Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
Hoy estamos muy contentas porque venimos a hablaros de Reyes Ruiz y su curso “Habla con Arte”. Como muchas ya sabréis, dos veces al mes os hacemos un directo para hablaros de un personaje histórico interesante, enseñaros parte de nuestra colección de joyas, o alguna que otra cosa que consideramos puede interesaros.
Es por eso que un día decidimos buscar un curso de oratoria donde aprender a mejorar a la hora de compartir esos directos con vosotras. Nunca se sabe lo suficiente y nosotras somos mentes inquietas. Y es en ese momento cuando conocimos a Reyes Ruiz.
Sobre Reyes Ruiz
Reyes Ruiz, es licenciada en Arte Dramático y Filología. Lleva la friolera de más de 30 años disfrutando encima de un escenario. Lleva la interpretación en sus venas, pero ella nos contó en el curso que no siempre se había sentido relajada y segura.
Al principio, incluso le fallaba la voz debido a la tensión y el miedo. Tuvo que formarse bien en dicción y voz. Y trabajar muchos sus miedos hasta sentirme segura actuando.
En 2017 comenzó a dar formaciones de oratoria, gracias a toda su experiencia acumulada.
Su trabajo
Hemos pedido a Reyes que nos cuente un poco más sobre su trabajo y estos es lo que quiere que compartamos con vosotras:
Me gusta acompañar a cada alumno, proporcionándoles las herramientas adecuadas. Además de los contenidos y ejercicios prácticos, se trabaja también la motivación. A veces, detrás de ese miedo a comunicar, hay otro miedo más grande que es a mostrarse, a avanzar… A veces existen complejos, falta de autoestima… lo iremos descubriendo juntos. Es un proceso apasionante en el que espero poderte ayudar.
Lo más importante en estas formaciones es que tengas claro, que vas a dar ese paso para enfrentarte de una vez por todas. Atreverse a comunicar siendo tú y quitándote miedos. Es más fácil de lo que te imaginas, lo que pasa es que nunca nos han enseñado. Y cómo casi todo en esta vida se aprende.
A día de hoy ya hemos terminado el curso y tengo que deciros que estamos más que contentas con el resultado. Reyes ha compartido con nosotras una serie de herramientas y trucos que creo nos van a ayudar mucho a mejorar nuestra comunicación y hacer las charlas aún más amenas.
Os dejamos aquí el contenido del curso y todos los links a los perfiles de Reyes por si en algún momento sentís que su ayuda os puede resultar interesante.
¿Qué es un engaste? ¿Qué significa exactamente engastar una piedra? Hoy os lo contamos en nuestro post. Las piedras engastadas son muy utilizadas en la joyería desde tiempos inmemorables. Así que vamos a ver con más detalle el significado de este tipo de técnica de joyería.
Según la Real Academia de la Lengua, la palabra engastar significa “Encajar y embutir algo en otra cosa”. Por ejemplo: Engastar una esmeralda en oro.
La historia del engaste.
Desde la más remota antigüedad se sabe que se utilizaba la técnica del engaste. Utilizando esta técnica se engastaban piedras duras y preciosas en metales como el oro, la plata, el hierro o el bronce. El engaste se realizaba en forma de cabuchón, es decir, la piedra se encajaba en el metal. En el caso de los diamantes, por ejemplo, se cortaban en dos -ya que tienen forma de octaedro- y se encajaban en el metal. Estas piedras en cabuchon se mezclaban con perlas cortadas, esmeraldas…
En la época del Renacimiento se empezaron a engastar las piedras por medio de uñas soldadas alrededor de la piedra. Estas uñas bordeaban la piedra y esta reposaba sobre el fondo de la joya. Más adelante os enseñaremos todos los tipos de engaste e imágenes para que lo entendáis mejor.
Hacia 1750 se produjo un cambio en la forma en la que los joyeros engastaban sus piezas. Previo a esta época los engastes tenían un fondo opaco y grueso sobre el que se montaba la piedra. Los joyeros de esta época suprimen este fondo, lo que permite que las propias piedras engastadas queden iluminadas. Y no solo eso, sino que consiguen aligerar esa montura, dando un aspecto más delicado a la joyería.
El trabajo del engastador.
El engastador es la persona que tiene por oficio engastar. Este trabajo requiere de mucha paciencia y de ser muy minucioso, ya que cualquier fallo puede poner en peligro la integridad de las piedras con las que se está trabajando. Es necesario calcular a la perfección el tamaño de la montura donde se va a engastar cada piedra. Tener las herramientas necesarias y de calidad, para no romper la piedra cuando se manipula. Y los asientos o bases sobre los que se engasta la piedra deben ser lisos, realizados en planchas de metal muy finas, y del tamaño exacto de la piedra. Cualquier fallo puede romper la piedra o hacer que no luzca tan bonita como debería.
Tipos de engaste más importantes:
Engaste cerrado o plano: Este tipo de engaste es sin presión. Es perfecto para piedras frágiles. Se hace con una tira de metal muy fina en forma de U, es una especie de cajeado con la forma de la piedra. Este cajeado es más alto que la propia piedra, y cuando esta se introduce, se utiliza un empujador para abatir este metal hacia ella. Haciendo que el metal “abrace” la piedra. Ejemplo: Anillo Strozzi Coral.
Engaste a clavos: Este tipo de engaste se utilizó mucho en la antigüedad, y ahora es bastante difícil de ver. Se trata de engastar las garras en forma de clavos, es decir, doblar las finas varillas de metal cuyo extremo está trabajado en forma de cabeza de clavo.
Engaste de chaton con cinturilla: Es la forma de engaste mas comun para las piedras de color. La piedra reposa sobre la cinturilla y las garras se cierran hacia la piedra como abrazándola. Ejemplo: Anillo Lucrecia de Medici.
Engaste de chaton sin cinturilla:Es un tipo de engaste que suele utilizarse cuando las piedras son muy finas o, incluso, sintéticas. En este caso son las propias garras las que hacen de engarce y de asiento para la piedra.
Engaste de chatones para solitarios: Esta es la técnica que se utiliza para engastar los conocidos solitarios. Se busca dar la mayor importancia a la piedra, por ello se hacen sin cinturilla y las garras salen de una base común. Ejemplo: Anillo Megara.
Vintage by Lopez-Linares
En nuestro taller, nuestros maestros orfebres trabajan el engaste con minuciosidad y cuidado, para que cada pieza quede perfecta. Utilizamos varios tipos de engaste según las necesidades de la piedra y la pieza.
Nos gusta utilizar el tipo de engaste que se utilizaba en cada época, según la pieza que estemos reproduciendo. Si tenéis cualquier duda sobre los engastes, no dudéis en escribirnos. Estaremos encantadas de contaros más detalles acerca del engaste de nuestras joyas.
Queremos dedicar nuestro post de hoy a un gran orfebre, escultor, dibujante y artista italiano que también escribió poesía y una famosa autobiografía. Se trata de Benvenuto Cellini. Conocido por ser uno de los artistas más importantes del manierismo.
Benvenuto Cellini (3 de noviembre de 1500 – 13 de febrero de 1571) trabajó tanto en Roma como en Fontainebleau, donde trabajó para el rey frances Francis I. Se dice que primero, y más característicamente, es un orfebre; de hecho, es el orfebre más famoso que jamás haya existido. Como escultor ocupa un lugar muy inferior.
Hoy queremos hablaros un poco de su vida, aunque pasaremos un poco de puntillas por ella ya que fue quizás demasiado caótica. Benvenuto, entre otras cosas, fue obligado a alejarse de Roma, tuvo problemas con la justicia por asesinar al asesino de su hermano y fue encarcelado bajo un cargo (aparentemente falso) de haber malversado las gemas de la tiara del Papa durante la guerra…
Según iba leyendo sobre la vida de Benvenuto fui descubriendo que fue un personaje con bastantes problemas con la justicia. Y que cometió bastantes ilegalidades. Pero nosotras queremos centrarnos en su etapa como orfebre. Aunque reconocemos que nos han dejado bastante sorprendidas todas sus “hazañas”. Contaros que si tenéis mucha curiosidad por conocer más detalles sobre ella podéis encontrarlas fácilmente en internet.
Es cierto que Cellini fue perdonado por todas sus ilegalidades con especial facilidad. Está claro que esto se debió al gran valor que tenía como primer orfebre de la época. Pero no podemos olvidar que vivió en la época del Renacimiento, cuando todas las leyes eran poco observadas y la vida era mucho menos valiosa.
Su infancia.
Los padres de Benvenuto, Giovanni Cellini y Maria Lisabetta Granacci, eran músico y constructora de instrumentos musicales respectivamente. Por ello, no es de extrañar que desde bien pequeño sus padres le empujaran hacia este maravilloso arte. No fue hasta que cumplió los 15 años que su padre aceptó, aunque de mala gana, que su hijo se convirtiera en aprendiz de orfebre. A su corta edad, Benvenuto comienza como aprendiz de Antonio di Sandro, apodado y conocido como Marcone.
Los trabajos de Benvenuto Cellini en Roma.
Sus primeras obras en Roma fueron un cofre de plata, candelabros de plata y un jarrón para el obispo de Salamanca, que le valió la aprobación del Papa Clemente VII.
Otra obra célebre de su etapa en Roma es el medallón de oro de «Leda y el cisne». Esta pieza la realizó para el Gonfaloniere Gabbriello Cesarino. Y, de hecho, ahora se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia, por si queréis ir a visitarla.
Imagen: "Leda y el cisne"
Cellini en Francia.
Mientras vivía en Francia, Benvenuto trabajó en la corte de Francisco I en Fontainebleau y París.
Uno de los principales proyectos de su período francés es probablemente el Golden Gate para el Château de Fontainebleau. Sólo existe el tímpano de bronce de esta obra inacabada, que representa a la Ninfa de Fontainebleau. Esta puede encontrarse en el museo Louvre de París. Pero el aspecto completo se puede conocer a través de archivos, dibujos preparatorios y moldes reducidos.
Sus años en Florencia.
En Florencia retomó sus habilidades como orfebre y fue recibido calurosamente por el duque Cosme I de Medici. Este lo elevó al puesto de escultor de la corte y le regaló una elegante casa en Via del Rosario. Fue en esta casa donde Cellini construyó su fundición. También fue nombrado miembro numerario de la prestigiosa Accademia delle Arti del Disegno de Florencia. Fundada por el duque Cosimo I de Medici, el 13 de enero de 1563, bajo la influencia del arquitecto Giorgio Vasari.
Además, Cosimo le encargó la realización de dos importantes esculturas de bronce: un busto de sí mismo y otro de Perseo con la cabeza de Medusa (que debía colocarse en la logia Lanzi en el centro de la ciudad).
Busto de Cosimo I de Medici
Sus obras de joyería.
Como habíamos mencionado al principio del post, Benvenuto Cellini es considerado uno de los más famosos -sino el más- orfebres de todos los tiempos. Y es curioso saber que, ninguna de sus piezas de joyería han sobrevivido al paso del tiempo. Lo único que se conserva es un botón de oro (una especie de broche para poner en la capa) que hizo para el Papa Clemente en 1530-31. Este broche se registró en acuarelas antes de que se sacrificaran a finales del siglo XVIII.
Retrato de la medalla de Cellini de Clemente VII y morse
En su biografía, se describe perfectamente el final de sus obras de joyería. Parece que sus innumerables e invaluables piezas de orfebrería fueron sacrificadas por el Papa Pio VI para poder pagar los 30 millones de francos que Napoleon I exigia al final de la campaña contra los Estados Pontificios en 1797.
Cellini murió en Florencia el 13 de febrero de 1571 y fue enterrado en la iglesia de la Santissima Annunziata.
Me pareció muy curioso descubrir que realizó un trabajo en Madrid. Benvenuto esculpió su Cristo para el Escorial en un solo bloque de mármol (1556-1557).
La historia del Cristo del Escorial.
Este Cristo tiene una historia curiosa, os la voy a resumir, pero tenéis la historia completa aquí. Resulta que Benvenuto estaba tallando esta pieza en Florencia. La estaba esculpiendo para ponerla en su propia tumba. En una visita que hicieron Cosme I de Medici y su esposa Eleonora de Toledo, este quedó prendado de la escultura y quiso adquirirla. Benvenuto aceptó bajo una serie de requisitos, aunque estos finalmente no se cumplieron. Y la estatua quedó en El Escorial.
Catharine Harding (1900-90) era hija de Horace J. y Dorothea Barney Harding. Horace Harding era banquero, presidente de la junta de American Express Company y fideicomisario del Frick Art Collection. Los Harding eran una familia adinerada de Nueva York. En 1908, Harding compró la casa adosada de la Sra. Charlotte M. Tytus en el número 10 de East 77th Street en Manhattan. Más tarde se mudó con su familia al 955 de la Quinta Avenida.
En un baile organizado por el Hotel Ritz-Carlton, los Harding presentaron en sociedad a Catharine, su hija mayor. En este baile Catharine Harding conoció a Lorillard Suffern Tailer, quien se convertiría en su futuro marido.
Lorillard Suffern Tailer era hijo de T. Suffern Tailer, un banquero y líder social que era dueño de casas en la ciudad de Nueva York y Newport, Rhode Island. Incluso, las páginas de sociedad del New York Times informaron sobre la despedida de soltero del novio dos días antes de la boda. Los invitados incluyeron hijos de millonarios de Nueva York.
El vestido de novia
Catharine Harding y Lorillard Suffern Tailer (1897-1979) se casaron a las cuatro de la tarde del 6 de abril de 1921 en la Iglesia de San Bartolomé en Park Avenue, en el centro de Manhattan. La novia lució un elegante pero sencillo vestido. Realizado en red de seda sobre satén con adornos de perlas, que originalmente tenía una cola de raso cubierta con un largo encaje de punto de reliquia.
Imagen: Wedding Perfection. Cynthia Amneus
Dada su riqueza. actitud social, naturaleza independiente y asociación con los escritores más vanguardistas de la época, no es de extrañar que Harding llevará un vestido de novia muy chic. Su vestido, sin embargo, es más que elegante; está adelantado a su tiempo. Los diseños de vestidos variaron ampliamente en la década de 1920, pero era más probable que el diseño sobrio de este vestido se viera más adelante en la década. Aunque el vestido no conserva ninguna etiqueta o firma, sus detalles de elaboración y un vestido de noche en la colección del Museo de Arte de Cincinnati usado por Catharine Harding indican que, probablemente, fue hecho en Francia.
Desafortunadamente, el matrimonio Harding-Tailer fue infeliz. Las listas de pasajeros demuestran que Catharine viajaba con frecuencia a Europa. Tanto con su marido, como sin él. La historia familiar sostiene que mantuvo apartamentos en París y Dublín y se asoció con F. Scott Fitzgerald y otros escritores expatriados en Europa. En 1934, Catharine se divorció de Lorillard, alegando «crueldad extrema».
Vintage by Lopez-Linares.
Si nos fijamos en el vestido de Catherin es indudable que es extremadamente moderno para la época. El vestido es absolutamente precioso y elaborado. A mi, personalmente, me encanta. ¿A vosotros qué os parece el vestido que lució en su boda?
Los años 50 fueron los años de gloria para Maria Anna Sophie Cecilia Kalogeropoulos, mundialmente conocida como Maria Callas. Maria nació en Nueva York, en 1923. Hija de una pareja de inmigrantes griegos que decidieron cambiar su complicado apellido por “Kalos”, para finalmente volverlo a cambiar a “Callas”.
La infancia de Maria Callas.
Maria fue la última hija del matrimonio entre Litsa y George. Su madre, cuando Maria tenía tan solo 3 años, se dio cuenta de la maravillosa voz que tenía su hija y comenzó a obligarla a cantar constantemente, presionándola sin parar. Algo con lo que George, su padre, no estaba de acuerdo.
Maria Callas llego a confesar que «I was made to sing when I was only five, and I hated it”. Es decir, que se la obligó a cantar desde los 5 años y que ella lo odiaba.
Las joyas de Maria.
Hoy queremos centrarnos en la maravillosa colección de joyas de Maria. Callas atesoró a lo largo de su vida un gran número de éxitos profesionales. Y también un gran número de joyas. En cada estreno su marido – el rico Giovanii Battista Meneghini – solía regalarle una pieza de joyería. Todas las piezas contaban con rubíes, diamantes y esmeraldas, sus piedras preciosas favoritas, casi siempre de la Casa Van Cleef & Arpels.
El repertorio artístico de María Callas se puede seguir a través de su rico y brillante joyero: Un collar y una pulsera de diamantes y rubíes en rojo y blanco del estreno de “ Medea”. Unas espectaculares diademas lucidas en “Norma”. Un enorme anillo de esmeraldas para “La Traviata”. Un broche con forma de flor realizado en diamantes y rubíes…
Su joyero de la suerte.
Para su debut en Verona (Italia) en 1947 con” la Gioconda”, lució una pequeña corona de oro. El éxito fue grandioso y María estaba convencida de que gran parte de su suerte se debía a esa preciosa corona. No paró hasta saber quién era el autor de aquella maravilla. El autor era el joyero milanés Ennio Mrino Marangoni, que a partir de ese momento, quedó estrechamente ligado a la Diva.
American opera singer Maria 'Callas' Kalogheropoulos liyng on a air mattress
on Venice Lido beach, wearing a floral swimsuit and dangling earrings,
reading a newspaper, Venice, 1950 (Photo by Archivio Cameraphoto Epoche
/Getty Images)
Desde entonces, Maria subiría a los escenarios llevando exclusivamente las joyas de Marangoni, su joyero “de la suerte”. Más de 600 alhajas diseñó para ella. María dependía tanto en sus actuaciones de esas joyas que, personalmente, solía intervenir y formar parte en el diseño y en la creación de las mismas.
Onassis y sus últimos años.
Cuando apareció el naviero Onassis en su vida, María rompió su matrimonio con Meneghini. Ella jamás le devolvió ninguna de sus joyas y él pasó el resto de su vida retirado en una villa de Verona.
María Callas, a partir de entonces, centró su vida en Onassis, abandonando sus éxitos y carrera. Pero la tempestuosa relación entre Callas y el magnate griego no duró mucho. En 1968 Onassis contrajo matrimonio con Jackeline Kennedy.
Ella se retiró a París; y con la voz bastante deteriorada hizo su última aparición pública en Japón. Después decidió regresar a la capital de Francia donde murió en 1977 a los 53 años de edad. Tras su fallecimiento, y al no tener descendencia, sus joyas pasaron a manos de un íntimo amigo suyo.
Hace poco se subastaron las joyas de la diva. De todas las piezas, la más deslumbrante fue un anillo con un gran diamante en forma de marquesa de casi 12 quilates, regalo de su marido. Este anillo fue subastado por 1.4 millones de euros.
María Callas fue una mujer con una belleza super exótica, con una elegancia innata que deslumbró en los más grandes teatros de todo el mundo. Su voz era absolutamente extraordinaria y bellísima, para algunos, entre los que me incluyo, nunca ha sido superada.
Me encantaría saber si opinas lo mismo que yo sobre su voz.
Hoy venimos a hablar de una increíble mujer. Se trata de Marie-Jeanne Rose Bertin. Marie-Jeanne nació en Abbeville, Francia en 1747, en el seno de una familia de bajos recursos. Su madre, enfermera de profesión, tenía un sueldo bastante bajo; y, cuando falleció su marido la situación se complicó.
La infancia de Marie-Jeanne Rose Bertin.
Como decíamos, Marie-Jeanne provenía de una familia humilde, por lo que su nivel educativo fue escaso. Pero ella era una mujer muy ambiciosa, por lo que eso no se convirtió en un impedimento para desarrollar su carrera profesional.
Con tan solo dieciséis años, Rose Bertin se mudó a París, donde se convirtió en aprendiz de una exitosa sombrerera, Mademoiselle Pagelle, con clientes de la alta sociedad y la aristocracia.
A la edad de 23 años ya tenía su propia tienda de ropa, conocida como Le Grand Mogol. Muchas de las clientas que ya la conocían de la tienda de sombreros la siguieron a su nueva tienda. Además, comenzó a ganar muchas nuevas clientas de la aristocracia entre las cuales se encontraba la mismísima Marie Antoinette (Maria Antonieta).
Su etapa como modista de Maria Antonieta.
Marie-Jeanne fue la modista de la reina Maria Antonieta durante 22 años. A los dos años de comenzar a vestirla, y justo antes de la coronación del rey Luis XVI, Bertin fue presentada a la reina. Maria Antonieta, enamorada del trabajo de Bertin, le proporcionó un cuarto dentro del Palacio de Versalles para que pudiera trabajar en sus diseños. Desde entonces ambas mujeres se reunían todas las semanas para discutir las nuevas creaciones de la modista, y charlar sobre moda. Entre Rose Bertin y el peluquero de la Reina Leonard Autié crearon para ella un estilo propio. Al final, la confianza las llevó a ser confidentes y amigas.
Bertin se convirtió en el icono de la moda de Europa. En aquella época, la moda Francesa era la más importante de Europa y Marie-Jeanne, como diseñadora de la reina de Francia y la aristocracia francesa, fue la figura central del momento. De hecho, de su tienda “Le Grand Mogol” salieron vestidos y sombreros que vistieron a gran parte de la aristocracia y la realeza de Europa. Creando así un auténtico imperio de la moda.
La Revolución Francesa
Durante la revolución francesa, muchas de sus clientas emigraron fuera de Francia. Pero eso no interfirió en el negocio de Marie-Jeanne de forma inmediata. Si bien la moda en estos momentos estaba cambiando mucho, ella jamás siguió esas nuevas tendencias igualitarias. Se negó a diseñar los nuevos artículos que se estaban llevando, como los tirantes “Mirabeau” y los sombreros “Desmoulins”.
Se dice que durante esta época, la modista sirvió de mensajera secreta de la reina. Que se dedicaba a entregar mensajes secretos a personas influyentes de otros países en sus viajes de negocios. Pero ni está confirmado ni se cree que sea probable.
En febrero de 1793, Rose Bertin se fue de Francia a Londres. Durante un tiempo pudo atender a sus antiguos clientes entre los emigrados, y sus diseños de moda siguieron circulando por las capitales europeas. Su negocio en París todavía operaba, a pesar de su ausencia. Nombró varios representantes que llevaban su tienda, y les enviaba dinero desde Londres.
En esta época, aun estando la familia real bajo arresto domiciliario, Bertin todavía entregó varios pedidos a María Antonieta. Se sabe que la última ropa que vistió la reina, el día que fue trasladada a la Conciergerie, fue de «Le Grand Mogol».
El fin de La Revolución Francesa.
Bertin estuvo ausente de Francia durante las masacres de septiembre, por lo que fue incluida en la lista de emigrados. En enero de 1795, Rose Bertin consiguió que su abogado afirmara que había estado viviendo de manera legal fuera de Francia por motivos comerciales. Se omitieron los 3 meses en los que había regresado y vivido en Francia. Esto la sacó de la lista de emigrantes, haciéndola libre de regresar a su país y reanudar su negocio.
Su negocio nunca se recuperó por completo, pero continuó a menor escala. Esto se debió en parte a la inflación y en parte a que las modas cambiaron después del fin de la Revolución Francesa. Joséphine de Beauharnais estaba entre sus clientes, y tenía otros clientes extranjeros como María Teresa de Nápoles y Sicilia y María Luisa de Parma. Finalmente fue reemplazada como diseñadora de moda líder por Louis Hippolyte Leroy.
A principios del siglo XIX, Marie-Jeanne transfirió su negocio a sus sobrinos y se retiró a su finca en Épinay donde murió en 1813.
Bibliografía
Hoy vamos a hablaros de una mujer sobre la que se ha especulado hasta la saciedad. Con una vida que ha dado para varias series y películas de éxito. Vamos a intentar conocer un poco mejor a esta misteriosa mujer que terminó su vida tristemente confinada y disfrutando de apenas una hora de luz al día. Se trata de La Princesa de Éboli
Quién fue la Princesa de Eboli.
Ana de Mendoza era descendiente directa del marqués de Santillana, el gran poeta del S.XIV. Bisnieta del cardenal Mendoza ysobrina del duque del Infantado. Además de una de las mujeres con más abolengo, fortuna y títulos de su época.
Controvertida, inquietante y enigmática dama de la Corte de Felipe II a la que todos conocemos como la princesa de Eboli. Ella es la protagonista de nuestro post de hoy y la dueña de nuestra última joya histórica.
Sus primeros años de vida.
Nació el 20 de junio de 1540 en Cifuentes, provincia de Guadalajara. Fue hija de Diego Hurtado de Mendoza – virrey de Aragón, y Cataluña y presidente del Consejo de Italia – y de Catalina de Silva, hija de los condes de Cifuentes.
Parece que su infancia quedó muy marcada por la mala relación entre sus padres. Se dice que su padre era un mujeriego, algo crápula y bastante interesado. Y que su madre se rodeaba de extrañas amistades relacionados con la astrología, la religiosidad exacerbada y toda clase de embrujos beneficiosos. Fue un matrimonio con demasiadas diferencias que les llevó a continuas peleas que terminaron en una dramática separación.
El Matrimonio de Ana de Mendoza y Ruy Gomez de Silva.
Pues en estas circunstancias parece lógico que Ana de Mendoza sintiera una gran alegría cuando el propio Felipe II la propuso desposarse con tan solo 12 años con Ruy Gomez de Silva su secretario y amigo personal. Dicen que la joven sintió alivio por poder marcharse de su casa. Ruy tenía 24 años más que ella, y ya era un hombre de reputada posición. Dicen sus capitulaciones matrimoniales que era “bonita aunque chiquita”. La pareja contrajo matrimonio pero los esponsales no se consumaron hasta que Ruy volvió de las campañas en 1557, Ana contaba entonces con 17 años.
Ruy Gomez de Silva y Ana de Mendoza
Ruy, que como os decía ya era un hombre con muy buena posición económica compró a su suegro la villa de Eboli en Italia. Y así consiguió de su amigo el rey el título de príncipe de dicha localidad.
Posteriormente compraría las villas de Estremera, Valderacete, y Pastrana, siendo nombrado Duque de Estremera, y de Pastrana con Grandeza de España. Esta última compra la hizo apenas 4 años antes de morir. Pero esto no quitó para que le diera tiempo a mejorar y ampliar los cultivos en Pastrana junto a su esposa. Trayendo moriscos con la idea de que iniciaron allí una floreciente industria. Lograron una feria anual con privilegios especiales. Y fundaron la Iglesia Colegial de Pastrana juntos con dos conventos de Carmelitas con Santa Teresa de Jesús.
Para que os hagáis una idea Ruy gastó en las compras el equivalente a cuatro años de la renta del Duque del Infantado. Una fortuna para la época, que nos desvela el gran poder económico del secretario del Rey.
Ruy Gomez de Silva
La pareja tuvo 10 hijos de los que sobrevivieron 6. Y tuvieron lo que parece un feliz matrimonio que duraría 13 años. Ana tuvo una vida estable y no se conocen andanzas ni problemas del matrimonio en esa época.
Los problemas vendrían con la repentina muerte de su esposo. Su carácter, los problemas de la infancia ya contados y la falta de la única persona que le había dado estabilidad en la vida hizo que Ana tuviera una existencia problemática
Su vida daría un gran giro tras quedarse viuda.
Los problemas comenzaron cuando decidió retirarse al convento de las carmelitas de Santa Teresa de Jesus de Pastrana. Este convento lo había fundado ella misma y por cuya fundación sabemos que había tenido importantes diferencias con la santa.
No fue el hecho de retirarse a llevar una vida de recogimiento lo que creó el problema. Sino que se creo cuando exigió que sus doncellas fueran acogidas como novicias. Y que además se les permitiera recibir visitas casi como si de su palacio se tratara.
Su vida en el convento.
Pues esta decisión no trajo más que el caos al convento, alterando por completo sus hábitos de recogimiento. Parece ser que un día se levantó de lacama y se encontró sola. Las humildes hermanas abandonaron el lugar en la noche para recogerse en Segovia dejando a la princesa totalmente sola.
En este punto parece que el rey decidió poner orden en el asunto y mandó llamar a Ana a la corte. Ana se instalaría en su palacio de Madrid, ocupándose de sus hijos y de la gestión de su enorme patrimonio (el de su marido y el heredado de su padre).
Y aquí es donde se encontraría con los dos hombres que cambiarían el rumbo de su vida.
Antonio Pérez (secretario del rey después de la muerte de su esposo) del que se dijo era hijo de su marido. Antonio era seis años mayor que ella y no se sabe realmente si lo suyo fue simplemente una cuestión de amor, de política o de búsqueda de un apoyo que le faltaba desde que muriera su marido.
Juan de Escobedo (secretario personal de Don Juan de Austria, gobernador de Flandes, hermanastro del rey). Ana se convirtió en confidente de la reina Isabel de Valois; razón por la que su relación con el rey se volvió aún más estrecha.
Ana fue una mujer que tuvo gran habilidad en la intriga. Probablemente heredada de su madre y de los Mendoza a partes iguales, aunque en esta ocasión sus intrigas la llevarían a la ruina.
Problemas políticos y escándalo amoroso.
Se metió de lleno en un lío político del que no supo o pudo salir. Antonio Pérez pertenecía a la facción más “liberal” de palacio. Eran partidarios de pactar con los rebeldes holandeses; a este grupo también pertenecían Don Juan de Austria, su secretario Escobar y la propia Ana de Mendoza. Es decir, que los protagonistas de esta historia —la viuda, Escobedo y Pérez— pertenecían al mismo grupo de presión. Pero las rivalidades personales y los asuntos de amores se antepusieron a las ideas sobre política internacional.
Parece que Don Juan fue acusado de alta traición hacia Felipe II. Y su secretario viajaría desde Flandes a Madrid para aclararle al monarca este punto. Pero, además de explicar la posición de Don Juan al rey, Escobedo también empleó los rumores de los amoríos de Antonio Pérez con la princesa de Éboli para volver al rey en contra de su rival. Escobedo debió disponer de pruebas muy comprometedoras, pues a los pocos días unos espadachines acabarían con su vida a estocadas durante la noche.
El escándalo de la Princesa de Éboli
El escándalo fue mayúsculo. La familia de Escobedo acusó a Pérez y a la princesa de Eboli del asesinato. El rey primero ignoró las acusaciones, pero terminó haciéndose eco de ellas. Mandó hacer una investigación, que acabaría acusando a Pérez del asesinato de Escobedo, así como de otros turbios manejos. Parece que ese informe se salió de los aspectos legales, entrando en los sentimentales. El informe dio por buenos los rumores sobre la relación de Antonio Pérez y la Princesa de Éboli. Esto hizo caer en desgracia a la princesa, que se convertía así en la amante de un personaje caído en desgracia frente al rey.
Pero la princesa no se achicó. Se volvió tremendamente desafiante ante el rey, le envió durísimas cartas en las que le emplazaba a lavar su honor. Llegando incluso a afirmar en una de ellas que “el Rey sabía tan bien la verdad que no debía pedir testigos sino a sí mismo”. Su enfrentamiento hizo que el rey montara en cólera, negándose a leer más cartas de Ana de Mendoza.
El 28 de julio de 1579 ordenó la detención de la princesa de Éboli y de Antonio Pérez. Para evitar que pudieran comunicarse y combinar sus declaraciones, se les separó. A la princesa la mandaron a la torre del castillo de Pinto. Allí comenzó a cumplir una pena de prisión sin juicio, por la mera voluntad del rey. Después fue encerrada en el castillo de Santorcaz, y de allí fue enviada a su palacio de Pastrana en la primavera de 1581.
El confinamiento de Ana de Mendoza.
En su palacio la princesa de Eboli retomó la vida de lujo y recibió visitas. Pero al poco tiempo Antonio Pérez consigue fugarse a Aragón, y de allí a Francia. El rey, ante el peligro de que ella también huyera, ordena que se cambiara su régimen de prisión atenuada, a confinamiento en unas pocas habitaciones.
Ya no estaba autorizada a salir ni a recibir visitas. Estaba solo acompañada por su hija menor y varias criadas. Fue tan sumamente estricto este régimen de reclusión para el temperamento nervioso de Ana, que fue dando crecientes muestras de inestabilidad psíquica.
El rey decidió privarla de la gestión de su patrimonio, concediéndole esa responsabilidad a su hijo mayor.
Como único desahogo, cada día, a la misma hora, se la autorizaba durante una hora a asomarse a una ventana enrejada para mirar el exterior. Esa patética costumbre propició que la plaza a la que daba esa ventana se fuera conociera como la “de la hora”.
Sin haber llegado a ser juzgada y tener la ocasión de defenderse, el 2 de febrero de 1592, a los 52 años de edad, murió la aprisionada princesa de Eboli.
Y este es el triste final de una mujer de carácter dominante y altivo, rebelde y apasionada, heredera de títulos y propiedades, quiso el destino que al final de su vida muriera confinada y sola.
El Parche de Ana de Mendoza
Como podemos ver en el retrato en el que nos hemos inspirado para hacer los pendientes, la Princesa de Éboli era tuerta. Parece que existe una carta en la que informan a Ruy del estado de su esposa cuando tenía tan solo trece años al sufrirun accidente. Pero no se menciona de qué tipo de accidente se trata. Podría ser ese accidente de esgrima en el que se asegura que predio un ojo a manos de un paje.
La única prueba, además de los retratos atribuidos, es una carta de 1573 en la que el prior don Hernando de Toledo, hijo del duque de Alba, cuenta que “Anoche, a la una, estaban unas damas en una ventana tratando de qué traería (el parche en) el ojo la princesa de Éboli: la una decía que de bayeta; otra que, de verano, lo traería de anascote que era más fresco”.
Por otro lado he leído que el análisis exhaustivo del retrato de Ana de Mendoza atribuido parece que también falsamente a Alonso Sánchez Coello permitió a Gregorio Marañón concluir que, la princesa jamás fue tuerta. Dice Gregorio Marañon que el parche que luce en la pintura no trasluce la oquedad de una cuenca vacía, sino más bien un ojo con leucoma. Que le da un «peculiar aspecto lechoso» y una «evidente desviación del globo ocular». «Fuera cual fuese la causa añade Marañón, el ojo quedaba tan feo, opaco, saliente y torcido que exigía el uso de un parche».
En cualquier caso, estas dos teorías desarticulan por completo cualquier teoría que la había tachado de frívola al taparse el ojo simplemente por presunción y para ocultar su bizquera.
Ella, en cualquier caso, supo sacar ventaja de su leucoma o al accidente de esgrima, para añadir misterio y encanto a su belleza.
Vintage by Lopez-Linares
Nos pareció tan curiosa e interesante la vida de la Princesa de Éboli que nos decidimos a reproducir los maravillosos pendientes que luce en el retrato del artista Sanchez Coello que os mostramos a continuación.
Esperamos que os haya resultado interesante su vida y que os guste la última reproducción que hemos llevado a cabo. Os dejamos las fotos y los links a la web por si queréis echarles un vistazo.
Os dejamos los enlaces a la web por si queréis ver más fotos de los pendientes.
Según el diccionario de la real academia el coral es un celentéreo antozoo, del orden de los octocoralarios, que vive en colonias cuyos individuos están unidos entre sí por un polipero calcáreo y ramificado de color rojo o rosado.
Corallium Nobile.
Pero hoy nos vamos a centrar en el corallium nobile. La especie de coral más buscada por los grandes joyeros de la historia. Es el más exclusivo y preciado de todos. El desarrollo de estas colonias de coral es tremendamente lento. Su crecimiento oscila entre dos y cinco milímetros al año, de ahí el elevadísimo precio que alcanza. Y el hecho de que su captura esté restringida, ya que corre peligro de desaparecer.
Este coral se captura a mano y solamente las ramas más grandes son utilizadas en joyería, ya que hay que dejarlo crecer hasta que adquieren un buen tamaño. Se pesca en profundidades que varían desde los 30/50m hasta más de 150m.
El coral Nobile presenta un color generalmente rojo, con matices oscuros o de rojo vivo, y muy raramente puede presentar un color rosa pálido. El llamado “Coral Piel de Ángel” es el más preciado y especial.La palabra coral también se utiliza para nombrar toda esta gama de colores.
Joyería.
Multitud de joyas de coral se han encontrado en antiguos enterramientos egipcios y prehistóricos. Contaba Plinio en sus escritos que los galos ya lo utilizaron para la ornamentación de sus armas, y que los romanos tenían por costumbre colgarlo alrededor del cuello de los niños para preservarles del peligro. Se consideraba que tenía muchas virtudes curativas ante mordeduras de serpientes y escorpiones. La creencia en el potencial de este material como amuleto continuó durante toda la Edad Media y hasta principios de siglo 20, y en Italia se sigue usando como una protección contra el mal de ojo, así como por las mujeres como una cura para la infertilidad.
Y allí en Italia es donde se encuentra la verdadera cuna de la artesanía y el tratamiento del coral. Concretamente en Torre del Greco (Italia), un pequeño pueblo que continúa con una tradición de hace más de dos siglos con la misma ilusión y tenacidad que les ha permitido resurgir de las nueve erupciones del Vesubio.
Debido a su suavidad y la opacidad, el coral se corta generalmente en cabujón o se usa para hacer cuentas.
Mantenimiento del coral:
La única manera de limpiarlo en casa es frotarlo suavemente con un trapo de algodón seco o un ligeramente húmedo. Para limpiarlo un poco mejor se pueden usar jabones neutros y enjuagarlo enseguida, secándolo con mucho cuidado.
Si el coral perdiese su lucidez no queda más que entregarlo a personal cualificado para que lo haga lucir como antes.
Os dejo una colección de fotografías de joyas en corafflumnobile: pendientes, anillos, y alfiler de corbata… Para que aprecies mejor los distintos trabajos que pueden realizarse con este precioso material, y los tonos tan sublimes que nos brinda la naturaleza.
Vintage by López-Linares
Como amantes del coral que somos, en nuestra tienda online podrás encontrar multitud de piezas de este material. Todas ellas realizadas a mano por maestros orfebres. Que realizan las piezas utilizando las mismas técnicas que se utilizaban en la antigūedad. Aquí te dejamos el link a nuestra tienda online.
El Collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos en un todo unificado. Manipulando diversos materiales utilizados como materia prima: periódicos viejos, revistas, papeles de colores o embalaje, fragmentos de fotos, telas, materiales sólidos, pintura acumulada etc,. Se trata de disponerlos sobre un espacio plano y en un cierto orden. A través del manejo de estos materiales se logra la creación de una composición original e imaginativa.
El origen del Collage.
Al parecer, tiene su origen en China y Japón donde, ya en el siglo X, se usaban recortes de telas y papeles para hacer fondos sobre los que luego se escribían poemas. Posteriormente, durante el medievo, se pegaban materiales sobre las ilustraciones religiosas para realzar a las figuras que se representaban. Y ya en el S.XV algunos artistas comenzaron a dotar sus imágenes con algunas de las características que aglutinaría el collage posteriormente. Como por ejemplo el magnífico artista, pintor, filósofo y poeta lombardo Giuseppe Archimboldo. Fue muy apreciado en la corte vienesa de los Habsburgo, pero tras su muerte, quedó en el olvido por completo. No fue hasta 1936-37 que su figura fue recuperada por el movimiento surrealista y, por supuesto, por Hieronymus Bosch(el Bosco). Casi me atrevería a decir que ellos dos fueron la máxima inspiración de los artistas del S.XX que luego conoceremos como los padres del collage actual.
La invención del Collage.
Su término proviene del francés coller, que significa “pegar” y fue acuñado por Pablo Picasso y Georges Braque.
Incluso, se considera que fue Picasso quien, en 1912, inventó el collage tal y como lo conocemos ahora. Con su pintura “Naturaleza muerta con silla de rejilla”, en la que el artista pegó sobre el lienzo de forma oval, un trozo de hule con estampado de rejilla creando una ilusión óptica tangible frente a la representación bidimensional. Sin embargo, se dice que Georges Braque ya había usado collage en bocetos. Y que ya incorporó a sus obras los primeros papiers collés -recortes de papel- pintado comercial que imitaba a la madera. Un ejemplo de ello es su obra «Tête de femme». Juntos descubren su potencial y comienzan a introducir recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos y papeles coloreados. Pronto se sumará al descubrimiento Juan Gris en obras como «La botella de anís».
Posteriormente, otros movimientos artísticos adoptaron la técnica multiplicando sus posibilidades expresivas y conceptuales. Tales como el Futurismo, destacando Carlo Carrá y Giacomo Bala, y el Dadaísmo con artistas como Hans Arp y Marcel Duchamp entre otros.
Duchman.
Arp.
Mujeres dentro del mundo del Collage en la Época Dadaísta.
Cabe destacar que en esta época las mujeres comenzaron a tener un rol más activo. No sólo en ámbitos políticos y sociales, sino también artísticos.
En el movimiento dadaísta surgieron mujeres con una capacidad creativa admirable en el uso de colores, materiales y habilidades para dar forma a obras únicas. Así como en la expresión sentimental a través de la poesía, actuaciones y representaciones sobre el rol de la mujer en la sociedad. Las artistas dadaístas crearon obras con un trasfondo sobre la posición de la mujer en la sociedad y un fuerte deseo de cambio.
Las dadaístas desafiaron las normas para ganar visibilidad y dejar patente la falta de oportunidades y de libertad que tenían frente a los hombres. Todo el mundo tiene en mente el extravagante urinario de Marcel Duchamp, que aunque no se sepa, fue idea de una mujer, no suya. Y como este caso, lamentablemente, existen muchos más.
Pero a pesar del paso de los años, sigue sorprendiendo que, pese a estar todo documentado, siga sin reconocerse el papel de grandes mujeres que fueron solapadas porque solo los hombres fueron quienes escribieron la historia del dadaísmo.
A continuación te presentamos algunas de las artistas dadaístas más representativas que también utilizaron el collage como medio de expresión.
Hannah hoch.
En un mundo dominado por los hombres, Hannah Höch fragmentó a la sociedad europea de siglo XX en sus collages dadaístas.
Con sus collage y fotomontajes, Hannah Höch transmite gran inconformidad hacia distintas situaciones de su época: el gobierno alemán, el rol de la mujer y la creación de ideales de belleza en los medios de comunicación. Es esta crítica hacia la forma de ver la figura femenina a través de lo que dicen los medios, por lo que ha sido considerada una de las primeras feministas. En su obra descompone esos ideales de belleza creando imágenes abstractas y amorfas.
Suzanne Duchamp
Suzanne, fue hermana del emblemático Marcel Duchamp. Afrontó varios obstáculos para desarrollarse como artista, no obstante, gracias a su hermano pudo superarlos y obtener el debido reconocimiento como pintora. Su trabajo es la expresión pura del dadaísmo: pintura, collage y poesía, están siempre presentes en sus obras. Sobre todo en Multiplication brisée et rétablie, su obra más representativa.
Sophie Taeuber-Arp
Pintura, baile, escultura, collage y diseño de vestuario, son sólo algunas de las disciplinas que dominaba Sophie Taeuber-Arp. Una mujer con grandes habilidades artísticas y perteneciente a diversas corrientes. Sophie utilizaba la libertad que le daba el arte para expresar todo lo que su personalidad tímida y reservada no le permitía. Colores vibrantes, formas geométricas, habilidad de diseño textil y de interiores, son algunas de las características del trabajo de una de las artistas más prominentes del siglo XX.
Emmy Hennings
Fundadora y dueña del Cabaret Voltaire, centro de reunión de los pertenecientes al círculo dadaísta, Emmy Hennings fue también esposa del poeta dadaísta Hugo Ball. El Cabaret Voltaire era donde Emmy presentaba sus poemas. Además de ser cantante, bailarina y performer. La obra de Emmy Hennings nos habla de temas muy controvertidos para la época. Como el amor libre, la anarquía y el deseo de una revolución social eran las mayores preocupaciones de Emmy.
El fotomontaje.
Otra ampliación del collage fue el fotomontaje, consiste en la combinación de fotografías con o sin tipografía impresa. Fue creado por los dadaístas berlineses y logró su máximo desarrollo de la mano de los vanguardistas rusos, quienes se atribuían la autoría de dicha técnica.
A partir de la Revolución de Octubre (1917) y dentro de este contexto de profundos cambios políticos nace la joven URSS. El fotomontaje se convierte en un medio de comunicación mediante carteles y panfletos que difunden el ideario comunista en forma de propaganda política. La figura del artista ruso como creador, pasa a ser la de divulgador político.
En el periodo comprendido entre 1923 y 1931, el fotomontaje se adueñó gradualmente del diseño gráfico, pasando de la propaganda política a la publicidad comercial. Entre los artistas rusos más destacables se encuentra el artista y diseñador Aleksandr Ródchenko (1891-1956). Considerado como uno de los mejores fotomontadores del momento por su continua experimentación formal en sus diseños impresos.
Otros movimientos artísticos como el Surrealismo, derivado del Dadaísmo pero con marcadas diferencias, lo utilizaron como medio expresivo.
El Surrealismo.
El surrealismo viene a construir una nueva concepción del arte y de la vida. Creando una atmósfera donde lo real se transforma en sueños y mundos de fantasía. Artistas como Marc Chagall, Max Ernst, Salvador Dalí, experimentaron con las posibilidades expresivas de dicha técnica.
Dalí.
Max Ernst
Henri Matisse.
No puedo dejar de mencionar al genial artista, que con sus recortes elevó la técnica del collage a otra dimensión, Henri Matisse.
En la última etapa de su vida enfermó, y se vio afectada su movilidad. Por este motivo sustituyó la pintura por otra forma de expresión, llegando a afirmar que dibujaba con las tijeras.
Matisse dijo: «Sólo lo que he creado después de la enfermedad constituye mi verdadero yo, libre, liberado». La experimentación con los recortes ofreció a Matisse innumerables oportunidades de dar forma a un nuevo entorno estéticamente agradable: «Ves cómo me veo obligado a permanecer en la cama a menudo debido al estado de mi salud, me han hecho un pequeño jardín alrededor de mí, donde puedo caminar… Hay hojas, frutos, un pájaro».
Por último os dejo un breve repaso de algunas de las artistas más destacadas del panorama del collage.
Rebeka Elizegi
La obra de Rebeka Elizegi trae, sin duda, esos aires de las vanguardias de principios del siglo XX. La idea de experimentación, de ruptura, de novedad, de búsqueda del shock en el espectador que desarrollaron movimientos como el dadaísmo o el surrealismo, lenguajes inspiradores para la artista.
A través de sus collages artesanales, Rebeka Elizegi nos devuelve a ese mundo experimental y crítico bajo una mirada actual. Con sus figuras volumétricas de diversos materiales y formatos, Elizegi muestra un universo propio. En el que la figura femenina también se convierte en eje central de su obra. Sin dejar de lado otros temas como la diversidad de género o cuestiones de ámbito social.
Con obras de interpretación abierta, Elizegi nos plantea una imagen sin un significado definido, requiriendo así la atención del espectador, su mirada y su contexto. Y es que el artista, dice, “Es simplemente el punto de partida de la obra”.
Trabaja exclusivamente de forma manual: le interesan las tijeras, el pegamento, y la exploración de materiales diversos. Trabaja piezas de pequeño, medio y gran formato, pero siempre aplicando la técnica del collage manual clásico sin redimensiones ni retoques digitales. Generalmente siluetea sus piezas sobre soporte rígido, de forma que se convierten en figuras volumétricas, pequeñas esculturas de papel, cartón o madera.
La figura femenina ocupa un lugar importante en su obra. Aunque también se centra en temas como la diversidad de género y las personas que sienten y viven más allá de la norma establecida. Las imágenes de cuerpos son asimismo una constante en su trabajo. El cuerpo entendido como espacio que oprime, que marca y estigmatiza por color, edad o género. Y que tantas veces es motivo de sometimiento, y que intenta liberar a partir de sus composiciones.
Teresa Cucala
Si el maximalismo y el exceso es lo que encaja con tu estilo, esta artistaza tiene que estar seguro colgada de tu pared. Sus collages repletos de detalles florales, retratos modificados y colores saturados son una fantasía de la imaginación con aires vintage.
Francisca Pageo
Es fotógrafa, pero en sus collage no utiliza sus propios retratos. Toda creación conlleva un misterio: el tipo de misterio que nos lleva de lo invisible a lo visible. Su obra de arte parece un paraíso perdido, que nos recuerda las nubes y los soles que dibujamos en nuestra infancia. Un lugar donde la belleza aún puede salvarnos.
Francisca ha creado su propio mundo de sueños, en el que sólo podemos penetrar mientras perseguimos nuestros deseos. Como el arte real, que nos toca tan profundamente que no podemos comprender todo su sentido.
Necesitamos creer en otros mundos. No importa si son posibles; para traer de vuelta ese silencio primitivo. Necesitamos renunciar a nuestra inteligencia para que nuestros sentimientos tomen su lugar. Solo necesitamos confiar en nuestras emociones. Como si las palabras no se hubieran inventado todavía. Porque esto es lo que define la obra de Francisca Pageo. Al menos para aquellos que piensan que la belleza aún puede salvarnos de estos tiempos oscuros.
Mar Moseguí
La geometría y la simetría forman parte de su método. Con él, logra crear collages muy caleidoscópicos y casi psicodélicos. Perfectos para los amantes del orden que quieran una composición armónica y robótica de aires futuristas.
Rocío Montoya
Su obra juega con el contraste del black & white y el color más vibrante, que convierten sus retratos femeninos en algunos de los más surrealistas y cautivadores. Sus collages son de una ensoñación que atrapa. En los que anatomía humana, naturaleza y acuarelas trabajan juntas como una máquina perfectamente engranada.
Katie McCann
Con un estilo creativo, complejo y muy detallado, sus collages se convierten en lugares donde la belleza es extraña. Las criaturas son curiosas y prevalece una sensación de asombro. Con un estilo fuertemente influenciado por los libros que leía de niña y su fascinación por la ciencia, la naturaleza y el folclore. “Los collages que creo se convierten en lugares donde la belleza es extraña, las criaturas son curiosas y prevalece una sensación de asombro”.
Vivian Pantoja.
Los collages de Vivian Pantoja parecen sacados de una película de Wes Anderson. Los colores pasteles sumergen al espectador en otro mundo, en otra época.
Mujeres que salen de mujeres, flores que se expulsan de las bocas como piropos, representaciones anatómicas surrealistas.
Su tesis, “Metáforas de una mujer en collage” fue el punto de quiebre para su futuro.
Marisa Maestre.
No puedo dejar de mencionar el maravilloso trabajo de Marisa Maestre: ilustradora, directora de arte y artista visual. Su trabajo se centra en la creación de experiencias y emociones visuales a través del diseño, la ilustración y el collage.
Su obra forma parte de un universo simbólico. Una iconografía moderna de una realidad surrealista y metafórica de la propia vida. Su trabajo está cargado de sensibilidad y poesía y es una de mis collagistas actuales favoritas. Sus obras son capaces de enlazar el espacio y el tiempo, lo divino y lo terrenal.
Una artista influenciada por las vanguardias experimentales del siglo pasado como el dadaísmo y el surrealismo.
Ella dice de su obra: “Me seduce, de manera excesiva, el juego artístico que se crea con el collage. Te da la oportunidad de hacer creaciones rápidas y composiciones imposibles con un toque surrealista. Ensamblar diferentes fragmentos que no tienen nada que ver a priori, colocarlos en soportes diferentes y darles la oportunidad de formar parte de una obra nueva tiene un lado muy romántico y poético”.
Mujeres que cortan y pegan.
Esta es una comunidad de collagistas femeninas del mundo entero en la que podemos encontrar diseños para todos los gustos. Todos ellos con un nexo de unión: colores vivos y temáticos abstractos y postmodernos, en los que la figura de la mujer cobra protagonismo. La teoría puede resultar pasada de rosca, pero los resultados hablan por sí mismos y son preciosos.
En la actualidad el collage es una expresión artística que tenemos presente en nuestro día a día.
Bibliografía
Todas las imágenes pertenecen a los artistas mencionados.
¿Conocéis lo que es la técnica encáustica?.¿Los famosos retratos de Fajum?o.¿Las joyas más deseadas por las mujeres romanas? Pues si os interesa alguno de estos temas no podéis perderos nuestro post de hoy. Venimos a hablaros de las crotalias.
Nos situaremos en Egipto y en la época en que se convirtió en una provincia de Roma, sobre el año 30 a. C. Los romanos comenzaron a establecerse allí y adoptaron prácticas locales, incluido el ritual mortuorio de la momificación. En el siglo I d.C., los romanos habían introducido su propia costumbre funeraria de sujetar y envolver un retrato del difunto, pintado en un panel de madera, sobre la momia. Este método de entierro duró unos 300 años, aunque la datación de estos retratos es controvertida, abarcan de mediados del siglo I hasta el siglo IV.
Los retratos
Se los conoce colectivamente como retratos de momias de Fayum ya que la mayor parte de ellos fueron encontrados en las necrópolis de El Fayum. Hoy vamos a centrarnos en uno de los hallazgos más curioso ya que esta serie fue descubierta casi de manera casual por el arqueólogo Sir Flinders Petrie y su esposa Hilda Mary Isabel Petrie en 1889. El matrimonio viajaría hasta la zona con el propósito de exhumar los vestigios de Amenemmes III y su tiempo, pero en el trascurso de las excavaciones se toparon con un inmenso cementerio romano.
En un principio no se pusieron muy contentos con el hallazgo hasta tal punto que abandonaron la excavación para continuar en otro sitio, hasta que fue uno de los obreros el que llego con la noticia de que “ una mujer le miraba desde una máscara de niña muerta” Flinders escribiría en su diario “ una hermosamente dibujada cabeza de niña, en suaves tintes grisáceos enteramente clásica en su estilo y moda. Dos días más tarde aparecería otra bella mujer, y en enseguida el bello retrato de un hombre coronado con una guirnalda estucada y dorada, pocos días después hallaría debajo de la cabeza de una joven un largo rollo de papiro que contenía la mayor parte del Libro II de la Hiliada de Homero, la tumba de una niña llena de juguetes… Durante los meses siguientes escavarían toda la zona hallando no solamente 81 maravillosos retratos también numerosos objetos de la época. Se les conoce colectivamente como retratos de momias de Fayum. Esto se debe a que la mayor parte de ellos fueron encontrados en las necrópolis de El Fayum.
Los retratos de El Fayum son muy importantes ya que representan algunos de los retratos más antiguos, mejor conservados y pintados de la historia del arte occidental. Son el único gran conjunto de arte de esa tradición, de los que se han encontrado alrededor de mil ejemplares.
Los retratos están situados sobre el rostro del difunto momificado (tal como podemos ver en la imagen), sujetos entre las bandas de tela (o cartonaje) que envolvían los cuerpos. Casi todos han sido actualmente separados de las momias. Normalmente, representan a una sola persona. Mostrando el rostro o la cabeza y el torso superior, vista frontalmente.
El arte
En términos artísticos, la imagen tiene una influencia claramente greco-romana más que egipcia. Se pueden distinguir dos grupos de retratos de acuerdo a la técnica: uno de pintura encáustica (con cera) y otro en pintura al temple.
Estos asombrosos retratos realistas de hombres, mujeres y niños tienen un atractivo enorme. Ya que nos muestran no solo una amplia diversidad de las personas que alguna vez vivieron en el Egipto romano, sino también la complejidades de los peinados, la ropa y las joyas que eran populares hace dos mil años.
Representan la fusión entre la pintura griega, el arte realista romano y la religión del Antiguo Egipto. Por la creencia de los egipcios en el tránsito al más allá, era necesario que sus retratos fuesen lo más reales posibles. Con la finalidad de ser reconocidos después de la muerte. Esto hace que podamos ver con extrema claridad y realismo sus rasgos.
El clima cálido y seco de Egipto ha sido una de las causas por las que estos retratos han llegado hasta nuestros días casi intactos. Por eso están tan bien preservadas e incluso, a menudo, conservan sus colores brillantes. Pero también ha sido gracias a la técnica encáustica, o encausto, empleada para terminar esta pequeña obra.
La técnica encáustica
La encáustica es una técnica pictórica empleada por primera vez por los egipcios para pintar los retratos de las tumbas funerarias. También se usó en Pompeya y en Roma para las pinturas murales. La técnica, muy resumida, consiste en aplicar una mezcla de cera fundida de abeja y resina de damar en distintas proporciones. Según el material sobre el que vayamos a trabajar. No huele, tarda unos pocos minutos en secar y endurece por completo en unas semanas. Y, como veréis, su durabilidad es increíble, ya que todos estos retratos de los que os vamos a hablar hoy están conservados con esta técnica. La mezcla se calentó y se aplicó rápidamente, antes de enfriar, a la superficie de un panel de madera con un cepillo y herramientas, dejando en la superficie distintas texturas.
La encáustica tiene propiedades similares a las de los barnices. Dando un brillo y saturación de color excepcional. Pero el acabado es cálido y con un brillo muy especial, similar al del brillo de la piel humana. Y no necesita la protección de vidrio para su exhibición.
Pero ahora vamos a centrarnos en Isidora, este maravilloso retrato que ha inspirado nuestra última reproducción.
Isidora
Una mujer madura nos mira desde este retrato de momia romano-egipcia. El nombre de la mujer, Isidora (ICIΔOPA). Está escrito en griego con pintura negra en el hombro superior derecho de las envolturas de la momia.
La dama lleva un elegante peinado trajano fuertemente trenzado y con rizos, muy de moda a principios de la década de los 100 d.C. Su cabello está envuelto en un moño trenzado asegurado con un alfiler de oro, a modo de horquilla, en la parte superior de su cabeza. Y otro pequeño adorno plateado para el cabello (pintado en varios tonos de gris) se puede ver a la izquierda. Sobre su frente hay una corona de oro grande e impresionante, con un diseño central que quizás tenga un significado religioso. Los rizos enmarcan su rostro y los mechones, en forma de sacacorchos, caen frente a sus orejas de acuerdo con un estilo popular durante los últimos años del siglo I d.C. El análisis de carbono 14 del lino lo data entre el 43 a. C. – 122 d. C., lo cual concuerda con estos rasgos estilísticos.
El maravilloso retrato de Isidora
La superficie del panel del retrato nos deja ver pequeñas marcas de pincel y del uso de una pequeña herramienta para aplicar y manipular la encáustica. El artista también agregó sutiles líneas alrededor de su cuello, los llamados “anillos de venus», para acercarnos a la realidad de la edad de Isadora. Y al aplicar la encáustica en estos pliegues del cuello realizaría un movimiento en zig-zag en la cera para dar mayor realismo a esa zona. Los labios parecen estar creados a partir de cuatro tonos diferentes de rojo.
Quería hablaros también de su tono de piel. En comparación con otros retratos de momias de la misma epoca, es mucho más claro. Eso puede ser el resultado del maquillaje o puede ser su tono de piel real. En cualquier caso, indica que se trata de una mujer de clase alta. Alguien que no se exponía mucho tiempo al sol. También, el hecho de que lleve una capa de color púrpura, nos indica que podría tener cierta relación con la realeza.
Todo esto nos habla probablemente de una mujer de mediana edad, sana, bien alimentada y perteneciente. Muy probablemente, a la alta sociedad de la época.
Y ahora vamos a centrarnos en sus joyas
Lleva tres collares unidos en la parte delantera por una amatista engastada en una elaborada montura de oro. El collar de más arriba parece ser de esmeraldas, perlas y cuentas de oro. Gemas típicamente usadas por mujeres de élite en este momento. El collar central está compuesto por placas de oro conectadas. Y el de más abajo, más grande y más elaborado, tiene esmeraldas bastante grandes intercaladas con cuentas cuadradas de oro. Similares a las del collar superior, pero de mayor tamaño. Para dar más realismo a las joyas se han cortado láminas de oro en cuadrados muy pequeños y se ha adherido a la superficie encáustica para dorar las joyas pintadas.
Todo en ella desborda elegancia y sutileza. Pero, como era de esperar, nosotras nos ceñiremos a los pendientes: pequeños y juguetones, que reciben el nombre de crotalias.
Las crotalias
El termino crotalias proviene del vocablo griego krotalos (sencillo instrumento musical compuesto por dos platillos unidos por un cordón). Y recibieron este nombre por el pequeño tintineo que realizaban sus perlas al chocarse con el movimiento de la cabeza. Este modelo de pendiente gozó de mucha popularidad entre las mujeres romanas. Son de pequeño tamaño y con materiales de lujo, como podéis apreciar en la fotografía inferior. Consisten en una barra de oro horizontal sobre la que suspenden tres o cuatro barritas con una perla en cada una. Todas estas barritas están realizadas a base de un entorchado manual.
Sabemos que era una joya muy popular y apreciada por la gran variedad de crotalias que han aparecido en excavaciones arqueológicas. Y también por su frecuente aparición en los retratos de Al Fayum.
Y aquí está nuestra versión de las crotalias romanas. Una serie muy limitada de las que vamos a vender muy pocas unidades. Totalmente realizada a mano en plata y perlas de agua dulce. Estas crotalias son exactamente iguales a las que realizaron los orfebres romanos y egipcios hace más de 2.000 años. Puedes ver los pendientes en nuestra web.
Los retratos antiguos nos permiten retroceder en el tiempo y encontrarnos cara a cara con las personas que vivieron en el Egipto romano hace más de 2.000 años. Congeladas en el tiempo, como fotografías. Estas imágenes antiguas no solo revelan el crisol de culturas que vivieron en Egipto entre el siglo I y el III. Sino que a veces, incluso, nos brindan una conexión más íntima al revelar sus nombres, estatus social y profesión
El mero hecho de que estén pintados les confiere una vibrante novedad tan seductoramente diferente de, por ejemplo, los mármoles y bronces monocromáticos de Grecia y Roma. Tales esculturas, por supuesto, se veían bastante diferentes en el momento de su creación. Ya que la mayoría estaban pintados de colores vivos y muchos habrían tenido incrustaciones de piedras de color. Es sólo el paso del tiempo lo que los ha vuelto monocromáticos y han llegado hasta nosotros sin un ápice de su color original. Lo que hace de esta serie un hallazgo único
Los retratos de momias se utilizan hoy en día como referencias para la etnología antigua y la investigación de la moda, los peinados y las joyas de la época.
Pero, ¿quiénes fueron los artistas, talleres e industrias que los produjeron? Esta fue la pregunta que provocó un viaje asombroso en el estudio de dieciséis retratos funerarios romano-egipcios en la Villa Getty. Un viaje que se convirtió en la colaboración APPEAR.
Los conservadores asociados del Museo Getty, Jeffrey Maish y Marie Svoboda, examinan una radiografía creada por la emisión de electrones de una cubierta de momia que revela detalles pintados que no son visibles a simple vista.
Solo unos pocos de los 1.000 retratos de momias existentes en el mundo se ha sometido a un estudio técnico completo y riguroso. Queda mucho por aprender y descubrir acerca de cada una de estas obras de arte. Y hay muchas pruebas nuevas y emocionantes que esperan ser reveladas sobre las prácticas y la organización de los talleres y los artistas que las produjeron.
Proyecto APPEAR
Esta idea fue el origen del proyecto conocido como APPEAR (Ancient Panel Paintings: Examination, Analysis and Research), que comenzó en 2013.
APPEAR es una colaboración internacional de 26 museos participantes de todo el mundo. Tienen colecciones de retratos funerarios en el que, además, participan como consultores 12 académicos especialistas en la materia.
Se desarrolló una base de datos para recopilar información técnica, científica e histórica sobre estos objetos antiguos.
El objetivo de APPEAR es ampliar los conocimiento de los métodos y materiales utilizados para crear pinturas en la antigüedad. Fomentar la investigación académica y proporcionar un conducto para el intercambio de los descubrimientos técnicos.
Nosotras estamos siguiendo los pasos de toda esta investigación muy de cerca. Porque nos parece apasionante todo lo que rodea estas obras.
Esperamos que os haya resultado entretenida esta lectura sobre las crotalias y nos vemos en unos días de nuevo!
Ya estamos en primavera y, parece que con ella, siempre llegan las bodas. Aunque por supuesto hay muchas bodas que se celebran en otras estaciones del año… Pero para nosotras la primavera trae la nueva temporada y las nuevas colecciones de novia.
Sara Varas Comunicación
Por eso, hoy queríamos compartir con vosotros un maravilloso reportaje que organizó Sara Varas Comunicación (@saravarascomunicacion) hace unos meses. Con ayuda de Celia Conde (@celiaconde_). Y del que estamos verdaderamente orgullosas de haber formado parte. Y no solo eso, sino de haber tenido la oportunidad de compartirlo con otras marcas y personas maravillosas de las que os queremos hablar.
Tulle Rouge Atelier (@tullerouge_atelier)
El vestido de novia que veis en las fotos está diseñado por Arancha Cañadas, fundadora de Tulle Rouge. En este atelier de moda sostenible, podrás crear el diseño con el que sueñas, ya seas novia o invitada. Podeis pedir cita a traves de su web www.tullerougeatelier.com
Fotografía por Marta Gonzalez-Tarrio Gomez (@martagtarrio)
Marta es una fotógrafa especializada en novias que tomó las maravillosas fotos de los looks que lucen con nuestros pendientes y tiara. En su web podréis ver muchas de sus fotografías, tanto de moda como de viajes. Os recomendamos mucho que le echéis un vistazo porque tiene unas fotos increíbles. Os dejamos su web: www.martagtarrio.com
Video por Ruth Carpintero (@_ruthcarpintero)
Ruth Carpintero estudio diseño grafico en la Universidad Complutense de Madrid. Ademas, curso su cuarto ano en la Accademia di Belle Arti di Brera, en Milan. “Percibo la fotografía como una vía de comunicación visual que no solo capta el valor simbólico de algo, sino que es también símbolo del que la hace, creando así un vínculo íntimo con el otro. Intento retratar la forma de mirar de mis modelos de la forma más verdadera, natural y humana posible.“
Os dejamos su web para que veáis su trabajo, no solo de video sino de fotografía. ¡Son un espectáculo! www.ruthcarpintero.com
Maquillaje por Alba Garcia Parejo: @albagparejomakeup
El trabajo de maquillaje y peinado de Alba sin duda nos dejó impresionadas. El precioso semirecogido que le hizo a Alexandra hizo que la tiara Diana luciera preciosa. Y el maquillaje, simple pero perfecto, hizo que los pendientes resaltaran cuidadosamente.
Alba es especialista en maquillaje para bodas y editoriales. No dejéis de visitar su perfil de instagram, estamos seguras que os va a inspirar mucho.
Modelo Alexandra Balarezo: @alexandrabalarezo
Alexandra hizo posible que nuestra tiara Diana y nuestros pendientes Piel de Angel lucieran así de preciosos en todas las fotografías. Ella es modelo de profesión para multitud de marcas y empresas, tanto en Madrid, como en Lima, Perú.
Espacio: @castillodevinuelas_eventos
Por si fuera poco, la sesión de fotos se realizó en un lugar increíble: el Castillo de Viñuelas. Está acondicionado para acoger bodas, fiestas, congresos, reuniones de empresas, convenciones, cursos de formación, y todo ello en un entorno maravilloso. Ya lo podéis ver en las fotos… el lugar era un espectáculo.
Por último queriamos dar las gracias a Sara Varas Comunicación por contar con nosotras para este proyecto tan bonito. Esperamos que os hayan gustado las fotografías y el video tanto como a nosotras.
Dame Julie Andrews, nacida en 1935 bajo el nombre Julia Elizabeth Wells, es una famosísima actriz Británica, cantante y autora. Ganadora de numerosos premios como dos Emmy Awards, tres Grammy Awards, un Academy Award… Fue nombrada Dama por la Reina Isabel II de Inglaterra en el año 2000. Hoy, queremos hablaros un poco de ella, y de sus bodas. Ya que Julie se casó en dos ocasiones.
Boda de Julie Andrews y Toni Walton
Julie Andrews y Tony Walton se conocieron siendo ambos muy jóvenes. Ella tenía 13 años y él 12. Pasados los años, Julie estaba centrada en su carrera como actriz infantil, mientras que Tony lo estaba en su trabajo de escenógrafo.
La pareja se casó el 10 de mayo de 1959. Ambos querían celebrar una boda relativamente discreta en un lugar cercado a su hogar familiar. Por lo que, optaron por realizar la ceremonia en la pequeña iglesia parroquial de St. Mary’s Oatlands, en Weybridge, Surrey. Aunque, como decíamos, quisieron celebrar una boda discreta, la realidad fue que llegó a haber más de 60 reporteros, fotógrafos y camarógrafos de noticieros cuyo objetivo era cubrir el evento. Además, se estima que hubo entre dos mil y tres mil admiradores de la pareja que se congregaron alrededor de la iglesia para conseguir ver a la novia.
El vestido que lució Julie era un impresionante vestido de organza blanco de setenta metros, con capullos de rosa que habían sido diseñados únicamente para ella por Tony Walton, el que sería su esposo. La parte trasera del vestido contaba con 72 botones. El traje se hizo a partir de los diseños de Madame de Rachelle, una amiga de Julie que era costurera teatral.
Después de 3 años de matrimonio, la pareja dio la bienvenida a su hija Emma. Unos años después, en 1967 la pareja firmó el divorcio. Siendo hija de padres divorciados, Julie trató de salvar su matrimonio, sin éxito. Andrews confeso: “Sadly, I separated from my lovely first husband. The marriage was over and my head was so full of clutter and garbage.” – “Lamentablemente, me separé de mi adorable primer marido. El matrimonio había terminado y mi cabeza estaba tan llena de desorden y basura”.
Su matrimonio con Blake Edwards.
Julie reconoció que su historia con Blake fue “una verdadera historia de amor”. La pareja se casó en 1969, diez años después de verse por primera vez de forma casual fuera de la oficina de un terapeuta.
Ambos se divorciaron de sus primeros cónyuges en 1967 y comenzaron a salir poco después. Su matrimonio creó una familia que incluía a la hija de Andrews, Emma, y a los hijos de Edwards, Jennifer y Geoffrey. Más tarde adoptaron a dos niñas, Amy y Joanna, de Vietnam, en 1974 y 1975, respectivamente.
La pareja se casó en una ceremonia privada en su casa, por lo que no se tiene mucha información acerca de este evento.
Lamentablemente, Edwards falleció en 2010 como consecuencia de un ataque de neumonía. Andrews llamó a su matrimonio una «historia de amor». Cinco años después de su muerte, le dijo a la presentadora de Good Morning Britain, Kate Garraway, que todavía estaba luchando con la pérdida.
Julie Andrews.
A día de hoy, Julie sigue trabajando en numerosas películas y series dando voz a los personajes. Por ejemplo, en 2017 fue la voz de Marlene Gru, en la película de Gru, Mi Villano Favorito 3. Y su último trabajo en 2020, dando voz a la narradora Lady Whistledown en la serie Bridgerton. ¿Cuál es vuestro trabajo favorito de la actriz?
Hoy queríamos hablaros de una iniciativa que nos ha parecido super interesante. Sobre todo en los tiempos que corren, donde es quizás más complicado poder disfrutar de una biblioteca. Se trata de la Fundación Cervantes Virtual. Aunque fue fundada hace muchos años, queríamos contároslo hoy porque nos parece un recurso muy útil. Tanto para personas amantes de la literatura y los libros, como para estudiantes de colegio y de universidad.
¿Qué es la Fundación Cervantes Virtual?
Se trata de la primera biblioteca virtual en lengua castellana, que posee la mayor colección de contenidos culturales en español de internet. Podrás encontrar contenido tanto de autores españoles como iberoamericanos.
Fue creada por iniciativa de la Universidad de Alicante y con el patrocinio del Banco Santander y la Fundación Marcelino Botín en 1999. Actualmente está gestionada por una fundación que preside Mario Vargas Llosa. La idea original del proyecto la concibió Andrés Pedreño Muñoz, rector de la Universidad de Alicante en ese momento, inspirándose en el concepto de biblioteca digital de algunas universidades estadounidenses.
¿Qué podemos encontrar en la biblioteca virtual Miguel de Cervantes?
En esta biblioteca podrás encontrar infinidad de libros y escritos de multitud de áreas diferentes. Desde libros de arte, historia, literatura, hasta archivos, la biblioteca americana, y literatura infantil y juvenil. Cada una de las áreas ofrece un importante catálogo de autores, títulos, personajes, temas y otros materiales. Para que os hagáis una idea de todo lo que podéis encontrar: en 2011, su catálogo tenía nada menos que 198.000 registros bibliográficos, de los cuales unos 60.000 eran libros.
Además, cuenta con una hemeroteca multimedia donde encontrarás imágenes, una videoteca y una fonoteca. En esta fonoteca, hay una gran cantidad de audiolibros para que disfrutes de los mejores escritos sin necesidad de leerlos.
Areas de interés.
Todos los escritos están catalogados en diferentes áreas, siendo estas las siguientes:
¿Qué os ha parecido la biblioteca virtual Miguel de Cervantes?. ¿La conocíais?. A nosotras nos ha encantado descubrirla y estamos seguras que va a sernos muy útil para conocer mejor la historia de las épocas de nuestras joyas.
Hoy volvemos con una famosa boda: la boda de Mikk Jagger y Bianca. Nos vamos a centrar un poco en el vestido y en cómo el traje de boda de Bianca Jagger allanó el camino para futuras modas en novias.
¿Quiénes son Bianca y Mikk?
Todos conocemos seguramente a Mikk Jagger. Sir Michael Philip Jagger nació el 26 de julio de 1943 en Dartford, Kent, Inglaterra. A lo largo de su vida se le ha conocido por ser cantante, compositor, actor y productor de cine. Se ganó la fama mundial como cantante principal y uno de los miembros fundadores del famosísimo grupo los Rolling Stones. La carrera de Jagger se ha extendido por más de cinco décadas y ha sido descrito como «uno de los testaferros más populares e influyentes en la historia del rock & roll».
Por otro lado, Blanca Pérez-Mora Macías, más conocida a día de hoy como Bianca Jagger, nació el 2 de mayo de 1945 en Nicaragua. Bianca estudió ciencias políticas en París gracias a una beca. También fue actriz y, a día de hoy, es una reconocida defensora de los derechos humanos. Estuvo influenciada Gandhi y su éxito sin violencia, y por la filosofía oriental en general. Esto le hizo viajar mucho por la India.
CREDIT: MANCHESTER DAILY EXPRESS/SSPL/GETTY IMAGES
La pareja
Bianca y Mikk se conocieron gracias a un amigo en común en una fiesta después de uno de los conciertos que los Rolling Stones dieron en Francia en septiembre de 1970. Desde que se conocieron se hicieron inseparables y se enamoraron rápidamente. Se dice que Bianca era tan parecida a Mikk que era imposible que no se enamoraran.
El 12 de mayo de 1971, cuando Bianca tenía cuatro meses de embarazo, la pareja decide casarse en una ceremonia católica en Saint-Tropez (Francia). Eso la convierte en la primera y única esposa del cantante.
Boda de Mikk Jagger y Bianca
Bianca ya empezaba a convertirse en una de las it girls más influyentes de la década de 1970. Fue musa y confidente de Andy Warhol. Es por esto que, cuando salió del juzgado de Saint-Tropez vestida con una maravillosa falda color marfil de corte al bies de Yves Saint Laurent y una chaqueta smoking a juego sin nada debajo, con un sombrero de ala ancha con velo, no es extraño que causara un auténtico frenesí mediático. Siendo considerado uno de los looks más icónicos de todos los tiempos. En ese momento recordemos que estaba embarazada de cuatro meses, pero el corte de la falda ocultaba ligeramente la barriga.
Al terminar la ceremonia, la pareja se trasladó en un espectacular Bentley al Café Des Arts, lugar donde se celebró la recepción. Acudieron invitados de renombre como Sir Paul McCartney, Keith Richards, Eric Clapton, Brigitte Bardot y Julie Christie. Después de la cena, donde no faltó el caviar y el champán, se trasladaron al Hotel Byblos para continuar con la fiesta. Fue en este mismo hotel, en la suite Luna de Miel donde la pareja se hospedó.
La boda de Mikk Jagger y Bianca ha pasado a la historia como una de las bodas más elegantes y hedonistas del Siglo XX.
La ruptura de la pareja
Ser la mujer de Mikk Jagger no sería nada fácil para Bianca. La única hija de la pareja, llamada Jade, nació el 21 de octubre de 1971 en París, Francia. Y tan solo unos años después, en 1978 sus padres se divorciaron.
La infidelidad fue una especie de sello distintivo del matrimonio de los Jagger. Sin embargo, el final del matrimonio llegó a más de un año de la relación de Mick con el modelo Jerry Hall. Bianca demandó el divorcio por adulterio. Bianca confesó más tarde «Mi matrimonio terminó el día de mi boda”.
La pareja a dia de hoy
Bianca nunca se volvió a casar y se desconoce su estado civil actual. Durante las últimas décadas, ha centrado su energía en las causas sociales, con un énfasis particular en los problemas que afectan a su país natal: Nicaragua.
Por su parte, Jagger y Hall tuvieron cuatro hijos a lo largo de su relación, que finalmente llegó a su fin en 1999 después de varias décadas. Actualmente, el músico está saliendo con la ex bailarina Melanie Hamrick, con quien comparte un hijo de 4 años llamado Deveraux.
¿Qué os ha parecido el vestido de Bianca? Contadnos que nos encantará saber vuestra opinión sobre cualquier aspecto de la boda de Mikk Jagger!
Con motivo del día del padre, que se celebra este viernes 19 de marzo, hemos pensado contaros la historia de cómo surgió este día tan señalado.
¿Cuándo surgió el Día del Padre?
El “Día del Padre” surgió el 19 de junio de 1909 en Estados Unidos cuando una mujer llamada Sonora Smart Dodd quiso homenajear a su querido padre, Henry Jackson Smart. Este era veterano de la Guerra Civil, y había quedado viudo muy joven, al fallecer su esposa en el parto de su sexto hijo. Sonora fue la única hija y tuvo que encargarse de la crianza y educación de sus seis hermanos, incluido el recién nacido.
Un día cuando escuchaba un sermón en la Iglesia, en el que hablaban sobre el día de la madre, pensó que debería también existir un día para conmemorar la labor de los padres. Es por ello que propuso el día del cumpleaños del suyo, el 5 de junio. En su lugar, la Alianza eligió el tercer domingo de junio.
Es por ello que, el primer día del padre de Estados Unidos se celebró en Spokane Washington así en su honor el 19 de junio de 1910.
En 1916 el entonces presidente Wilson enviaría un telégrafo a esta ciudad elogiando los servicios del día del padre.
Dos presidentes intervinieron en hacer realidad esta fiesta: en 1924 el presidente Calvin estableció oficialmente el Día Nacional del Padre y en 1966 el presidente Lyndon Johnson proclamó el tercer domingo de junio como Día del Padre en los Estados Unidos.
El día del padre en diferentes países.
Esta festividad en los países de origen católico se celebra el 19 de marzo, coincidiendo con el día de San José.
Otro dato curioso es que, en toda Escandinavia, la tradición del Día del Padre se adoptó en la década de 1930. Originalmente se utilizó la fecha estadounidense, pero en 1949 los países nórdicos decidieron trasladarla al segundo domingo de noviembre. Esto fue en parte para colocarlo a medio año del Día de la Madre, pero también se eligió para aumentar las ventas en un período comercial tranquilo antes de Navidad.
El único país que no se alineó fue Dinamarca. Se olvidaron de informar al público y a la prensa sobre el cambio de fecha, por lo que el Día del Padre se mantuvo el mismo día que el Día de la Constitución.
Pero sea cual sea la fecha lo importante es que existe un día especial para recordar a los padres cuanto les queremos y cuanto les agradecemos su entrega y su amor.
Joyas para hombres
La verdad es que casi no tenemos reproducciones de joyas históricas para hombre. Y como hoy queríamos dedicarle el post a ellos, hemos pensado que lo mejor sería contaros la historia de los gemelos.
¿Dónde nace este complemento tan masculino que en los últimos años las mujeres hemos adaptado a nuestra forma de vestir?
¿Cómo surgieron los gemelos?
El origen de los gemelos se remonta al siglo XVII. Surgieron cuando los hombres querían algo más elegante para sus camisas que cintas o corbatas para sujetar los puños. Los hombres comenzaron a usar pequeñas cadenas que se sujetaban al final de un botón de oro o plata. Y se pasaban por los orificios del brazalete para mantenerlos unidos. ¡Así nacieron los gemelos!
En su origen eran piezas bastante caras que no todo el mundo podía permitirse. Pero al llegar la Revolución industrial, la producción de gemelos se disparó y era más asequible realizarlos. Esto permitió fabricar una mayor variedad de gemelos.
La crisis y el auge de los gemelos
A finales del siglo XX, la industria de los gemelos tuvo un período de recesión. Los fabricantes de camisas comenzaron a realizarlas con botones en los puños. Esto no dejaba cabida a los preciosos gemelos. Pero eso no desanimó a las grandes empresas de joyería, como Tiffany y Cartier. Todos sabían que los gemelos habían llegado para quedarse.
A día de hoy el gemelo se ha convertido en un elemento de moda muy utilizado tanto por hombres como por mujeres. Podemos encontrarlos en cualquier forma o estilo y para todo tipo de vestimentas. Desde plata, oro, seda, nácar, ónix, oro blanco y mucho más.
