Imágenes @Maria López-Linares- Vintage Photography 

 

Bernardo Dovizi majestuoso retrato de Rafael

El primer anillo de hombre que entra a formar parte de nuestra colección renacentista es portado por el cardenal Bernardo Dovizi en este majestuoso retrato de Rafael.

Un gran retrato de composición sobria y clásica, en el que vemos al cardenal sentado de medio cuerpo con sus ropajes cardenalicios y portando en su mano un gran cáliz de plata.

Destaca sobre el resto el brillo de la seda roja y la textura de su ropaje. Rostro de mirada 00profunda y personalidad reservada que nos muestra una ligera mueca en la boca, como si esbozara un leve gesto de superioridad. Porta tres anillos que son las piezas que llegan este mes hasta nuestro espacio.

Eran los tiempos del papa León X, habiendo sido Dovizi su secretario y llegando más tarde a ser el representante diplomático del Pontífice en Urbino y en Francia. En estas fechas posaba para uno de los  grandes artistas del renacimiento Italiano.

El cardenal Bernardo Dovizi fue un hombre de extraordinaria inteligencia y un brillante humanista del Renacimiento, con un especial amor por la literatura. Llegó a escribir una  comedia: «La Calandria».

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Amigo íntimo de Rafael, no solo le encargaría este increíble retrato, en sus manos recaería asimismo la  decoración de tres de las estancias más emblemáticas y bellas del Vaticano.

Rafael contó para este magnífico proyecto con la ayuda inestimable  de uno de sus más aventajados discípulos: Giovanni de Udine. Rondaba el año 1519.

Giovanni había experimentado con éxito la técnica del estuco, ocurriéndosele reducir a polvo escamas del mármol más blanco que encontró y pasarlas por un tamiz, para luego añadirlas a la cal de travertino. Rafael quedó prendado con su descubrimiento, por lo que decidió contar con su ayuda para la realización del estucado de las tres estancias que le había encargado el cardenal: la stufetta (o cuarto de baño) del cardenal Bibbiena, la Loggetta y las Logias vaticanas.

El retrete o «estufilla» del cardenal nos ofrece una decoración tremendamente intimista e incluso erótica. El tema elegido son diversos episodios de la vida de Venus y su relación con los otros dioses, junto a numerosos amorcillos que juguetean con animales. En el siglo XIX debieron encontrar demasiado atrevida la escena, por lo que convirtieron el retrete en capilla cubriéndose las paredes con tablas y su bóveda con una tela.

Tal fue la satisfacción del cardenal al ver terminada la obra, que quiso casar al artista con  su sobrina María, algo que no fue posible ya que fallecería antes de la fecha de la ceremonia.

El cardenal Bernardo Dovizi nació  en 1470, falleciendo en Roma en 1520.

Nosotras hemos querido inmortalizar parte de su obra en esta sencilla y clásica pieza de joyería.

Bibliografía:

Turismo-toscana.blogspot.com.es

Artehistoria.com

Museodelprado.es

Imágenes: @María López-Linares Vintage Photography

 

 

Un legado recuperado, ahora en Boston: La familia Rothschild

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Este mes Boston es la capital protagonista de nuestra exposición recomendada. Restoring a Legacy: Los tesoros de la familia Rothschild nos trae hasta el 5 de julio al Museum of Fine Arts de Boston una magnífica muestra europea saqueada durante la época nazi y que fue devuelta recientemente a sus dueños originarios, los descendientes del barón y la baronesa Rothschild de Viena.

La muestra, compuesta de 186 objetos de arte, entre los que se incluyen joyas, objetos decorativos, muebles, miniaturas y hasta libros de la conocida familia vienesa. Lo que a nosotros nos ha llamado especialmente la atención es la colección personal de 80 objetos de la baronesa, en la que se incluye una impresionante y bella joyería de la época.

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Destacamos entre todas las joyas expuestas una tiara también usada como collar de 1920 compuesta de 9 diamantes en forma de pera y un broche con dos esmeraldas y de estilo Art-Decó de 1937. No obstante, todas las piezas merecen ser ensalzadas  y admiradas, ya que son un excelente y delicado trabajo de orfebrería en cuantiosas formas y utilizando los más variados materiales preciosos, como el oro, cuarzo de ágata o piedras preciosas, barnizadas con preciosos esmaltes.

La familia Rothschild

Los Rothschild eran descendientes de un banquero judío de Frankfurt que estableció su próspero negocio bancario en 1760. Pero su mayor triunfo fue establecer un sistema bancario internacional a través de sus cinco hijos, que finalmente entraron a formar parte de los nobles austríacos. Entre ellos, el barón de Habsburgo.

Llegaron a tener tanto poder e influencia que en Francia y Austria los Rothschild presionaron para construir y financiar las redes ferroviarias, y en general, todos estuvieron involucrados en la orfebrería con metals preciosos, con especial predilección por el oro, llegando a poseer, se dice, la mayor fortuna privada de la historia reciente.

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En 1938 los Rothschild perdieron todos sus intereses en Austria a manos de los nazis, lo que supuso el fin de más de un siglo de permanecer en el corazón de la banca en Europa central. Tras esto, la familia se dispersó.

Hoy día, aunque siguen siendo igual o más conocidos que entonces, su patrimonio y dedicación ha cambiado de sector, siendo el sector bancario y de inversión su apuesta más feroz.

Gracias a los esfuerzos de familias como ésta por recuperar su patrimonio, así como la ayuda de algunos movimientos como “Monuments Men” y “Woman in Gold”, que han sacado a la luz el espolio llevado a cabo por los nazis durante la II Guerra Mundial, estas joyas parte de la historia han podido ver la luz y retornar a sus dueños.

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Bibliografía e Imágenes:

Radioboston.wbur.org

Bostonglobe.com

Nytimes.com

Mfa.org

Abigail Holmes y su práctico traje de novia.

Abigail Holmes eligió para su boda una seda de color oro, un color bien diferente a todos los que hemos visto hasta ahora en esta sección de Trajes de Novia Icónicos.

Abigail se casó con Clark S. Potter el 3 de octubre de 1839, en Nueva York, y optó para la ocasión por un diseño de amplio escote, falda acampanada y corpiño ajustado.

Me encanta el diseño de las mangas plisadas que se ajustan con fuerza a la parte alta del codo y a la muñeca.

Justo en esos años, la moda de las mangas cambió y se hizo menos voluminosa en la parte de los hombros, para pasar a ser más ajustado y marcar con más delicadeza las clavículas. Años más tarde, las mangas se estrecharían casi por completo y muchas mujeres adaptarían sus vestidos a la moda de mediados del S.XIX.

El vestido parece más una prenda de paseo de mañana que un traje de novia. No es para nada un vestido pretencioso ni ostentoso, chocando de pleno con el resto de las piezas que hemos venido viendo en esta sección a lo largo de estos meses. Los adornos se reducen a unos sencillos pliegues y algún festón estratégicamente colocado. Ya hemos visto otro vestido de color hace pocas semanas; por ejemplo el de  Mary Waters, realizado casi un siglo antes en una preciosa seda de Spitafields.

La elección de un color tan oscuro no era inusual en las novias de la época. Hay que tener en cuenta que la seda blanca era mucho más cara que las sedas de color y que, además, a ello había que añadir el coste que suponía en limpieza el mantener inmaculado un vestido de tono claro.

Probablemente Abigail fuera una mujer mucho más práctica que el resto de las que hemos conocido hasta ahora, optando por un vestido que también podría usar después de la ceremonia o, simplemente, su economía no la permitió adquirir una seda de color blanco. También pudo influir en su decisión el hecho de que la pareja tenía la intención de embarcarse en un viaje, inmediatamente después de la ceremonia. Un vestido de color oro habría sido mucho más práctico para viajar, dado el polvo y la suciedad inevitable que la pareja se encontraría por los caminos de la época. De hecho, la joven esposa mandó hacerse una pequeña capa corta a juego con el traje.

No he encontrado mucha más información sobre la familia de Abigail Holmes. Si bien la familia Holmes no era rica, el Sr. y la Sra. Clark Potter parecieron haber prosperado. En el Censo Federal de Estados Unidos de 1860, decía que estaban viviendo en Albión con sus ocho hijos, de edades comprendidas entre uno y diecinueve, y con una sirvienta como empleada – una mujer joven irlandesa de nombre Mary Florin-. Clark Potter era empleado de la Oficina de Rentas.

Un precioso y sencillísimo vestido, para una práctica novia de mediados del S.XIX.

Biografía:

Wedding Perfection- Two Centuries of wedding Gowns- Cynthia Amnèus.

Exposición «El Retrato en las Colecciones Reales

Hasta el 19 de abril os queda solamente para poder disfrutar de una de las más completas e interesantes exposiciones sobre la historia de los retratos reales de España.

La exposición hace un recorrido desde Juan de Flandes a Antonio López y ofrece una visión general del retrato de corte en España, desde el siglo XV al XXI.

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Un itinerario para disfrutar de obras maestras de la pintura, con los mejores ejemplos conservados en las colecciones de Patrimonio Nacional. El recorrido, a lo largo de 12 salas por la planta baja del Palacio Real de Madrid, se complementa con una visita al propio Palacio. En total no invertiréis más de una mañana en visitar las dos cosas y, verdaderamente, merece la pena. Yo saqué la entrada por internet y me resultó de lo más agradable la doble visita.

La exposición en sí esta estructurada en dos grandes secciones: Casa de Austria y Casa de Borbón, y un recorrido en orden cronológico que nos hace entender un poco mejor la historia de España a través de sus familias reales.

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La muestra se abre con la dinastía de los Habsburgo, con diversos retratos entre los que destaca el de la reina Isabel la Católica, de la Casa de los Trastámara, de Juan de Flandes.

Destacable de esta sección son también los retratos de Carlos V de Jakob Seisenegger y de Felipe II de Antonio Moro, y esta sección podréis encontrar una de las joyas de la exposición: una pequeña miniatura del conde-duque de Olivares de Diego Velázquez.

En la segunda sección dedicada a la Casa de Borbón desde el siglo XVIII hasta el presente, se exponen los mejores ejemplos del retrato borbónico del Patrimonio Nacional: Felipe V, Carlos III o la maravillosa obra de Francisco de Goya con María Luisa de Parma como modelo. Obras de Vicente López, Federico de Madrazo o Franz Xaver Winterhalter, Joaquín Sorolla y Ramón casas, entre otros.

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La muestra se cierra con dos obras emblemáticas una de Salvador Dalí y la otra de Antonio López de la familia real de Juan Carlos I.

Una selección de obras que merece la pena visitar y para la que ya os quedan muy poquitos días.

Os dejo el link a la web de Patrimonio por si os decidís a visitarla en estos días.

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Bibliografía e Imágenes:

Patrimonio Nacional

Sarah Bernhardt: la voz de oro de Francia

Sarah Bernhardt: la voz de oro de Francia

Considerada una de las mejores actrices de todos los tiempos, las inquietudes artísticas de Sarah Bernhardt (París, 1844-1923) incluyeron también las artes plásticas y la literatura. Llamada reina de la postura y princesa del ademán, era  hija de una familia judía de origen holandés y su verdadero nombre era Henriette-Rosine Bernard. Alta, muy delgada, de ojos oscuros y gran presencia sobre los escenarios, ‘la Bernhardt’ estudió interpretación en el prestigioso Conservatorio de París, pero pasó casi toda su infancia en un convento. A comienzos de la década de 1870, empezó a cosechar grandes éxitos entre crítica y público.

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Talentosa, experta en interpretar la psicología de los personajes, pronto fue apodada como la voz de oro. El público admiraba de ella su naturalidad sobre las tablas, su cultura y sus excentricidades, entre las que se encuentran viajes en globo y un ataúd forrado de terciopelo que viajaba con ella y en el que, se cuenta, solía acostarse con frecuencia. Además, en sus viajes le acompañaban numerosos animales, desde gatos hasta pájaros y tortugas.  Londres acogió su presencia en 1879 de la mano de la prestigiosa Comédie Française. Al igual que en París, obtuvo un enorme éxito. Un año después, Sarah Bernhardt montó su propia compañía, se convirtió en empresaria y emprendió la primera de sus muchas giras por Estados Unidos. Se convirtió pronto en una estrella internacional.

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Su carrera fue larga y con numerosos papeles muy alejados de su personalidad, tanto en edad como en sexo, e incluyó éxitos como su interpretación de Cordelia en Rey Lear o la desafortunada cortesana de La dama de las Camelias, de Dumas hijo. Se cuenta que cuando interpretó este papel en Viena, en el año 1889, la escena de la muerte fue tan impresionante que varias señoras del público llegaron a desmayarse.

A los 70 años, dio vida a Hamlet. Una de sus muchas virtudes fue modernizar el modo en el que se interpretaba a Shakespeare. En vez de declamar, ella recitaba el “ser o no ser” en medio de susurros, lo que supuso una innovación.

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Entre sus peculiaridades estuvo el reunir fondos para los heridos de la Primera Guerra Mundial. En esa época, Sarah Bernhardt sufrió la amputación de la pierna derecha, que se había quedado malherida tras un accidente durante una obra años atrás. Aun así, insistió en visitar a los soldados en el frente; para ello, fue trasladada en una pequeña silla. A partir de ese momento, solo pudo aceptar papeles en los que no tuviera que estar de pie.

La vida le cundió tanto que escribió hasta sus memorias y publicó una novela. La muerte la sorprendió en 1923, cuando estaba preparando una nueva obra. Su belleza, su talento y su personalidad hicieron que fuera adorada por personalidades como Sigmund Freud y Oscar Wilde, y recordada como una de las mejores actrices que ha tenido Europa.

Texto_ Esther Ginés

Fotografías: María Vintage Photography

Martis, belli et fertilitatem deum

«Martis, belli et fertilitatem deum» es el cierre de este mes en el blog. Siempre me gusta cerrar el mes con algo especial, y este año el broche de oro mensual lo va a poner mi proyecto “Bodegones Barrocos o Still Even”

Un proyecto que me está llevando a estudiar a los grandes maestros de la pintura del Barroco y en los que estoy encontrando toda la inspiración.

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Marzo es el mes de “Martirius”, el mes de Marte. En Marzo llega la primavera y comenzamos a ver los primeros brotes, las flores resurgen de su letargo y el campo comienza a oler distinto. Pero marzo también es el mes de la guerra y de la fertilidad.

Este mes la base de mi trabajo han sido el rojo y el dorado. El rojo por ser un color que me trae recuerdos de guerra, por ser el color que baña el nacimiento de una nueva vida. Un color que me embriaga, igual que lo hace el  olor del narciso, la flor de marzo.

Marte también es el dios que protege los campos y el ganado. De ahí el dorado, un color que me recuerda el trigo, de los campos sembrados y el olor a pan.

Cada fotografía es única y, como veis, lleva un proceso meticuloso de estudio y elaboración. No me gusta dejar nada al azar.

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Este mes me ha costado más centrar el tema y dar con lo que buscaba, y también me ha costado dios y ayuda encontrar narcisos en Madrid. Pero al final di con ellos en un pequeño vivero en el centro y pude adquirir la flor que buscaba. Después de una mañana jugando con la luz, nacía  “Martis deus belli. Fertilitas”

Espero que os guste…

 

 

 

Diccionario Vintage: Con la «H» Hebilla

Todo cinturón necesita o precisa de un elemento para ser cerrado y ajustado a la cintura. En la antigüedad era muy frecuente que estas piezas se realizaran en plata y se decoraran con piedras semipreciosas o perlas.

Las hebillas están formadas por una parte móvil en forma de pincho, que entra en los distintos orificios de la parte de tela o cuero del cinturón, de forma que con ella conseguimos agrandar o achicar a necesidad el cinto.

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Es una pieza de joyería que puede embellecer y enriquecer mucho tanto abrigos, como vestidos de noche y ceremonia.

Aunque en la actualidad es más frecuente encontrarlos de materiales más baratos, existe la posibilidad de reutilizar antiguas hebillas de cinturones para su uso. De esta forma siempre vamos a enriquecer la prenda con una pieza exclusiva y probablemente única.

Imágenes: @María Vintage Photography

Filippo Lippi y el broche de perlas de su Madona

Hoy os traigo una joya copiada de una de las obras más emblemáticas de Filippo Lippi. Un pequeño broche de perlas que luce la Madonna en la obra «Madona y niño – Nacimiento de la Virgen». Es una pintura que Filippo Lippi hizo con la técnica de temple sobre madera alrededor de 1465, tiene un tamaño de diámetro de 135 cm. y se mantiene en la Galería Palatina de Florencia.

La historia de Filippo Lippi

De orígenes humildes, en 1421 Filippo tomó votos en el convento de Santa María del Carmine, en Florencia, cerca de donde había vivido con su familia.

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Así, el joven fraile tuvo la oportunidad de admirar los frescos que, durante la década de 1420, Masolino y Masaccio estaban pintando en la Capilla Brancacci, en la iglesia anexa al convento de las Carmelitas. Fue una experiencia decisiva en la formación de Lippi, hasta el punto de que «muchos decían que el espíritu de Masaccio había entrado en el cuerpo de Filippo» (Vasari 1568).

Filippo abandonó el convento en 1434 para trasladarse a vivir a Padua.  A finales de  1430 Lippi abrió su propio taller en Florencia, donde demostró enseguida su talento. En una carta fechada el 1 de abril de 1438 dirigida a Piero de Medici, Domenico Veneziano menciona a Filippo Lippi y a Fra Angelico como los mejores pintores del momento.

Filippo realizó pinturas de temas religiosos con elegante simbolismo: los temas más recurrentes eran la Pietá, la Anunciación y la Adoración del Niño. También pintó retratos. A partir de 1440 Lippi evolucionó hacia un estilo más cortesano, con colores más brillantes, más difuminados, más complejos y de atmósferas más espaciosas, en harmonía con los encargos que le demandaban en este periodo principalmente fomentado por los Medici y sus afiliados. Pintó para Cosimo il Vecchio el altar mayor, retratando la Adoración del Niño en la capilla del Palazzo Medici (antes de 1459).

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Entre 1452 y 1466 Lippi se dedicó a su empresa más ambiciosa: los frescos que muestran las «Escenas de las vidas de San Esteban y Juán el Bautista» en el Coro de la Catedral de Prato. Durante su estancia en Prato se enamoró de Lucrezia Buti, que vivía en el convento de Santa Margarita. A través de la intervención de Cosimo de Medici con el Papa Pío II consiguió que Lucrezia abandonara sus votos monásticos y pudiera casarse con ella. La pareja tuvo un hijo, Filippino, que siguió los pasos de su padre y se convirtió en un importante artista.

En 1647 Filippo Lippi se fue a Spoleto con todo su taller, habiéndosele encargado el fresco «Escenas de la vida de la Virgen» en 1647 en el ábside de la Catedral. Trabajó en esto hasta su muerte en octubre de 1469. Más tarde, en el Duomo de Spoleto donde Lippi había sido enterrado, Lorenzo il Magnifico ordenó la construcción del monumento sepulcral al artista, diseñado por Filippino.

Entre sus pupilos y colaboradores estaban Fra Diamante, Filippino Lippi y Sandro Boticelli.

BIBLIOGRAFIA:

Palazzo-medici.it

WIKIPEDIA

Mary Wilson

Otra de esas sorpresas que me alegran la semana y el mes de trabajo. La verdad es que tengo una suerte increíble de tener el trabajo que tengo y encima poder compartirlo con gente tan increíble que ama el arte tanto a más que yo. Amigos que movidos por esa pasión por el arte y las cosas antiguas hacen el esfuerzo de acercarse hasta nuestro espacio solo para conocernos y pasar un ratito con nosotras.

Estoy eternamente agradecida a todos los que hacen este esfuerzo por acercarse hasta nosotras y conocer nuestro espacio.

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Hace unas semanas la sorpresa fue mayúscula cuando llamaron al timbre y vi la cara de Mary Wilson por primera vez. Mary es una de esas fotógrafas que sigo desde hace  años y a la que admiro profundamente. Su trabajo se centra fundamentalmente en fotografiar a su hija. Son fotografías espontáneas y mágicas en las que su hija, juega, baila y ríe. Imágenes cargadas de felicidad que son un verdaderos placer para la vista. Recuerdos de cada momento vivido con ella que quedarán para siempre congelados en una preciosa imagen.

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Sus retratos tiene esa magia que te lleva hasta el alma de la persona retratada, nos acercan a sus sentimientos, y su yo más profundo.

No puedo más que invitaros a pasear por su galería porque es una verdadera delicia. En ella vais a poder ver a su preciosa musa y muchos autorretratos en los que queda reflejado no solo su calidad como fotógrafo sino la enorme imaginación que tiene a la hora de montar escenarios fotográficos.

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Mil gracias por la visita Mary, espero que en otro viaje que hagas a Madrid vengas de nuevo a vernos y podamos charlar más despacio sobre tus proyectos futuros.

Todas las imágenes que acompañan este post pertenecen a su galería la cual podéis ver completa en el siguiente link: Galeria de Mary Wilson

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Diccionario Vintage: Con la «C» Colgante

Colgante o Pinjante: adorno de joyería que cuelga.

En joyería se conoce en la actualidad con este nombre a toda pieza que cuelga de una cadena sobre el cuello.

Distinguiríamos dos tipos de colgantes:

  • Colgantes sueltos: son aquellos que pueden ser sacados de la cadena sobre la que penden y ser colocados en otra cadena más larga, gruesa o incluso colocarse colgando sobre una cinta de terciopelo o de seda natural. Este tipo de colgantes sobre tela tuvieron mucho éxito durante el S.XIX y principios del XX, y solían usarse muy pegaditos al cuello.
  • Colgantes integrados en un collar: aquellos que no pueden ser separados del collar, ya que forman parte del mismo y decoran el centro.

Los colgantes pueden tener infinidad de formas, tantas como el maestro orfebre sea capaz de imaginar, y están compuestos por metales preciosos, piedras o cualquier adorno que sea susceptible de ser lucido en el atractivo escote de cualquier mujer.

Las formas más comunes son las de corazón, formas geométricas o de ramilletes, pero también es frecuente encontrar colgantes con formas de pequeños animales, letras o, simplemente, una llamativa piedra engarzada para ser lucida en solitario.

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Imágenes: María Vintage Photography