Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
Hoy queremos hablar de una tiara. Se trata de la imponente e impresionante tiara Strathmore, que tanto nos ha gustado. Y además, corren varios rumores sobre por qué lleva tanto tiempo sin ser usada y os los queremos contar. Desde luego a nosotras nos parece increíble que lleve sin usarse más de 80 años con lo preciosa que es.
Reina Elizabeth, La Reina Madre.
Lady Elisabeth Bowes-Lyon se casó con el duque de York el 26 de abril de 1923. Para conmemorar la ocasión, su padre, el decimocuarto Conde de Strathmore, le regaló una encantadora tiara montada en plata y oro en forma de guirnaldas de rosas salvajes.
La tiara Strathmore.
En el lenguaje de las flores, la rosa representa el amor, y el conde seguía una larga tradición cuando hizo su elección. La duquesa la usó en la frente para sus retratos de boda. De una manera que ahora evoca conmovedoramente esta época de la historia.
La reina Elizabeth, además de la tiara poseía una serie de hermosas joyas, que incluían un bandeau de diamantes y piedras de colores fabricado por Cartier en 1926. Sin embargo, difícilmente se le habría ocurrido que, no solo tendría la oportunidad de llevar las joyas más imponentes de la Royal Collection, sino que, en su futuro como reina, estas joyas serían muy importantes para su reinado.
En la foto de abajo podemos ver a la Duquesa de York, poco después de su matrimonio en 1923. Podemos verla luciendo un collar de perlas de tres hileras y la tiara sobre la que hoy hablamos: la tiara Strathmore. La duquesa lleva un peinado corto que estaba muy a la moda Y lo acompaña usando la tiara sobre la frente, en lugar de sobre la coronilla.
La tiara Strathmore tiene forma de guirnalda de rosas silvestres y está engastada con diamantes en forma de rosas. Se sabe que la joya se guardaba dentro de un estuche de cuero ajustado de Catchpole & Williams, de 510 Oxford Street. Quienes eran conocidos por comerciar con joyas antiguas.
La tiara parece datar de finales del siglo XIX y, probablemente, no era nueva cuando el Duque se la regaló a su hija. No obstante, la elección del Conde fue bastante apropiada para una novia; como hemos mencionado antes, en el lenguaje de las flores, las rosas representan el amor. La joya tiene dos monturas separadas, una para usar a modo bandeau y otra para utilizarla de forma tradicional en la parte superior de la cabeza.
Los rumores sobre la tiara Strathmore.
Como muchas otras tiaras de los años 20, esta inicialmente se usaba baja en la frente. Esta tiara es una pieza que permanece en las bóvedas de Windsor pero que no se ha visto en público en años. Algunos expertos argumentan que el motivo es porque, a día de hoy, casi nadie utiliza las tiaras colocadas de esa manera. Pero existen imágenes de la reina madre con la pieza encima de la cabeza y, como hablábamos antes, tiene una montura para utilizarse en la parte alta de la cabeza. Con lo cual podríamos pensar que ese no es exactamente el motivo por el cual no está siendo utilizada en público.
Otros rumores dicen que la tiara Strathmore está en tan malas condiciones o es tan frágil, que no se puede usar. Pero, la tiara se exhibió en 2002 y dicen que no se veía que estuviera en mal estado. ¿Vosotras qué pensáis? Contadnos en comentarios que estaremos encantadas de leeros.
Ya estamos terminando el mes de abril y no os hemos hablado de la piedra del mes. Pero tenemos nuestro motivo. Y es que, en 1912, la Asociación Nacional de Joyeros creó la lista oficial de piedras de nacimiento y eligió al diamante como única gema para el mes de abril. Y, como ya sabéis, nosotras no trabajamos con diamantes. En su lugar trabajamos con circonitas.
Así que le habíamos dado muchas vueltas al tema sobre el que hablaros en abril. Al principio pensamos en hablaros de la circonita, nuestro particular diamante. Pero finalmente, para mantener el diamante como piedra de abril hemos decidido hablaros sobre los cortes de diamante a lo largo de la historia.
El diamante en la Epoca Romana
Los diamantes se han engastado en joyas desde la época de los romanos. Y, a lo largo de la historia, han sido muy apreciados por considerarse que tienen todo tipo de propiedades y poderes. Incluidos los mágicos, medicinales y talismánicos. En la época medieval, el uso de diamantes aparentemente podía prevenir las plagas. E, incluso, el diamante en polvo era considerado que servía como un potente veneno.
Edad Media
Durante la Edad Media y hasta bien entrado el siglo XVI, los cristales de diamantes sin pulir se colocaban en anillos de oro. Y, es curioso, que se usaban para escribir mensajes en los cristales de las ventanas. Conocidos como «diamantes puntiagudos», estos cristales octaédricos se engastaron con la punta de pirámide natural de cuatro lados sin pulir sobre la parte superior de la montura de oro. Además, poseían una propiedad inigualable: nunca se desgastaban.
El método más básico para facetar un diamante era el conocido “corte de mesa», simplemente un cristal octaédrico sin pulir con la parte superior esmerilada en un cuadrado. A veces también se eliminaba la punta opuesta del cristal, creando una faceta más pequeña en la parte posterior de la piedra, conocida como culet. El corte de mesa reinó a lo largo de los siglos XVI y XVII. Lo que no sorprende, considerando las dificultades técnicas para pulir un diamante con las herramientas primitivas que tenían disponibles en aquella época.
Siglo XVIII
Los pulidores de diamantes de Ámsterdam y Amberes experimentaron con métodos de corte más complejos ya en el siglo XV. Y fue en Holanda donde surgió gradualmente un nuevo estilo de tallado. Conocido como el “corte de rosa», la corona o parte superior del diamante se cortó en una serie de facetas triangulares geométricas, mientras que el pabellón o parte inferior de la piedra se dejó plano.
Los diamantes rosas se hicieron extremadamente populares a lo largo de los siglos XVIII y XIX. Aunque tienden a parecer más bien grises en comparación con los diamantes de corte más complejo. Fueron engastados invariablemente en plata en bandas bien cerradas conocidas como collets. Se prestaron maravillosamente a los muchos diseños de joyería de moda durante este período: diademas, pinzas, pendientes girandole y anillos de racimo naturalistas. A veces, los diamantes rosas estaban revestidos con papel de aluminio plateado para intensificar su brillo.
En la foto de arriba podemos ver cómo un miembro del gabinete de Botswana sostiene un diamante en Gaborone, Botswana, el 16 de junio de 2021. La firma de diamantes de Botswana Debswana dijo el 16 de junio de 2021 que había desenterrado una piedra de 1.098 quilates. Que describió como la tercera más grande de su tipo en el mundo. La piedra, encontrada el 1 de junio de 2021, fue mostrada al presidente Mokgweetsi Masisi en la capital Gaborone.
A mediados del siglo XVIII, la sociedad comenzaba a disfrutar de los beneficios del aumento de la riqueza. Socialmente, esta prosperidad significó que damas y caballeros de la nobleza y una floreciente clase media estaban deseosos de vestirse y encontrarse en los bailes, el teatro y las recepciones celebradas en sus espléndidas casas nuevas y fincas. Aquí podían presumir el último vestido de Londres y París complementado con deslumbrantes tiaras, joyas de ramillete y pendientes de candelabro montados con diamantes de talla brillante. El nuevo estilo de pulido que, por primera vez, mostró los diamantes en su mejor versión.
Un brillante moderno se compone de cincuenta y ocho facetas perfectamente proporcionadas. Pero los brillantes antiguos a menudo son bastante desproporcionados y tienen forma de cojín. Sin embargo, el impacto de un broche de diamantes facetados de Georgia lucidos a la luz centelleante de los candelabros fue impresionante. Convirtiendo al diamante en la piedra preciosa más deseada y valiosa de la «Era de la piedra facetada».
Siglo XIX
El descubrimiento de yacimientos de diamantes en Sudáfrica en la década de 1870, especialmente en Kimberley. Y, posteriormente, en el suroeste de África, llevó a que cientos de miles de quilates entraran en Gran Bretaña y Europa occidental. En una economía en auge en la que una sociedad más próspera poseía los ingresos disponibles necesarios para comprar joyas, la mayoría de los principales pueblos y ciudades de Gran Bretaña contaban con varias familias de joyeros que atendían las necesidades del público.
En la década de 1890, las joyas de diamantes podían ser bastante modestas (broches de racimo simples, medias lunas, estrellas, brazaletes de línea y anillos de medio aro que se vendían por mucho menos de 100 libras). O mucho más grandes, como Goldsmiths & Silversmiths Company que vendía coronas y collares de diamantes por más de 1000 libras. El tema subyacente era la disponibilidad. Los diamantes eran asequibles y costosos: a finales del siglo XIX era posible comprar una gran cantidad de diamantes a algún proveedor de Londres en no menos de 23 tamaños diferentes.
Siglo XX
La producción en masa condujo inevitablemente a una mejora en el corte de diamantes. Y, a principios del siglo XX, la introducción del platino revolucionó tanto el diseño de joyas, como la realización técnica de montar piedras con el engaste mínimo visible. Los cortadores de diamantes experimentaron con muchas formas diferentes (baguettes, tallas esmeralda, marquises y briolettes, por nombrar solo algunas). Y su brillo evolucionó hasta convertirse en la piedra redonda simétrica perfectamente proporcionada que exhibe el brillo único tan familiar para nosotros a día de hoy.
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Si te perdiste la piedra del mes de marzo, te dejamos el post para que puedas leerlo aquí. Nos vemos el mes que viene con una nueva piedra preciosa.
Ava Gardner interpretó a «The Barefoot Contessa» en ellos, mientras que Elizabeth Taylor fue «Cleopatra». Grace Kelly se casó con el Príncipe Rainiero en ellos. Las primeras damas, desde Mamie Eisenhower hasta Hillary Clinton, los usaron. Muchas estrellas y miembros del coro en Broadway se pavonearon en ellos. Y las mujeres de todo el país se enamoraron de ellos. Desde los mules con incrustaciones de lentejuelas y perlas de Taylor hasta los elegantes y clásicos zapatos de salón para mujer, estos son los zapatos de David Evins.
En el siglo XXI, los nombres de los diseñadores de zapatos, desde Jimmy Choo hasta Manolo Blahnik, surgen fácilmente en las conversaciones. Pero los diseñadores de zapatos no siempre disfrutaron de tanta notoriedad, ni los zapatos siempre tuvieron tanta prevalencia en el armario de una mujer.
David Evins
Evins (1907-1991) fue el primer diseñador de calzado estadounidense en recibir reconocimiento. Y logró hacerse un hueco en el segmento superior de este mercado. Los clientes que tradicionalmente viajaban a Europa en busca de calzado de moda encontraron los exclusivos zapatos hechos a medida de Evins en Nueva York. Evins, conocido por su comportamiento y discreción tranquilos y elegantes, se encontró profesional y socialmente bienvenido por la élite de la clase alta.
El cliente de Evins abarcaba más que miembros de la alta sociedad, estrellas de cine y primeras damas. Su público objetivo más amplio eran las mujeres que compraban en los grandes almacenes de alta gama. Cuando Evins comenzó en la industria del calzado, los grandes almacenes tenían la mayor influencia de estilo sobre las mujeres estadounidenses. Tiendas como I. Miller, Bergdorf Goodman, I. Magnin y Saks Fifth Avenue dictaron el éxito de los diseñadores y dominaron al público estadounidense. La línea comercial de Evins se vendía en estas tiendas a las mujeres adineradas de finales de los años 40 y 50.
Evins diseñó zapatos para la mujer moderna antes de que emergiera como la mujer moderna. Si bien eran zapatos caros, las mujeres de clase media y trabajadoras ahorraron para comprar en su línea comercial. El primer par de Evins se vendió en 1946 por $100, lo que, aproximadamente eran la friolera de $861,051 en el año 2008. Mientras que la mujer blanca estadounidense de clase media pasó de ser un ama de casa cerrada a una mujer trabajadora independiente, los zapatos Evins mantuvieron su popularidad. Para ellos, sus zapatos eran de alta calidad, cómodos, elegantes y el artículo «imprescindible» para su armario. La mujer trabajadora ganó posición social y se convirtió en el principal cliente de Evins.
Quién fue David Evins.
La historia de Evins es la historia del sueño americano. La suya es la historia de un niño judío pobre que llegó a los Estados Unidos con muy poco y ascendió hasta convertirse en uno de los principales diseñadores de calzado de moda del siglo XX. Influyendo en lo que vestían millones de mujeres. En 1907, David Evins nació como David Levin en Yanislik, Lituania. La familia Levin se mudó a Londres poco después y su padre comenzó a trabajar como peletero, vendiendo suministros a los mineros de diamantes en Sudáfrica. En ese momento, Sudáfrica era una colonia del Reino Unido y Leopold Levin pasaba nueve meses al año viajando de Inglaterra a Sudáfrica para mantener a su familia.
A la edad de trece años, el padre de Evins perdió su trabajo y su familia emigró a los Estados Unidos. La familia de cinco integrantes, Leopold, Sarah, David, Leo y Francis, llegó a Ellis Island el 12 de julio de 1920 después de partir de Southampton, Inglaterra. Se establecieron en Brooklyn. Leopold encontró trabajo como vendedor, Sarah siguió trabajando como ama de casa y los niños asistieron a la escuela pública. La familia se convirtió oficialmente en ciudadana estadounidense en 1923.
Pero, cómo surgió el cambio de nombre de Levin a Evins?. Levin era un nombre judío de Europa del Este. Sintiendo que Levin era demasiado étnico, dejó caer la «L» y agregó una «S», convirtiendo «Levin» en «Evins». Quería ser más accesible para el público y sintió que convertir su nombre en inglés lo pondría más en línea con la corriente principal de Estados Unidos. El deseo de Evins de anglicanizar su nombre provino del prejuicio de la época.
Cómo se convirtió Evins en diseñador de calzado.
Después de terminar la escuela pública, Evins comenzó a estudiar en la Universidad de Nueva York, donde se graduó en una Licenciatura en Ciencias de la Facultad de Artes y Ciencias Puras en 1934. Después de la Universidad de Nueva York, continuó su educación e interés en el arte en la Art Students League, una escuela de arte en Nueva York. Mientras estuvo allí, recibió una beca para asistir al Pratt Institute.
Fundado en 1887 por Charles Pratt, el Instituto Pratt sirvió para capacitar a las personas en “oficios mediante el uso hábil de sus manos”. Fue aquí donde Evins comenzó a enfocar sus habilidades como ilustrador de moda “porque siempre tuve aptitudes para dibujar, diseñar, no sabía lo que iba a diseñar. . . e ilustrando.” Después de Pratt, Evins decidió seguir una carrera como ilustrador comercial.
Empezó como freelance para varios diseñadores y publicaciones; ilustrando toda una gama de artículos, desde accesorios hasta ropa. Hizo bocetos para revistas, desde Harper ‘s Bazaar hasta Vogue. También trabajó para fabricantes; ilustrando anuncios y copiando los últimos estilos.
Es curioso como Evins se convirtió en diseñador de zapatos. Fue trabajando para una de las revistas de moda, que a Evins se le ocurrió, por primera, vez esta idea. Después de esbozar una serie de anuncios de zapatos para la publicación, comenzó a modificarlos, agregando correas y lazos donde quería. Sus “mejoras” llamaron la atención de la empresa que colocó el anuncio y Evins fue despedido con la sugerencia de que si quería diseñar zapatos, debería conseguir un trabajo diseñando zapatos. 11 Los cambios en los diseños le costaron su trabajo, pero lo empujaron en la dirección de diseñar calzado.
Poco después del incidente, una revista de calzado lo llamó y lo contrató para un trabajo de tres años. “Caminaba por las tiendas, miraba los escaparates, dibujaba los zapatos y luego… tenía una fecha límite que cumplir.” Pronto se cansó del proceso repetitivo sin una salida artística real. Cuando terminó el trabajo, Evins se sintió listo para dar el siguiente paso en su carrera.
McGee Patterns, Inc.
Fue entonces cuando Evins llegó a McGee Patterns, Inc., una casa de patrones de zapatos propiedad de Max McGee y operada por él. La empresa se especializaba en hacer patrones y hormas para zapatos. Las hormas son una forma de pie hecha de madera o, después de la década de 1950, de plástico, alrededor de la cual se forman los zapatos. Los patrones estaban hechos de cartón con latón alrededor de los bordes.
En McGee’s, Evins comenzó a encontrar su lugar en la industria de la moda. Más tarde dijo: “Ahí es donde realmente aprendí los fundamentos de la fabricación de zapatos, debido a los bocetos de los zapatos y la elaboración de los patrones…” Evins se aventuró en las fábricas y aprendió a hacer zapatos. También hizo contactos en revistas de moda y grandes almacenes.
Cuando Evins comenzó su carrera en la industria del calzado, no había títulos oficiales ni programas de educación superior en diseño de calzado. La mayoría de los diseñadores de calzado llegaron a su oficio a través de aprendizajes o, como hizo Evins, a través de la capacitación en el trabajo. La idea de un diseñador de calzado era un concepto nuevo y la mayoría en la industria aún se conoce como zapateros.
Evins llegó a la industria del calzado estadounidense en un momento interesante. Ya que la industria del calzado fue una de las primeras grandes industrias del país. El gobierno ayudó a la primera industria del calzado estadounidense al establecer una serie de aranceles en el siglo XIX para ayudar a las ventas del país. A pesar de los aranceles, las importaciones continuaron llegando a los Estados Unidos.
La moda francesa estaba tan de moda que, a mediados del siglo XIX, los fabricantes y minoristas estadounidenses crearon etiquetas para inferir que sus zapatos procedían de Francia. Además de que la moda francesa era el estándar superior, muchos de los zapatos fabricados en Estados Unidos a principios del siglo XIX eran de mala calidad. Los fabricantes usaban materiales baratos y no estaban familiarizados con el producto. Debido a la depresión económica de finales de la década de 1830, la industria del calzado se vio obligada a utilizar productos de mayor calidad para competir con los fabricantes extranjeros.
El cambio en la industria.
La industria del calzado estadounidense recibió un impulso con la revolución industrial. Las máquinas que manejan cada paso del proceso de fabricación de calzado estuvieron disponibles. Alrededor de 1855, el entorno de trabajo estilo cabaña pequeña comenzó a desaparecer y se establecieron fábricas en ciudades más grandes. Todas las máquinas ayudaron “a la capacidad del mercado estadounidense para producir en masa y exportar económicamente una variedad de calzado cosido de calidad”. Los avances de la maquinaria llevaron a que se produjeran más zapatos en los Estados Unidos y, como resultado, se importaron menos zapatos y comenzó la exportación de zapatos.
A principios del siglo XX, Estados Unidos ocupaba el liderazgo en la industria del calzado confeccionado de clase media y baja. Los fabricantes extranjeros interesados en competir en la industria, como Alemania e Inglaterra, “tenían que comprar o alquilar las máquinas y la tecnología a los titulares de las patentes”, que en su mayoría eran estadounidenses.
El cambio en la moda.
Los estilos de zapatos de mujer se mantuvieron estáticos hasta el siglo XX. La bota y la zapatilla habían reinado durante mucho tiempo como el único calzado aceptable para las mujeres. El calzado a lo largo de la década de 1910 se mantuvo en color neutro y en su mayoría oculto debajo del dobladillo aún largo de los vestidos. Sin embargo, con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, aumentaron las líneas del dobladillo. Las botas se convirtieron en el calzado de elección, ocultando efectivamente los tobillos de la vista. Después del final de la guerra, la línea del dobladillo continuó su ascenso. Pero las botas ya no eran lo suficientemente largas para ocultar la pierna. Las botas perdieron popularidad y el zapato se convirtió en el artículo de moda en el calzado.
La industria del calzado estadounidense hasta la década de 1920 se centró en los zapatos funcionales confeccionados y solo unos pocos fabricantes producían zapatos de vestir para ocasiones especiales. Ahora que el zapato se ve físicamente, se convirtió más en un artículo de moda. Los fabricantes comenzaron a producir zapatos novedosos que venían en una variedad de colores y estilos.
La moda de los zapatos.
Eran frecuentes los cambios de moda. Los zapatos novedosos cambiaron rápidamente de estilo, lo que alentó a las mujeres a comprar más zapatos, con más frecuencia.
Los rápidos cambios en los estilos crearon “temporadas” en las que se introdujeron diferentes zapatos. Si bien anteriormente existían temporadas para la ropa de moda, era nuevo para la industria del calzado. Las primeras estaciones fueron verano e invierno. Sin embargo, la rotación aumentó y en diez años las temporadas se ampliaron para incluir la primavera y el otoño. Solo tres años después, en 1923, las revistas comerciales de la industria informaron un aumento del número de temporadas a seis.
La Segunda Guerra Mundial también había cambiado el panorama de la industria de la moda estadounidense. Con el desplome de la bolsa de valores en 1929, la riqueza de la nación se secó. El dinero escaseaba y la mayoría de la gente ya no podía pagar las necesidades básicas, y mucho menos los viajes a Europa para comprar la última moda parisina. Además, el gobierno de los Estados Unidos, en un intento de impulsar las ventas, impuso restricciones a la importación de moda que llegaba de París.
La desaparición del mercado francés obligó a los diseñadores estadounidenses a comenzar a emerger de su oscuridad. Cuando terminó la guerra, la industria de la moda estadounidense estaba oficialmente en pie. Los nombres de los diseñadores estadounidenses ahora aparecían en revistas de moda y eran reconocidos en los hogares estadounidenses. En la atmósfera de la posguerra, Francia recuperó su liderazgo en la vanguardia de la moda, pero la moda estadounidense ahora tenía un punto de apoyo firme.
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Qué os han parecido los diseños y la vida de David Evins? A nosotras nos ha fascinado conocer mejor su historia Ya que nos parece un visionario. Las sandalias y zapatos de Evins son piezas únicas que jamás pasan de moda. Nosotras luciríamos encantadas cualquiera de sus diseños.
Bibliografía
Evins, Mathew. Interview with L. Nottingham. New York, 2008.
Associated Press, “Even Shoes Make New of Mrs. Ike,” The Washington Post and
Times Herald, April 30, 1954
Hull, Anne V. “Shoe Styles of the Rich and Famous,” St. Petersburg Times, January
13, 1988
Imagen 1: 1956. Zapatos de David Evins para Grace Kelly
Imagen 2: B Altman & Co. Advertisement, 1974. Image taken from: New York Times, March 10, 1974, pg. 17.
Imagen 3: Shoe sketch, c. 1960 – David Evins (New York) Ink on paper. Image: Fashion Institute of Technology, New York, Special Collections Photo by L. Nottingham.
Imagen 4: Evins Shoe Sketch on a Magazine. Shoe sketch, c.1980s. Pen on paper. Image: Fashion Institute of Technology, New York, Special Collections Photo by L. Nottingham.
Imagen 5: Sandal, 1963. David Evins (1907 – 1991) New York. Gilded wood, metal, and rhinestones. Worn by Claudette Colbert
Imagen 6: Sandal, 1962 David Evins (1907 -1991) New York Leather, wood, beads, rhinestones, and sequins Worn by Lena Horne Image taken from: O’Keeffe, Linda. Shoes: A Celebration of Pumps, Sandals, Sippers and More. New York: Workman Publications, 1996. 44.
El otro día en nuestro instagram (os lo dejo por aquí por si no nos sigues: @vintagebylopezlinares) hicimos una encuesta para saber qué temas son los que más os interesan. Entre ellos, se repitió mucho el tema de la historia. Así que hoy vamos a hablar de una joya histórica de Tintoretto: unos pendientes inspirados en su famosa obra “Venere, Vulcano E Cupido”.
Tintoretto
Jacopo Robusti o Jacopo Comin (1518-1594), más conocido como Tintoretto, fue un pintor italiano, concretamente de Venecia. ¿Sabías por qué se le dio el mote de Tintoretto? Su padre, Battista, era tintorero; de ahí que el hijo recibiera el apodo de Tintoretto, «pequeño tintorero» o «niño de tintoreros».
Casa de Tintoretto en Venecia
Sus contemporáneos admiraron y criticaron la velocidad con la que pintaba y la audacia de cada una de sus pinceladas. Por su fenomenal energía en la pintura, se le denominó Il Furioso («El furioso»). Su obra se caracteriza por sus figuras musculosas, gestos dramáticos y un uso audaz de la perspectiva, en estilo manierista.
Poco se sabe de la infancia o formación de Tintoretto. Según sus primeros biógrafos Carlo Ridolfi (1642) y Marco Boschini (1660), su único aprendizaje formal fue en el estudio de Tiziano, quien lo despidió enojado después de sólo unos días. Se desconoce si fue por celos de un estudiante tan prometedor (según cuenta Ridolfi). O por un choque de personalidades (en la versión de Boschini). A partir de ese momento, la relación entre los dos artistas siguió siendo rencorosa, a pesar de la continua admiración de Tintoretto por Tiziano. Por su parte, Tiziano menospreció activamente a Tintoretto, al igual que sus seguidores.
Me ha parecido muy curioso descubrir que Tintoretto en sus comienzos pintaba de manera gratuita. Se dice que las dos primeras pinturas murales de Tintoretto, realizadas, como otras, casi sin pago, fueron El festín de Belsasar y una batalla de caballería. Ambos han desaparecido hace mucho tiempo, al igual que todos sus frescos, tempranos o posteriores.
Venere, Vulcano E Cupido
“Venus, Vulcano y Cupido” es una obra de Tintoretto que hoy podemos encontrar en la Galleria Palatina di Palazzo Pitti, en Florencia. Antes de centrarnos en las joyas que están representadas en el cuadro, vamos a hablar de la obra en general.
Venere, Vulcano E Cupido
Cuando miramos este maravilloso cuadro, vemos la calidad de la resolución; la ambientación, la perfección en las luces y sombras. Es un cuadro que, a simple vista, llama muchísimo la atención y es considerado una obra maestra. Pero, ¿qué esconde este cuadro?
Los expertos recalcan como Tintoretto nos tiene acostumbrados a esta predisposición. Sus obras no están tratadas en detalle, sino que tienen que apreciarse como un conjunto. Y de hecho, es cierto que si nos fijamos muy en detalle descubrimos una obra con detalles, digamos, imperfectos.
Analizando la obra Venere, Vulcano E Cupido de Tintoretto.
Si analizamos la imagen, descubrimos un dibujo anatómico sin tratar. En el rostro de Venus con una nariz demasiado afilada y puntiaguda, en sus piernas, en la factura del hombro lleno y masculino, en la mano de Vulcano en primer plano quizás demasiado pequeña pero… ¿quién se detiene a mirar estos detalles? El brazo de Vulcano en el fondo es demasiado grande y anatómicamente la rodilla también parece necesitar una restauración urgente, ya que es muy tosca en su fabricación. Pero, ¿quién los nota? Por otro lado, el pequeño Cupido parece tener una cabeza demasiado pequeña y los miembros caídos para la edad que tenía.
Encantadas por la magia de la pintura de Tintoretto, lo último que soñamos con mirar es la anatomía.
Nos llama la atención los colores ocres y rojos que enmarcan la obra. Al fondo, podemos ver la visión de la marina, lúgubre y hermosa. Como si se tratara de una escena completamente diferente a la principal. Y también las pinceladas, firmes y definidas. Las manos, el rostro barbudo y el escaso cabello de Vulcano parecen vívidos y palpitantes en su indefinida hechura que se pierde en las sombras.
Y hablando de las sombras, ¿habéis notado la diferencia de luces y sombras entre Venus y Vulcano? Me ha parecido muy curioso. La presencia robusta de Vulcano se realza con ese estilo pictórico vigoroso y tétrico. Que contrasta completamente con la luminosidad de Venus, con esas sombras casi imperceptibles y con un contraste suave y mínimo. Tintoretto nos habla de sus personajes a través de sus pinceladas y con estas ilustra sus emociones incluso antes de la escena.
La escena de la derecha
Probablemente, el personaje del carro que surca el cielo hacia abajo sea Faetón, el hijo de Apolo y Climene que, para demostrar que era digno de su padre, quiso conducir el carro del sol. El cielo nublado o quizás humeante es el posible resultado del incendio que provocó el inexperto auriga al aventurarse demasiado alto y quemar el cielo, dando lugar a lo que luego se llamó la Vía Láctea.
En la pintura, se representa a Faetón apuntando hacia abajo, habiendo también incendiado Libia, convirtiéndola en un desierto. Luego fue derribado por Júpiter enojado, cerca de Crespino, una ciudad en el río Eridano, el nombre griego del Po.
La escena es una clara advertencia al putto dios del amor Cupido. Su madre Venus y su consorte Vulcano, deberán cuidarlo e instruirlo en sus tareas, evitando que se repitan desgracias similares a aquellas en las que se ha topado el hijo de Apolo, representado en el lateral.
Un hermoso retrato de familia si la mitología clásica no nos dijera que Cupido era efectivamente hijo de Venus, la esposa de Vulcano sino que, como decían los antiguos romanos: “Mater semper Certain Est, pater numquam”, es decir, la madre siempre está segura, el padre nunca.
PD Para los amantes de los misterios, Tintoretto regala uno: la cabeza del auriga pintada en el carro en el cielo que no parece tener nada que ver ni con hombres ni con dioses.
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Nosotras hemos querido reproducir la joya que luce Venus. Hemos realizado unos pendientes en plata dorada con perla de agua dulce. Acompañados de un pequeño rubí o una pequeña esmeralda. Y a juego, sus correspondientes sortijas. También realizadas en plata dorada con una esmeralda o rubí. ¿Cual os gusta mas?
Fueron una de las parejas más queridas de Hollywood y todos sufrimos un poco cuando supimos de su separación. Angelina Jolie y Brad Pitt han sido y serán, aunque ya no estén juntos, una pareja muy querida y admirada. Aunque hoy no vamos a hablar de ellos como pareja, sino del espectacular anillo de pedida que Brad diseñó, junto con Robert Procop, para pedirle matrimonio a Angelina.
Robert Procop
Robert empezó su trayectoria siendo un poco autodidacta. Con tan solo diez años, Robert comenzó a trabajar durante el verano en la planta de ingeniería de su padre. Ahí dedicó sus veranos hasta los quince años. Esto lo convirtió en un ingeniero talentoso en micro-herramientas finas de precisión.
A los dieciséis años, Robert trabajaba en una casa de empeño, aprendiendo sobre los diamantes y sus valores. También le ayudó a aprender cómo intercambiarlos en la industria de la joyería.
Comenzó la universidad, que él mismo pagó con el dinero que había ahorrado en sus trabajos anteriores. En su último año de universidad, Robert abrió Diamonds on Rodeo nada menos que en Rodeo Drive, en el corazón de Beverly Hills. Aquí continuó aprendiendo el arte de las joyas finas. Fue durante este tiempo que obtuvo la primera de sus comisiones presidenciales con el presidente Ronald Reagan. Y sus clientes desde ese entonces han incluido tanto a la realeza como a los jefes de estado.
Robert se convirtió en el primer estadounidense en ser director ejecutivo de Crown Jeweler, sirviendo a Su Majestad la Reina Isabel y cuidando las joyas de la corona en la Torre de Londres. Sus otros encargos reales incluyeron la evaluación de la Corona Real de la India, la fabricación de las Joyas de la Corona de Malasia y la recreación del Collar de María Antonieta. En el camino, Robert desarrolló una reputación de confianza por su calidad y discreción. Y ha tenido el honor de manejar algunas de las mejores piedras preciosas que existen. Incluido el zafiro de Cleopatra, el corazón del rubí del reino y la esmeralda imperial de 665 quilates.
Diseño de anillos de compromiso
El mismo Robert Procop, en una entrevista para HuffPost dijo: “diseñar anillos de compromiso es siempre un privilegio. Siempre es un honor ser parte de una de las experiencias más románticas de la vida de una pareja. Es realmente una bendición”
El anillo de compromiso de Angelina Jolie por Robert Procop
A lo largo de los años, Robert ha trabajado tanto con Angelina como con Brad en el diseño de regalos especiales que se hacían entre ellos. Así como en la creación de joyas únicas para la ex-pareja, tanto dentro como fuera de cámara.
El anillo de compromiso de Angelina, fue diseñado por el mismo Brad Pitt. Tuvo una visión, que compartió con Robert Procop para hacer realidad el anillo perfecto para la que fuera su mujer. La visión de Brad consistía en hacer el anillo perfecto que complementara el estilo y gracia de Angelina. Todos los diamantes fueron facetados para encajar a la perfección en el diseño. Y, como el mismo Robert dijo, no hará otro igual.
Se dice que obtuvo un diamante de la mejor calidad, y el diseño y el proceso de fabricación tardaron un año en completarse con la influencia de Pitt. Se estima que el diamante central tiene unos seis quilates, lo que los expertos consideran que podría haber costado alrededor de $250,000. Se rumorea que el anillo completo costó alrededor de medio millón de dólares.
Brad quería que todos los aspectos del anillo fueran perfectos. Por lo que Robert cortó el diamante en un tamaño y forma personalizados exactos para adaptarse a la mano de Angelina.
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Tradicionalmente, los anillos de compromiso solían seguir una tendencia o dirección. Ahora vemos una aspiración hacia la singularidad, un proceso de diseño reflexivo, más que adherirse a una tendencia o estilo. Parece haber una conciencia hacia la creación de una joya única, tanto en el enfoque de desarrollo como en encontrar la calidad y el valor correctos para una pieza. Además, las alianzas de boda ahora se están diseñando como una joya separada. Aunque generalmente combinan en estilo, ahora tienden a usarse por separado.
¿Qué os ha parecido este anillo? A nosotras nos ha encantado conocer un poco más de su historia. La joya, por supuesto, nos parece fascinante. Con un diseño único y elegante. Contadnos cómo os gustan a vosotras los anillos de compromiso.
Pronto os hablaremos de otra joya de Angelina Jolie: sus pendientes de esmeraldas. En los que nos inspiramos para crear nuestra propia versión.
Empezamos marzo y, con ello, tenemos una nueva piedra de la que hablar: la aguamarina. Que corresponde a los nacidos en Marzo. Os enseñaremos algunas de las aguamarinas más bellas de la historia. Y os mostraremos parte de nuestra colección de pendientes con esta preciosísima piedra.
Piedra de aguamarina.
Es una bonita gema azul verdosa. Forma parte de la familia de los Berilos, como también lo hace la esmeralda. Y debe ese tono azulado a la presencia del hierro en su composición. Su nombre procede del latín “Aqua Marina” que significa “agua de mar”, debido a su característico color azul verdoso.
Las aguamarinas han sido siempre muy apreciadas a lo largo de la historia, a causa de su transparencia y un color puro y delicado.
La aguamarina a lo largo de la historia.
Antiguamente la llamaban “la piedra del marinero” porque estos la llevaban como amuleto para que les protegiera en las tempestades. Una piedra ligada ligada al mar y a los navegantes desde la antigüedad y que evoca la tranquilidad y la seguridad de un mar en calma.
Los antiguos griegos reverenciaban la aguamarina. Estos la usaban a menudo en amuletos protectores, grabados con la imagen de Poseidón, señor de los mares, montando en su carruaje.
Para los antiguos Romanos, la aguamarina era sagrada, por la creencia de que esta piedra azul claro, ofrecía una conexión con Neptuno, el dios Romano de los mares. Esta conexión, la hizo la piedra favorita de los marineros, salvaguardándolos de monstruos marinos y otras penurias que pudieran encontrar en el camino. La piedra también ofrecía prosperidad y aseguraba un retorno a salvo.
En el Antiguo Egipto era costumbre introducir entre las vendas de las momias cuentas de aguamarinas Esto lo hacían para proteger a los difuntos en su viaje al más allá.
Adelantemos el tiempo a la Edad Media. Aquí encontramos que la popularidad de la aguamarina permaneció firme. La piedra era a menudo presentada como obsequio, con la intención de limar asperezas entre viejos amigos y parejas casadas, en desacuerdo.
Piezas exquisitas realizadas con aguamarina.
Hablando de aguamarinas, es imposible no mencionar este exquisito ejemplar de aguamarina tallado en el Periodo Carolingio -en el siglo IX-. Se trata de una aguamarina engarzada sobre un chatón de oro, tallada perfectamente con la imagen de Flavia Julia, hija del emperador Tito. Las aguamarinas tienen una transparencia perfecta y está rodeada de zafiros y perlas. Esta preciosa joya formaba parte de la famosa Pantalla de Carlomagno ((en francés Escrain de Charlemagne).
Julia Flavia
Pero, que era la Pantalla de Carlomagno.
La Pantalla de Carlomagno fue una valiosa obra de orfebrería carolingia donada a la Basílica de Saint-Denis (Francia). Aquí se conservó hasta que fue incautada en el año 1791, y posteriormente fundida durante la Revolución francesa (en el año 1794).
Es considerada una obra única en su género. Consistía en una estructura de oro en forma de pórtico completamente cubierta de piedras preciosas y perlas. Tenía unas dimensiones de 1,10 metros de alto y 82 centímetros de ancho. Se sabe que, en el momento de su destrucción, tenía engarzadas más de setecientas perlas, dos aguamarinas, ocho rubíes, once amatistas, veintidós granates, ciento treinta y cinco esmeraldas y doscientos nueve zafiros. Os podéis imaginar la belleza? Me parece increíble que se destruyera semejante obra de arte…
Pantalla de Carlomagno
A día de hoy, sabemos cómo fue esta maravilla gracias al arquitecto Étienne-Éloi Labarre. Ya que él fue el encargado de dibujar fielmente en una acuarela la estructura y los colores, antes de que fuera destruida en 1794. Esta acuarela se conserva en la Biblioteca Nacional de Francia.
Piedra Julia
Si bien la pieza fue destruida, su remate superior se ha conservado en la Biblioteca Nacional de Francia, en París. Se trata de una gran aguamarina engastada en una montura de oro, rodeada de zafiros y perlas. El conjunto fue realizado en el siglo IX y es de estilo carolingio. Aunque la piedra preciosa fue tallada en el siglo I. Esta piedra se conoce con el nombre de Julia, hija del emperador Tito. Y debe su nombre básicamente porque la mujer representada en ella es Julia Flavia, la hija del emperador romano Tito. Está considerada una de las gemas antiguas más hermosas.
El entalle romano (firmado en la propia aguamarina por el grabador griego Euodos) está situado en el centro de nueve zafiros, seis de ellos coronados por perlas. Solo el zafiro situado en la parte superior está grabado, mostrando en un lado un delfín, y en el otro el monograma de la Virgen María. Todas las piedras preciosas están engastadas en oro; cada zafiro se fija a la pieza central mediante dos granulaciones. Mientras que las perlas se retienen con un clavo de oro y un engarce de pequeñas hojas caladas. Una auténtica maravilla!
Algunas de las aguamarinas más famosas de la historia.
Don Pedro
Se trata de la aguamarina tallada más grande del mundo. La descubrieron en Brasil tres mineros que la dejaron caer por accidente, partiéndola en tres pedazos. El más largo de ellos fue tallado y pulido por el gemólogo Bernd Munsteiner, quien aseguró que al ver la piedra se enamoró de ella, queriendo sacar de ella toda su belleza. Estuvo estudiando el cristal durante cuatro meses y otros seis más puliéndola y tallándola. Hoy la gema Don Pedro está expuesta en el Museo Nacional de Washington.
Eleonor Roosevelt
Casualmente está aguamarina también se encontró en Brasil. Cuando la encontraron pesaba nada menos que 1.3 kilos. La piedra en bruto fue cortada en dos piedras. Una de ellas tiene un corte rectangular y pesa unos impresionantes 1,298 quilates. La Aguamarina Eleonor Roosevelt, se presentó a la primera dama de los Estados Unidos, Lady Eleonor Roosevelt, en 1936, cuando ella y el presidente Franklin D. Roosevelt, visitaron Rio de Janeiro.
La piedra se dio como obsequio a la primera dama por el presidente de Brasil, como símbolo de amabilidad y generosidad hacia su pueblo, y como amuleto para la seguridad de la pareja, durante su viaje marítimo. Hoy en día, se encuentra frecuentemente exhibida en la librería del museo Franklin D. Roosevelt, en Nueva York.
Tiara Kokoshnik de Aguamarina
Esta pieza está formada por cinco aguamarinas ovaladas de gran tamaño, enzarzadas en un soporte de plástico y diamantes. Formando unas celosías verticales que le dan sentido al concepto kokoshnik. Kokoshnik es un tocado tradicional ruso que usan las mujeres y las niñas para acompañar al sarafan. La palabra kokoshnik describe una gran variedad de tocados usados en toda Rusia.
Lo más alucinante de esta joya es su historia. Y queremos contárosla:
Margarita de Connaught, recibió esta espectacular tiara como regalo de bodas de su esposo, el rey Gustavo VI de Suecia. Margarita sufrió una muerte súbita mientras estaba embarazada de su sexto hijo. Esto provocó que sus joyas tuvieran que repartirse entre sus herederos.
La preciosa tiara de aguamarinas fue a parar a manos de su hijo Gustavo Adolfo. Y en consecuencia de la mujer de éste, Sibila de Sajonia-Coburgo-Gotha. La pareja nunca llegó a reinar ya que Gustavo, quien era el futuro rey, murió en un accidente aéreo antes de poder ser coronado. Esto hizo que fuera su nieto, Carlos XVI Gustavo de Suecia, quien tomara el trono en 1973.
Sibila utilizó la tiara Kokoshnik durante toda su vida. Cuando falleció, curiosamente, en lugar de darle la tiara a quien sería el futuro rey, decidió dársela a su primogénita Margaretha. Pero, la abolición de la ley salida en Suecia (en 1980) llegó un poco tarde para la princesa Margaretha. Ya que, su hermano, el rey Carlos Gustavo tuvo hijos varones, que serían sus sucesores. Al verse tan alejada de la posibilidad de ser reina, decidió alejarse de la vida pública y mudarse a vivir a Oxford. Llevándose con ella, por supuesto, la preciosa tiara.
Qué paso con la tiara.
Como son las cosas de la vida que, en un momento dado, la princesa Margaretha tuvo dificultades económicas que la llevaron a verse obligada a vender la tiara. Y, ¿quién fue el comprador? Su hermano, el rey Carlos Gustavo. Aunque hay otras fuentes que dicen que realmente lo que hizo ella es ceder la tiara a la familia real sueca. Reservándose el derecho de utilizarla cuando vuelva a su país. ¿Vosotros qué creéis que ocurrió realmente?
En cualquier caso, la princesa Magdalena la ha lucido en numerosas ocasiones, posando incluso con ella incluso para un retrato oficial.
Vintage by López-Linares
Como veis, la aguamarina es una gema muy apreciada en joyería. No solo por su belleza y color, sino también por su dureza, ya que no se raya con facilidad. La gran variedad de cortes que admite y su luminosidad han hecho de ella una piedra única.
Además, en la Edad Media y en el Renacimiento, las aguamarinas eran símbolo de pureza y salud. Este es el motivo de que se regale un anillo de aguamarinas a las novias el día de su boda. La aguamarina siempre ha sido una piedra semipreciosa muy querida por las mujeres. Esto se debe a su color suave y delicado, y muy favorecedor a cualquier fisonomía femenina. La piedra de aguamarina es aún la piedra favorita entre amados que pasan el tiempo lejos uno del otro.
Os dejamos algunos ejemplos de joyas realizadas con esta magnifica piedra que estamos seguras os van a sorprender. En nuestra tienda online podéis ver una pequeña selección de piezas realizadas con esta preciosa piedra, que tengo que reconocer que es una de mis preferidas.
En el post de hoy queremos hablaros de Battista Sforza y del famoso retrato que Piero della Francesca le pintó. En concreto, os queremos enseñar una joya de nuestra colección. Esta joya la hicimos inspirándonos en todas las joyas que luce la duquesa en este cuadro. Uniendo los diseños de su vestido, joyas y las piedras que utilizaba en ellas. Así, creamos unos pendientes que nos recuerdan a la duquesa.
Quien fue Battista Sforza.
Battista Sforza (1446 – 1472) fue la segunda esposa de Federico da Montefeltro y condesa de Urbino. Battista fue la primera hija legítima nacida de Alessandro Sforza – señor de Pesaro – y de Costanza da Varano, la hija mayor de Piergentile Varano – señor de Camerino, y Elisabetta Malatesta -.
Battista Sforza
En 1447, Constanza murió después de dar a luz a su segundo hijo, un niño llamado Costanzo, cuando Battista tenía 18 meses. Después de la muerte de su madre, Battista y Costanzo junto con sus medias hermanas ilegítimas Ginevra y Antonia, se mudaron a la corte de su tío paterno Francesco Sforza y su esposa Bianca Maria Visconti donde fueron criados junto a sus primos.
Su tío Francesco Sforza fue quien arregló su matrimonio con Federico da Montefeltro, duque de Urbino, quien era veinticuatro años mayor que ella. La boda tuvo lugar el 8 de febrero de 1460, cuando Battista tenía tan solo catorce años. A pesar de su juventud, Battista actuó como regente durante las ausencias de su marido de Urbino. Su matrimonio fue feliz. Es más, Baldi, un contemporáneo, los describió como «dos almas en un solo cuerpo». Federico llamaba a su esposa Battista «el deleite de mis horas públicas y privadas». Además, hablaba con ella sobre temas políticos y ella lo acompañaba a casi todos los actos oficiales fuera de Urbino.
La controversia de la Duquesa Battista Sforza.
A Battista se la nombra en en multitud de ocasiones “La Duchessa d’Urbino”. De hecho, el famoso díptico del que vamos a hablar más adelante, muchas veces se le denomina erróneamente “El Duque y la Duquesa de Urbino”. Sin ir más lejos, en la propia Galería de los Uffizi, dueña de este cuadro, está denominado así.
Pero, ¿por qué no es correcto denominarlo así? Muy sencillo, esto se debe a que Battista nunca alcanzó el título de duquesa. Dado que Battista Sforza murió en 1472 y Federico da Montefeltro no fue nombrado duque hasta 1474. Por lo que, el nombre correcto de este cuadro sería “Díptico de Federico da Montefeltro y Battista Sforza”
El díptico de Piero della Francesca.
Se trata de uno de los retratos más célebres del Renacimiento italiano. El díptico presenta al duque de Urbino, Federico da Montefeltro y a su esposa Battista Sforza. Fue en Urbino donde Piero della Francesca realizó esta obra maestra entre 1465 y 1472.
Federico Montefeltro y Battista Sforza
Siguiendo la tradición del siglo XIV, inspirada en el diseño de las monedas antiguas, las dos figuras se muestran de perfil. Un ángulo que aseguraba una buena semejanza y una representación fiel de los detalles faciales sin dejar traslucir sus sentimientos.
La pareja está frente a frente y el elemento espacial está sugerido por la luz y la continuidad del paisaje del fondo, que representa el área sobre el que gobernaban. Llama la atención el gran contraste entre los tonos bronce de la piel de Federico y los tonos pálidos de Battista Sforza; es cierto que esta tonalidad de piel en las mujeres estaba de moda en la época del Renacimiento. Pero también se cree que el pintor utilizó esta tonalidad para resaltar su prematura muerte en 1472.
El díptico está también pintado en la parte de atrás. En el reverso de las tablas se representa a la pareja siendo llevada triunfalmente en antiguos carros, acompañada de las virtudes cristianas; las inscripciones latinas rinden homenaje a los valores morales de la pareja. La presencia de las imágenes en el reverso sugiere que las dos pinturas, ahora colocadas en un marco moderno, alguna vez habrían sido parte de un díptico.
¿Quién encargó la obra a Piero della Francesca?.
Siempre se ha creído que el díptico fue encargado a Piero della Francesca por el propio Federico. Pero me ha parecido muy curioso descubrir que existe una teoría que dice que no fue él quien lo encargó. Esta teoría es de Michelle Marder Kamhi, quien afirma creer que la obra se encargó, efectivamente, tras la muerte de Battista. Pero basándose en las inscripciones del propio retablo, considera que no son consistentes con el dolor que sufría Federico tras la pérdida de su mujer. Cree, en cambio, que el retrato fue encargado por otra persona – quizás Lorenzo de Medici – como un regalo para honrar a Federico por su triunfal campaña militar en Volterra en 1472. Así como para consolarlo tras la pérdida de su amada.
Vintage by Lopez-Linares.
Inspirandonos un poco en todas sus joyas, que no son pocas, decidimos hacer unos pendientes para nuestra colección del Renacimiento. Battista luce una gargantilla impresionante realizada con perlas, su piedra preciosa favorita. Y, decorando su melena recogida en un peinado elaborado, utiliza dos especies de broche realizados en oro y piedras. El intrincado peinado se usaba no solo para expresar el rango de la persona, sino que también le daba peso y majestuosidad a su cabeza.
Con todas estas ideas, decidimos realizar estos pendientes en plata dorada, con perlas de agua dulce, topacio y granates. Nos parece que los pendientes tienen una forma muy diferente, inspirada en la elaborada manga que luce su vestido. Esperamos que os guste mucho esta nueva reproducción.
En el post de hoy queremos hablaros de una tiara en concreto. Se trata de la espectacular tiara de la Reina Victoria de Inglaterra. Para ponernos en situación, primero hablaremos un poco de como Victoria se convirtió en Reina, su matrimonio con el Rey Albert, su familia y sus joyas.
La Reina Victoria.
En el Palacio de Kensington a las 6 de la mañana del 20 de junio de 1837, el arzobispo de Canterbury y Lord Chamberlain saludaron a una niña de 18 años con cabello largo y suelto, en pantuflas, y le dijeron que ella ahora era la Reina. El Rey Guillermo IV había muerto esa mañana y su sobrina, la princesa Victoria, lo sucedió. «Me levanté de la cama y entré en mi sala de estar (solo con mi bata) y sola, y los vi. Lord Conyngham (el lord Chambelán) me informó entonces que mi pobre tío, el Rey, ya no estaba entre nosotros, que había fallecido a las 2 menos 12 de esa misma mañana. Y, en consecuencia me he convertido en la Reina»
La probabilidad de que Victoria accediera al trono había sido generalmente reconocida durante algún tiempo. Ella, por tanto, no era ajena a la formalidad de la corte y al esplendor que le servía para refrendar el cargo de soberana. Era perfectamente consciente del papel que debían desempeñar las joyas en su papel de Reina. Y, afortunadamente, también lo era el príncipe Alberto, con quien se casaría en 1840.
El matrimonio entre Victoria y Albert.
El matrimonio de la Reina Victoria con el Príncipe Albert en la Capilla Real el 10 de febrero de 1840 fue el comienzo de una apasionada historia de amor. El día después de la boda, la Reina Victoria escribió a su tío, el Rey Leopoldo de los belgas: «Yo no creo que sea posible que nadie sea más feliz o tan feliz como yo. Él es un ángel… para mirar esos queridos ojos, y esa cara soleada, es suficiente para hacerme adorarlo».
Las joyas y tiaras de la Reina.
Como tantos de sus descendientes en toda Europa, la Reina Victoria reconoció en una etapa muy temprana que una tiara que usaba una dama de sangre real se percibía como una especie de corona no oficial. Incluso antes de casarse, la Reina Victoria usó una tiara de rayos de sol de diamantes cuando hizo la primera visita de su reinado al Covent Garden Theatre, el 17 de noviembre de 1837. La Reina era verdaderamente consciente de la necesidad de usar joyas, y tanto ella como el príncipe Albert eran unos entusiastas de la joyería.
La Reina Victoria optó por llevar tiaras en ocasiones que hoy nos parecen algo inapropiadas. Incluidos los bautizos de sus hijos. Victoria anotó en su diario en 1843 que Albert “tiene mucho gusto y organiza todo lo que tiene que ver con sus joyas”. Justo al año siguiente la pareja real centró su atención en un juego de esmeraldas que fue suministrado, al menos en parte, por Kitching. En 1845, la misma firma produjo una tiara de esmeraldas y diamantes que costaron 1.150 libras. La Reina escribió en su diario el 25 de abril: «Estaba tomando el café antes de la cena, con una hermosa diadema de diamantes y esmeraldas diseñada por mi amado Alberto»
La tiara de esmeraldas y diamantes.
La espléndida diadema de esmeraldas y diamantes diseñada por el Príncipe Alberto para la Reina Victoria y realizada por Joseph Kitching costó, como decíamos antes, 1.150 libras en 1845. El año anterior a que se pintara el retrato familiar de Winterhalter, del que hablaremos un poco más adelante.
Nos pareció muy curioso averiguar que una fotografía de esta joya aparece en los libros de registro de Cartier a principios del siglo XX. No se sabe por qué se envió a Cartier, pero se dice que pudo ser que un propietario posterior a la Reina la llevará a acortar. Así haría que usarla fuera un poquito más fácil.
A día de hoy, la tiara sobrevive intacta en manos de un descendiente de la Reina Victoria, quien se la prestó a Wartski para la exposición de 1997.
La familia Real.
Por último, queremos mencionar este cuadro de la Familia Real, pintado por Franz Xaver Winterhalter en 1846. En él, aparecen la Reina Victoria y el príncipe Alberto acompañados por el príncipe de Gales, el príncipe Alfred, Victoria, la Princesa Real, la princesa Alice y la princesa pequeña Helena. La Reina luce la diadema de esmeraldas y diamantes de la que hablábamos, junto con un pendiente y un broche a juego.
Además, esta preciosa tiara fue utilizada por otros miembros de la Familia Real. Aquí podemos ver a la nieta de la reina Victoria, la princesa Victoria de Hesse luciendo la tiara de esmeraldas y diamantes. Parece que la tomó prestada de la Reina para una ocasión especial. Posiblemente un baile de disfraces para celebrar la boda del Príncipe Leopoldo, duque de Albany, que tuvo lugar el 27 de abril de 1882.
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Que os ha parecido esta tiara? A nosotras nos ha encantado. Es una pieza espectacular, con un diseño maravilloso. Ya sabéis que nosotras hacemos reproducciones de tiaras antiguas y ver esta nos ha inspirado muchísimo para futuras reproducciones. Os dejamos el link a nuestras tiaras por si queréis ver la reproducción de la Tiara de Grace Kelly o de Liz Taylor, entre otras.
Hoy queremos hablaros de la amatista, que es la piedra natal del mes de febrero. Y, además, es la gema morada más popular del mundo. De hecho, hasta el siglo XVIII la amatista era una de las cinco piedras preciosas principales: diamante, esmeralda, rubí, zafiro y amatista.
Aunque antes de 1912, las piedras que se asociaban a este mes eran la amatista pero también el circón y la perla. A día de hoy, es la amatista quien ha ganado la batalla, y es considerada y aceptada como la piedra natal de este mes. Pero no solo eso, sino que también está asociada astrológicamente con el signo Piscis (19 de febrero – 20 de marzo).
Amatista en la naturaleza.
Esta piedra se presenta en tonos primarios desde un lavanda claro o un violeta pálido hasta un morado intenso. La amatista puede exhibir uno o ambos tonos secundarios: el rojo y el azul. El púrpura contiene la energía y la fuerza del rojo, así como también la espiritualidad e integridad del azul.
Y luego esta el Ametrino, que es la mezcla de amatista y citrino con su típica tonalidad de color. Que por cierto, nos ha parecido maravillosa, y ya estamos poniendo el ojo en diseñar algún pendiente con esta preciosa variedad. ¿Os gustaría?
Las amatistas de alta calidad se pueden encontrar en Siberia, Sri Lanka, Brasil, Uruguay y el Lejano Oriente. Podemos encontrar diferentes colores de amatista según el lugar donde proviene la piedra. Por ejemplo, la “amatista siberiana” (una de las más caras del mercado) es una variedad color púrpura muy intenso con destellos rojizos y azulados. En África, Brasil y Uruguay encontramos los yacimientos más importantes, y la tonalidad de la piedra más intensa. La “Rosa de Francia” posee un color lila pálido, muy común en el mundo de la joyería.
La historia de la amatista
El nombre de amatista proviene del griego AMETHYSTOS, que significa “no intoxicada” o “sobria”. ¿A qué se debe este nombre? Se dice que tiene este nombre por el color de la piedra. Un color que nos recuerda al del vino rebajado con agua, para limitar su poder embriagador y evitar los efectos negativos.
Los griegos nombraron esta piedra con la antigua creencia de que al usarla, o al beber de una copa tallada con ella, los protegería de embriagarse. O que actuaría como un antídoto contra la intoxicación, posiblemente debido al parecido de color entre la amatista y el vino. Exactamente lo mismo sucedió con los Romanos que usaban copas talladas con ella por este mismo motivo. También se creía que mantenía la lucidez y el ingenio en los negocios y la batalla, y es por este motivo que los soldados de la Europa medieval usaban la piedra natal de febrero como un amuleto protector.
La piedra natal de febrero en diferentes culturas.
Mitologia Griega.
Cuenta la mitología griega que Dionisio, el dios griego del vino (conocido como Baco en la mitología romana), fue insultado por un mortal. En su ira, juró matar al siguiente mortal que se cruzase por su camino con una manada de tigres salvajes que él mismo crearía. Trágicamente, esa mortal fue Amethystos, una hermosa y joven doncella que se dirigía a rendirle tributo a Artemisa (la diosa de la cacería, la naturaleza, los animales salvajes, la luna y la castidad)
Parece que Artemisa sintió pena por Amethystos, por lo que la convirtió en una estatua de cuarzo cristalino puro. Para así protegerla de las garras de los tigres de Dionisio. Al ver la belleza de la estatua, Dionisio lloró lágrimas de vino, manchando el cuarzo, y dando así a la amatista su característico color púrpura.
La era Romana.
En esta época, esta piedra fue asociada con Neptuno, así como con San Valentín, el santo del siglo III y modelo del amor cortesano. Que, como ya sabéis se celebra el 14 de este mismo mes. Se dice que San Valentín llevaba un anillo de amatista grabado con la imagen de Cupido.
La tradición cristiana.
En la tradición cristiana, la piedra natal de febrero (y el color púrpura) simbolizan la realeza y el clero, particularmente los obispos, quienes usan amatistas en sus anillos eclesiales para protegerse de intoxicaciones místicas. Además, las amatistas son conocidas por adornar las copas de vino del clero y la nobleza por igual, para protegerlos de la intoxicación alcohólica más común.
El antiguo egipto.
Para los egipcios, la amatista era conocida como hemag. Es mencionada en el Libro de los Muertos, donde dice que es tallada en amuletos en forma de corazón y colocada dentro de los sepulcros.
Oriente.
En las filosofías orientales, la amatista se ha usado durante mucho tiempo en ofrendas en templos. Y para crear rosarios con cuentas. Aún a día de hoy, los tibetanos consideran la amatista como sagrada y tallan sus cuentas de oración con ella.
Dicen que la amatista representa el talento artístico, la sensibilidad, el carisma, la audacia y el amor profundo. Aspectos característicos de los nacidos en febrero.
Se dice que es un tranquilizante natural, que calma la mente y ayuda a dormir y conseguir un sueño placentero. Esta piedra puede romper patrones de pensamiento ansiosos o adictivos. Su alta vibración bloquea las energías negativas y estresantes y estimula la serenidad de la mente.
Además, la piedra natal de febrero tiene una conexión con la convivencia. Se suele regalar en el 6º aniversario de bodas.
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Esta es la preciosa piedra del mes de Febrero, el segundo mes del año, marcado por la celebración del día de los enamorados. Nosotras creemos que sería un precioso regalo, no solo para las nacidas este mes, también para celebrar el amor en pareja con un pequeño detalle sorpresa. O celebrar ese sexto aniversario de convivencia o relación, que siempre dicen que es tan significativo dentro del largo camino en el que seguro nos gustaría mantener nuestra relación.
Os dejamos algunos ejemplos de joyas realizadas con esta magnifica piedra que estamos seguras os van a sorprender. Si estás pensando en ampliar vuestra colección de joyas con una realizada con amatista, queremos recordarte cómo limpiar esta piedra.
Puede limpiarse de manera segura, simple y efectiva con agua jabonosa tibia y un cepillo suave, como un cepillo de dientes. Con mucho cuidado y delicadeza.
Como amantes de la joyería que somos, nos encanta conocer la historia de joyeros de épocas más antiguas. Conocer cómo empezaron, cómo creaban sus joyas, en qué se inspiraban, los materiales que utilizaban… Así que hoy, queríamos hablaros del conocidísimo joyero Stanley Hagler. Quien, a lo largo de su carrera, ganó el prestigioso premio Swarovski 11 veces por «Grandes diseños en joyería».
Stanley Hagler
Stanley Hagler nació en Denver, Colorado en 1923. Fue un veterano de la Segunda Guerra Mundial y luego se graduó de la Universidad de Denver en 1949 con una licenciatura en derecho.
Trabajó como asistente de Miriam Haskell en los años 40 para empezar a crear sus propios diseños en 1950. Su carrera como diseñador comenzó con un enorme reto: el diseño del brazalete “fit for a queen” para Wallace Simpson, la duquesa de Windsor. Ella tenía pasión por la bisutería y se enamoró de sus diseños, convirtiéndose en una gran admiradora. En 1953, Stanley Hagler Jewelry Co. se estableció con Edward Nakles en el Greenwich Village de la ciudad de Nueva York.
La joyería de Stanley Hagler
Hagler se ha ganado la reputación de «Picasso en el campo de la joyería» por crear joyas de imaginación únicas, coloridas y con diseños sorprendentes y, en ocasiones extravagantes. Que no solo vendía en su país natal, Estados Unidos, sino que consiguió que sus piezas se vendieran en países como Japón, Inglaterra, Alemania, Francia, Australia y Suiza. Y que personajes tan famosos como Ivana Trump, Barbara Walters o Madeleine Albright, entre otras, lucieran sus joyas.
Las primeras creaciones de Hagler combinaron el diseño actual con componentes antiguos. Usó materiales de calidad, como vidrio soplado a mano de Murano, cristales de Swarovski en colores claros y vibrantes, racimos de perlas de aljófar, cuentas de semillas de colores y filigranas chapadas en oro ruso.
La artesanía de sus joyas fue excepcional. Todas las piezas estaban cableadas a mano y las piedras y los cristales estaban engastados con puntas en lugar de pegados. La obsesión de Hagler por los detalles convierte sus diseños en ejemplares. Las piezas eran en múltiples ocasiones multiusos; de modo que, por ejemplo, un collar se podía usar como tal o como una pulsera doble.
Una de las especialidades de Hagler era hacer joyas utilizando perlas de imitación. Hizo perlas barrocas con cuentas de vidrio sopladas a mano y luego las sumergió en resina de perlas hasta 15 veces para obtener la máxima luminosidad. También usó perlas en colores inusuales como coral, azul profundo y marrón miel. Todo un ejemplo de originalidad.
Su unión con Mark Mercy.
Stanley Hagler diseñó y creó todas sus joyas él mismo hasta 1979, fue en este año cuando Mark Mercy se unió a su empresa. Mercy, estuvo interesado en el diseño desde que era un niño. Fue gracias a su tío que conoció a Stanley y cuando éste le ofreció a Mercy ser su aprendiz, no dudó ni un momento en aceptar.
Durante los años siguientes, aprendió el oficio de diseño de joyas gracias a Hagler. Mercy era muy detallista y ponía mucho empeño en su trabajo y pronto comenzó a crear sus propios diseños para Hagler.
En 1981, Ian St. Gielar, admirador del trabajo de Stanley Hagler, se mudó desde Polonia a Estados Unidos. Comenzó a trabajar a tiempo parcial para Hagler en 1985, aprendiendo las técnicas de cableado de componentes a filigrana. En 1989, se convirtió en diseñador colaborador. Hagler habló muy bien de él y lo consideró un “genio”.
Su etapa en Florida.
En 1983, la empresa se mudó a Florida. Con el comienzo de los problemas de salud de Hagler, este le ofreció a Mercy que se asociaran en el negocio y él aceptó encantado. Después de que Hagler falleciera en 1996, una marca comercial de derecho consuetudinario permitió que Mercy pudiera conservar los derechos de nombre de “Stanley Hagler N.Y.C”.
Ian St. Gielar dejó la empresa en 1994 y comenzó una nueva empresa con su propio nombre en 1996, el mismo año en que falleció Hagler. A menudo describía sus piezas como «estilo Stanley Hagler».
Su esposa, Valentina, trabajó con él durante más de ocho años. Después de que St. Gielar falleciera en 2007, ella continuó su trabajo bajo el nombre de “Ian Gielar Studio” siguiendo los deseos de Ian.
Mercy ha mantenido todos los derechos legales para usar el nombre de Stanley Hagler N.Y.C. en sus joyas. Además compró todos los componentes originales y antiguos de las líneas de joyería de Stanley Hagler que permiten que se sigan produciendo las mismas piezas hechas a mano de alta calidad. Mercy continúa creando y vendiendo joyas con el estilo Hagler en la actualidad.
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A día de hoy, las joyas de Stanley Hagler siguen siendo muy admiradas y coleccionadas por muchas personas en todo el mundo.
Las piezas pueden encontrarse con las siguientes marcas: “Stanley Hagler” desde 1950 hasta 1983. “Stanley Hagler N.Y.C” desde 1983 hasta 1993. Y “Stanley Hagler NYC” y/o “IAN St. GIELAR” desde 1993. Son las marcas que utilizó Ian St Gielar para marcar sus diseños. De hecho, algunos de sus diseños llevaban las dos marcas en la parte de atrás.
Nosotras tenemos que incluirnos en esa lista de admiradores de Hagler. Sus piezas nos cautivaron desde siempre, el estilo, los materiales y lo modernas que eran sus piezas en aquella época.
Nos impresiona como era capaz de crear esas piezas tan elaboradas, con esas cuentas tan pequeñitas. Formando esas flores, y figuras tan preciosas y difíciles de conseguir.
Hoy venimos a contaros un par de curiosidades sobre el granate. El nombre de esta piedra proviene del latín granatum, que significa “con granos”. O, para ser mas exactos procede del concepto «malum granatum», es decir: «árbol de la granada«. Planta cuyas semillas tienen forma, tamaño y color similares a la piedra de este mes.
La piedra del mes.
Este año abrimos una nueva sección en nuestro blog. En ella queremos hablaros de la piedra que representa cada mes. Así, os contaremos un poco su historia, para que solía utilizarse en la antigüedad y que propiedades la caracterizan. Y, por supuesto alguna que otra curiosidad, que es lo que más nos divierte buscar. Lo de cotillear en internet y nuestros libros de joyas ya sabéis que nos vuelve locas.
Encontramos el granate en la naturaleza en infinidad de tonalidades: verde, naranja, naranja rosado, rojos púrpura muy saturados e incluso algunos azules. Aunque hay que reconocer que el más popular es el rojo granada. El granate puede facetarse, o dejarse como cabujón.
Simbolización de la piedra de granate.
La piedra natal de enero simboliza el reencuentro veloz de los amantes separados. Como en el mito griego que cuenta la historia de Hades. Éste le regaló a Perséfone una granada, como garantía para su rápido retorno.
Por ello, siempre puedes darle un granate a tu ser querido antes de que comience un viaje. Además, se cree que esta piedra preciosa afianza el vínculo entre los amantes distanciados. En la actualidad, el granate es considerado como la piedra preciosa del segundo aniversario de bodas.
El granate históricamente.
En Egipto, los faraones usaban collares de granates en vida. Luego eran llevados al más allá como valiosas posesiones. Ya que se consideraba un antídoto contra la mordedura de serpientes, así como un remedio contra la intoxicación alimentaria. También se pensaba que tenía la capacidad curativa de reducir la fiebre.
Los Griegos escribieron que los granates podían evitar que los niños se ahogaran y que actuaban como un potente antídoto frente al veneno.
La antigua Roma, los granates estuvieron entre las piedras preciosas más comercializadas: usados especialmente para incrustar elementos de oro, una técnica llamada cloisonné.
Fue conocida como la «piedra del guerrero» durante las cruzadas (1095-1291), el granate fue un talismán común usado por cristianos y musulmanes por igual. Se pensaba que protegía de todos los males y peligros a los viajeros. En Cachemira en 1892, los Hunza usaron balas de granate para luchar contra los británicos, en la creencia de que los granates eran más mortíferos que el mismo plomo. Curiosamente, un gran numero de estas balas preciosas fueron recogidas por las tropas británicas y pueden verse en museos en la actualidad.
Se piensa que, si el granate de repente pierde su brillo y resplandor, es una señal de un desastre inminente. Aunque, recordemos, que si utilizamos colonias, perfumes o cremas sobre nuestras piedras preciosas, éstas perderán su brillo!
Historia actual.
Como anécdota más actual, en la subasta de 1996 de la herencia de Jacqueline Kennedy-Onassis en Sotheby’s encontramos un asombroso broche con flor de granate en cabujón del siglo XIX. Que se vendió por nada más y nada menos que 145.000 dólares. En esta subasta se vendieron pertenecidas de la carismática Jackie por valor de más de 34 millones de dólares.
Se dice que el granate es una piedra con mucha fuerza, relacionada con el signo de acuario, y que simboliza la vitalidad, el coraje, la alegría, la pasión y el entusiasmo. ¡Yo creo que es la combinación perfecta para empezar bien el año!
Y ya sabéis es la piedra del segundo aniversario de boda y la piedra de todas aquellas que hayan nacido en enero. Me parece un detalle precioso regalar una joya con una piedra con tantas propiedades positivas. Por ello, quiero dejarte algunas ideas de pendientes realizados con granate.
Considerada la obra maestra de Gentile da Fabriano y una de las obras cumbres del Gótico italiano.
La obra maestra:
Es un retablo pintado sobre madera y fechado en 1423. La obra fue un encargo del acaudalado banquero florentino Palla Strozzi -adversario de la familia Medici-, para decorar la capilla de la iglesia de la Santísima Trinidad de la ciudad de Florencia.
Es una obra de una riqueza extraordinaria. En la que se empleó una gran cantidad de oro y polvo de lapislázuli para el manto de la virgen, una piedra muy apreciada y cara en esa época. Esto nos demuestra la gran posición social de Palla Strozzi a la hora de hacer el encargo.
El bellísimo retablo se encuentra enmarcado con una impresionante moldura gótica dorada que imita la forma de un tríptico. Que hace que la escena quede unificada y nos dé la sensación de encontrarnos ante una ventana.
El marco del retablo de Gentile da Fabriano
En la parte superior del marco están representados los profetas Jeremías, Isaías, Daniel y Ezequiel, así como Moisés y el rey David, con tres tondos (círculos decorativos) donde están representados Cristo Redentor, la Virgen María y el Arcángel San Gabriel. Siguiendo con la descripción del marco, vemos que en la parte inferior del retablo hay tres miniaturas que representan “la Natividad”, “la Huida de la sagrada familia a Egipto” y “la Presentación del Niño en el templo”, realizadas con toda clase de detalles.
El tema del retablo es religioso. Representando la adoración de los Reyes Magos ante el Niño Dios; un tema muy demandado en esa época por la nobleza florentina. Ya que simbolizaba la sumisión de los grandes poderes de la tierra ante el Dios encarnado.
La pintura es narrativa, habiendo un hilo conductor que narra la escena. Podemos ver al cortejo que acompaña a los tres Reyes Magos. Compuesto por nobles, animales representativos de la nobleza italiana como halcones, caballos, monos o perros de caza. Todos ellos dan varias vueltas llenando el fondo del cuadro para dirigirse primero a la Ciudad Santa. Pasando por el palacio de Herodes para llegar, por fin, al lugar en el que se encuentra la Sagrada Familia con el Niño Dios sentado en las rodillas de la Virgen María.
La obra está plagada de detalles. Alguno de ellos pone un toque de humor, como la lagartija que sube por la pared del portal de Belén, o el escudero arrodillado que le está quitando las espuelas al tercero de los Reyes.
Los detalles de la obra:
La escena principal es muy hermosa. Se ve a los tres Reyes rodeados de su enorme séquito de nobles caballeros, cómo van a adorar al Niño Jesús y le van a ofrecer los presentes reales del incienso, el oro y la mirra. Uno de ellos ya ha ofrecido el suyo y está arrodillado ante el Niño, el cual, cariñosamente, le da las gracias acariciándole la cabeza.
Si nos fijamos, cada rey tiene una edad diferente. Queriendo representar las tres edades del hombre. El detallismo con que están pintados los mantos de los Reyes, su riqueza y los brocados de los tejidos con relieves de plata y oro están realizados por Gentile con la técnica del punzón. Dándoles un realismo extraordinario. Y todos estos brocados tan recargados es en los que nos hemos inspirado para crear la pieza que hoy os traigo hasta nuestro blog. La cruz de plata dorada y piedras semipreciosas que hoy es la protagonista de nuestra sección de joyas históricas.
Como detalle curioso os quería contar que el noble que se encuentra justo detrás del último Rey, mirando al espectador y llevando en su mano un halcón es Palla Strozzi. Es la primera vez que el donante de la obra forma parte de la historia representada en ella. Y esta idea de incluir al mecenas en la obra fue algo que muchos nobles imitaron desde entonces, como por ejemplo los Medici.
Este retablo fue muy admirado y venerado en Florencia, sobre todo el día de la fiesta de la Santísima Trinidad de Florencia. Como era fiesta mayor se organizaba una importante procesión con la participación de los nobles florentinos. El abad, antes de entrar en la iglesia, daba tres golpes en el suelo, se abrían las puertas y entraba la procesión que se dirigía a la capilla presidida por el retablo de “La Adoración de los Reyes Magos”. Una procesión muy similar a la que acompaña a los Reyes en el retablo pintada por Gentile da Fabriano.
Sobre el autor de esta soberbia obra me gustaría destacaros:
Gentile da Fabriano, cuyo verdadero nombre era Gentile di Niccolo di Giovanni di Massi, recibió el apelativo de Fabriano por ser originario de esta ciudad.
Fue un notable pintor, representante del estilo gótico internacional. En sus obras abunda el uso del oro, figuras estilizadas de ricos ropajes y una detallada recreación de la naturaleza.
Gentile nacería en 1370 en el seno de una familia de comerciantes de paños. Su padre, Niccolo de Giovanni Massi, y su madre mueren siendo él muy joven. No se conocen datos de su infancia ni de su formación como pintor. Se supone que debió tener contacto con las escuelas pictóricas del norte de Italia. Como la de Siena, la de Lombardía y, sobre todo, la de Pavía – que por entonces era un centro cultural muy importante – donde existía una importante escuela de miniaturas en la que posiblemente Gentile aprendió esta técnica, que más tarde aplicará en muchas de sus obras.
La carrera del autor.
Su carrera como pintor fue totalmente atípica para aquella época. Al contrario que los otros artistas, él nunca quiso establecerse y crear su propio taller. Prefiriendo ir de un lado a otro de Italia, trabajando en las distintas cortes italianas y absorbiendo el movimiento artístico de la pintura italiana de cada lugar donde estaba.
En 1405 se tiene constancia de su estancia en Venecia. Lugar donde se inscribió como alumno en la Scuola dei Mercanti. No se sabe nada más de él hasta 1408, en el que le encargan realizar un fresco para decorar la Sala del Maggior Consigglio del Palacio Ducal de Venecia, pintando “La batalla de Oton III y los venecianos”. Para realizar este trabajo Gentile tuvo dos asistentes. Uno era Pinasello, que estuvo a su lado hasta el final de su vida. Y el otro un joven llamado Jacobo Bellini que llegaría a ser un famoso pintor y patriarca de una gran familia de pintores.
Este trabajo en el palacio Ducal le daría bastante fama y prestigio. Es aquí, en Venecia, donde Gentile adquiere el colorido rico y brillante de los artistas venecianos. En esa época consta en los archivos de Venecia que realizó un cuadro para el famoso coleccionista de arte Francesco Amandi.
Cuando en el año 1422 llega a Florencia, su fama está muy consolidada y los nobles florentinos nada más llegar le llenan de encargos, tanto que se ve obligado a abrir un taller para poder atender a los ilustres clientes. Es en esta ciudad donde realizará dos de sus más conocidas obras. Una de ellas fue el encargo de un retablo para el altar mayor de la Iglesia de San Nicolás Oltrano de Florencia. Retablo que se mantuvo en su lugar de origen hasta 1830, año en que fue totalmente desmembrado y vendido por partes, y otra de ellas es su obra maestra: “La Adoración de los Reyes Magos”, de la que ya os he hablado anteriormente.
La Virgen con el Niño y Santos.
Todavía en 1425 ha de dejar Florencia y marchar a Siena para realizar otro encargo, un fresco también muy famoso de “La Virgen con el Niño y Santos”, en el interior de la catedral de la ciudad. Y nada más terminar esta obra, el Papa Martín V le reclama desde Roma para decorar la nave central de la Basílica Lateranense. Marcha para allá con su querido ayudante y discípulo Pisanello, pero Gentile no puede acabar el trabajo porque le llega su hora y muere ese mismo año. Ha de ser Pisanello el que, después de 5 años de duro trabajo, concluya la obra. Pisanello vuelve a Florencia y se hace cargo del taller de su maestro.
Nadie sabe con certeza dónde fue enterrado este gran artista cuya producción de obras fue muy numerosa, pero que por desgracia gran parte de ella se ha perdido a consecuencia de la destrucción de muchas de las iglesias para las que trabajó por todo el norte de Italia.
Aun así, cuando se recorre el norte de Italia: Ferrara, Pavía, Perugia, Lombardía, Florencia, … es inevitable no encontrarte alguna obra de este gran pintor.
Podéis ver la cruz con más detalle en el siguiente link:
Tan solo quedan dos días para que se acabe el año 2021. Un año que, a nosotras, nos ha traído muchas alegrías. Y esperamos que el próximo año sea también así. Hoy venimos a hablaros en sí. Esta época tan bonita que nos une a todos mucho más de lo habitual. Pero, como todos ya conocemos las tradiciones de España, hoy queríamos hablaros de las Navidades en Brasil.
¿Por qué Brasil?
Bueno, cuando decidí que me apetecía contaros las tradiciones de fin de año y Navidad de otro país, no pude pensar en otro país. Tengo dos grandes amigas viviendo allí y siempre nos encanta contarnos las tradiciones de nuestros países. Yo les cuento las de España, país que adoran. Y ellas me cuentan las de Brasil, país que yo adoro. Y que he tenido la suerte de poder conocer gracias a ellas. Aunque me falta poder ir en Navidad, y celebrar el fin de año en la playa.
Navidades en Brasil
Las Navidades en Brasil son uno de los días festivos más importantes. Uno de los datos divertidos más interesantes sobre las Navidades en Brasil es que la celebran en los primeros días del verano. ¿Te imaginas una Navidad calurosa? Puede sonarnos extraño… pero en Brasil (al igual que en otros países del emisferio sur, claro!) hacen unos 30 grados afuera. Esto hace que los brasileños celebren la Navidad con sus familias vistiendo ropa de verano con nieve artificial rociada aquí y allá.
Al ser un país mayoritariamente católico, Brasil celebra esta festividad como la mayoría de los países de Europa occidental y los EE. UU., Con solo algunos detalles interesantes y divertidos que son exclusivos de los brasileños. Me sorpredió descubrir que en Brasil también celebran la Misa del Gallo (Missa do Galo). La misa tiene este nombre porque el gallo anuncia un nuevo día y esta misa ocurre a la medianoche.
Después de todo, Brasil es una ex colonia portuguesa y también recibió a muchos inmigrantes de Europa, principalmente de Italia, Portugal y Alemania.
Christmas tree and lighted trees in Ibirapuera Park at night in December in Sao Paulo city, Brazil.
Cena de Navidad
A diferencia de la noche de fin de año, la Navidad en Brasil es una fiesta familiar en la que se reunen con todos los miembros de la familia. Esta cena de Navidad, o en portugués “Ceia de Natal”, se sirve acompañada de mucha música. Siempre me sorprende ver que en todas las celebraciones de mis amigas estan todos cantando, tocando la guitarra… La música es una parte esencial en sus celebraciones.
Si bien cada región tiene sus propias tradiciones, la mayoría de la gente suele servir una cena navideña brasileña centrada en un chester, que es un pollo mucho más grande, donde aproximadamente el 70% de su peso está en los muslos y el pecho, de ahí el nombre chester. Pero, qué es un chester? La verdad yo no tenía ni idea… jamás lo había escuchado. Pregunté a mis amigas, por supuesto, pero también encontré un artículo muy divertido donde lo explican. Así que os lo comparto aquí porque es muy interesante.
Volviendo a la comida, algunos hogares sirven pierna de cerdo adobada asada a fuego lento (pernil) o pavo. Todos los platos se sirven con una variedad de ensaladas y arroz blanco, que se saltea con ajo y cebolla. Y por supuesto, no puede faltar la farofa. Farofa es una mezcla de harina de mandioca seca con sal, mantequilla, especias y tocino crujiente picado.
El árbol de Navidad.
Parece extraño pensar en decorar un árbol de Navidad en pleno verano… con su nieve y su estilo frío. Pero, así lo hacen los brasileños. Nada de decorar sus palmeras… ellos decoran el árbol como lo hacemos en España. Además, les gusta esparcir nieve artificial sobre el árbol de Navidad para dar la bienvenida a Papá Noel. De esta manera, se siente «como en casa».
En cuanto a la decoración de las calles, la mayoría de los lugares decoran las principales calles comerciales y lugares turísticos. En São Paulo, la Avenida Paulista se ilumina por completo y se construye una Casa de Papá Noel sobre la avenida. El Parque Ibirapuera también se llena de luces de colores y alberga con orgullo un enorme árbol de Navidad. De hecho, es el más grande de la ciudad.
Lo mismo ocurre con Río de Janeiro. Las calles principales se iluminan con luces navideñas y se coloca un árbol flotante en la Laguna Rodrigo de Freitas. Este es el árbol de Navidad más grande del mundo, midiendo 70 m y contando con más de 900.000 lámparas LED. Wow!
City of Gramado with the Christmas decoration. In December, the mountains of Rio Grande do Sul are visited by tourists. Aerial view.
Fin de año en Brasil
Los brasileños son extremadamente supersticiosos cuando se trata de las tradiciones de Nochevieja. Es difícil pasar por alto a los millones de personas vestidas de blanco que salpican la playa de Copacabana para la exhibición de fuegos artificiales de clase mundial. y luego se lanzan a las olas del océano cuando el reloj marca la medianoche.
Por eso, os queremos contar las tradiciones más divertidas de la Nochevieja en Brasil.
Saltar 7 olas de mar cuando el reloj marca la medianoche: Por cada ola que saltan, piden un deseo. La leyenda supuestamente proviene de Umbanda, una religión afrobrasileña que es una mezcla de creencias africanas, católicas romanas, espíritas e indígenas. El número 7 es sumamente sagrado en Umbanda y está vinculado a la Diosa del Agua Lemanjá, quien te dará la fuerza para superar las dificultades del próximo año.
Vestir de blanco en la víspera de Año Nuevo: La tradición de la vestimenta totalmente blanca también proviene de las religiones africanas como un homenaje al dios Oxalá. Luego fue adoptado por católicos romanos y evangelistas por igual.
Usar ropa interior multicolor para un buen año nuevo: Ojo al color que eliges, porque cada uno tiene un significado diferente. Deberás usar el que se ajuste a tu deseo para el año nuevo.
Blanco = paz y armonía Azul) = ttranquilidad y amistad Amarillo) = dinero y suerte Rosa = amor Rojo) = pasión Naranja) = éxito profesional Verde = salud Violeta) = inspiración
Comenzar el año nuevo en una superficie elevada: Para comenzar el Año Nuevo con una buena nota, los brasileños se aseguran de hacer la cuenta regresiva hasta la medianoche desde una superficie elevada. Subidos en una silla resistente, a una mesa o a los hombros de tu marido hasta la medianoche y bájate con el pie derecho, ¡literalmente!
Algunas me han parecido unas tradiciones muy diferentes a las nuestras, y otras que se parecen bastante. Yo, puedo decir, que tengo muchas ganas de pasar unas Navidades en Brasil.
Vintage by López-Linares
Tengas las tradiciones que tengas en Fin de Año, nosotras queremos desearte un muy buen 2022. Estamos trabajando para traeros muchísimas novedades este nuevo año, que esperamos os guste y os ilusionen tanto como a nosotras.
Despedimos este 2021 dandoos las gracias, como siempre, por todo vuestro apoyo y cariño.
Con motivo de nuestro viaje a Florencia, queremos hablaros de este maravilloso pintor. En concreto de las 7 virtudes de Piero del Pollaiolo. Si no nos seguís en instagram, os aninamos a hacerlo, ya que compartimos muchas historias sobre joyas históricas y arte. De hecho, en este viaje a Florencia «os llevamos con nosotras» compartiendo fotos de nuestro viaje e historias curiosas que fuimos descubriendo estando allí.
Piero del Pollaiolo
Piero del Pollaiuolo fue un pintor renacentista italiano de Florencia nacido en 1443. Su hermano era el artista Antonio del Pollaiuolo y los dos trabajaban juntos frecuentemente. Su trabajo muestra tanto influencias clásicas como interés por la anatomía humana. Al parecer, los hermanos realizaron disecciones para mejorar sus conocimientos sobre el tema.
En nuestro viaje a Florencia tuvimos la suerte de visitar la Gallería Uffizi. La verdad es que todas sus obras y esculturas nos llamaron mucho la atención. Pero en este post queríamos hablaros de las 7 virtudes. Siete cuadros que representan las siete virtudes: caridad, fe, templanza, prudencia, esperanza, fortaleza y justicia. A pesar del patrón repetitivo de la composición, cada una de las Virtudes adopta una pose diferente y los detalles decorativos diferencian la arquitectura de mármol en cada sentido.
Prudencia
La prudencia sostiene un espejo para ver detrás de ella. Y agarra una serpiente, que un pasaje del Evangelio nos dice que es por naturaleza un animal prudente.
Justicia
Junto con la Fortaleza, la Templanza y la Prudencia, la Justicia era una de las virtudes cardinales requeridas por la humanidad para vivir una vida de rectitud. Justicia sostiene una espada en su mano derecha y balancea el mundo sobre su rodilla izquierda. Se ha sugerido que el hermano mayor de Piero, Antonio del Pollaiolo, pudo haber ayudado a su hermano a pintar el Ciclo de Virtudes.
Esperanza
La Esperanza, con las manos unidas en oración, eleva los ojos al cielo. El Ciclo de Virtudes que se encargó de pintar a Piero del Pollaiolo en 1469, se mantuvo en el Tribunale della Mercantanzia (o Tribunal de la Culpa) hasta 1777, cuando fueron trasladados a la Galería de los Uffizi.
Caridad
La Caridad fue la primera virtud que se pintó en el Ciclo de las Virtudes encargado a Piero en 1469 para la Corte de la Culpa en la Piazza della Signoria. Los atributos de la Virtud son fuego ardiente y un niño, al que amamanta.
Fe
La Fe, junto con la Esperanza y la Caridad, es una de las virtudes teologales cristianas inspiradas por Dios en el alma del hombre. La Virtud sostiene el crucifijo y el cáliz de la Eucaristía. La orfebrería se realiza con notable habilidad mimética, una característica recurrente del estilo de Piero del Pollaiolo.
Templanza
La Templanza -en otras palabras la moderación y la capacidad de controlar los instintos- se representa mezclando agua fría y caliente. Como las demás Virtudes, se sienta en un precioso trono de mármol decorado con motivos clasicistas.
Fortaleza
La Fortaleza es una pintura del maestro renacentista italiano Sandro Botticelli, terminada en 1470. Para nuestra sorpresa, la séptima Virtud no está pintada por Piero del Pollaiolo. A diferencia de los otros paneles del Ciclo, pintados sobre madera de ciprés, la Fortaleza está pintada sobre álamo, una madera más utilizada para pintar en cuadros en la Toscana.
La Fortaleza se representa como una mujer joven con armadura debajo de su delicada túnica y agarrando la batuta de mando.
Como curiosidad, y no nos sorprende, os contamos que las comprensibles protestas de Pollaiolo a la participación de Botticelli contribuyeron a limitar la participación del mismo en la comisión a esta única figura. Botticelli pudo contar con la ayuda de Tommaso Soderini, uno de los comisionados de Mercanzia, y debido a su intrusión, el gremio de pintores modificó sus estatutos para proteger a sus miembros de otras interferencias externas
Esperamos que os haya gustado conocer un poco más acerca de la historia de estos cuadros. Os contaremos pronto muchas novedades del por qué de nuestro viaje a Florencia. Contadnos, ¿habéis estado alguna vez? ¿Cuál fue vuestro lugar favorito?
En la noche del 22 de junio de 1887, amigos y familiares se unieron a Mordecai Morris White y Hannah Amelia Coffin White para presenciar el matrimonio de su hija mayor, Frances Amelia, con John Gates en la casa de los White en Auburn Avenue en Cincinnati. Sin duda, fue un evento decoroso y elegante, como correspondía a una familia adinerada y de posición en la ciudad como eran ellos.
Cuando Mordecai White murió en 1913, su patrimonio se estimó entre quince y veinte millones de dólares. White había ganado su fortuna principalmente como un importante financiero en el medio oeste. Aquí se desempeñó como presidente de la junta del Fourth National Bank desde 1875 hasta 1908. Otras empresas comerciales incluyeron una sociedad en AH Wells & Co, un comerciante mayorista, además de intereses en ferrocarriles y compañías de seguros en Cincinnati y sus alrededores. White era conocido como un hombre con los más altos principios, una visión amplia y una manera amable y cortés.
El vestido de novia de su hija estaba de moda y era opulento, como era de esperar dada la situación financiera de Mordecai White. El vestido tiene un corte de estilo princesa clásico en la espalda. En lugar de encajes, la novia optó por adornar su vestido con tul de seda adornado profusamente con colgantes de abalorios y perlas artificiales. Las revistas de moda entre 1885 y 1887 mencionaban con frecuencia este tipo de adornos de pedrería.
Harper’s Bazar en octubre de 1887 informó que «las cuentas están enhebradas y unidas a la red en bucles», describiendo exactamente los adornos que adornan la capa de red en el escote y en la falda del vestido de Frances White. Aquí, los bucles se realzan con perlas de imitación en un patrón general. La capa de tul se divide en el centro, donde la falda está muy cargada de azahares realizados en cera. Aunque el bullicio todavía estaba de moda en 1887, Frances eligió un estilo más conservador. Eso, o fue lo suficientemente moderna como para darse cuenta de que su desaparición estaba a la vuelta de la esquina.
Frances y su esposo criaron a tres hijos en su casa de Oak Street en el elegante barrio de Clifton. John Gates y su hermano James asumieron el control de su negocio familiar, John Gate & Co., un fabricante de botas y zapatos, tras la muerte de su padre.
Vintage by López-Linares
¿No os parece increíble el diseño de este vestido? A nosotras el corpiño nos ha llamado mucho la atención. El nivel de detalle, la forma en la que están cosidas todas las perlas con esas cuentas plateadas tan pequeñas. Es una labor que verdaderamente es una obra de arte.
