Magdalena Strozzi: La Historia Detrás del Retrato Renacentista

Hoy quiero hablaros sobre una figura fascinante del Renacimiento italiano, Magdalena Strozzi. Su vida, aunque menos conocida que la de otros personajes de su época, está llena de detalles interesantes que nos transportan a un tiempo de grandes cambios culturales y artísticos. Además, su retrato más famoso guarda una sorpresa que conecta con una de las obras más emblemáticas de la historia del arte: la Mona Lisa. Y nosotras hemos querido reproducir las joyas que luce en el cuadro, os dejamos el link a ellas al final del post. 

¿Quién fue Magdalena Strozzi?

Magdalena Strozzi nació en el seno de una de las familias más prominentes de Florencia. Los Strozzi eran una poderosa familia de banqueros y políticos, conocidos por su influencia y riqueza. Aunque no se conocen muchos detalles específicos sobre su infancia, sabemos que Magdalena creció rodeada de la élite cultural y social de la época, lo que sin duda moldeó su educación y perspectiva del mundo.

Matrimonio y vida personal

Magdalena Strozzi se casó con Agnolo Doni, un destacado comerciante y mecenas del arte en Florencia. Doni era conocido por su amor al arte y su colección de obras maestras, que incluía trabajos de algunos de los artistas más renombrados de su tiempo, como Miguel Ángel y Rafael. Este matrimonio no solo unió a dos familias poderosas, sino que también permitió a Magdalena vivir en el centro de un círculo cultural y artístico muy influyente.

El retrato de Magdalena Strozzi

El retrato más famoso de Magdalena Strozzi fue pintado por el renombrado artista Rafael Sanzio, uno de los grandes maestros del Renacimiento. Rafael, conocido por su habilidad para capturar la gracia y la humanidad de sus sujetos, creó un retrato de Magdalena que es tanto bello como evocador.

Este cuadro, que se encuentra hoy en La Galería de los Uffizi, en Florencia, ha generado mucho interés no solo por la belleza de su ejecución, sino también por las curiosas similitudes que guarda con la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. Ambos retratos presentan a sus sujetos en poses similares, con un ligero giro del torso y una expresión serena. Esta similitud ha llevado a algunos expertos a especular sobre la influencia que pudo haber tenido el retrato de Magdalena en la obra más famosa de Leonardo.

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La joya que luce Magdalena Strozzi

Un detalle particularmente interesante del retrato de Magdalena Strozzi es la joya que luce en su cuello. Esta joya no es solo un adorno, sino que tiene un simbolismo profundo. La joya es una esmeralda engarzada en un intrincado diseño de oro y perlas, reflejando no solo la riqueza y estatus de la familia Strozzi. Sino también las tendencias de la moda de la época. Las esmeraldas eran altamente valoradas en el Renacimiento, asociadas con la pureza, la protección y el poder.

La conexión con la Mona Lisa

Las similitudes entre el retrato de Magdalena Strozzi y la Mona Lisa van más allá de la pose. Ambos cuadros comparten un enfoque en la psicología del retratado, buscando capturar no solo la apariencia física, sino también la esencia y el carácter del sujeto. Este enfoque innovador fue una de las grandes contribuciones del Renacimiento al arte del retrato, y tanto Rafael como Leonardo fueron pioneros en esta técnica.

La gran diferencia con la obra de Da Vinci es que Magdalena aparece ataviada con sus mejores joyas. Un precioso colgante con una enorme perla irregular y tres piedras de diferentes tonalidades, cada una indicando algo muy especial. La esmeralda recuerda la castidad de Magdalena. El rubí la intensidad de su persona. El zafiro la pureza. Y la perla la fidelidad.  Esta es la pieza que se clavó en mi retina y que busqué por varios talleres florentinos, hasta dar con un artesano que la realizara lo más exacta posible. Y, justamente, eso es lo que hoy os traigo hasta aquí: ese sencillo colgante que tiene tanta historia detrás y que tantas cosas nos transmite con su diseño y sus colores.

Magdalena también porta un sencillo collar, que parece de cuentas de azabache, y que nos recuerda al que luciera «La Dama del Armiño».

El trabajo quedó en poder de los descendientes de la familia Donia, hasta que en 1826 fueron comprados por el Gran Duque de Toscana, Leopoldo II de Lorena, y así llegaron a formar parte de las colecciones del Palacio Pitti.

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Un legado duradero

Aunque Magdalena Strozzi no es tan conocida como algunas de sus contemporáneas. Su retrato nos ofrece una ventana invaluable a la vida y la cultura del Renacimiento. Nos recuerda la importancia de la familia, la influencia social y el poder de la imagen en una época en la que el arte y la sociedad estaban estrechamente entrelazados.

En resumen, Magdalena Strozzi fue una mujer que vivió en una época de grandes cambios y que, a través de su retrato, sigue contándonos su historia siglos después. Su vida y su imagen nos invitan a explorar más profundamente el rico tapiz del Renacimiento italiano. Así como a apreciar las complejas conexiones entre el arte, la historia y la sociedad.

Esperamos que os haya gustado la historia de Magdalena Strozzi. Os dejamos el link a nuestra web donde podéis ver nuestra reproducción del colgante y los anillos

Giovanna Tornabuoni

Conocer todos los avatares y caminos que ha recorrido un retrato a lo largo de 525 años no es nada sencillo, pero en el caso de esta extraordinaria obra de Ghirlandaio somos afortunados. Conocemos todos los viajes que ha realizado la obra «Giovanna Tornabuoni» ya que se encuentran perfectamente documentados. Os aseguro que me ha resultado más que emocionante seguir su pista por todo el mundo…

La Obra de Ghirlandaio

Permaneció en el Palazzo Tornabuoni de Florencia, su primer hogar, hasta que pasó a manos de la familia Pandolfini. Más tarde formó parte de la colección del barón Achille Seillière y la princesa Sagan en Francia. Sabemos que en 1878 se encontraba en Brighton, en la colección de Henry Willet, y que a principios del s. XX estaba en manos de Rudolf Kann, con el que no permaneció demasiado tiempo ya que en 1907 es el millonario americano J. Pierpont Morgan -fundador de la Banca J.P.Morgan y uno de los coleccionista de arte más importante de la historia- quien se hace con la obra. Se comentó que su deseo por la posesión de esta obra fue debido al recuerdo que la juventud y belleza del retrato le produjo de su primera esposa, fallecida de tuberculosis a muy temprana edad cuando apenas llevaban cuatro meses casados.

"West Room" podemos apreciar el retrato de Giovanna a la izquierda
El 219 de Madison Square hogar de Giovanna a principios del S.XX

De esta época es la imagen que muestro de la obra, donde podemos apreciar la obra expuesta en un caballete a la entrada de un gran salón y rodeada de otras obras de arte. La habitación es la “West room” del 219 de Madison Avenue, hogar de la familia Morgan en Nueva York.

Tras el fallecimiento de J.P Morgan su hijo vendió el cuadro en el año 1935, junto con otras piezas de la colección al barón Thyssen, padre del marido de Carmen Cervera.

El barón Thyssen lo trajo de vuelta a Europa, permaneciendo durante bastantes años en villa Favorita, una de las residencias del barón en la ciudad de Lugan o(Suiza). No puedo ni imaginarme la sensación que debe sentirse al entrar al salón de tu casa y encontrarte con semejante maravilla…

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Giovanna Tornabuoni

Pero, ¿quién era Giovanna Tornabuoni? Su nombre de soltera: Giovanna degli Albizzi, 8ª hija de un comerciante florentino que casó con Lorenzo Tornabuoni el 15 de junio de 1486, muy enamorada. Algo bastante inusual para la época, dónde los matrimonios se realizaban por conveniencia y sin amor. Su boda duró tres días con fiestas, bailes y banquetes, siendo una de las mas documentadas de la época. Sabemos que Giovanna se casó de blanco luciendo un esplendido peinado con costosos adornos. Llegó al Palazzo Tornabuoni acompañada por su padre donde fue recibida por su suegro. Entre los invitados la flor y nata de la sociedad florentina. Y como invitado de honor: Dn. Iñigo López de Mendoza, embajador de España.

Después del banquete todos los invitados se trasladaron a la plaza que había delante de la Iglesia de San Michele, y allí, en una tarima vistosamente decorada para la ocasión, se desarrollaría el baile. Los novios pasarían la noche de bodas en el Palazzo Tornabuoni en una habitación elegantemente decorada para la ocasión. La fiesta se prolongó por dos días más y el segundo día se unió al convite Lorenzo de Médici, primo de Lorenzo Tornabuoni y uno de los hombres más influyentes de la época. Le siguieron justas y torneos, que Naldo Naldi narró con todo lujo de detalle en sus crónicas.

Giovanna y Lorenzo tuvieron enseguida un hijo. Pero la alegría en la casa no duraría mucho tiempo. Giovanna fallecería apenas un año y medio después de la boda, cuando se encontraba embarazada de su segundo hijo. La pérdida de su bella esposa y el hijo que esperaban dejó a Lorenzo desolado, encargando al poco tiempo su retrato póstumo. Algo muy corriente en esa época.

El retrato de Giovanna Tornabuoni

El retrato de Giovanna es espectacular. No me extraña que todos sus anteriores dueños se enamoraran de ella nada más verla. Tener el privilegio de disfrutar de esta obra en tu propia casa debe ser algo inimaginable…

Giovanna luce bellísima, permaneciendo erguida y segura y transmitiendo una noble pose de serenidad. Su mirada firme y un tanto perdida en el infinito hacia lo que imaginamos como una ventana por la que penetra la luz. Una luz que ilumina su rostro, su pecho y sus ricos ropajes pero que deja sus manos en una suave penumbra.

Impresiona el gran contraste de coloridos: los negros con los amarillos, dorados, rojos y naranjas que consigue Ghirlandaio. En un principio la obra permaneció enmarcada en dorado, así aparece al menos reflejado en un inventario del Palacio Tornabuoni en 1498. Nos hablan de un retrato de Giovanna, colgado en la habitación de Lorenzo con una marco dorado. Pero en la actualidad la moldura que la enmarca es casi negra, resaltando sobremanera el dorado de su pelo y los dorados y rojizos de su ropaje.

El retrato posee un poder hipnotizador… Os aseguro que cuesta trabajo retirar la mirada de ella. Te atrapa.

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Como era de suponer, a mí los ojos se me fueron de inmediato hacia su broche. Una preciosa pieza de joyería que Ghirlandaio supo dibujar con delicadeza y mimo, colgándolo sobre su pecho mediante un finísimo hilo de seda.

Mi deseo al mirarla fue que se girara, para así poder contemplar su belleza al completo…

Vintage by López-Linares

Salí del Thyssen con el firme propósito de reproducir esa preciosa pieza que pendía de su cuello. Y eso es precisamente lo que hace que hoy traiga hasta nuestro espacio Vintage el colgante de Giovanna Tornabuoni.

Si vives en Madrid o piensas venir por aquí, no dejes de reservar un momento para visitar este magnífico retrato, considerado como “la joya de las joyas” de la colección Thyssen y una de las obras más emblemáticas del renacimiento italiano.

Por último os adjunto un vídeo de la fantástica conferencia que sobre la obra dio D. Guillermo Solana en 2009.

Y también  os dejo el link a esta preciosa joya: El colgante de Giovanna Tornabuori 

Perlas de agua dulce

Hoy os queremos hablar de las perlas de agua dulce. Ya sabéis que en nuestra colección de joyas utilizamos siempre las perlas de agua dulce, por eso queremos contaros un poquito más sobre ellas. Y si quieres visitar nuestras joyas puedes hacerlo en nuestra tienda online.

Las perlas de agua dulce

Es una concreción densa y brillante formada dentro de la concha de algunos moluscos que se utiliza como gema y se clasifica con las piedras preciosas. las perlas más finas (llamadas orientales)  las produce la ostra perlífera punto la perla está compuesta de conchiolina y carbonato cálcico ( en forma de minúsculos primas de calcita y aragonita)  que segrega el manto del molusco y que se deposita como nácar en muchas capas concéntricas finísimas rodeando alguna partícula extraña;  se piensa normalmente que es un grano de arena (Con lo que se obtiene la perla cultivada),  pero ahora se cree que puede tratarse de un tejido celular que provoca resistencia,  que se ha introducido naturalmente en la concha. La perla se fija al interior de la concha o se forma dentro del cuerpo del molusco. Los tamaños varían mucho, al igual que la forma, desde las mejores, que son esféricas, hasta las ovaladas o en forma de huevo o irregulares. los colores varían también, según el agua en el que se ha producido, desde el rosa a diversas tonalidades muy pálidas y a la negruzca, pero algunas se colorean artificialmente. las mejores muestras tienen un brillo satinado. Las perlas se utilizan como cuentas en el collar de perlas, suspendidas de broches, anillos, pendientes y colgantes y se montan en anillos, pasadores, broches… Probablemente la mayor perla redonda conocida es la Reina Perle, que pesa 111 gramos.

 

Variedades

Además de la ostra perlífera, hay perlas producidas por otros moluscos designándose generalmente con el nombre del mismo.

Taladro

Las perlas se suelen taladrar por el centro para ensartarlas o en una parte para montarlas en anillos colgantes etcétera.  casi todo el taladro de las perlas orientales se realizan Bombay por medio de un berbiquí de violín punto las perlas que hay que ensartar se perforan desde cada lado para conseguir un orificio recto. Las que se engarzan se taladran parcialmente y se pegan a un pasador metálico.

Precio

El valor monetario de una perla natural se calcula con el uso del sistema básico (método de la pesada). Los aljófares, por quilates u onzas. Y las cultivadas, antiguamente por el “momme”.

Perlas de agua dulce

Medidas

El peso de la perla natural se mide en granos, el de la perla cultivada antiguamente por el “momme”.  El tamaño de la perla circular se mide en milímetros.

Cuidado de las perlas

Las perlas son atacadas por:

  1. El ácido (como el de la piel o algunas lociones para el cabello o cosméticos) 
  2. La grasa, que entra en el orificio perforado por atracción capilar desde el hilo.
  3. Por la sequedad, por una atmósfera seca o un almacenamiento prolongado, que hace que se reduzca el contenido de agua y se agriete la superficie.

Es conveniente llevarlas puestas frecuentemente y que un joyero la ensarce de nuevo (utilizando un hilo de nylon y haciendo un nudo entre cada una de las perlas para impedir la pérdida si se rompe el hilo), así como su limpieza ocasional por un experto.

Perlas famosas.

Entre las más famosas perlas están: las perras de Hannover, la perla Hope, Las perlas de Mancini, las perlas ornage y la Peregrina. 

Perla barroca.

Perla natural o cultivada de forma irregular, formada por una ostra alrededor de alguna intrusión de forma irregular. Normalmente, estas perlas no son adecuadas para la joyería moderna, pero las perlas barrocas naturales se utilizaron en joyas renacentistas, en colgantes o en broches en forma de figura o animal de los que el cuerpo era la perla. La perla barroca probablemente más grande de las que se conoce es la perla de Asia y pesa 2420 granos. 

Perla Biwa.

Variedad de perla cultivada no nucleada producida desde la Segunda Guerra Mundial por medio del mejillón de agua dulce en el lago Biwa, Honshu, Japón. Gracias a la anatomía interna del mejillón, no es fácil insertar un núcleo extraño sólido, por lo que se inserta un pequeño trozo de tejido de la valva (que más tarde desaparece)  de otro mejillón en cada una de las diez a veinte incisiones afectadas en la capa del mejillón huésped, el cual, en un plazo de uno a dos años,  produce las perlas. son de color marrón o salmón y rara vez esféricas. se blanquean hasta conseguir un blanco brillante. El proceso se repite en algunos mejillones, produciendo perlas barrocas mayores y más oscuras. Desde 1958, se han producido también en Australia perlas cultivadas no nucleadas similares usando una variedad grande de ostra perlífera o madreperla.

Perlas de agua dulce botón.

Es un tipo de perla natural o cultivada plana por un lado o en forma de bollo. Se forma cuando la perla incompleta queda fijada en el interior de la concha y crece a partir de ahí, con depósitos posteriores de nácar, redondos por un lado, pero planos por el otro punto estas perlas se utilizan para pendientes, anillos gemelos.

Perlas de agua dulce cultivadas.

El sistema de provocar la formación de perlas esféricas parece que corresponde al japonés Tatshuch Mise. En 1904 concibió la idea de insertar una porción de epidermis del manto de la madreperla dispuesta en forma de núcleo esférico en el tejido conectivo de otra madreperla, para que dicho núcleo se revistiera de nácar al devolver el animal al mar. solicitó la patente en mayo de 1907, que fue denegada a punto cinco meses después, Tokicgu Nishikawa, Que había sido técnico de la oficina japonesa de pesquerías,  y estudió en Australia este problema, solicitó también una patente, que no le fue concedida hasta junio de 1916.

Kokichi Mikimoto,  que desde 1889 venía explotando ya la producción masiva de madreperlas, localizó cinco perlas esféricas a raíz de un desastre de marea roja que en 1905 destruyó más de 800.000 ejemplares, y se dio cuenta de cómo había de tratarse la colocación del núcleo. A partir de ese hallazgo, la cuestión quedaba resuelta.

Formas: redondas, semi redonda.  entre las no redondas: gota, oval, botón, gemelos, punta, círculo, semi barroca, barroca, muy barroca, fantasía, grano (amapola, semilla), media perla, tres cuartos.

Perlas de agua dulce

Perlas de Hannover.

Famoso collar de perlas compuesto originalmente por seis largos hilos de perla con 25 perlas de lágrima de gran tamaño. Su historia empezó cuando el papa Clemente VI lo regaló a su nieta, Catalina de Medicis por matrimonio en 1533 con el segundo hijo de Francisco I, el futuro Enrique II de Francia en 1558 pasó a María, Reina de Escocia, a quien se lo compró Isabel I.  En 1603 fue heredada por Jaime I quien la entregó a su hija, la princesa Isabel a su matrimonio con el rey Federico V de Bohemia. el collar pasó después a su hija, futura esposa de Jorge I de Inglaterra, y tras varias vicisitudes, lo encontramos figurando entre una serie de joyas que un famoso litigio puso en manos de la reina Victoria no obstante, no existe dato alguno de que el collar se encuentra entre las joyas reales y su paradero es desconocido.

Perlas de agua dulce

Perla Hope.

La mayor perla conocida de la época moderna. es prácticamente cilíndrica, con un ligero hinchamiento en el extremo. Mide 5.1 cm de longitud, 11.4 cm  de circunferencia en el extremo más grueso, 8.3 cm  en el más corto y pesa alrededor de 450 quilates (1800 granos de perlas).  es blanca con un fino Oriente excepto una cuarta parte que tiene una tonalidad bronce verdosa. Cuando estuvo en poder de Lord Henry Philip Hope antes de 1839,  fue montada bajo una corona de oro, esmaltada y con diamantes, rubíes, esmeraldas y zafiros. Aparte de la sugerencia de que tal vez haya sido una de las joyas de la Corona francesa, no hay datos sobre su historia posterior excepto una oferta de venta privada en 1974 por 200.000 dólares.

Perlas de Mallorca

Una variedad de perlas de imitación que se hacen en la isla de Mallorca. Algunas tienen la marca comercial registrada.

Perlas Mancini.

Una pareja de grandes perlas naturales, en forma de pera, que pesan más de 400 granos, engarzadas en un par de pendientes suspendidos de un ornamento floral con diamantes incrustados. Los anillos fueron un regalo de boda que Enrique IV de Francia y María de Medici hicieron en 1625 a su hija, La reina Enriqueta María de Inglaterra ( esposa de Carlos I).  conservó los pendientes, a pesar de sus necesidades económicas, hasta que al vivir en el exilio como viuda pobre tuvo que venderlas a su sobrino Luis XIV, que las entregó entonces a María Mancini,  sobrina del cardenal Mazarino. La joya estuvo en poder de varias familias italianas vendiéndose en Christie’s de Ginebra en octubre de 1969 Y de nuevo en Christie’s de Nueva York en octubre de 1979 al precio de 230.000 dólares. Las perlas han sido pintadas en muchos retratos de Van Dyck y otros. la mayor parte de la montura es moderna. 

Perlas de oro.

Es una técnica moderna de mediados de los años 1920-1929,  que produce perlas huecas sin soldaduras. Se consigue por la realización de tubos de oro sin soldadura, pasados por un troquel que disminuye su diámetro en los puntos adecuados. Se consigue así un tubo perlado que puede ser dividido en esferas separadas a través de una máquina laminadora de bolas. lógicamente si el tubo ha sido grabado u ornamentado con anterioridad, las perlas tendrán la superficie decorada.

Amatista: La piedra del mes de febrero

Hoy queremos hablaros de la amatista, que es la piedra natal del mes de febrero. Y, además, es la gema morada más popular del mundo. De hecho, hasta el siglo XVIII la amatista era una de las cinco piedras preciosas principales: diamante, esmeralda, rubí, zafiro y amatista. 

Aunque antes de 1912, las piedras que se asociaban a este mes eran la amatista pero también el circón y la perla. A día de hoy, es la amatista quien ha ganado la batalla, y es considerada y aceptada como la piedra natal de este mes. Pero no solo eso, sino que también está asociada astrológicamente con el signo Piscis (19 de febrero – 20 de marzo).

Amatista en la naturaleza.

Esta piedra se presenta en tonos primarios desde un lavanda claro o un violeta pálido hasta un morado intenso. La amatista puede exhibir uno o ambos tonos secundarios: el rojo y el azul. El púrpura contiene la energía y la fuerza del rojo, así como también la espiritualidad e integridad del azul.

Y luego esta el Ametrino, que es la mezcla de amatista y citrino con su típica tonalidad de color. Que por cierto, nos ha parecido maravillosa, y ya estamos poniendo el ojo en diseñar algún pendiente con esta preciosa variedad. ¿Os gustaría? 

Las amatistas de alta calidad se pueden encontrar en Siberia, Sri Lanka, Brasil, Uruguay y el Lejano Oriente. Podemos encontrar diferentes colores de amatista según el lugar donde proviene la piedra. Por ejemplo, la “amatista siberiana” (una de las más caras del mercado) es una variedad color púrpura muy intenso con destellos rojizos y azulados. En África, Brasil y Uruguay encontramos los yacimientos más importantes, y la tonalidad de la piedra más intensa. La “Rosa de Francia” posee un color lila pálido, muy común en el mundo de la joyería. 

La historia de la amatista

El nombre de amatista proviene del griego ​​AMETHYSTOS, que significa “no intoxicada” o “sobria”. ¿A qué se debe este nombre? Se dice que tiene este nombre por el color de la piedra. Un color que nos recuerda al del vino rebajado con agua, para limitar su poder embriagador y evitar los efectos negativos. 

Los griegos nombraron esta piedra con la antigua creencia de que al usarla, o al beber de una copa tallada con ella, los protegería de embriagarse. O que actuaría como un antídoto contra la intoxicación, posiblemente debido al parecido de color entre la amatista y el vino. Exactamente lo mismo sucedió con los Romanos que usaban copas talladas con ella por este mismo motivo. También se creía que mantenía la lucidez y el ingenio en los negocios y la batalla, y es por este motivo que los soldados de la Europa medieval usaban la piedra natal de febrero como un amuleto protector.

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La piedra natal de febrero en diferentes culturas.

Mitologia Griega.

Cuenta la mitología griega que Dionisio, el dios griego del vino (conocido como Baco en la mitología romana), fue insultado por un mortal. En su ira, juró matar al siguiente mortal que se cruzase por su camino con una manada de tigres salvajes que él mismo crearía. Trágicamente, esa mortal fue Amethystos, una hermosa y joven doncella que se dirigía a rendirle tributo a Artemisa (la diosa de la cacería, la naturaleza, los animales salvajes, la luna y la castidad)

Parece que Artemisa sintió pena por Amethystos, por lo que la convirtió en una estatua de cuarzo cristalino puro. Para así protegerla de las garras de los tigres de Dionisio. Al ver la belleza de la estatua, Dionisio lloró lágrimas de vino, manchando el cuarzo, y dando así a la amatista su característico color púrpura. 

La era Romana.

En esta época, esta piedra fue asociada con Neptuno, así como con San Valentín, el santo del siglo III y modelo del amor cortesano. Que, como ya sabéis se celebra el 14 de este mismo mes. Se dice que San Valentín llevaba un anillo de amatista grabado con la imagen de Cupido. 

La tradición cristiana. 

En la tradición cristiana, la piedra natal de febrero (y el color púrpura) simbolizan la realeza y el clero, particularmente los obispos, quienes usan amatistas en sus anillos eclesiales para protegerse de intoxicaciones místicas. Además, las amatistas son conocidas por adornar las copas de vino del clero y la nobleza por igual, para protegerlos de la intoxicación alcohólica más común.

El antiguo egipto.

Para los egipcios, la amatista era conocida como hemag. Es mencionada en el Libro de los Muertos, donde dice que es tallada en amuletos en forma de corazón y colocada dentro de los sepulcros.

Oriente. 

​​En las filosofías orientales, la amatista se ha usado durante mucho tiempo en ofrendas en templos. Y para crear rosarios con cuentas. Aún a día de hoy, los tibetanos consideran la amatista como sagrada y tallan sus cuentas de oración con ella.

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Propiedades de la amatista.

Dicen que la amatista representa el talento artístico, la sensibilidad, el carisma, la audacia y el amor profundo. Aspectos característicos de los nacidos en febrero.

Se dice que es un tranquilizante natural, que calma la mente y ayuda a dormir y conseguir un sueño placentero. Esta piedra puede romper patrones de pensamiento ansiosos o adictivos. Su alta vibración bloquea las energías negativas y estresantes y estimula la serenidad de la mente.

Además, la piedra natal de febrero tiene una conexión con la convivencia. Se suele regalar en el 6º aniversario de bodas. 

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Esta es la preciosa piedra del mes de Febrero, el segundo mes del año, marcado por la celebración del día de los enamorados. Nosotras creemos que sería un precioso regalo, no solo para las nacidas este mes, también para celebrar el amor en pareja con un pequeño detalle sorpresa. O celebrar ese sexto aniversario de convivencia o relación, que siempre dicen que es tan significativo dentro del largo camino en el que seguro nos gustaría mantener nuestra relación.

Os dejamos algunos ejemplos de joyas realizadas con esta magnifica piedra que estamos seguras os van a sorprender. Si estás pensando en ampliar vuestra colección de joyas con una realizada con amatista, queremos recordarte cómo limpiar esta piedra. 

Puede limpiarse de manera segura, simple y efectiva con agua jabonosa tibia y un cepillo suave, como un cepillo de dientes. Con mucho cuidado y delicadeza. 

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Pendientes Cecilo Amatista
Pendientes Charlotte Amatista

Damasquino: Diccionario Vintage con la «D»

El damasquinado – Artesanías de Toledo

Toledo es, sin duda, el centro mundial en la producción de artesanía damasquina, y el lugar en el que aún se pueden encontrar la mayor cantidad de comercios dedicados, casi por entero, a realizar y comercializar piezas con esta técnica milenaria, el damasquino.

El Damasquino, también conocido como «el oro toledano», se basa en la incrustación de metales nobles, tales como el oro y la plata, sobre otros más comunes, como el hierro y acero pavonado. Es una técnica que se utiliza para decorar no solo joyas sino multitud de objetos de diversos usos. La técnica suele heredarse de padres a hijos, generación tras generación.

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El proceso es muy lento y laborioso. Hay que dar forma a la pieza primero en hierro y posteriormente la pieza se marca con unos surcos, líneas y formas, para trazar el diseño deseado. Para después incrustar el hilo de oro o plata con un pequeño punzón.

Después, la pieza se introduce en el fuego, lo que provocará la oxidación del soporte y le dará el característico tono negro. Luego nos queda raspar, bruñir, pulir y rematar la pieza hasta que adquiera toda la belleza en las luces y las sombras de los diversos reflejos del metal.

En joyería es muy corriente encontrarlo en colgantes, pendientes, anillos y collares.

Imágenes de María Vintage Photography realizadas en Damasquinos A.Serrano- casa fundada en 1912.

Ada Lovelace, madre de la programación

Las matemáticas y la informática moderna le deben mucho a la británica Ada Lovelace (1815-1852). Considerada la primera mujer programadora de la historia y, para muchos, madre de la programación. Como era de esperar, Augusta Ada Byron, hija del prestigioso poeta inglés Lord Byron, no obtuvo reconocimiento por su trabajo hasta el siglo XX, cuando aparecieron los primeros ordenadores y lenguajes de programación.

¿Quién fue Ada Lovelace?

Hoy en día, Ada Lovelace es considerada una figura clave en el mundo de la tecnología. Por ejemplo, en 1979 un lenguaje de programación fue bautizado con su nombr. Pero es importante recordar que en la época en la que vivió no pasó de ser considerada una asistente de Charles Babbage, el brillante matemático que desarrolló lo que podría denominarse como el primer ordenador.

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Se trataba de una máquina que hacía cálculos algebraicos y que eliminaba los errores que las personas encargadas de hacer esos trabajos solían tener. Interesada por el proyecto de Babbage, Ada fue mucho más que una asistente, y se unió a él para ayudarle no solo a investigar, sino a promover la máquina, desarrollando estudios propios desde un punto de vista original y práctico.

Si buscamos una posible explicación del por qué la hija de un eminente poeta se encaminó hacia la tecnología, habría que reparar en la influencia de la figura materna. Fue la baronesa Anna Isabella Noel Byron quien siempre quiso que el interés de su hija se dirigiese hacia la ciencia, y no en dirección al campo de las letras. Tal vez para que no tomara como modelo a su particular progenitor. Este murió siendo Ada una niña cuya buena disposición hacia la lógica y las matemáticas era más que evidente para sus tutores. Pero jamás se desligó de la figura paterna, y se consideraba a sí misma científica poetisa.

Vida adulta de Ada Lovelace

En 1835 se casó con William King. Y poco después se convirtió en condesa de Lovelace, título que utilizó durante el resto de su vida y con el que es conocida en la actualidad. Tuvo tres hijos y una intensa vida amorosa que dio lugar a numerosas especulaciones sobre adulterios. Ada era, al fin y al cabo, hija del apasionado y excéntrico Lord Byron, y de él heredó parte de esa personalidad poco común que tanta fama le granjeó.

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Un cáncer de útero acabó con la vida de la británica en 1852. Interrumpiendo así una brillante carrera. Tenía tan solo treinta y seis años. El deseo de Ada, que en los años previos a su muerte se volvió muy religiosa e incluso se desligó de la vida que siempre había llevado –seguramente influida por su madre, quien estuvo ese tiempo atendiéndola–, era ser enterrada junto a su padre, que curiosamente también murió en torno a esa edad, en Nottingham.

En su honor se celebra, a mediados de octubre, un evento que ensalza la aportación de las mujeres en campos como la tecnología, la ciencia, la ingeniería y las matemáticas. Una manera más de reconocer que el género poco puede hacer cuando vocación y talento se unen.

María Vintage Photography y Wikipedia.

Texto de @Esther Ginés 

La historia del árbol de Navidad

Pues nada, que ya tenemos aquí la Navidad.

Las calles de todas las ciudades del mundo se llenan de lucecitas de colores, arbolitos decorados y se respira un espíritu navideño allí por donde vayas. Todo huele a frio, abeto, muérdago y mazapán…

Yo tengo la costumbre de decorar mi casa todos los años en este puente de diciembre. Cuando mis hijos eran pequeños solíamos ir a la Plaza Mayor, lugar en el que todos los años comprábamos una figurita nueva para el belén. Era una tradición. Tengo un belén de cerámica desde que era pequeña que he ido completando año a año con unas figuritas muy graciosas, con una carita muy entrañable que a mí me han encantado desde niña. Soy una sentimental, lo reconozco…

También decoramos el árbol. Hace muchos años invertí en un árbol precioso, totalmente artificial. Reconozco que no hay nada como un árbol natural, pero me da dolor solo pensar en cortar un pino para ponerlo en mi recibidor, viendo cómo cada día pierde un montón de hojas a causa de la calefacción. Durante un par de años compré un árbol con maceta para replantarlo en la casa de la Sierra al terminar las fiestas, pero ninguno consiguió sobrevivir más de unos meses. En cuanto llegaba el calor todos se secaron. Al final, cada año saco mi árbol artificial y lo decoro sin remordimiento de ningún tipo.

Este año me ha dado por ponerlo de lo más tradicional: rojo y verde son mis colores elegidos. Quería recordar mis navidades de pequeña y esos tonos son lo que más me recuerdan a estas fechas.

No sé por qué me picó la  curiosidad mientras lo montaba: ¿alguien sabe de dónde viene esta tradición?, ¿cuándo se montó el primer árbol de Navidad en España?

Pues la tradición viene del norte de Europa, más concretamente de la Alemania del S.XVII. Desde allí paso a Finlandia y a los países nórdicos. A Estados Unidos llegó a finales del S.XVII, llevado por los alemanes hessianos durante la guerra contra George Washington.

A Inglaterra llegaba a mediados del S.XIX, y parece que el primer árbol lo vieron en el Castillo de  Windsor en 1841, bajo el reinado de la Reina Victoria.

Nosotros vimos un árbol de Navidad por primera vez gracias a una aristócrata rusa que trajo consigo la tradición a España: Sofía Troubetzkoy, que después de enviudar del duque de Morny, hermanastro de Napoleón III, contrajo segundas nupcias con el aristócrata español Pepe Osorio, el Gran Duque de Sesto y Marqués de Alcañices, uno de los mayores promotores de la Restauración borbónica que permitió a Alfonso XII reinar, tras el exilio de su madre Isabel II.

Parece ser que la primera vez que se colocó un árbol navideño en España fue en Madrid, durante las navidades del año 1870, en el desaparecido palacio de dichos nobles: el palacio de Alcañices, ubicado en el Paseo del Prado esquina con la calle de Alcalá, 4, en el solar actualmente ocupado por el Banco de España.

Sofía Troubetzkoy era una mujer de enorme belleza, que todo lo que hacía o se ponía se convertía en moda al instante. Trajo esa tradición consigo y decoró su palacio para envidia y deleite de toda la aristocracia española de la época, siendo imitada por todas las damas que querían ser tan modernas y chic como ella.

Pues aquí me tenéis a mí… imitando a Sofía Troubetzkoy. Este fin de semana me he sentido como una autentica aristócrata, decorando mi hogar con todos los detalles navideños que hacen que cada uno de los hogares en el mundo sientan el calor de estas fechas de rencuentro, ilusiones y deseos compartidos.

¡Os deseo unas felices fiestas a todos!

Diccionario Vintage: Con la «G» El Arte de la Glíptica.

 

Glíptica es el arte de realizar grabados en general y de tallar gemas en particular. La palabra glíptica viene del griego “Glifo”, que significa esculpir.

Para hacer este  trabajo se usan dos técnicas diferentes: una es el “intaglio” que se graba en hueco, profundizando en la piedra desde la superficie hacia el interior, y la otra es el “camafeo”, cuya talla es en relieve. Con esta técnica del camafeo, el resultado es una figura grabada en relieve sobre una piedra preciosa, cuyo fondo, casi siempre, es más oscuro que el motivo grabado.

Es una técnica antiquísima que han practicado casi todas las civilizaciones antiguas. Se tienen noticias de su uso en Babilonia 7000 a.C., encontrándose numerosos grabados en piedras blandas como la serpentina, lapislázuli o las turquesas.

anillo akenaton XIII aC

Los egipcios también usaron esta técnica en anillos y joyas, que al principio eran muy rudimentarias. Más tarde, a partir de 1500 a.C,  se perfeccionó la técnica gracias al uso de la  broca y el torno, comenzándose a  tallar en piedras más duras como el rubí o el zafiro.

A partir de 500 a.C., Grecia y Roma también utilizaron mucho esta técnica de tallado, apareciendo el camafeo jugando con las formas, los colores y las transparencias de las piedras. Los griegos buscaban la pureza de las formas y sus contrastes, y los romanos buscaban más hacer resaltar las transparencias y los tonos de las piedras.

Después del imperio romano este arte casi desaparece, y será  a partir del  siglo VIII cuando los carolingios volverán a emplear esta tecnica en sus anillos tipo sello, con el tallado de emblemas y escudos familiares, que luego se extenderá su uso durante toda la edad media.

anillo egipcio XVIII aC

Es en el Renacimiento, XV-XVII, cuando este arte alcanza su máximo eslendor, siendo Paris el centro y seguido por Italia.

Mas adelante, será en las épocas Victoriana y Eduardiana cuando el camafeo tenga su mayor florecimiento, combinándose con piedras preciosas, plata y oro, obteniéndose verdaderas obras de arte.

En la actualidad se utilizan para el tallado toda clase de piedras, predominando entre todas la ágata por su  variedad de tonos. Idar Oberstein ( Alemania), donde se encuentran grandes minas de ágata, se ha convertido en uno de los centros de tallado más importante de Europa.

Imágenes:

http://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/26.7.767/

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Idea Vintage – Gargantillas de encaje

Este mes os traigo una idea Vintage muy de moda en esta temporada, que nos  demuestra que todo vuelve y que los grandes modistos encuentran su máxima inspiración en el pasado.

El vulgarmente conocido como “collar de perro” o “choker”,  una gargantilla pegada al cuello que los grandes modistos han presentado en muchos de los desfiles de esta última temporada, tiene su inspiración en la moda francesa del S.XVIII.

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Hay muchas anécdotas y leyendas que rodean la aparición de este favorecedor complemento. He leído que las mujeres francesas se colocaban una pequeña cinta roja, algunas veces haciendo forma de cruz en el cuello, en recuerdo de sus familiares y amigos muertos en la guillotina. También fue costumbre que las prostitutas llevaran una pequeña cinta de terciopelo negra al cuello, para distinguirlas de las mujeres de buena vida.

Lo que es seguro es que la gran Maria Antonieta, todo un icono de la moda de ese siglo, ya las lucía en algunos de sus más famosos retratos.

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Terminado el S.XVIII, las mujeres  de la época Victoriana comienzan a usarlas como símbolo de riqueza, adornando estas cintas con llamativos broches de perlas y piedras preciosas.

Yo hoy os traigo parte de la colección de collares de encaje que tenemos este invierno en la tienda. Muchos de ellos llevan pequeños camafeos, muy de moda en la estética victoriana, desde que la  siempre elegante Reina Victoria recuperara esta tradición y comenzara a lucirlos en muchas de sus joyas.

Aunque las novias no suelen lucir collares y yo, la verdad, no soy muy partidaria de ellos para el vestido de boda, sí son un complemento perfecto para las invitadas.

A mí me gusta mezclarlos mucho con prendas menos vestidas para darle un toque un poco más informal.

¿Soléis usar collares en las bodas?

¿Qué os parecería llevar uno de estos de encaje?

Os dejo el link a la web con parte de nustra colección de collares de encaje 

Charlotte Von Hagn, la gran dama de la escena.

Desde muy jovencita, Charlotte plantea a sus padres que quiere ser actriz, algo a lo que ellos se oponen por completo. De una joven de clase alta, era hija de un acaudalado empresario alemán, lo que se esperaba era que se casara con un hombre con clase y poder y llevara una vida recatada y convencional. Lo normal en la alta burguesía alemana de la época.

Su primera aparición en público fue en el magnífico teatro de Múnich, resultando todo un éxito. A partir de ese momento, la fama de Charlotte se extiende por todas las ciudades de Europa. Era una mujer que poseía un encanto natural que atraía a todo el que la conocía. En 1848 se casa y se retira por un tiempo de los escenarios. Desafortunadamente tres años más tarde se divorcia, volviendo de nuevo a su profesión.

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Tuvo una intensa aventura amorosa con Franz Liszt, el cual la llamaba amistosamente “La concubina de dos reyes”, ya que también tuvo un romance con el rey bávaro Luis I.

El retrato que hoy os traigo fue pintado por J. Stieler en 1827, y nos muestra a Charlotte cuando tenía apenas 18 años. Lleva un precioso vestido de seda blanco con amplio escote y un precioso remate de armiño. Este detalle le proporciona al traje un toque majestuoso. La bella joven acompaña el arreglo con un fantástico aderezo de perlas y oro, que completan este grandioso look.

Está claro que la joven quería mostrar no solo su belleza al mundo, también quería que se viera que era una mujer rica y exitosa.

La actriz, todo un carácter en la época,  murió en Múnich  a la edad de 82 años.

Diccionario Vintage: Con la «P» Perlas Barrocas

Así es como se llama en Portugal a esta clase de perla de forma irregular. En España se las llama “Barruecas”.

Precisamente de esta palabra portuguesa viene el término “Barroco”, con el que se designó al estilo artístico posterior al Renacimiento al que se consideró un arte exagerado, recargado y caprichoso.

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Estas perlas se forman de la misma manera que todas las perlas naturales. El proceso comienza cuando en el interior de un molusco se introduce una partícula extraña; entonces el animal reacciona produciendo y cubriendo al intruso con una sustancia compuesta de cristales de carbonato cálcico y una proteína llamada conchiolina, que es lo que vulgarmente llamamos nácar o madreperla. La naturaleza crea las perlas con una forma perfectamente redonda, pero también a veces es caprichosa y las perlas presentan en su forma algunas irregularidades. Estas son las perlas barrocas. Menos apreciadas que las redondas, pero algunas de ellas tan curiosas y peculiares que llegan a tener un valor incalculable.

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Las perlas barrocas tienen algo que no poseen las perlas convencionales, y es que no hay dos perlas barrocas iguales. Llevar una joya con estas perlas supone llevar algo totalmente exclusivo y único. A mí personalmente, las perlas barrocas me gustan muchísimo, las encuentro mucho más originales, desenfadadas y divertidas. Parece que tengan vida.

A lo largo del tiempo se han encontrado ejemplares de perlas barrocas impresionantes y de un valor incalculable; como por ejemplo: la perla Gogibus (siglo XVII), la perla de Asia (siglo XVI), la perla Hope y otras muchas, a cual más bonita.

 

Frederick Boucheron

Una firma de joyeros franceses fundada en 1858 por Frederick Boucheron.

Frederic nace en 1830 dentro de una familia de pañeros francesa. Desde muy joven

quiso ser joyero y a la edad de catorce años ya  trabaja como aprendiz con el joyero Jules Chaise y  más tarde con el joyero Tixiar Deschamps.

Era el año 1858 Paris se encuentra en pleno florecimiento tras las desgracias del la primera mitad del siglo XIX; sus avenidas y bulevares se ensanchan, el teatro, la ópera  y los caros restaurantes, se llenan de una alta sociedad  que está deseosa lucirse, y disfrutar del lujo. Boucherón  con un gran sentido comercial,  abre su primera tienda en la galería de Valois del Palacio Real , donde pronto  crea su propio taller y atrae la atención con sus diseños, cosechando un éxito inmediato.

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Frederic  en sus creaciones se inspira en el arte etrusco, romano y egipcio dándoles un estilo muy especial. Sus escaparates son realmente muy diferentes a los de las otras joyerías. Boucherón consigue crear moda y los encargos llueven en su taller.

Su gran amor por la naturaleza le inspiraba en sus obras de tal manera, que flores de cardo, hojas de plátano, ramos de flores se convierten en  fantásticas gargantillas y collares…. Fue el primero que lanza al mercado  maravillosas joyas  realizadas con la técnica de esmaltado “plique-a-jour”, tan utilizada años más tarde en el Art Nouveau.

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En 1867 es galardonado con  la medalla de oro en la Exposición Universal de París,  y de 1878, recibe también entre otros muchos premios, el diploma de Honor en Viena.

En 1880 lanza el reloj de pulsera  para mujer, convirtiéndose  desde entonces en un  icono de la marca.  En 1893  se instala de forma definitiva, en la Place du Vendome. Es el primer joyero de Paris que se establece en esta Paza, la cual desde entonces se convierte en el epicentro del lujo parisino.

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Frederick se convierte en el joyero de moda de todas las bodas fastuosas de la época; novios, novias y asistentes son engalanados con las creaciones de Frederick Boucheron. En estos años finales de siglo, en pleno apogeo del Art Nouveau , Boucheron lanza una fantástica colección de piezas inspiradas en animales: serpientes con ojos de rubíes, tortugas con caparazón de cuarzo rosa, camaleones con la piel repleta de piedras preciosas.  El zar de Rusia, Nicolass II encarga a Boucherón una corona como regalo de compromiso para su futura esposa Alexandra, y es tal el éxito de la corona, que pronto ha de abrir una tienda en Rusia para atender la demanda de pedidos que se producen. En Paris  pasan por su tienda toda clase de altas personalidades , tanto de la realeza, como actores de cine, teatro, políticos  etc..

Frederick Boucheron muere en 1902, y es su hijo Louis Boucheron quien se hace cargo del negocio, que  al año siguiente, abre tiendas en Nueva York y Londres. Louis con buen instinto comercial sabe atender la demanda que en ese momento existe en la alta sociedad por todo lo exótico y oriental, y crea colecciones de joyas evocando esos países, llenando sus creaciones de gran colorido ganándose  por ello el  título de “ el joyero de las mil y una noches”.

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Podemos decir que Boucheron es el creador de la feminidad en la joyería. Con sus creaciones conquista y sigue conquistando a las mujeres de todo el mundo.

Imágenes y Bibliografía:

http://eu.boucheron.com/en_eu/

 

 

 

 

Domenico Ghirlandaio y su Madona in Trono

Un increíble broche de lapislázuli y perlas abre nuestra temporada de joyas históricas este otoño.

La joya fue pintada por Doménico Ghirlandaio entre 1884 y 1486, para decorar  el altar mayor de la Iglesia de San Justo de Florencia. Se trata de una pintura al temple sobre tabla, con un  tamaño de  190 x 200 cm. Esta iglesia, que estaba en extramuros, fue destruida durante el asedio en 1529 de las tropas imperiales españolas a la ciudad. Pero gracias a la intervención de los frailes del convento de San Giovanni Battista della  Calza, la tabla ha podido llegar hasta nuestros días.

Ellos la rescataron y la mantuvieron a buen recaudo, hasta que en 1853 pasó a la Galeria de los Uffizi donde hoy podemos disfrutar de ella.

La obra es una “Sacra Conversazione” (Sagrada Conversación)”, nombre que se le da este género pictórico, muy habitual en la pintura religiosa flamenca y en el renacimiento italiano. La Virgen con el Niño está sobre un trono rodeada de santos, con los cuales mantiene una “conversación” o una relación relajada. Es una composición piramidal, llena de armonía y equilibrio, tanto en los volúmenes como en los colores, que Doménico mezcla magistralmente.

Es una obra típica de Ghirlandaio. Una demostración de su detallismo, que podemos apreciar en detalles como los mantos de los dos obispos, la alfombre, el friso de la arquitectura que rodea al trono de la Virgen o las rosetas que adornan la parte interna de la bóveda del trono. Y, por supuesto, en nuestro precioso broche de lapislázuli y perlas.

Cuando miras el cuadro, es inevitable que el primer sitio adonde se vayan los ojos sea a la Virgen con el Niño. Y, en mi caso, por supuesto, al precioso broche que lleva la Virgen.

Mi deformación profesional me lleva a examinar al detalle todas las joyas que encuentro en cada una de las exposiciones que visito, o en las numerosas horas que paso navegando por Internet en busca de alguna pieza que llame realmente mi atención.

La Virgen y el Niño son los personajes principales, no dándonos casi cuenta de que Doménico los pinta en un tamaño un poco mayor. Pero es tanta la armonía con los demás que apenas se aprecia. También nosotras hemos realizado el broche de un tamaño un poco mayor a lo que solemos hacer, para de esta manera continuar un poco con la idea que tenía el artista de darle más importancia al personaje de la Virgen.

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La Virgen Maria también lleva sobre sus hombros un manto donde, a la derecha, se ve una estrella dorada, antiguo símbolo de la Gracia Divina, es la “llena de gracia”. La Virgen, sentada en su trono, lleva sobre sus rodillas al Niño Jesús, que con la mirada trata de entablar relación con los dos obispos.

Los obispos que acompañan a la virgen son San Zenobio, obispo y patrón de la ciudad de Florencia, y San Justo, titular de la iglesia. Hay otras dos figuras destacadas a cada lado de la Virgen, son  dos arcángeles: el que está a la derecha de María es el arcángel San Miguel, vestido de guerrero con una magnifica armadura y espada, es el príncipe de la milicia celestial, el defensor del pueblo de Dios contra el demonio, el que vence a Lucifer y a sus seguidores con su espada de fuego. Ghirlandaio logra dar a la armadura un efecto perfecto, metálico y dorado, en sus adornos.

En el lado derecho se encuentra el arcángel San Gabriel con una rama de lirio en la mano. Es el arcángel mensajero de Dios, que anuncia a María que va a ser la Madre. A este arcángel siempre se le representa con el lirio que simboliza la pereza, la virginidad, la inocencia, el amor y la armonía, cualidades que poseen la Virgen y el arcángel.

Detrás de los arcángeles hay cuatro ángeles y detrás del trono unos árboles simbólicos: el naranjo con sus frutos simbolizando la fertilidad y la pureza; el granado que simboliza la realeza y los cipreses que simbolizan la inmortalidad y la santidad.

Sin lugar a dudas una magnífica obra que me encantaría ver de primera mano de nuevo. De momento, por si no la habéis visto, os dejo unas cuantas fotografías para que aprecies mejor el detalle y, por supuesto, una foto del broche del que os he hablado.

Espero que os guste mi joya histórica de este mes de septiembre.

 

Marie Grafin zu Munster

Marie Grafin, condesa de Munster, fue la hija del diplomático George zu Munster, embajador del reino de Hannover en San Petersburgo entre 1857 y 1865, y años más tarde embajador del reino Alemán en Londres e Inglaterra.

Maríe vivió siempre al lado de su padre y lo acompañó durante toda su carrera política. Mujer por lo tanto de culta refinada y muy acostumbrada a las relaciones sociales. Henry Buon Hente así la representa en este oleo pintado en 1890. Marie lleva un vestido negro brocado de tarde-noche, abrazando a su  mascota Dandy, quedando de este modo reflejado el lado cálido y tierno de la condesa.

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Es un vestido muy de la época de finales del siglo XIX. El cuerpo ceñido lleva escote en V, adornado por  un grupo de insectos dorados que cruzan en diagonal el pecho. El escote queda realzado por unas bandas delgadas de tela transparente que pueden  ser de tul o de  gasa  negra, las cuales dan un toque muy glamuroso al vestido. Las mangas casquillo reposan sobre la parte alta de sus largos brazos desnudos, y el cinturón  con el broche dorado posiblemente a juego con los peinecillos de la cabeza hace resaltar la figura esbelta y delgada de Marie. En su escote luce una pequeña colección de brochecitos en forma de insectos.

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Como mujer joven que era no lleva demasiadas joyas y sus cabellos rizados los recoge en un moño alto, al cual rodea con una cinta negra adornada con unos sencillos detalles dorados.

Es una bella imagen de una gran dama de finales del siglo XIX, que ocupa nuestro espacio Vintage en este mes de julio.

El vestido de novia usado por Katherine Phillips

El vestido de novia usado por Katherine Phillips (1848-1911) cuando se casó con Robert Fulton Leaman (1841-1887) el 22 de abril de 1875, fue creado por Charles Frederick Worth (1826-1895).

Worth está considerado el primer gran modisto de la historia, y elevó el trabajo de las moditas y costureras a la categoría de obra de arte. Desembarcó en París después de siete años de formación en Londres, siendo un auténtico pionero para su época. La primera persona que firmaría sus prendas como verdaderas obras de arte y el primer modisto en crear una colección anual de ropa, algo que le permitió vestir a las grandes damas de la época, con diferentes modelos cada año.

Un innovador que consiguió que sus clientas vistieran de acuerdo con sus gustos y diseños, cambiando la costumbre de que fueran las mujeres las que decidieran cómo serían sus trajes, y a cambio las ofreció una colección completa de trajes desde la mañana hasta la noche.

Worth se convirtió en muy poco tiempo en el más codiciado modisto de París. Su reputación se vio izada al estrellato cuando comenzó a vestir a la elegante esposa de Napoleón III, la emperatriz Eugenia, este hecho hizo que muchas mujeres de todo el mundo quisieran también vestir sus creaciones.

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Así fue como la rica estadounidense, que ocupa nuestro blog hoy, viajara a París a hacer las compras para su vestido de novia y su ajuar.

No había en esa época en París otro modisto de la categoría de Worth, para realizar un exclusivo y elegante traje de novia para una rica joven americana.

El vestido de Katherine Phillips se realizó en faya de seda – una tela finamente acanalada con menos brillo que el satén.

Worth no era muy amante de llenar los trajes de novia de encajes y puntillas, a cambio de esto embelleció la falda con una capa de seda pura en forma de guirnaldas, recogida en pequeñas rosetas de la misma tela transparente. La falda encaja suavemente sobre las caderas y está llena de pliegues elegantemente colocados, estos caen en forma de abanico sobre su figura.

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Katherine Phillips era nativa de Cincinnati, hija de Thomas Phillips, un acaudalado comerciante de hierro. Por el contrario su esposo Robert Fulton Leaman, había nacido en Bucks Country, Pennsylvania, pero se trasladó a Ohio, al norte de Cincinnati, cuando era un niño. Robert interrumpió sus estudios de derecho para servir en la Guerra Civil con el 131 Regimiento, división de infantería voluntaria de Ohio.

Después de la guerra, hizo su fortuna en la edición de libros, pero murió a la temprana edad de 46 años dejando a su esposa al cuidado de sus cuatro hijos.

Este mes hemos tenido en el blog un precioso traje de un creador inglés afincado en París. Un artista que consiguió llevar sus diseños hasta tierras bien lejanas, y que sigue siendo motivo de estudio en las mejores escuelas de moda del Mundo.

Imágenes:

@ The MET 

@ Wedding Perfection- Two Centuries of wedding Gowns- Cynthia Amnèus.

@House of Worth