“La dama del collar de coral”

Me quedé prendada de su vestido verde, de los preciosos lazos que lo decoran y de la soberbia puntilla de encaje de Bruselas increíblemente bien pintada, pero sobre todo y ante todo me enamoró del impresionante collar de coral piel de ángel y perlas.

Nada más ver este retrato recordé una de las piezas de nuestra colección victoriana, e inmediatamente decidí que tan ilustre dama quedaría incluida en  nuestra sección de “Grandes Damas de la Antigüedad” en el mes de noviembre.

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Aunque me quedará siempre la duda de conocer algo más sobre ella, sí he conseguido averiguar que el maestro que la pintó no fue otro que François-Hubert Drouais, pintor francés del S.XIX que se caracterizó por sus retratos en la corte de Luis XV.

Drouais nació en París y era hijo del también pintor Hubert Drouais, famoso por sus retratos en miniatura. Drouais fue entrenado por su padre y por otros pintores de renombre. Pronto se convirtió en miembro de la Academia y expuso su obra con regularidad.

No solamente retrató a la mayoría de las principales figuras de su época, entre ellos el rey, sus dos amantes más famosas: Madame de Pompadour y Madame du Barry y sus dos hijos, los futuros Luis XVI y Luis XVII. Drouais fue asiduo en los salones de baile y retrató a importantes artistas y destacados miembros de las clases profesionales.

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Drouais  se hizo así mismo popular por sus retratos de aristócratas vestidos con traje rústico, una moda muy en boga en esos años, y por sus representaciones de niños, a menudo en entornos paisajísticos. Esto, junto con su técnica depurada, su pincelada fluida y los vivos colores de su obra, son sus sellos de identidad.

François-Hubert Drouais ha tenido varias exposiciones en galerías y museos, incluyendo el Museo de Arte de Portland, Oregón, y su obra puede disfrutarse en los mejores museos de pintura del mundo.

Algunas de sus obras se han rematado en subastas por más de  $150.000.

Pero yo hoy me quedo con su “Dama con collar de coral”, y os invito a disfrutar de tan magnifica joya y os invito a pasar por nuestra tienda online a disfrutar de nuestra colección de camafeos y coral. 

Un traje de novia color maiz, un referente en el S.XIX

Elizabeth Kissam (1844-1902), hija de un comerciante del centro de Nueva York, contrajo matrimonio con Henry De Bus natural de Ohio en pleno S.XIX. Su futuro suegro poseía negocios de fabricación de alambiques, cubas y cisternas de los que Henry se haría cargo al poco de volver de la guerra civil y casarse con Elizabeth.

En 1868 la empresa tomó el nombre “Debus Tub and Coopering Co”, con oficinas en la calle Elm en el centro de Cincinnati. Coopering era un negocio lucrativo, ya que en aquella época había más de 35 fábricas de cerveza solamente en el distrito Over- the-Rhine de Cincinnati, y la fábrica de Henry suministraba material prácticamente a todas ellas.

Elizabeth Kissam eligió un vestido para el día de su boda de aire vanguardista para la época.Una falda con un más que generoso vuelo y un dobladillo de más de 50 cm que la hacían caer con una elegancia especial. Con la invención de la crinolina en la década de 1850, las faldas ganaron muchísimo volumen y se hicieron cada vez más impactantes. Con la ventaja de ser muchísimo más ligeras y permitir a las mujeres moverse con muchísima más libertad que las antiguas y pesadas enaguas para dar volumen.

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La mayoría de los vestidos de su época se hicieron en dos piezas, el corpiño separado de la falda. En esta ocasión Elizabeth eligió un diseño en el que la falda iba unida a la blusa. Este tipo de diseños comenzaron a verse en las revistas de moda de 1859, pero fueron muy pocos modelos los que se debieron realizar ya que apenas han sobrevivido. Yo creo que debían ser mucho más incómodos y menos prácticos que los vestidos de dos piezas.

El color de este vestido de novia es bastante llamativo. En vez de blanco Kissam eligió un color oro rosado, en una seda de tafetán que cambiaba de color según la luz que recibía. Un color al que algunas revistas de moda de la época hacen referencia como color maíz.

La prenda está escasamente decorada con un estrecho encaje de bolillos hecho a mano y cosido justo dentro de la línea del cuello, y un detalle algo más ancho por debajo del busto y sobre los hombros. Un pequeño decorado realizado con dos hilos, uno en color dorado y el otro de un satén blanco,  embellecen el corpiño y las diminutas mangas abullonadas. Los botones están cubiertos con un delicado remate de ganchillo fino.

Un vestido con una  impresionante falda para una mujer con  apenas 50 cm de cintura, que se conserva en perfectas condiciones.

Bibliografia: Two Centuries of wedding gowns  Cynthia Amneús.

Charlotte Stuart por Hugh Douglas Hamilton

Charlotte Stuart en un precioso retrato de Hugh Douglas Hamilton, pintor escocés  es la protagonista esta semana de nuestras ““Grandes Damas de la Antigüedad” La obra se encuentra actualmente en la Galería Nacional Escocesa del Retrato

Luce una preciosa tiara de oro y perlas sobre una bien rizada y rubia melena.

El retrato de medio busto nos deja entrever la delicadeza del encaje que remata el escote de un pesado vestido posiblemente de terciopelo verde oscuro.

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Charlotte Stuart, fue Duquesa de Albany e hija ilegítima del Príncipe Charles Edward Stuart.  Fue abandonada por su padre viviendo con su madre hasta que decidiera hacerse monja.

Parece que fue amante del entre otros del Arzobispo de Burdeos Ferdinand Maximilien Mériadec de Rohan.

Al cabo de los años llegó a reconciliarse por son su padre y marcharía a vivir a Florencia con  él. En esa época es cuando su padre la concedería en título de  Duquesa de Albany con el tratamiento de Alteza Real. Le otorgó así mismo La Orden del Cardo. A pesar de todo esto ella no tenía posibilidad de optar al título de Reina.

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Gracias a la correspondencia descubierta a mediados del siglo XX, se supo que Charlotte tuvo tres hijos (dos niñas y un niño). La madre de Charlotte fue la que les mantuvo en el anonimato. Se supone que los hijos eran fruto de su relación con el Arzobispo por lo que escándalo habría sido descomunal.

Su padre llego a presentarla en sociedad, y la permitiría levar las joyas Sobieski de su madre.

Nosotras estamos seguras que ella habría elegido esta tiara de latón dorado y perlas de agua dulce, una joya que habría resaltado igualmente su preciosa melena.

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Imágenes @María López- Linares Vintage Photograpy

Mary Pickford una colección de joyas tan variada como hermosa

Durante toda su vida, Mary Pickford había adorado los objetos hermosos y su colección de joyas no era más que una gran representación de su estilo y de la belleza de la que siempre aspiró rodearse.

En junio de 1980 35 lotes de su más íntima colección de joyas salían a subasta en New York. No eran lotes de exagerado valor económico, más bien piezas con inscripciones muy personales, casi todas ellas importantes ejemplos de algunos de los diseñadores más reputados de la era de los años 20 a los 40, y algunos ejemplos de los 60.

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La colección de Mary era tan variada como hermosa. Incluía piezas muy delicadas. Podríamos destacar entre todas estas:

  • Un elegante «sautoir» (collar de más de 80 cms de largo) de alrededor de 1915. Joya diseñada en forma de dos largos hilos de 100 cms de perlas naturales rematados con dos borlas de perlas repletos de diamantes, una joya con la que apareció en numerosos ocasiones y que parece fue una de sus preferidas.
  • Un delicado broche de cristal tallado y diamantes en forma ovalada, una pieza del estilo de principios de los años 20.
  • De mediados de los años 20 era una pulsera de cuentas de zafiro, alternados con diamantes engastados.
  • Durante los años 30 se puso de moda llevar pulseras con amuletos colgados. Símbolos extremadamente personales que evocando algún momento especial. Mary, se unió a esta tendencia y tenía varios de ellos que montó en una pulsera de eslabones de oro blanco y amarillo. Representaban esquiadores y patinadores de hielo, deportes de moda en la época, así como un hombre, un farol y un teléfono. Estaban engastados con zafiros y diamantes y decorados con esmalte, tres de ellos, eran de
  • A finales de los 20 adquirió en Cartier una de sus polveras de oro decorada con flores y hojas de loto de esmalte negro. De la misma firma son un pequeño reloj colgante de oro que recibió a finales de los años 30, después de su boda con Buddy Rogers, y que portaba el anagrama MR y un par de horquillas de zafiros y diamantes de mediados de los 30, típicos del estilo art-decó.
  • De la firma Trabert & Hoeffer Inc destaca un juego de pulsera y pendientes engastados con cabujones de esmeraldas y diamantes.
  • A finales de los 30, Mary compró «The star of Bombay» (La estrella de Bombay), un anillo con un cabujón de zafiro con un peso de 60 quilates que estaba montado entre diamantes tallados en brillante y en baguette.
  • Pero sin duda una de las piezas más importantes de su colección sea  también de la firma Trabert & Hoeffer Inc una pulsera de diamantes con un diseño en forma de rayos de sol y un girasol. Esta joya apareció años más tarde en una subasta, pero con algunos diamantes reemplazados por esmeraldas.
  • Otra importante joyas era una impresionante pulsera de diamantes y zafiros, un cabujón de zafiro en el centro de unos 73 quilates. Solía llevarla con su anillo «Star of Bombay» o con otro anillo de zafiro de unos 25 quilates.

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Mary Fue una de las máximas figuras del cine mudo durante el período 1915-1925 llegando a ser la actriz más poderosa y mejor pagada en esa época. Entre el público estadounidense se la conoció como «pequeña Mary», «la chica del cabello dorado» y la primera «novia de América».

En 1914 ya ganaba más de 100.000 dólares anuales y era propietaria de una productora. Mary fue una mujer tremendamente ambiciosa.

Mary consciente de la caducidad de su carrera decidió retirarse relativamente joven, centrándose en la producción de películas.

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Adquirió joyas a lo largo de toda su vida y aunque no son piezas extraordinariamente valiosas si merecen una especial mención en nuestro blog.

Mary permaneció sus últimos años de vida casi enclaustrada en su mansión  de Beverly Hills Incluso llegó a pretender que se destruyeran todas sus películas. Sin embargo, tal destrucción no tuvo lugar y La Mary Pickford Foundation invirtió alrededor de 200,000 dólares en recuperar y restaurar negativos y efectuar copias de 29 largometrajes y 28 cortometrajes.

Gracias a ellos aún podemos seguir disfrutando de toda su filmografía.

Os dejo un video que he encontrado en Youtube donde podemos ver a una Mary ya muy anciana recogiendo en su casa  un Premio Óscar especial «por su contribución a la industria del cine».

Espero que disfrutéis con su colección de joyas tanto como lo he hecho yo escribiendo sobre ella.

¡Nos vemos pronto!

Audrey Hepburn: Retratos de un icono

Estoy segura de que los que seguís con frecuencia nuestro blog vintage sabréis que Audrey Hepburn es una de nuestras musas más queridas. Entre nuestras joyas más admiradas por quienes os animáis a visitar nuestro espacio vintage en Madrid se encuentra la reproducción del collar de perlas que luciera esta actriz durante el rodaje de “Desayuno con diamantes”. Y no sólo es de nuestras piezas favoritas, sino que también parece ser la vuestra.

Es por esta razón que hoy nos hemos animado a escribir sobre esta preciosa exposición en Londres que mantendrá sus puertas abiertas hasta el 18 de octubre… ¡Aún estás a tiempo de organizar un viajecito de fin de semana a la isla de Shakespeare!

La National Portrait Gallery alberga en esta muestra más de 70 fotografías sobre la vida completa de Audrey, comenzando desde sus primeros años en un coro del teatro West End de Londres, hasta sus últimos días dedicados a la beneficiencia, inclyendo sus viajes a Sudán.

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Portadas de las revistas más glamurosas de los 50 y material cinematográfico que nunca llegó a salir a a luz son algunas de las sorpresas que nos depara esta exhibición, además de las imágenes que son inéditas, como por ejemplo las fotografías tomadas por algunos de los fotógrafos más aclamados del siglo XX, como Richard Avedon, Cecil Beaton, Terry O’Neill, Norman Parkinson o Irving Penn.

Especialmente curiosa nos ha parecido la iniciativa de The Gallery, que pone a disposición de los visitantes a su especialista Helen Trompeter, con quien puedes realizar un tour muy especial recorriendo toda la historia de Hepburn, a través de las imágenes y las explicaciones ofrecidas por esta experta en Twitter (visita desde aquí su perfil).

En agosto, la exposición ya consiguió el premio a la Exhibición del mes, un galardón otorgado por la prensa londinense.

La National Portrait Gallery fue fundada en 1856 con el objetivo de recoger y mostrar las colecciones más famosas de retratos de Británicos de reconocimiento mundial. La exhibición de Audrey Hepburn corresponde a su muestra privada y que estará expuesta sólo hasta el 18 de octubre, pero si te decides a visitar la isla y esta exposición, no dudes en ver también la colección permanente con más de 200.000 retratos desde el siglo XVI hasta nuestros días.

Para más información, visita la web del evento en la National Portrait Gallery.

 “Grandes damas de la antigüedad”- Norah Lindsay

Vamos a dedicarles uno de nuestras secciones a las grandes damas de la antigüedad. Mujeres que por su estilo, su personalidad, su carácter y su valentía llegaron a marcar tendencia en algún momento en el mundo de la moda.

A todas ellas vamos a buscarlas un pieza muy especial, una pieza que estamos convencidas de que ellas mismas habrían elegido para lucir en algún momento de sus  interesantes vidas.

Nuestra primera invitada es Norah Lindsay.  Nora fue una proyectista de jardines de la alta sociedad inglesa entre las dos guerras mundiales, convirtiéndose en una importante diseñadora de jardines, tanto en el Reino Unido como en toda Europa

Nacida en la India, en el seno de una familia militar anglo irlandesa de clase alta, a los 22 años se casaba con Sir Harry Lindsay.

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La pareja recibiría como regalo de bodas una preciosa residencia en Sutton, Courtenay Manor, en el condado de Oxfordshire, un pintoresto e idílico lugar cargado de precisas casitas, graneros y establos que le servirían a Norah para  desarrollar sus aptitudes como jardinera y paisajista.

Influenciada por otra gran dama de la jardinería inglesa, Gertrude Jekyll, en 1924, después de su fracaso matrimonial y enfrentándose a una ruina financiera, Norah se embarcó en una fructífera carrera como diseñadora de jardines.

Pasó toda su vida relacionada con los niveles más altos de la sociedad, encontrándose en su lista de clientes lo más florido de la nobleza británica. Sus diseños pueden verse aun en algunas de las casas de campo más emblemáticas de toda Inglaterra.

En la imagen  que os adjunto, un sencillo retrato del pintor y escultor ingles George Frederic Watts, Nora aparece con un vaporoso vestido de gasa y encaje, adornado por una preciosa lazada en tono turquesa. Como único complemento un precioso broche en la parte izquierda de su cuadrado escote.

Nosotras hemos elegido un precioso broche de inspiración victoriana, realizado con piedras semipreciosas, que nos ha parecido lo más indicado para este precioso vestido.

IMÁGENES Y BIBLIOGRAFIA:

http://en.wikipedia.org/wiki/Norah_Lindsay

@María López-Linares Vintage Photography

¡Consigue el look de Gloria  Vanderbilt en el Vogue de septiembre!

Regresamos de vacaciones y no podíamos haberlo hecho con una noticia más bonita que la publicada en el Vogue de septiembre de este precioso editorial.

De la mano de Belén Antolín, y tras la cámara de Miguel Reveriego, la sofisticada belleza de Gloria Vanderbilt nos lleva a pasearnos por una deliciosa campiña.

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Gloria  Vanderbilt luce una elegante silueta ceñida con volantes, encajes y puntillas, y sobre la que los complementos de Vintage By López-Linares lucen primorosamente.

Nuestras perlas, camafeos, pulseras, anillos y collares completan un look cargado de sofisticación y elegancia, que nos recuerda en cierta medida a las damas de la alta sociedad del S.XIX.

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Todas estas joyas se encuentran a la venta en nuestra tienda online, y si lo que estás deseando es conseguir una mirada diferente esta selección de joyas te va a ayudar mucho a conseguirlo.

No dejes de pasarte a visitarnos. He preparado, especialmente para ti, una selección de las joyas de este editorial:

Broche

Collar de perlas y camafeo

Collar de perlas y cristal de Swarovski

Collar de perlas

Pendientes de perlas y plata

Pendientes de plata dorada y perlas

Pendientes de plata dorada y media perla.

Créditos:

@Belén Antolín

@Miguel Reveriego

@Vogue septiembre 2015

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Pequeña historia sobre el bolso de mano.

Durante estas semanas hemos disfrutado muchísimo, viendo en la pantalla, los bolsos que los personajes femeninos de #SeisHermanas, nos han ido mostrando capítulo tras capítulo.

No hablamos tan solo de los bolsos que han lucido en las grandes fiestas o eventos sociales, sino en sus bolsos de diario. Los bolsos con las que las vemos pasear por El Retiro, por las calles del Madrid de principios del siglo XX, merendar, ir de compras a la Villa de París o acudir a trabajar la fábrica Tejidos Silva.

Haciendo un rápido recorrido por la historia del bolso de mano, apreciamos que surgen como una necesidad que se va moldeando a las modas de cada época, hasta convertirse en un complemento imprescindible para las mujeres y los diseñadores.

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En la Antigüedad las prendas de vestir utilizadas eran las túnicas y los mantos. No tenían bolsillos y por ello llevaban pequeñas bolsas-monederos, hechas con piel de animales. Así surgen los primeros bolsos de mano que se utilizaban sobre todo para llevar semillas, objetos religiosos y medicinas. Eran llevados por hombres y mujeres.

En los siglos XIV y XV los nobles y burgueses, con una vida con mucha más movilidad y actividad social y económica, necesitan una forma para llevar sus pertenencias que sea acorde a su estatus. Así surgen las limosneras, que son verdaderas joyas de artesanía. Elaboradas en tejidos lujosos como la seda y bordadas, que solían llevar sujetas a los cinturones. Llaman muchísimo la atención los cierres de estas limosneras, realizados en oro o plata, que en algunas ocasiones reproducían en miniaturas catedrales góticas.

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Durante el siglo XVI, y con la moda de prendas rígidas y con mucho volumen del Renacimiento, las pertenencias y las monedas se guardan en el interior de las voluminosas faldas de las mujeres, o de los grandes jubones de los señores. Estas pequeñas bolsas en ocasiones eran cosidas a la ropa, y por lo tanto los bolsos decaen en el uso, como complementos a la vista. ¿Será este el origen de los bolsillos?

Pero a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Se produce un gran cambio en la forma de vestir de la mujer. Desaparecen los corsés, la rigidez y se imponen los vestidos-túnicas confeccionados en tejidos claros y ligeros.

Con estos nuevos vestidos ya no es posible esconder las pertenencias en el interior de la ropa,  y resurge así el uso de un pequeño bolso denominado retículo. Estos pequeños bolsos ya formaron parte imprescindible del armario femenino y vemos el primer paso hacia un artículo de moda imprescindible para nosotras.

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En la época en la que se desarrolla la serie, principios del siglo XX, los bolsos en su mayoría son bordados a mano o con abalorios metálicos. Estos bolsos utilizaban perlas, seda, terciopelo y de ganchillo fino y costura.

Unos bolsos coquetos, muy femeninos, y pequeños. Muy pequeños para lo que una mujer del siglo XXI acostumbra a llevar en un bolso de diario.

Ello nos ha hecho vaciar el contenido de nuestro bolso y hacer un repaso a lo que vemos sobre la mesa: El móvil, un cargador portátil de la batería, memorias USB y pendrives, las llaves de casa, las del coche, la cartera a rebosar de muchas tarjetas, artículos para retocar el maquillaje varias veces al día, pañuelos de papel, etc.

¿Y… qué llevaban en su bolso las mujeres en 1913? Un peine, sales aromáticas, un pañuelo y posiblemente algunas monedas.

Muchas de las cosas que a día de hoy encontramos en nuestros bolsos de diario, nuestras queridas Seis Hermanas, ni siquiera pueden imaginarlas.

Texto @Rus Martinez Cantero

 

 

Una boda tan solo seis semanas después de la de la Reina Victoria de Inglaterra.

Angelina Russell contraía matrimonio solamente seis semanas después de haberlo hecho la  reina Victoria de Inglaterra.  Esta boda marcó un antes y un después en la estética de las novias de la época. He decidido dedicarle un post completo al traje de la reina, una joya en la que se siguen inspirando nuestros diseñadores y que es un verdadero icono de la moda nupcial. ¡Pero ahora vamos a centrarnos en el diseño del traje de Angelina!

Aunque la pieza es de un estilo bastante similar al de la soberana, Angelina supo darle ese toque tan personal que solo una novia meticulosa sabe dar al traje más importante de su vida.   Tejido con una seda bastante ligera y con un estampado de damasco floral muy popular en estos años, el vestido de Angelina llevaba un precioso corpiño con un amplio escote, rematado con un volante de encaje bordada a mano.

Toda la parte alta del corpiño va ajustada al pecho con jaretas más bien anchas, y en la parte delantera del ceñido corpiño destaca la sencilla decoración, con cinco preciosos lazos realizados en la misma seda del traje.  Este tipo de detalles  siguen estando totalmente de moda, y seguimos viendo trajes de novia de plena actualidad con lazos decorando alguna parte destacada en su diseño.

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Las mangas del traje de Angelina son plisadas en su conjunto, terminando a la altura del codo con otra tira de encaje fruncida en forma de gracioso volante. La falda de Angelina se une al corpiño por una cinturilla de apenas 55 cm de diámetro. Os invito a coger un metro y daros cuenta de lo que supone tener 55 cm de cintura. Me parece imposible que hubiera mujeres en edad casadera con el tamaño de cintura de una niña en edad de hacer la primera comunión.

Angelina Rusell se casaba con James J. Faran (1808-92) el 26 de marzo de 1840, viviendo en Cincinnati, la ciudad natal de su marido.  Faran se convirtió en un exitoso abogado y editor. Durante 23 años sirvió como jefe de editores en un periódico líder local, The Cincinnati Enquirer. La pareja vivió en una moderna zona del centro de Cincinnati, en el 122 de East Third Street, donde criaron a cinco hijos y disfrutaron de  más de 50 años de matrimonio.

BIBLIOGRAFIA

Wedding Perfection- Two Centuries of wedding Gowns- Cynthia Amnèus.

Un legado recuperado, ahora en Boston: La familia Rothschild

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Este mes Boston es la capital protagonista de nuestra exposición recomendada. Restoring a Legacy: Los tesoros de la familia Rothschild nos trae hasta el 5 de julio al Museum of Fine Arts de Boston una magnífica muestra europea saqueada durante la época nazi y que fue devuelta recientemente a sus dueños originarios, los descendientes del barón y la baronesa Rothschild de Viena.

La muestra, compuesta de 186 objetos de arte, entre los que se incluyen joyas, objetos decorativos, muebles, miniaturas y hasta libros de la conocida familia vienesa. Lo que a nosotros nos ha llamado especialmente la atención es la colección personal de 80 objetos de la baronesa, en la que se incluye una impresionante y bella joyería de la época.

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Destacamos entre todas las joyas expuestas una tiara también usada como collar de 1920 compuesta de 9 diamantes en forma de pera y un broche con dos esmeraldas y de estilo Art-Decó de 1937. No obstante, todas las piezas merecen ser ensalzadas  y admiradas, ya que son un excelente y delicado trabajo de orfebrería en cuantiosas formas y utilizando los más variados materiales preciosos, como el oro, cuarzo de ágata o piedras preciosas, barnizadas con preciosos esmaltes.

La familia Rothschild

Los Rothschild eran descendientes de un banquero judío de Frankfurt que estableció su próspero negocio bancario en 1760. Pero su mayor triunfo fue establecer un sistema bancario internacional a través de sus cinco hijos, que finalmente entraron a formar parte de los nobles austríacos. Entre ellos, el barón de Habsburgo.

Llegaron a tener tanto poder e influencia que en Francia y Austria los Rothschild presionaron para construir y financiar las redes ferroviarias, y en general, todos estuvieron involucrados en la orfebrería con metals preciosos, con especial predilección por el oro, llegando a poseer, se dice, la mayor fortuna privada de la historia reciente.

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En 1938 los Rothschild perdieron todos sus intereses en Austria a manos de los nazis, lo que supuso el fin de más de un siglo de permanecer en el corazón de la banca en Europa central. Tras esto, la familia se dispersó.

Hoy día, aunque siguen siendo igual o más conocidos que entonces, su patrimonio y dedicación ha cambiado de sector, siendo el sector bancario y de inversión su apuesta más feroz.

Gracias a los esfuerzos de familias como ésta por recuperar su patrimonio, así como la ayuda de algunos movimientos como “Monuments Men” y “Woman in Gold”, que han sacado a la luz el espolio llevado a cabo por los nazis durante la II Guerra Mundial, estas joyas parte de la historia han podido ver la luz y retornar a sus dueños.

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Bibliografía e Imágenes:

Radioboston.wbur.org

Bostonglobe.com

Nytimes.com

Mfa.org

Abigail Holmes y su práctico traje de novia.

Abigail Holmes eligió para su boda una seda de color oro, un color bien diferente a todos los que hemos visto hasta ahora en esta sección de Trajes de Novia Icónicos.

Abigail se casó con Clark S. Potter el 3 de octubre de 1839, en Nueva York, y optó para la ocasión por un diseño de amplio escote, falda acampanada y corpiño ajustado.

Me encanta el diseño de las mangas plisadas que se ajustan con fuerza a la parte alta del codo y a la muñeca.

Justo en esos años, la moda de las mangas cambió y se hizo menos voluminosa en la parte de los hombros, para pasar a ser más ajustado y marcar con más delicadeza las clavículas. Años más tarde, las mangas se estrecharían casi por completo y muchas mujeres adaptarían sus vestidos a la moda de mediados del S.XIX.

El vestido parece más una prenda de paseo de mañana que un traje de novia. No es para nada un vestido pretencioso ni ostentoso, chocando de pleno con el resto de las piezas que hemos venido viendo en esta sección a lo largo de estos meses. Los adornos se reducen a unos sencillos pliegues y algún festón estratégicamente colocado. Ya hemos visto otro vestido de color hace pocas semanas; por ejemplo el de  Mary Waters, realizado casi un siglo antes en una preciosa seda de Spitafields.

La elección de un color tan oscuro no era inusual en las novias de la época. Hay que tener en cuenta que la seda blanca era mucho más cara que las sedas de color y que, además, a ello había que añadir el coste que suponía en limpieza el mantener inmaculado un vestido de tono claro.

Probablemente Abigail fuera una mujer mucho más práctica que el resto de las que hemos conocido hasta ahora, optando por un vestido que también podría usar después de la ceremonia o, simplemente, su economía no la permitió adquirir una seda de color blanco. También pudo influir en su decisión el hecho de que la pareja tenía la intención de embarcarse en un viaje, inmediatamente después de la ceremonia. Un vestido de color oro habría sido mucho más práctico para viajar, dado el polvo y la suciedad inevitable que la pareja se encontraría por los caminos de la época. De hecho, la joven esposa mandó hacerse una pequeña capa corta a juego con el traje.

No he encontrado mucha más información sobre la familia de Abigail Holmes. Si bien la familia Holmes no era rica, el Sr. y la Sra. Clark Potter parecieron haber prosperado. En el Censo Federal de Estados Unidos de 1860, decía que estaban viviendo en Albión con sus ocho hijos, de edades comprendidas entre uno y diecinueve, y con una sirvienta como empleada – una mujer joven irlandesa de nombre Mary Florin-. Clark Potter era empleado de la Oficina de Rentas.

Un precioso y sencillísimo vestido, para una práctica novia de mediados del S.XIX.

Biografía:

Wedding Perfection- Two Centuries of wedding Gowns- Cynthia Amnèus.

Exposición «El Retrato en las Colecciones Reales

Hasta el 19 de abril os queda solamente para poder disfrutar de una de las más completas e interesantes exposiciones sobre la historia de los retratos reales de España.

La exposición hace un recorrido desde Juan de Flandes a Antonio López y ofrece una visión general del retrato de corte en España, desde el siglo XV al XXI.

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Un itinerario para disfrutar de obras maestras de la pintura, con los mejores ejemplos conservados en las colecciones de Patrimonio Nacional. El recorrido, a lo largo de 12 salas por la planta baja del Palacio Real de Madrid, se complementa con una visita al propio Palacio. En total no invertiréis más de una mañana en visitar las dos cosas y, verdaderamente, merece la pena. Yo saqué la entrada por internet y me resultó de lo más agradable la doble visita.

La exposición en sí esta estructurada en dos grandes secciones: Casa de Austria y Casa de Borbón, y un recorrido en orden cronológico que nos hace entender un poco mejor la historia de España a través de sus familias reales.

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La muestra se abre con la dinastía de los Habsburgo, con diversos retratos entre los que destaca el de la reina Isabel la Católica, de la Casa de los Trastámara, de Juan de Flandes.

Destacable de esta sección son también los retratos de Carlos V de Jakob Seisenegger y de Felipe II de Antonio Moro, y esta sección podréis encontrar una de las joyas de la exposición: una pequeña miniatura del conde-duque de Olivares de Diego Velázquez.

En la segunda sección dedicada a la Casa de Borbón desde el siglo XVIII hasta el presente, se exponen los mejores ejemplos del retrato borbónico del Patrimonio Nacional: Felipe V, Carlos III o la maravillosa obra de Francisco de Goya con María Luisa de Parma como modelo. Obras de Vicente López, Federico de Madrazo o Franz Xaver Winterhalter, Joaquín Sorolla y Ramón casas, entre otros.

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La muestra se cierra con dos obras emblemáticas una de Salvador Dalí y la otra de Antonio López de la familia real de Juan Carlos I.

Una selección de obras que merece la pena visitar y para la que ya os quedan muy poquitos días.

Os dejo el link a la web de Patrimonio por si os decidís a visitarla en estos días.

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Bibliografía e Imágenes:

Patrimonio Nacional

Sarah Bernhardt: la voz de oro de Francia

Sarah Bernhardt: la voz de oro de Francia

Considerada una de las mejores actrices de todos los tiempos, las inquietudes artísticas de Sarah Bernhardt (París, 1844-1923) incluyeron también las artes plásticas y la literatura. Llamada reina de la postura y princesa del ademán, era  hija de una familia judía de origen holandés y su verdadero nombre era Henriette-Rosine Bernard. Alta, muy delgada, de ojos oscuros y gran presencia sobre los escenarios, ‘la Bernhardt’ estudió interpretación en el prestigioso Conservatorio de París, pero pasó casi toda su infancia en un convento. A comienzos de la década de 1870, empezó a cosechar grandes éxitos entre crítica y público.

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Talentosa, experta en interpretar la psicología de los personajes, pronto fue apodada como la voz de oro. El público admiraba de ella su naturalidad sobre las tablas, su cultura y sus excentricidades, entre las que se encuentran viajes en globo y un ataúd forrado de terciopelo que viajaba con ella y en el que, se cuenta, solía acostarse con frecuencia. Además, en sus viajes le acompañaban numerosos animales, desde gatos hasta pájaros y tortugas.  Londres acogió su presencia en 1879 de la mano de la prestigiosa Comédie Française. Al igual que en París, obtuvo un enorme éxito. Un año después, Sarah Bernhardt montó su propia compañía, se convirtió en empresaria y emprendió la primera de sus muchas giras por Estados Unidos. Se convirtió pronto en una estrella internacional.

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Su carrera fue larga y con numerosos papeles muy alejados de su personalidad, tanto en edad como en sexo, e incluyó éxitos como su interpretación de Cordelia en Rey Lear o la desafortunada cortesana de La dama de las Camelias, de Dumas hijo. Se cuenta que cuando interpretó este papel en Viena, en el año 1889, la escena de la muerte fue tan impresionante que varias señoras del público llegaron a desmayarse.

A los 70 años, dio vida a Hamlet. Una de sus muchas virtudes fue modernizar el modo en el que se interpretaba a Shakespeare. En vez de declamar, ella recitaba el “ser o no ser” en medio de susurros, lo que supuso una innovación.

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Entre sus peculiaridades estuvo el reunir fondos para los heridos de la Primera Guerra Mundial. En esa época, Sarah Bernhardt sufrió la amputación de la pierna derecha, que se había quedado malherida tras un accidente durante una obra años atrás. Aun así, insistió en visitar a los soldados en el frente; para ello, fue trasladada en una pequeña silla. A partir de ese momento, solo pudo aceptar papeles en los que no tuviera que estar de pie.

La vida le cundió tanto que escribió hasta sus memorias y publicó una novela. La muerte la sorprendió en 1923, cuando estaba preparando una nueva obra. Su belleza, su talento y su personalidad hicieron que fuera adorada por personalidades como Sigmund Freud y Oscar Wilde, y recordada como una de las mejores actrices que ha tenido Europa.

Texto_ Esther Ginés

Fotografías: María Vintage Photography

Las joyas de Joan Crawford

La mayor parte de la colección de joyas de Joan Crawford fue subastada al poco de su fallecimiento. Aunque ya se había desprendido de gran parte de su colección antes de morir, Joan Crawford guardó hasta su muerte sus piezas más queridas, que no las de más valor. La mayoría de estas joyas eran de entre los años 30 y los 50, cuando el estilo era más atrevido, con grandes piedras y adornos muy exagerados.

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De entre todas sus piezas de su colección yo destacaría las siguientes:

  • Un magnifico aderezo de oro y citrino formado por collar, dos pulseras gemelas, pendientes y anillo. Corrió a cargo de Raymond C. Yard, uno de los joyeros más demandados de Estados Unidos en aquella época.
  • Este juego fue unos de los favoritos de Joan, un conjunto de aguamarina y diamantes firmado por la casa francesa Boucheron (Verger Freres) que la actriz adquiriría en 1935. El juego fue lucido por Joan tanto dentro como fuera de la pantalla durante este periodo en numerosas ocasiones, y es el sueño de cualquier coleccionista de joyas clásicas. Este adorno fue más tarde adquirido por Andy Warhol y se incluyó en la venta de su colección -«Collection of Jewelry and Watches» de 1988-. Hasta hace apenas unas semanas podría admirarse en el Museo Of Fine Arts de Boston, en una exposición llamada “Hollywood Glamour Fashion and Jewerly from Silver Screeen”

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  • Joan recibió numerosas joyas de todos sus maridos, pero quizás el que más piezas le regalaría sería Alfred Steel, Presidente de Pepsi Cola, y una de las piezas más curiosas que recibiera de sus manos fue un pequeño broche de oro con rubíes y diamantes con forma de botella de Pepsi-Cola, que la actriz recibiría como regalo de boda. La pieza alcanzaría años más tarde un precio de 5.000 dólares en la subasta de las joyas de la diva. Otra de las joyas más espectaculares que recibiría de él fue un reloj de pulsera de platino y diamantes. Esta joya fue creada por el joyero Ruser. El reloj tenía una pequeña esfera circular, apoyada de racimos de variadas flores de diamantes en un brazalete de piedras similares. Un diseño atrevido y espectacular del que no he logrado encontrar ninguna fotografía decente. La joya tenía una pequeña inscripción que decía «To my love, Xmas 1958, Alfred».
  • Impresiónate es también el juego de broches que Joan Crawford adquirió al famoso diseñador Fulco di Verdura. Joan Crawford los llevaría sujetos a la solapa de sus vestidos con un deslumbrante efecto. Unos años más tarde adquirió un collar de diamantes en baguette, pero como a veces no se veía lo bastante extravagante, solía colocar estos broches de Flato u otro gran pasador de diamantes para crear un conjunto aún más cegador.

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  • Datado a finales de los 50 había unos espectaculares pendientes de diamantes en la colección Crawford. Estaban diseñados en forma de racimo en baguette, con diamantes en corte de brillante y corte de marquesa, sujetando cada uno una gota o borla desmontable de diamantes en baguette.
  • Joan Crawford estaba tan enamorada de los zafiros que era conocida coloquialmente como «Joan Blue». Una de sus piezas favoritas era un juego de brazaletes, con tres zafiros estrella de entre 70 y 60 quilates. También tenía un anillo de compromiso de un zafiro estrella de 70 quilates, que le regalo su segundo esposo, y un soberbio zafiro corte esmeralda de 72 quilates.

Su carisma, sus felinos ojos y su capacidad para bordar los papeles dramáticos, hicieron de ella una de las más grandes estrellas de Hollywood. Joan Crawford se gana por méritos propios entrar a formar parte de nuestra particular selección de grandes coleccionistas de joyas.

Imágenes y Bibliografía

Legendaryjoancrawford.com

Jewelsdujour.com

Susanjanejewels.com

Mfa.org

Alta-joyeria.blogspot.com.es

Collectingfinejewels.com

Jane Goodall, una vida dedicada a la defensa de los primates

Hacer de una pasión el pilar fundamental de tu vida. Algo que pocos han logrado de manera tan brillante como la británica Jane Goodall (Londres, 1934), una de las científicas vivas más respetadas y figura emblemática por su trabajo en defensa de los chimpancés. Doctora en Etología por la Universidad de Cambridge y doctora honoris causa por más de cuarenta universidades del mundo, ha sido distinguida con más de un centenar de premios internacionales, entre ellos el Príncipe de Asturias de Investigación en el año 2003.

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Su rostro dulce y aniñado a pesar de su edad, enmarcado por el pelo cano recogido en una casi eterna coleta, es casi tan característico como el peluche con el que siempre es fotografiada y que lleva en todas sus conferencias. Y es que su figura está estrechamente ligada a la de estos primates, por los cuales sintió verdadera devoción desde su infancia, desarrollada en Inglaterra. Con poco más de veinte años viajaba a Kenia para estudiar con un prestigioso antropólogo, dando comienzo a una brillante carrera profesional y personal que incluye más de una veintena de libros, exhaustivos artículos, documentales y una pionera investigación de campo sobre la vida de los chimpancés salvajes en Tanzania que abarca casi cincuenta años.

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Gracias a su capacidad de observación y a su empatía con estos animales, hoy en día se sabe mucho más sobre sus fascinantes rutinas de comportamiento y sobre todo lo que compartimos con ellos. Sus estudios desarrollados en África son tan relevantes que supusieron una auténtica revolución en el campo de la biología. Además de defender a estos animales, la naturalista británica siempre ha promovido que llevemos una existencia más sostenible y que se respete a todas las especies, luchando por lograr un cambio en la conciencia de las personas.

Convertida en un referente para los primatólogos, Goodall fundó a finales de los setenta el instituto que lleva su nombre, una organización global sin ánimo de lucro a través de la cual se investiga, se difunde y se protege el universo de los chimpancés, pero también de otros seres vivos. Profundamente crítica siempre que se le pregunta al respecto de su confianza en la humanidad, con la que se muestra bastante desencantada –aunque afirma confiar en el poder de las nuevas generaciones–, Goodall sigue a sus ochenta años muy involucrada en su defensa de las causas naturales.

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Un claro ejemplo de ello es el documental sobre su vida y obra, El viaje de Jane, en el que se comprueba que la energía y la pasión son dos rasgos que no parecen abandonar a esta británica, todo un ejemplo de entrega absoluta a un sueño. De su experiencia de casi sesenta años en defensa de la naturaleza nos queda, como un preciado legado, su acertada reflexión: “Si somos la criatura más inteligente que ha pisado el planeta, ¿cómo es posible que estemos destruyéndolo?”

Fotografías: María Vintage Photography

Texto de @Esther Ginés 

Os dejo un vídeo súper emotivo en el que se ve a Jane Goodall en plena acción.

www.youtube.com