Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
La joyería ha jugado durante mucho tiempo un papel importante en el subcontinente indio. La evidencia de adorno personal aparece temprano, en Pakistán ya en el cuarto milenio AC, se encuentran figurillas de terracota de la diosa Madre. En el noroeste, el gran complejo cultural de Harappa del valle del Indo (2300-1700 a. C.) ha producido una gran cantidad de joyería antigua: incluidas cuentas de metales preciosos, fayenza y piedras semipreciosas. En el sur de la India, se encuentran joyas espectaculares en tumbas de finales del primer milenio antes de Cristo. Los hallazgos que acompañan a los entierros en Nilgiri Hills, al sur de Mysore, pueden datar del mismo período o de un período ligeramente posterior.
El floreciente centro urbano de Taxila, que una vez fue una gran ciudad de Gandhara (aunque aparentemente insignificante en el siglo VII) se enriqueció con el comercio y las influencias extranjeras a principios de la era cristiana. El sitio ha dado lugar a joyas de oro magníficas y bien conservadas, en particular collares, colgantes y anillos, caracterizados por un dominio de la granulación y la incrustación. Las piedras utilizadas para incrustaciones se cortaron y grabaron de diversas formas. Y las cuentas grabadas se encuentran abundantemente aquí y en otros lugares. Algunos de los hallazgos de Taxila tienen afinidades con el mundo Iraní y, a través de él, con las tradiciones de los asiáticos.
La joyería antigua en la India
Dado que la costumbre funeraria india se convirtió casi universalmente en la cremación, las joyas depositadas en los santuarios budistas de los primeros siglos de la era cristiana se convierten en una importante fuente de información. Una caja de talismán de ocho lados que se encuentra en la estupa es, claramente, del tipo que usan las deidades budistas. Las estupas eran sólidas estructuras abovedadas, a menudo con una cámara de reliquias en la que se consagraban los restos personales. Junto a ellos, artículos de joyería, en cajas de metales preciosos realizadas mediante técnicas en las que se ejerce plenamente el arte de la joyería.
Inevitablemente, muchas joyas preciosas no han sobrevivido, pero las esculturas de deidades, majestuosamente adornadas, dicen mucho sobre el uso indio de los adornos. A medida que se desarrolló la escultura hindú y budista, las joyas representadas en ella muestran la mayor diversidad y profusión; de hecho, las figuras a veces pueden parecer sobrecargadas y el adorno puede predominar sobre la vestimenta.
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Viendo algunos modelos de joyería india, ¿no pensáis que los podremos lucir a día de hoy perfectamente? Nosotras desde luego lo haríamos encantadas. En nuestra colección de joyas no hemos llegado a reproducir o inspirarnos en este tipo de joyas, pero podría ser una buena idea. Vosotras qué pensáis, os leemos!
¡Parece mentira que ya estemos en agosto! Este año se nos está pasando volando… Como cada principio de mes, hoy venimos a hablar de la piedra natal del mes de agosto. Si naciste en agosto, tu piedra es el peridoto.
El peridoto.
El peridoto es de las pocas piedras que se presentan en la naturaleza en un solo color, el verde. Sus matices de verde son consecuencia de la presencia del hierro en su composición. El peridoto más valorado será el que contenga un porcentaje de hierro menor al 15%. Esta piedra tiene un brillo vítreo, que cuando la luz se refleja en su superficie proyecta un resplandor aterciopelado y luminoso parecido a la esmeralda. Es un mineral blando muy sensible a los golpes y a los ácidos.
La piedra de peridoto pertenece a la familia de los silicatos; es la variedad de gema del olivino, un mineral que se encuentra en rocas ígneas como el basalto o las peridotitas y se forma a 400 km bajo tierra a una temperatura entre 800 y 1200ºC.
Una piedra conocida desde hace millones de años, siendo uno de sus principales yacimientos, la isla volcánica de Zabargad situada en el Mar Rojo; estos yacimientos fueron explotados por los egipcios desde el 3300 a.C, hasta el siglo XIX.
Historia del peridoto
Como ocurrió con otras gemas, en el antiguo Egipto los peridotos eran utilizados como talismanes de buena suerte. Le llamaban “La esmeralda nocturna” porque no perdía su luminosidad verde en la oscuridad. Al peridoto se le menciona en la Biblia con el nombre en hebreo de “Pitdah”. Era una de las piedras con las cuales los Sumos sacerdotes adornaban su túnica frontal.
Esta gema llega a Europa Central en la alta Edad Media a través de los cruzados; se le llamaba “La piedra de los caballeros” y se utilizaba al principio, para adornar y enriquecer los objetos religiosos de las catedrales. Fue una de las piedras favoritas en la época barroca, que en muchas ocasiones se le confundió con la esmeralda; muchas esmeraldas de los tesoros reales de esa época resultaron ser esplendidos peridotos. Napoleón usó el peridoto para demostrar a la emperatriz Josefina su eterno amor y admiración.
Actualmente los yacimientos de peridotos más importantes se encuentran en Birmania y la mejor colección de peridotos la podemos en el Palacio Topkapi, (Turquía) donde entre otras maravillas se puede admirar los 954 peridotos que adornan el fabuloso trono de Bayram.
Curiosidades
La piedra de nacimiento moderna de agosto tiene una larga historia. La célebre Isla de San Juan (o Zabargad, Egipto) en el Mar Rojo ha producido peridotos desde la época del Antiguo Egipto. Este sitio también ha producido una de las confusiones de nombres más curiosas en gemología. Los antiguos griegos llamaron a esta isla Topazio, que se decía que producía una gema de color amarillo verdoso. Este nombre para la isla eventualmente llevó al nombre de topacio para esas famosas (pero no exclusivas) gemas amarillas.
Curiosamente, la gema que la gemología moderna identifica como topacio no se encuentra en esta isla. Sin embargo, las gemas de esta isla también se llamaban crisólito, que en griego significa “piedra dorada”. En el siglo XIX, el crisoberilo, la prehnita y el peridoto (todas gemas de color verde a amarillo verdoso) se llamaban crisólito.
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Os dejo algunas ideas de pendientes de Peridoto de nuestra tienda online por si os gusta ver la piedra con más detalle.
Peter Lindbergh, es sin duda, una leyenda en el mundo de la fotografía de moda. Y, nosotras, que somos unas amantes de la fotografía, no podíamos dejar de hablar de él.
Peter Lindbergh, nacido como Peter Brodbeck, fue un fotógrafo de moda y director de cine alemán. Empezó estudiando artes en Berlín y Krefeld, y llegó a exhibir sus obras incluso antes de graduarse en la vanguardista Galería Denise René. En 1971 fue cuando decidió dedicarse a la fotografía y comenzó a trabajar para la revista Stern.
Fotografía de Peter Lindbergh
La periodista Suzy Menkes escribió una vez sobre el trabajo de Peter Lindbergh: «Negarse a inclinarse ante la perfección brillante es la marca registrada de Peter Lindbergh: la esencia de las imágenes que miran el alma sin adornos de cada persona, sin importar lo familiar o famoso que sea el modelo».
En 1989, Linda Evangelista, Naomi Campbell, Tatjana Patitz, Cindy Crawford y Christy Turlington, todas modelos jóvenes y poco conocidas, fueron fotografiadas juntas por primera vez por Lindbergh para la portada de Vogue británica de enero de 1990. Se ha dicho que esta sesión de fotos lanzó la “era de las supermodelos». La portada incluso inspiró al cantante George Michael para presentar a las modelos en el video de su canción «Freedom! ’90».
Dos años después de la sesión fotográfica de la portada de Vogue británica de Peter Lindbergh, el diseñador de moda italiano Gianni Versace eligió al mismo grupo de modelos para el desfile de moda Otoño/Invierno de 1991 de Versace. Estas modelos ya se acercaban rápidamente al estatus de supermodelo – si es que no lo habían alcanzado ya -.
Fue dos veces el encargado de fotografiar el calendario Pirelli, en 1996 y 2002. Este último, fue muy innovador, ya que utilizó por primera vez actrices en lugar de modelos. Fue filmado en el backlot de Paramount Studios, y descrito por la crítica de arte Germaine Greer como «el calendario más importante de Pirelli». Lindbergh fue el primer fotógrafo en los 50 años de historia del calendario Pirelli en ser invitado a fotografiarlo por tercera vez, para su edición de 2017.
De su objetivo han salido campañas para Calvin Klein, Giorgio Armani, Donna Karan o Jil Sander. Y ha fotografiado celebridades españolas como Antonio Banderas, Penelope Cruz e, incluso, Rosalía. Uno de sus últimos trabajos antes de fallecer en 2019 fue la portada de julio de Rosalía para Vogue.
Filmografia
Lindbergh dirigió varias películas y documentales.
Models, The Film (1991) se rodó en Nueva York y fue protagonizada por Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Naomi Campbell, Cindy Crawford y Stephanie Seymour.
Inner Voices (1999) fue un documental dramático que examinó la autoexpresión en el método de actuación de Lee Strasberg. Ganó el premio al Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) en 2000.
Pina Bausch, Der Fensterputzer (2002) fue una película experimental sobre su amiga Pina Bausch.
Everywhere at Once (2008) fue dirigida por Lindbergh y Holly Fisher. Narrada por Jeanne Moreau, la película consta de fotografías de Lindbergh refilmadas, muchas de ellas inéditas, entretejidas con extractos de la película Mademoiselle de Tony Richardson. Tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Tribeca en Nueva York en 2008, después del Avant-premiere en el Festival de Cine de Cannes en 2007.
Peter Lindbergh – Historias de mujeres (2019) fue dirigida por Jean-Michel Vecchiet. Es una película documental sobre la vida de Lindbergh y también presenta a su primera esposa, Astrid Lindbergh.
Untold Stories
En 2021, se inaugura una gran retrospectiva de su trabajo, Untold Stories. En España se puede ver en A Coruña. Te dejamos aquí un artículo por si quieres conocer más sobre la Untold Stories. Marta Ortega, hija de Amancio Ortega, puso mucho empeño en esta retrospectiva. Marta Ortega y Peter Lindbergh fueron grandes amigos en los últimos años de vida del fotógrafo. El mismo la retrato junto a sus colecciones de Inditex. De hecho, el pasado verano, Zara ya lanzó una colección de camisetas y sudaderas con inmortales instantáneas del fotógrafo con los rostros de Linda Evangelista o Amber Valletta.
A nosotras nos encantaría haber tenido la oportunidad de verla. Sus fotografías nos inspiran muchísimo y nos parecen una verdadera obra de arte. Su particular forma de retratar, poniendo por delante a una mujer fuerte y dominante. Lindbergh deja un legado en la fotografía absolutamente impecable.
En nuestro diccionario Vintage hoy vamos con la letra T y queremos hablaros de una preciosa piedra natural: la turquesa.
Esta piedra preciosa ha sido conocida con numerosos nombres a lo largo de la historia. La palabra “turquesa” data del Siglo XVII, y fueron los franceses quienes le dieron el nombre. La denominaron turquoise, que significaba “Turco”, porque el mineral fue traído por primera vez a Europa a través de Turquía desde las minas en el histórico Khorasan de Irán (Persia).
Características de la turquesa
La turquesa se caracteriza por su maravilloso color azul que puede ser opaco o translúcido. El color azul puro es muy raro de encontrar en esta piedra ya que suele estar atravesada de venas -o vetas- de otros minerales o rocas contiguas. Estas vetas suelen ser de color pardo, gris oscuro o negro.
En las siguientes fotos podéis ver mejor la diferencia entre una turquesa más pura, que es azul en su totalidad. Y otra que tiene vetas negras. ¿Cuál os gusta más?
La turquesa puede ser también en tono más bien verdoso. Su gama de colores va del turquesa al azul y al verde. La dureza y la riqueza del color son dos de los principales factores para determinar el valor de la turquesa.
Esta piedra es una de las piedras que mejor sintoniza con las personas de signo Acuario.
Propiedades
La turquesa es una piedra purificadora que disipa la energía negativa y se puede usar para proteger contra influencias externas o contaminantes en la atmósfera. Es por ello que, desde tiempos inmemoriales se ha utilizado para hacer amuletos. La turquesa equilibra y alinea todos los chakras, estabilizando los cambios de humor e infundiendo calma interior. Ofrece bienestar al cuerpo y paz al espíritu.
Antiguamente se decía que la turquesa tenía propiedades de curación. Entre ellas, ayudaba a la absorción de nutrientes, reforzaba el sistema inmunológico, estimulaba la regeneración de tejidos y curaba el cuerpo en general. Se dice que contiene efectos antiinflamatorios y desintoxicantes, y alivia los calambres y el dolor. La turquesa se utilizaba para purificar los pulmones, calmar y aclarar los dolores de garganta y curar los ojos.
Las primeras turquesas llegaron a Europa, como os comentábamos antes, de Turquía (de ahí su nombre. Pero a día de hoy, esta piedra se puede encontrar en Estados Unidos, Arabia Saudi, Afganistán, Egipto, México, China, Irán, Perú, Bolivia, Polonia, Rusia, Francia y el Tibet. Se trata de una piedra preciosa bastante fácil de encontrar.
Usos
La turquesa ha sido un mineral muy utilizado desde hace muchos miles de años. Los faraones egipcios, los aztecas, persas, y casi todas las civilizaciones antiguas las utilizaban para hacerse joyas y adornos.
A pesar de tratarse de unas de las gemas más antiguas, probablemente la turquesa no fue una piedra importante ni utilizada como piedra ornamental hasta el siglo XIV. Se cree que, la disminución de la influencia de la Iglesia Católica Romana en esta época dio lugar al uso de la turquesa en la joyería secular. Por otro lado, en la India no fue conocida hasta muchos años más adelante, en el siglo XVIII.
Cuidados de la turquesa
Como casi todas las piedras naturales y piedras preciosas, la turquesa no debe entrar en contacto con alcohol, productos de limpieza, perfumes, cremas… Estos productos hacen que la piedra pierda su brillo y color natural, y quedan opacas y sin vida.
Hay que tener mucho cuidado cuando tenemos joyas que llevan piedras incrustadas, sobre todo con los perfumes y las cremas. Es muy común ponernos nuestras joyas y después echarnos colonia. Y es más fácil de lo que parece que le llegue algo de producto e, inmediatamente, pierda su brillo.
Además, hay que tener en cuenta que este brillo no se puede recuperar. Por lo que hay que tener verdadero cuidado de no estropear la piedra, ya que no tiene arreglo.
¿Cuál es vuestra piedra preciosa favorita? ¡Contadnos en comentarios que os leemos!
Como todos los meses hoy queremos hablaros de la piedra natal del mes de julio: los rubíes. Un rubí es una piedra preciosa de color rojo rosado a rojo sangre, una variedad del mineral corindón (óxido de aluminio). Es una de las gemas de joyería tradicionales más populares y es muy duradera. La palabra rubí proviene de la palabra ruber, que en latín significa rojo. El color de un rubí se debe al elemento cromo.
El rubí
Sabías que el rubí es una de las gemas naturales con más dureza? Solo el diamante y el moissanite son más duros. En la escala de dureza mineral de Mohs, el diamante tiene una dureza de 10, el rubí de 9, y el moissanite una dureza intermedia entre ambos.
En general, el corindón con calidad de piedra preciosa en todos los tonos de rojo, incluido el rosa, se denominan rubíes. Sin embargo, en los Estados Unidos, se debe cumplir con una saturación de color mínima para ser llamado rubí; de lo contrario, la piedra se denominará zafiro rosa.
Históricamente, los rubíes se han extraído en Tailandia, en el distrito de Pailin y Samlout de Camboya, así como en Afganistán, Australia, Brasil, Colombia, India, Namibia, Japón y Escocia. Después de la Segunda Guerra Mundial, se encontraron depósitos de rubíes en Madagascar, Mozambique, Nepal, Pakistán, Tayikistán, Tanzania y Vietnam.
La República de Macedonia del Norte es el único país de Europa continental que tiene rubíes naturales. Se pueden encontrar principalmente alrededor de la ciudad de Prilep. Los rubíes macedonios tienen un color frambuesa único.
Valor del rubí
Al igual que los diamantes, los rubíes se evalúan según las 4C en inglés: “color, clarity, cut, and carat”. Que significa color, claridad, talla y quilate.
Al igual que los diamantes de color, el color es el factor determinante más importante con respecto a su valor. Los rubíes de colores más oscuros y visibles son los más buscados y, en consecuencia, también los más caros. La claridad también juega un papel importante. Las piedras claras se venderán a precios altísimos, pero los rubíes sin inclusiones de rutilo en forma de aguja pueden significar que la piedra se ha sometido a un tratamiento.
Algunos de los rubíes más grandes del mundo se pueden encontrar en el Museo Nacional de Historia Natural del Smithsonian en Washington D.C. Entre estas piedras se incluye el rubí birmano de 23,1 quilates engastado en un anillo de platino con diamantes. Otro rubí digno de mención es el Liberty Bell Ruby, el rubí extraído más grande del planeta. El rubí más caro del mundo es el Sunrise Ruby. Se vendió por 30 millones de dólares en 2015.
Liberty Bell Ruby
Buscando información sobre este diamante, me encontré con que fue robado!!! Os cuento… Como comentábamos antes, este rubí es el más grande del planeta. Antes de transformarlo en una escultura, este rubí fue incluido en el Libro Guinness de los récords mundiales como el «rubí sin cortar más grande del mundo». En él se esculpió en forma de miniatura la Campana de la Libertad y se engastaron 50 diamantes. Tiene un peso de 4.5 libras y ocho mil quinientos quilates y un valor de 2 millones de dólares.
Pues resulta que en 2011 el FBI emitió una alerta sobre cuatro sospechosos que robaron este rubí “único en su especie”. Cuatro ladrones robaron la gema, junto con muchos otros artículos, de una caja fuerte en Stuart Kingston Jewelers en Wilmington, Delaware, el 1 de noviembre. También había 50 diamantes adjuntos, que representaban los 50 estados de Estados Unidos.
El 20 de febrero de 2014, cuatro hombres fueron arrestados y procesados por el atraco. La policía tenía pocas esperanzas de que se recuperara el Liberty Bell Ruby. Y de hecho no se recuperó…
Beneficios de los rubíes
Los rubíes naturales, especialmente los de gran calidad y tamaño, no son nada baratos. Sin embargo, si estás dispuesta a optar por una piedra más pequeña, puedes encontrar un rubí increíble con un tono rico que es majestuoso, prestigioso y absolutamente hermoso a un precio asequible.
Como la piedra de nacimiento de julio, la piedra roja es mucho más que una magnífica piedra preciosa de color. A lo largo de la historia, los reyes y la realeza usaron rubíes y los adoraron. Eran un signo de autoridad y lujo.
Se cree que el rubí hace que su portador sea más consciente, más concentrado y permanezca alerta. Los rubíes están asociados con el amor, la pasión y se cree que pueden ayudar a las personas tímidas a abrirse. También pueden ayudar con el equilibrio. Los rubíes son regalos fantásticos para muchas ocasiones diferentes, pero son especialmente apropiados para gestos románticos.
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En nuestra colección tenemos muchas joyas realizadas con rubíes. La verdad es que esta piedra nos encanta, sobre todo por su color. Por eso solemos utilizarla en pendientes, anillos, collares… Aquí os dejamos algunas de nuestras piezas realizadas con rubíes. Aunque si queréis ver toda la colección podéis hacerlo aquí.
María de los Ángeles Félix Güereña nació en abril de 1914 y fue una conocidísima actriz y cantante mexicana. Junto a Pedro Armendáriz y Dolores del Río, fue una de las figuras más exitosas del cine latinoamericano de las décadas de 1940 y 1950. Considerada una de las actrices más bellas de la Época de Oro del cine mexicano, su gusto por la delicadeza y fuerte personalidad le valieron el título de diva al inicio de su carrera.
Hoy queremos hablaros un poco de María Félix, pero queremos centrarnos sobre todo en las espectaculares joyas que lució a lo largo de su vida.
María Félix
Maria, era hija de un militar y contaba con quince hermanos. Durante su infancia vivió en Álamos y más tarde se mudaron a Guadalajara. Fue en esta ciudad, cuando ella tenía 17 años, que comenzó a llamar mucho la atención por su increíble belleza. Llegó a ser Reina de Belleza de la Universidad de Guadalajara.
Fue en esta misma época que Maria Felix conoció a Enrique Álvarez Alatorre, vendedor de la firma de cosméticos Max Factor. Entre los dos surgió un romance y llegaron a casarse y tener un hijo: Enrique “Quique”. Tras 6 años de matrimonio la pareja decidió divorciarse, y Maria regresó con su familia a Guadalajara. En aquella época el divorcio no estaba muy bien visto, y Maria sentía como la gente cotilleaba y comentaba que era divorciada. Por ello, decidió mudarse a Ciudad de México con su hijo, y así alejarse de todos los cotilleos.
Su vida profesional
Una tarde después del trabajo mientras caminaba por la calle en la Ciudad de México, el director y cineasta Fernando Palacios se le acercó para preguntarle si quería hacer películas. Su respuesta fue:
«Cuando yo quiera, será por la puerta grande».
Palacios finalmente la convenció de incursionar en el cine. Su carrera como actriz consta de 47 películas realizadas en México, España, Francia, Italia y Argentina. Llamada “la diosa suprema del cine en español” por The New York Times. Pero Maria no solo trabajó como actriz, también lo hizo como modelo para muchos pintores de renombre. MAria tuvo una vida apasionante, pero hoy queremos centrarnos en sus joyas. Si queréis que hablemos sobre su vida más en profundidad, no tienes más que decírnoslo en comentarios.
Las joyas de María Félix
Parece claro que María Félix se identificó con las serpientes por todo el simbolismo de creatividad, sabiduría y fuerza que representan estas criaturas. Usó joyas de serpiente durante toda su vida adulta. Aunque también utilizó muchas joyas de otros reptiles, tenía predilección por ellos. Su estilo se volvió mucho más audaz a mediados de la década de 1960, un período en el que su residencia principal estaba en París con su tercer marido, un empresario suizo llamado Alexander Berger. Alrededor de 1966 visitó el buque insignia de Cartier en la rue de la Paix y encargó un collar de serpiente que quería que fuera del tamaño de, bueno, una serpiente grande.
El collar de serpiente
Como podéis ver en la foto, el tamaño de la serpiente es imponente. El collar esta compuesto de platino, oro amarillo, dos esmeraldas que conforman los ojos y esmalte verde, rojo y negro. La espectacular pieza contiene un total de 2.473 diamantes de talla brillante y baguette (con un total de 178,21 quilates). Los artesanos de Cartier tardaron dos largos años en crear esta joya, hoy emblemática de la Maison Cartier. El amor entre María y Cartier se convirtió en un hito de la joyería, creando continuamente joyas para ella.
El collar de cocodrilo
En 1975, Félix le encargó su joya de reptil más excepcional: un collar doble de cocodrilo. La legendaria historia detrás del diseño es que La Doña entró en Cartier abrazando un pequeño cocodrilo bebé vivo que traía como fuente de inspiración. Quería encargar un collar réplica de su querida mascota.
Cartier se tomó una licencia creativa para crear dos cocodrilos en lugar de uno, e iluminarlos de oro amarillo con gemas. Un cocodrilo está cubierto con 1.023 diamantes amarillos de talla brillante que pesan 60,02 quilates. Cabujones de esmeralda en forma de navette forman los ojos. El otro está cubierto con 1.060 esmeraldas que pesan 66,86 quilates. Tiene ojos cabujón de rubí. Los cocodrilos se pueden usar individualmente como broches o se pueden unir para formar un collar.
Los pendientes de serpiente
Unos años después de adquirir el collar de serpiente, Félix encargó de manera especial un audaz par de pendientes de serpiente dorados con esmalte turquesa que cubría las escamas de la cabeza y la punta de la cola. Pequeños rubíes forman los ojos. Si bien los pendientes están lejos del aspecto de un artículo de Cartier, se sienten más como la colección de animales de la joyería francesa hecha a lo largo de los años. Son parisinos y salvajes, es decir, elegantes. En la foto más abajo podemos ver como luce estos pendientes y su enorme tamaño.
Maria Felix lució numerosas joyas a lo largo de su vida. Todas mezcladas, muchas pulseras juntas, collares, anillos… Podríamos decir que las luce de “manera exagerada”. Pero nosotras tenemos que reconocer que ¡NOS ENCANTA!. Esa forma de lucir tantas joyas a la vez, de forma tan elegante y a cada una más impresionante. El “menos es mas” no existía para ella, y aunque en ocasiones funciona muy bien, el estilo de Félix a nosotras nos apasiona.
Uno de los símbolos que más ha estado de moda en la joyería en los últimos años ha sido, sin duda, la cruz. Las cruces se han utilizado en joyería para colgantes, broches, pendientes, pulseras… Con multitud de formas y estilos diferentes, utilizadas con fines muy variados. Hoy os queremos contar la historia de las cruces a lo largo de la historia.
La cruz
Según la Real Académica de la Lengua se define la cruz como:
Figura formada por dos líneas que se atraviesan o cortan perpendicularmente.
Insignia y señal del cristiano, en memoria de haber padecido en ella Jesucristo.
Distintivo de muchas órdenes religiosas, militares y civiles.
Historia de las cruces
La figura de la cruz es uno de los símbolos más grandes y antiguos en la historia de la humanidad. Se han descubierto muestras de cruces desde la época de la prehistoria. Incluso, se han encontrado piedras de arcilla de unos 10.000 años de antigüedad en las que están grabadas imágenes de cruces.
En Europa se descubrieron, en cementerios y lugares sagrados, algunos objetos datados de la Edad de Bronce en los cuales había cruces grabadas en ellos.
En Egipto, la cruz llamada Anikh o Anj era el símbolo de la vida. Hay imágenes de una princesa egipcia con siete cruces en forma de hojas de papiro sobre su cabeza. Esta cruz egipcia, fue adoptada más tarde por los cristianos coptos de Egipto.
Los españoles al llegar a América, se encontraron también con dibujos de cruces en las culturas Azteca e Inca.
Se han encontrado cruces incluso en la antigua cultura China. Y en Cnosos de Creta se encontró una cruz de mármol que data nada menos que del siglo XVII a.C.
En la época de Alejandro Magno, la cruz se conviertió en un símbolo de tortura, ya que se sacrificaban y crucificaban en ella a los prisioneros de guerra. También los babilonios, los persas y los cartagineses emplearon la cruz para estos fines de tortura bélica. Esta costumbre pasó a Grecia, donde además fue también un signo de divinidad. Hay una imagen de esta época donde se ve a Baco llevando una banda sobre la cabeza cubierta de cruces. De Grecia pasó a Roma, donde se aplicaba la muerte en la cruz a delincuentes, asesinos, sacrílegos y enemigos del gobierno. Esta costumbre se mantuvo en Roma hasta el siglo IV d.C cuando definitivamente fue abolida en todo el imperio.
La cruz como simbolo Cristiano
Como hemos visto, la cruz ha estado presente en prácticamente todas las culturas del mundo a lo largo de la historia.
Para los cristianos la cruz es signo de salvación y representa a Cristo. Pero esto no siempre ha sido así. Durante los tres primeros siglos, los cristianos que sufrían toda clase de persecuciones, se identificaban entre ellos con otros símbolos como el pez, el pastor, la paloma…
No fue hasta que llegó el emperador romano Constantino, hacia el año 312 d.C cuando la cruz empezó, poco a poco, a ser el nuevo símbolo del Cristianismo. La leyenda cuenta como Constantino, que por cierto, no era cristiano, el día antes de la batalla contra el ejército de Majencio tuvo una visión: vio en el cielo una enorme cruz y oyó una voz que decía: “por este signo vencerás”. Mandó entonces señalar con este signo todos los escudos de su ejército y, al día siguiente, ganó la batalla.
Adoptó el Crismón como símbolo y estableció oficialmente la religión Cristiana en todo el imperio. El término crismón es la denominación de la más usual de las representaciones del cristograma o monograma de Cristo: XP.
Constantino se convirtió al Cristianismo antes de morir. Y desde entonces, poco a poco, la cruz se fue convirtiendo en el símbolo Cristiano. Ya en el siglo III se habla de “los religiosos de la cruz” para definir a los cristianos.
Las cruces en la Edad Media
La técnica propia de la joyería romana, se combina con las filigranas de la tradición Bizantina. En esa época era muy común que en la orfebrería se utilizara el esmalte. Sobre todo para la técnica del Tabicado Bizantino. Normalmente, se trataba de objetos de uso ornamental o religioso como cruces, por supuesto.
Se empleaban el oro y la plata, aunque también el cobre. Y se empezaba a emplear el pan de oro y la técnica del alveolado (incrustación piedras preciosas, vidrio y otros materiales).
Se sigue empleando el oro y la plata, y se empieza a emplear el pan de oro y la técnica del alveolado (incrustando piedras preciosas, vidrio y otros materiales).
Las cruces en el Renacimiento
Con los nuevos avances tecnológicos de la época, se empezaron a poder tallar piedras preciosas de mayor dureza que las empleadas en épocas anteriores. Otra novedad es el empleo de piedras semipreciosas como la malaquita, el alabastro, el lapislázuli, etc. Estas quedaban engastadas en el oro o la plata, combinando muchas veces con esmaltes.
Las cruces en el Barroco
Los diseños de las cruces de la época Barroca se cargan con composiciones florales, vegetales, lazos, nudos… Pero se siguen empleando piedras preciosas y semipreciosas en abundancia.
La cruz en el Art Nouveau
En 1890 hace su aparición el “Art Nouveau», que rompe con todas las épocas anteriores. Sobre todo con la época de las joyas de estilo Victoriano. Se introducen nuevas formas y técnicas de esmaltado, terminando también con el reinado del diamante. Predominan las formas curvas y asimétricas. La naturaleza entra de pleno en la ornamentación de las joyas de esta época y también en el diseño de las cruces. En ellas vemos motivos exóticos, que a veces combinan con alguna piedra preciosa o semipreciosa.
Las cruces en el Art Decó
A partir de 1920 aparece el nuevo movimiento artístico “Art Decó», rompiendo las formas exuberantes del Art Nouveau. En joyería, y por lo tanto también en las cruces, se busca la simplificación. Se inspira en las formas geométricas planas y superpuestas de los movimientos cubista y constructista. Y también toma inspiración de las culturas egipcias, precolombinas e hindúes.
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Las cruces son para nosotras un imprescindible en nuestras colecciones. Ya no es solo que no pasen de moda, sino que nos encantan, tanto en pendiente como en colgante. Por eso queremos enseñarte algunas de nuestras joyas con cruces. ¡Que esperamos te gusten mucho!
Los pendientes de cruces no están en la web, pero si te interesan puedes escribirnos por WhatsApp al 660116577 y te damos toda la información. Puedes ver toda nuestra colección de cruces aquí.
En el post de hoy queremos hablaros de la joyería Trifari. Como sabéis, nos gusta conocer la historia de la joyería y recorrerla a lo largo de los años a través de sus joyeros y marcas más famosas. Por eso, tenemos que contaros la historia de Trifari: que es, probablemente la mejor y más conocida marca-fábrica de bisutería en América.
Gustavo Trifari
El genio de la joyería de fantasía y fundador de la marca Trifari, Gustavo Trifari, nació en 1883 en Nápoles, Italia, en una familia de excelentes orfebres ya famosa en la ciudad a mediados del siglo XIX. Se inició en el arte de la joyería bajo la tutela de su abuelo Luigi. Años más tarde, en 1904 emigró a Estados Unidos.
En 1910, fundó junto con su tío Ludovico, la empresa «Trifari & Trifari», pero dos años después, su tío abandonó la empresa. Gustavo continuó con una producción personal que gozó de enorme éxito durante muchos años. Y siguió creando colecciones de joyas espectaculares bajo el nombre de Trifari.
Crear hermosas joyas de fantasía no fue poca cosa, y Trifari era conocido por sus rigurosas medidas de control de calidad. Muchos coleccionistas están de acuerdo en que las piezas de joyería Trifari, especialmente las de la década de 1930 a 1960, están muy por encima de las ofertas de la competencia.
Su éxito estos años no solo se debió a la gran calidad de sus joyas. También coincide con el momento en que Alfred Philippe se incorporó a la firma como jefe de diseñadores. Y los diseños empezaron a lucirlos estrellas de Broadway y Hollywood.
Materiales y técnicas
Los diseñadores de joyería de alta gama de la época usaban con frecuencia plata esterlina, o un acabado chapado en oro, para marcos de joyería engastados a mano. Los diseñadores de Trifari utilizaron estas mismas técnicas, pero usando materiales mucho menos costosos.
Trifari utilizaba varios tipos de materiales, la mayoría de ellos bastante económicos. Todos ellos fueron elegidos por su potencial para convertirse en joyas de lujo de aspecto real. Estos son los materiales más comunes:
Perlas de imitación
Diamantes de imitación
Esmalte
Lucite (para hacer imitaciones de piedras preciosas)
Plata esterlina
Trifanium (metal base que se parecía a la plata o al oro)
Piedras semipreciosas (es decir, coral o jade)
Con el tiempo algunos de los materiales principales cambiaron, sin embargo, una cosa a la que se adhirieron fue el uso de materiales económicos. El valor de las joyas estaba determinado por la artesanía y la atención al detalle.
El exito de Trifari
El mayor éxito se alcanzó cuando la primera dama Mamie Eisenhower, esposa del presidente Eisenhower, se atrevió a renunciar a los diamantes en un baile inaugural por algunas piezas decorativas que llevaban la marca Trifari. Después de eso, todas las damas querían ser igual de elegantes, especialmente porque los modelos eran clásicos y refinados, pero también asequibles.
De hecho, durante la década de 1950 a 1960 muchas otras marcas de joyería intentaron copiar a Trifari. Algunas de las colecciones que tenía estaban incluso patentadas, como por ejemplo Claire de Lune y Moghul. Es por eso, que hasta hubo un juicio en el que se acusó a Coro de copiar algunos de los diseños de Trifari, siendo este último quien lo ganó.
Joyas más famosas: The Jelly Belly Brooches
En esta colección, se les conocía como “vientres de gelatina”, y los broches tenían la forma de una variedad de seres, desde abejas y tortugas hasta ranas, pájaros y cerdos. Una moda que a dia de hoy podemos seguir viendo. En nuestra colección tenemos varios broches de animales y siguen siendo un éxito a día de hoy.
Pero, ¿por qué se les conocía como «vientres de gelatina»? Porque tenían sus vientres hechos de lucita en tonos coloridos que se asemejaban a la textura de la gelatina.
Colección de joyas de perlas
Trifari también tenía una colección de joyas realizada con perlas de imitación, con un elaborado trabajo en metal. La bisutería parecía, por supuesto, real, y sin mirar muy de cerca, uno ni siquiera sabría que las perlas eran falsas.
Fue una joya de esta colección la que antes os contábamos que utilizó la Primera Dama Mamie Eisenhower y gracias a la cual se hizo tan famosa la marca.
Clip-mates
La colección Trifari “clip mates” fue una respuesta al estilo de doble recorte que solía estar de moda. En pocas palabras, era un tipo de broche que se podía separar en dos clips diferentes. Dependiendo del diseño, uno de ellos podría incluso usarse como colgante.
En nuestra colección de joyas también tenemos algún broche estilo “clip mate”. Que pueden utilizarse tanto juntos como separados. Y no solo como broche, sino que también puedes utilizarlo en el pelo, como accesrio y queda precioso.
Por supuesto que Trifari tiene muchisimas mas colecciones que estas que os estamos enseñando. Pero nos hemos querido centrar en ellas porque son piezas que nosotras también tenemos en Vintage by López-Linares. Si bien es cierto que, nosotras solo utilizamos plata 925 y piedras semipreciosas naturales, así como perlas de agua dulc
Hoy os traigo la última pieza que hemos creado para nuestra colección de joyas históricas de novia: la tiara Taylor. Una preciosa joya antigua de finales del S.XIX que Mike Todd regalara a su bellísima esposa Liz Taylor en 1957.
Tiara Taylor
La joya original montada en platino y oro, es un diseño muy clásico pero de una belleza y actualidad sorprendentes, que a nosotras nos ha servido de inspiración para crear esta elegante pieza que es el sueño de cualquier amante de las joyas antiguas.
El productor de cine falleció en un terrible accidente cuando apenas llevaba un año casado con la ya famosa actriz. Contaba la actriz en sus memorias que el día que se la entregó el productor la dijo: «Eres mi reina, y creo que deberías tener una tiara».
La actriz luciría la tiara por primera vez en los Premios de la Academia de 1957, donde la película de Todd “La vuelta al mundo en ochenta días”
ganaría el Oscar a la Mejor Película. La actriz también la lució en el Festival de Cine de Cannes ese mismo año.
No importaba que las tiaras no estuvieran especialmente de moda en ese momento, ella la usaba y sabia de veras lucirla con total naturalidad y elegancia.
Las joyas de Liz Taylor
Os dejo el link a un curioso vídeo en el que vemos a la actriz con la joya. Y en el que al final vemos algunas imágenes del funeral de su entonces marido.
La colección de joyas de Taylor fue subastada después de su muerte. Gran parte de sus ingresos se destinó a su fundación para la lucha contra el SIDA. La tiara salió a subasta en diciembre de 2011 y se estimó que alcanzaría un precio de venta de unos 80.000 $. Pero se remató en la astronómica cifra de 4.200.000$.
En este momento ignoro quién tiene esta increíble joya en su poder.
La Tiara Liz, como a mí me gusta llamarla, es la última pieza que ha entrado a formar parte de nuestra colección de tiaras de novia. Una joya inspirada en esta peculiar pieza que luciera una de las más bellas y grandes artistas de Hollywood.
Como todos los meses, hoy queremos hablaros de la piedra natal de junio. Curiosamente, junio tiene tres piedras natales (perla, la piedra de la luna y la alejandrita). Hasta hoy no sabía que podía haber más de una piedra por mes. Así que investigué un poco y descubrí que, la razón principal por la que algunos meses tienen múltiples piedras de nacimiento es que varias piedras antiguas se han vuelto demasiado raras de conseguir a día de hoy.
El único otro mes con tres piedras de nacimiento es diciembre, con turquesa, circón y tanzanita. Pero nosotras hemos decidido hablaros de la perla, porque ya tenemos un post hablando de la piedra de la luna. Os lo dejamos por aquí por si queréis leerlo.
¿Qué son las perlas?
Una perla es un objeto duro y brillante producido dentro del tejido blando de un molusco vivo con caparazón. Al igual que las conchas de los moluscos, las perlas están compuestas de carbonato cálcico en forma cristalina diminuta, que se ha ido depositando en forma de capas concéntricas. La perla ideal es perfectamente redonda y lisa, pero pueden aparecer muchas otras formas, conocidas como barrocas. De este tipo de perla hablaremos más adelante.
Tipos principales:
Existen dos tipos principales de perlas: lasnaturales y las cultivadas. Las perlas naturales son las que se forman naturalmente en los moluscos. El proceso de creación comienza cuando un parásito entra dentro del molusco. Este, para intentar combatir a este parásito va segregando finas capas de nácar, que poco a poco, unas encima de las otras van creando la perla. Por eso, este proceso es tan lento y una perla puede tardar muchos años en crearse.
Por otro lado tenemos las perlas cultivadas. Estas se producen en condiciones similares a las naturales pero el proceso se crea de forma artificial. ¿Cómo? Muy sencillo. Los agricultores cultivan moluscos en granjas de perlas, y son ellos mismos quienes insertan cuidadosamente el parásito dentro del molusco para que sea este mismo quien empiece el trabajo de creación de la perla.
Por último, existen las perlas sintéticas o de imitación, que están creadas con materiales artificiales y buscan imitar a la perla con un coste mucho menor. Lógicamente, estas últimas intentan asemejarse a las naturales o cultivadas pero nunca alcanzan a tener ni el brillo ni la textura que las auténticas.
Categorías: De agua dulce y de agua salada
La diferencia entre las perlas de agua dulce y agua salada es, donde se han formado. Las de agua dulce se forman en los moluscos que viven en lagos y ríos. Mientras que las de agua salada se han formado en moluscos que viven en océanos.
Gran variedad de colores y formas.
Las perlas pueden tener diferentes colores. Si bien el color más común es el blanco, éstas se encuentran naturalmente en varios otros colores. Naturalmente, las perlas pueden ser color blanco, dorado o rosado. Existen otros colores como puede ser el color chocolate o grisáceo, pero este es un color que no se da naturalmente en la perla. Sino que es el resultado de un pequeño tratamiento de color.
Existen perlas perfectamente redondas, conocidas como «tradicionales». Y otras que tienen formas irregulares y no esféricas, conocidas como «barrocas». Estas últimas se utilizaron mucho en piezas Victorianas y Art Nouveau. Su encanto viene de las diferentes formas que pueden tomar, que las hacen completamente únicas y jamás serán una igual a otra.
Vintage by Lopez-Linares
En nuestra colección de joyas trabajamos la mejor calidad de perlas de agua dulce. Las tenemos en diferentes colores y tamaños. Trabajando además, tanto las barrocas como las tradicionales. En nuestra colección encontrarás piezas del Barroco, la época Victoriana, y la Edad Media, utilizando perlas de la mejor calidad e inspiradas en joyas históricas.
Hoy queremos hablaros de nuestra última reproducción. Se trata de unos pendientes realizados en plata bañada en oro con iolita. Una piedra de la que también hablaremos un poco ya que son los primeros pendientes que realizamos con ella. Estos pendientes están inspirados en los pendientes que luce Isabella Brandt, esposa de Peter Paul Rubens, que fue quien la retrató.
Isabella Brandt
Isabella (1591 – 15 July 1626) era la hija mayor de Jan Brant, un importante funcionario de la ciudad de Amberes, y Clara de Moy, hija de Hendrik de Moy. Su tía Marie de Moy estaba casada con Phillipe I Rubens, hermano de quien se convertiría en su futuro marido. Isabella Brant se casó con el hermano de su tío, Peter Paul, el 3 de octubre de 1609 en St. Michael’s Abbey, en Amberes. Tuvieron tres hijos: Clara, Nicolaas, y Albert. Tenía 34 años cuando murió a causa de la peste.
Rubens
Sir Peter Paul Rubens (1577- 1640) fue un artista y diplomático flamenco del Ducado de Brabante, situado en el sur de los Países Bajos (lo que hoy conocemos como Bélgica). Se le considera el artista más influyente de la tradición barroca flamenca. Sus composiciones altamente cargadas hacen referencia a aspectos eruditos de la historia clásica y cristiana. Su estilo barroco único e inmensamente popular enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Que seguían el estilo artístico dramático e inmediato promovido en la Contrarreforma. Rubens fue un pintor que produjo retablos, retratos, paisajes y pinturas de historia de temas mitológicos y alegóricos.
Sus influencias en la pintura
Al viajar a Italia, Rubens fue influenciado por los maestros venecianos, Tiziano, Veronés y Tintoretto, antes de establecerse en Mantua como pintor de la corte de Vincenzo I de Gonzaga (1562-1612). También visitó Florencia y Roma, viendo obras de arte clásicas y las obras maestras del Renacimiento de Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci, así como el arte barroco de Caravaggio.
También viajó a España por Gonzaga, visitando a Felipe II y viendo su colección de obras de Rafael y Tiziano. El viaje fue artístico, pintando un exquisito retrato del Duque de Lerma (1552 – 1625), pero también diplomático por parte de Gonzaga. Luego regresó a Italia, permaneciendo en Mantua, Génova y Roma, donde pintó el altar mayor de la Chiesa Nuova. Su estancia en Italia fue muy influyente, tanto que Rubens adoptó su firma de cartas como Pietro Paolo Rubens.
El retrato de Rubens a Isabella Brandt
Este es el retrato en el que nos hemos inspirado para reproducir nuestra joya histórica. Y es que los pendientes que luce Isabella Brandt nos parecieron espectaculares. A día de hoy, podemos encontrar este retrato en la Galería de los Uffizi en Florencia. Este en concreto fue terminado en 1625, y no fue el único retrato que hizo de su esposa durante los diecisiete años que estuvieron juntos, hasta que ella murió.
Se trata de un retrato de medio cuerpo sobre el fondo oscuro en el que podemos ver una cortina roja y una columna. Isabella nos sonríe. Es una sonrisa cautivadora pero vacilante. Este retrato de su esposa se considera una de las obras maestras del retrato de Rubens. En 1705, esta pintura, junto con otras, fue donada por el elector palatino del Rin, Johann Wilhelm, a su cuñado, el gran príncipe Fernando de Médicis. Del retrato de Rubens de su esposa, Fernando le escribió a su cuñado: “…supera la imaginación y es un prodigio de aquel famoso pincel…”.
Vintage by López-Linares
Aquí os enseñamos la reproducción de los pendientes. Como os comentábamos antes, están realizados a mano en plata bañada en oro con iolita. El nombre de Iolita proviene de la palabra griega ios, que significa violeta.
Iolita, es el nombre con el que se conoce a este mineral en gemología. En mineralogía es conocido como corderita. Curiosamente, la corderita fue descubierta en 1813, en especímenes de Níjar, Almería, aquí en España. Recibe su nombre por el geólogo francés Louis Cordier. Os hablaremos más adelante de esta piedra en un post mucho más detallado.
Esperamos que os guste mucho este nuevo pendiente. Os dejamos el link a la web por si queréis verlo en más detalle.
En el blog de hoy vamos a hablar de una de las piezas de joyería más espectaculares y caras de la historia. Se trata del collar Patiala, propiedad de Sir Bhupinder Singh, el maharajá de Patiala, hombre amante del lujo y de la ostentación.
Quién fue Sir Bhupinder Singh
Maharaja Sir Bhupinder Singh, (1891 – 1938), de la realeza india, fue el maharajá gobernante del estado principesco de Patiala en la India británica desde 1900 hasta 1938.
Bhupinder Singh nació en Moti Bagh Palace, Patiala y se educó en el Aitchison College. A los 9 años, en 1900, sucedió como Maharaja del estado de Patiala tras la muerte de su padre, Maharaja Rajinder Singh. Un Consejo de Regencia gobernó en su nombre hasta que tomó poderes parciales poco antes de cumplir 18 años, y fue investido con plenos poderes por el virrey de la India, el cuarto conde de Minto, en noviembre de 1910.
Fue quien fundó el Banco Estatal de Patiala en 1917. Además, se desempeñó como Canciller de la Cámara de los Príncipes de 1926 a 1931. Trabajó incansablemente por el mejoramiento de la vida de sus súbditos e introdujo muchas reformas sociales en Patiala.
Es quizás el maharajá más famoso de Patiala, mejor conocido por su extravagancia y por ser jugador de críquet. Sus equipos de cricket y polo, Patiala XI y Patiala Tigers, estaban entre los mejores de la India. Fue un gran mecenas de los deportes.
Las extravagancias de Sir Bhupinder Singh
Como comentábamos antes, a él le gustaba muchísimo el lujo. Por poner algunos ejemplos, fue el primer hombre en la India en poseer un avión, que compró al Reino Unido en 1910. Al tener un avión, tuvo que hacerse construir una pista de aterrizaje en Patiala.
También era conocido por poseer una colección excepcional de medallas, que se creía que era la más grande del mundo en ese momento. Hizo construir un sistema de monorriel único en Patiala conocido como Patiala State Monorail Trainways. Y también mandó construir multitud de edificios con unos diseños arquitectónicos impresionantes. Entre ellos el Templo Kali y el Palacio Chail View.
Pero hoy queremos hablar de sus joyas. En concreto del collar Patiala.
Collar Patiala
Fue en 1925 que el padre de Sir Bhupinder Singh fallece. Como herencia, su padre le dejo un espectacular diamante amarillo conocido como “De Beers”. En ese momento, acudió a la joyería parisina Cartier para encargar que le hicieran uno de los collares más espectaculares de la historia. Una pieza que se diseñó directamente en base al diamante De Beers y que tiene casi 500 quilates.
El collar tenía cinco cadenas que se unían en una. Contenía 2.930 diamantes, incluido como pieza central el séptimo diamante más grande del mundo en ese momento, el «De Beers». Ese diamante tenía un peso precortado de 428 quilates y pesaba 234,65 quilates en su engaste final. Es el diamante amarillo talla cojín más grande y el segundo diamante facetado amarillo más grande del mundo. El collar también contenía otros siete diamantes grandes que oscilaban entre 18 y 73 quilates y varios rubíes birmanos.
Esta fue la pieza de joyería más cara jamás hecha en la historia y, a día de hoy, habría costado unos 30 millones de dólares hacerlo. O sea, un auténtico espectáculo que el maharajá lució en todas las celebraciones a las que acudió en su reinado. Y no nos extraña nada, porque semejante joya merecía ser lucida infinidad de veces.
Que ha sido del collar Patiala
Por desgracia, de lo que sucedió con la joya a partir de 1947 poco o nada se sabe. Alrededor de ese año, cuando ya el maharajá había fallecido, el collar desapareció del Tesoro Real de Patiala.
Durante años no hubo señales de este collar, cuando de repente, el diamante “De Beers” reapareció en la subasta de Sotheby’s en 1982. Solo apareció el diamante, sin el collar. Allí, la oferta por el diamante alcanzó los $3,16 millones, pero no está claro si alcanzó su precio de reserva.
Años después, en 1998, Eric Nussbaum, un socio de Cartier, encontró parte del collar en una joyería de segunda mano en Londres. Estaba montado en un colgante. Cartier decidió comprar esa parte del collar y reemplazar las piedras que faltaban con réplicas para restaurarlo y que pareciera el original. Reemplazaron los diamantes perdidos con circonitas cúbicas y diamantes sintéticos. Y montaron una réplica del diamante «De Beers» original.
El collar Patiala ha sido tan importante que, incluso, Doc & Film International hizo un documental sobre él. Por si queréis verlo y profundizar mucho más en la historia del collar.
Ahora solo podemos ver el collar en recreaciones y réplicas. De hecho, una nieta de Bhupinder Singh de Patiala ahora es joyera en California. Participó en una exposición «Maharajá: el esplendor de las cortes reales de la India» en el Museo de Arte Asiático, donde se exhibió el collar recreado.
Parece mentira que ya estemos en mayo, y como todos los meses, hoy vamos a hablar de la piedra natal de este mes. En este caso, es la esmeralda. Una piedra preciosa que nos gusta muchísimo a las dos. El origen de la palabra esmeralda no lo tengo muy claro, he encontrado referencias de dos versiones diferentes.
Origen de la palabra esmeralda
Por un lado, encuentro que la palabra esmeralda viene del francés antiguo “esmeralde”, deformación vulgar del latín “smaragdus”. Este vocablo latino viene, a su vez, del vocablo griego “smáragdos”, que significa esmeralda.
La otra teoría es que procede del vocablo persa “zamarat”. Que significa “piedra verde”. Lo cual nos indica que no está nada claro el origen de la palabra.
La esmeralda es un mineral que pertenece a la familia del berilo, el cual se presenta incoloro. Pero cuando contiene cromo y, algunas veces, vanadio adquiere el tono verde especial de la esmeralda.
Es, además, la única piedra preciosa de este color que se encuentra en la naturaleza en forma cristalina. Geológicamente es un auténtico fenómeno de la naturaleza, por lo cual solo se encuentra en muy determinadas zonas del planeta. Las esmeraldas procedentes de Colombia, se encuentran en terreno de rocas sedimentarias. Mientras que las que proceden de Brasil, Zimbabue, Zambia o Egipto son extraídas en terrenos de rocas volcánicas.
Su historia
Ya en el 4000 a.C era uno de los productos estrella en los mercados y zocos de Babilonia. Gracias a los escritos de Estrabón sabemos que, en el alto Egipto, había unos enormes yacimientos de esmeraldas. De aquí es de donde procedían casi la totalidad de las esmeraldas de la antigüedad, llamado Smaraglus Mons, “montañas de esmeraldas”.
Se cree que la explotación de estas minas se remonta al año 1800. a.C. Y que su producción, ya muy debilitada, llegó al reinado de Cleopatra, quien las explotó al máximo debido a la gran debilidad que sentía por estas piedras. Después de su muerte, la explotación de las minas se abandonó.
En cuanto a Europa, encontramos el yacimiento de Habachtal. Este yacimiento proporcionó las valiosas esmeraldas que lucieron los cortesanos y la nobleza de la Edad Media.
Cuando los españoles llegaron a Perú en el siglo XVI, se encontraron por primera vez con esta piedra. Los Incas la utilizaban tanto para adornarse como para comercializar con ella.
En 1537 llegaron los españoles al territorio de los Muzo-Colombia. Los muzos guardaron el secreto de sus yacimientos de esmeralda, pero por casualidad, en 1555, Antonio Sepúlveda dio con ellos. Los españoles estuvieron sacando piedra de allí hasta principios del S.XIX.
La exportación de esmeraldas
Desde entonces, Colombia abastece el mercado internacional de esmeraldas en un 55% del total de las exportaciones mundiales. Colombia es el mayor productor, seguido de Brasil y, en tercer lugar, Zambia. Las esmeraldas colombianas son muy apreciadas por su color verde radiante, que solo lo da el subsuelo colombiano. Mientras que las del Brasil son famosas por su variedad de tonalidades verde, que va desde el verde clarito a un bonito verde medio oscuro.
Zambia fue una antigua colonia Británica, y cuenta con varios yacimientos de esmeraldas. Entre todos ellos, el yacimiento de Mina Miku es el que produce esmeraldas de una calidad extraordinaria. Sus tonalidades de verde, su bajo número de inclusiones y su transparencia se pueden comparar con las esmeraldas de Colombia. Su producción es mucho menor que la de Colombia, abasteciendo el mercado internacional en un 5%. La demanda de las esmeraldas de Zambia ha experimentado un alza considerable desde que Tiffany lanzara toda una colección de alta joyería con esmeraldas de Zambia.
Algunas clases de esmeraldas especiales:
La esmeralda Trapiche.
Es una esmeralda especial que solo se encuentra en Colombia (Mina Muzo y Mina Peñas Blancas). Esta esmeralda tiene la particularidad de que, en su interior, crece un mineral llamado albita, formando una rueda de seis ejes de color negruzco. Son esmeraldas muy escasas y muy apreciadas por los coleccionistas, llegando a alcanzar altísimos precios.
Esmeralda Ojo de gato.
Es otra variedad de esmeralda que solo se encuentra en las minas de Coscuez, localizadas en Boyacá (Colombia). Tiene irisaciones y refleja la luz formando una línea luminosa perpendicular que recuerda al ojo del gato.
Algunas de las esmeraldas más famosas de la historia:
Teodora: Es la esmeralda tallada más grande del mundo, tiene 57.000 quilates. Su procedencia es del Brasil y está valorada en 11 millones de euros.
Fura: Es la segunda esmeralda más grande del mundo, después de la Esmeralda Teodora. Su procedencia es de las minas Muzo (Colombia). Se halló en 1999 junto con la esmeralda Tena, tiene 11.000 quilates.
Tena: Es la esmeralda más valiosa del mundo debido no tanto a su tamaño, si no a su color verde oscuro. Tiene 2.000 quilates y fue hallada en las minas Muzo (Colombia) junto a la esmeralda Teodora.
Gachalá: Extraída en 1967 en la mina de la Vega de San Juan en Gachalá (Colombia). Tiene 858 quilates y es de un verde transparente intenso. Está expuesta en el Instituto Smithsoniano de Washington.
Mogul: Otra de las esmeraldas más grandes del mundo. Fue extraída en Colombia (mina Muzo). Su peso es de 217,80 quilates y fue vendida a la India en el siglo XVI, donde las esmeraldas eran muy demandadas por el Imperio Mogol. Fue el constructor del Taj Mahal, el emperador musulmán Shah Jahan, de la dinastía Mogol, quien mandó cortarla en forma rectangular y hacer en las dos caras unas grabaciones. En un lado están grabados textos de oraciones, y por el otro lado lleva tallados adornos florales. La esmeralda fue subastada y hoy está expuesta en el Museo Islámico de Qatar.
Vintage by López-Linares
En nuestra web podrás encontrar varios modelos de pendientes realizados con esmeraldas. Al ser una piedra tan difícil de encontrar no tenemos una amplia colección, pero los pendientes que tenemos de esmeralda seguro que te van a encantar. Si has nacido en mayo o quieres hacer un regalo a una persona nacida en mayo, sin duda la esmeralda es el detalle perfecto.
En el post de hoy os vamos a contar la historia de la Condesa de Castiglione. Una mujer con una vida alucinante, que además, a día de hoy es conocida como una estrella de la fotografía temprana. Una mujer que ejerció de espía y que ayudó a la unidad de Italia.
La Condesa de Castiglione.
Su nombre era Virginia Oldoni. Nació en Turín, en el seno de una familia de la nobleza italiana. Su educación fue esmerada; dominaba cuatro idiomas, así como la danza y la música. A todo esto le acompañaba una belleza extraordinaria junto con una gracia y desenvoltura muy viva. Sin dejar atrás su desbordante inteligencia.
Con solo 17 años contrajo matrimonio con el Conde de Castiglione, doce años mayor que ella, el cual se mostró desde el primer momento como una persona fría y reservada. Muy distinto del carácter jovial de la condesa. A ella, por el contrario, le encantaban las fiestas y los viajes.
El matrimonio tuvo un único hijo llamado Giorgio que moriría a edad temprana de viruela. En una de las innumerables fiestas la condesa coincidió con su primo Cavour, primer ministro del Rey Víctor Manuel II de Cerdeña y el Piamonte. Este le propuso a su querida prima hacer uso de sus encantos e influir para que el Emperador Napoleón III se pusiera de parte de Italia. Para así atacar al enemigo austriaco y, al mismo tiempo, hacer de espía en Francia. Los condes aceptaron la propuesta y partieron hacia París.
Su romance con Napoleón I.
Tras varios intentos en distintas fiestas, consiguieron ser presentados al emperador Napoleón y a su reciente esposa Eugenia. El Emperador, amante de la belleza femenina, no tardó en caer en brazos de la condesa. Y comenzó un romance que duró dos años y, como era de esperar, escandalizó a todo París.
El escándalo llevó a su marido a pedir la separación matrimonial. El idílico romance se cortó de pronto cuando se descubrió la doble vida de la condesa y la correspondencia que enviaba y recibía de Italia. Se vio obligada rápidamente a abandonar París y a Napoleón. Regresó a Italia donde pasó de la vida fastuosa de París a estar prácticamente recluida en su casa. Años después, volvió a París, donde vivió sus últimos veinte años, en un sencillo entresuelo de la plaza Vendôme. Se convirtió en una mujer solitaria y triste; salía de noche con un velo negro que le cubria el rostro. Le llamaban “la loca de Vendôme”. Murió sola en 1899 olvidada de todos.
Esto es, por supuesto, un breve resumen de su vida. Si os interesa saber más en detalle toda su historia, no dudéis en decírnoslo y hacemos un post más detallado. Pero en el de hoy, queremos centrarnos en su faceta de artista fotográfica.
Artista fotográfica.
Cuando vimos por primera vez esta fotografía nos quedamos sin palabras. Fue tomada, nada más y nada menos que, alrededor de 1863.
En 1856 comenzó a posar para Mayer y Pierson, dos fotógrafos favorecidos por la corte imperial francesa. Durante los siguientes 40 años, dirigió a Pierre-Louis Pierson para que la ayudara a crear 700 fotografías diferentes. Gastó gran parte de su fortuna personal e incluso se endeudó para ejecutar este proyecto masivo.
Os vamos a ir dejando algunas de las fotografías que le hicieron. Nosotras hemos alucinado con todas ellas. Fijaos lo modernas que son para la época. Son fotografías que bien se podrían haber tomado en nuestra época y tienen más de 150 años.
Virginia Oldoini fue una modelo muy consciente. La mayoría de las fotografías muestran a la Condesa con sus atuendos teatrales, como el famoso vestido de Reina de Corazones. Se retrató a sí misma como varios personajes bíblicos y literarios como Beatriz, Salambo, Medea, Lady Macbeth, Judith, una monja, una prostituta, Ana Bolena, Reina de Etruria, Reina de Corazones e incluso un cadáver en un ataúd.
En la década de 1890 comenzó de nuevo una breve colaboración con Pierson, aunque sus fotografías posteriores muestran claramente su pérdida de cualquier juicio crítico, posiblemente debido a su creciente inestabilidad mental. Ella deseaba montar una exhibición de sus fotografías en la Exposition Universelle (1900) titulada “La mujer más bella del siglo”, aunque esto jamás llegó a suceder. El 28 de noviembre de 1899 murió a los 62 años y fue enterrada en el cementerio Père Lachaise de París.
Robert de Montesquiou, poeta simbolista y ávido coleccionista de arte, estaba fascinado por la Condesa de Castiglione. Pasó 13 años escribiendo una biografía, La Divine Contesse, que apareció en 1913. Después de su muerte, recopiló 433 de sus fotografías, todas ellas se encuentran en la colección del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Vintage by Lopez-Linares.
Como amantes de la fotografía, estamos fascinadas con Virginia Oldoni. Sus poses, el atrezzo, la iluminación… son todo elementos muy novedosos para la época. Parecen fotografías que se hayan realizado en nuestra época. En aquellos años parecía impensable que se hicieran este tipo de fotografías. Pero la Condesa de Castiglione fue, sin duda, una mujer valiente y moderna. Tanto en su vida, como en los proyectos fotográficos que realizó. Os hemos dejado algunas imágenes en este post, pero si queréis ver más, podéis hacerlo en este link. Sin duda os recomendamos verlo!
Bibliografía
Todas las fotografías: Pierre-Louis Pierson, The Countess of Castiglione’s back and hair, The Metropolitan Museum of Art, New York, NY, USA.
En el post de hoy venimos a hablar de una mujer que nos ha llamado mucho la atención. Se trata de Ann Lowe, la mujer que estuvo detrás del diseño y fabricación del vestido de novia de Jackie Kennedy. Además, os contaremos el pequeño problema que hubo con este vestido de novia, que estuvo a punto de no estar listo el dia de la boda.
Ann Lowe
Ann Cole Lowe nació en la zona rural de Clayton, Alabama, en 1898. Era la bisnieta de una mujer esclava y propietaria de una plantación en Alabama. Ann asistió a la escuela en Alabama hasta que la abandonó a la edad de 14 años. El interés de Lowe por la moda, la costura y el diseño provino de su madre Janey y su abuela Georgia, ambas costureras. Dirigían un negocio de confección que, a menudo, era frecuentado por miembros de la alta sociedad de Montgomery.
La madre de Lowe murió cuando ella tenía tan solo 16 años. Fue en ese momento cuando Lowe se hizo cargo del negocio familiar. Y no solo eso, sino que tuvo que asumir la responsabilidad de terminar cuatro vestidos de gala para la primera dama de Alabama, que habían quedado incompletos cuando murió su madre.
A los 18 años, llegó a una escuela de moda de Nueva York solo para ser segregada de sus compañeros de clase blancos. Se destacó y se graduó pronto, antes de pasar 10 años trabajando en Florida y establecerse más tarde en Nueva York.
Lowe fue la primera afroamericana en convertirse en una destacada diseñadora de moda. Sus diseños únicos fueron los favoritos entre las personas de la alta sociedad desde la década de 1920 hasta la década de 1960. Fue conocida por diseñar el vestido de novia de tafetán de seda color marfil que usó Jacqueline Bouvier cuando se casó con John F. Kennedy en 1953. Es de este vestido del que vamos a hablar hoy en el post.
Jackie Kennedy
Jacqueline Lee «Jackie» Kennedy Onassis (de soltera Jacqueline Bouvier) fue una socialité, escritora, fotógrafa y editora de libros estadounidense que se desempeñó como primera dama de los Estados Unidos de 1961 a 1963. como esposa del presidente John F. Kennedy. Fue una primera dama popular, que se ganó el cariño del público estadounidense con su sentido de la moda, devoción a su familia y dedicación a la Casa Blanca. Durante su vida, fue considerada un icono de la moda internacional.
Jacqueline Bouvier y el representante de los Estados Unidos, John F. Kennedy, pertenecían al mismo círculo social y fueron presentados formalmente por un amigo en común, el periodista Charles L. Bartlett, en una cena en mayo de 1952.
Kennedy estaba ocupado compitiendo por el escaño en el Senado de los Estados Unidos en Massachusetts; la relación se volvió más seria y él le propuso matrimonio después de las elecciones de noviembre. Jackie tardó un tiempo en aceptar, porque le habían asignado cubrir la coronación de la reina Isabel II en Londres para The Washington Times-Herald. Después de un mes en Europa, volvió a Estados Unidos y aceptó la propuesta de matrimonio de Kennedy. Por lo que renunció a su cargo en el periódico. Su compromiso fue anunciado oficialmente el 25 de junio de 1953.
El vestido de novia de Jackie Kennedy
Janet Lee Bouvier, la madre de Jacqueline, contrató a Lowe para diseñar y confeccionar todos los vestidos de la fiesta nupcial. Lowe fue quien había confeccionado el vestido de Bouvier para su boda con Hugh Auchincloss.
El vestido de novia de Jackie estaba hecho de tafetán de seda color marfil. Diseñado con un escote barco y una enorme falda redonda. La falda presentaba bandas dobladas entretejidas y diminutas flores de cera. El velo de encaje que lució Jacqueline Bouvier había pertenecido a su abuela; una tiara de encaje y azahar anudaba el velo a su cabello. Su ramo de novia estaba hecho de gardenias y orquídeas blancas y rosas.
Llevaba pocas joyas con el vestido, pero lo que llevaba puesto tenía un significado personal. El collar de perlas de un solo hilo era una reliquia familiar; también usó un prendedor de diamantes de sus padres y un brazalete de diamantes de su novio, John F. Kennedy.
El vestido que lució Jackie el día de su boda no tenía nada que ver con el que ella hubiera deseado llevar. Ella soñaba con un vestido muy minimalista y de líneas rectas. Todo lo contrario a lo que su madre tenía pensado para ella. De hecho, cuando vio el boceto gritó horrorizada “parece la pantalla de una lámpara”. Pero, como era común en aquella época, Jackie acabó aceptando llevar el vestido por imposición familiar.
La inquietante historia detrás el vestido de boda de Jackie Kennedy
Lowe y su equipo estuvieron trabajando durante ocho semanas en el vestido de novia de Kennedy y los quince vestidos que lucirían sus damas de honor. Solo en el vestido de la novia se necesitaban alrededor de 45 metros de tela. ¡Os podéis imaginar el trabajo que llevaba cada vestido!
Pues la tragedia llegó tan solo diez días antes de la boda. Una noche, en el taller de Lowe, ubicado en Lexington Avenue, se rompió una tubería. Esto provocó una inundación que arruinó por completo el vestido de la novia y nueve de los vestidos de las damas de honor.
Ann tuvo que contactar con su proveedor de telas, que milagrosamente tenía tela suficiente para reponer y poder volver a hacer los diez vestidos destrozados. En tan solo unos días, los vestidos en los que habían estado trabajando dos meses estaban listos. Consiguieron entregarlos a tiempo, pero no sin una consecuencia económica… En lugar de una ganancia estimada de $700, Lowe perdió $2200 en el proyecto.
Después de la paliza y el estrés que vivió Ann para volver a hacer todos los vestidos, el espectacular vestido, que fue ampliamente fotografiado y apareció en los titulares de los periódicos, influiría en los vestidos de novia y vestidos de gala estadounidenses promedio. Sin embargo, tristemente Ann Lowe nunca fue mencionada como la diseñadora del mismo.
Las vueltas que da la vida
Esta parte de la historia me ha parecido super curiosa. Aunque no se sabe al cien por cien que sea verídica me ha parecido un giro en la historia precioso.
Resulta que en 1964, cuando Jackie Kennedy ya era una ex primera dama (viuda de John F. Kennedy), cualquier resentimiento relacionado con el vestido estaba más que olvidado. Lowe fue citada en el Saturday Evening Post y, entre otras cosas, contó que Jackie había sido una novia muy «dulce». La revista Ebony sugirió que no fue hasta este momento que Jackie se enteró de toda la terrible experiencia que Lowe había sufrido con sus vestidos y la inundación de su taller.
Poco después de esta entrevista, Ann Lowe se vio envuelta en serios problemas de deudas. Parece que tenía deudas de miles de dólares con el Servicio de Impuestos Internos. Fue un día que, de repente, Lowe se entera que “un amigo anónimo” ha pagado una gran cantidad de sus impuestos atrasados. Tanto es así que su deuda se redujo a la mitad. Según contó The Washington Post, Lowe siempre sospechó que ese “amigo anónimo” realmente había sido Jackie Kennedy.
