Anillo de compromiso: La Historia

Sin lugar a dudas, uno de los momentos más inolvidables en la vida de una mujer es el momento en el que, su pareja le pide matrimonio. A día de hoy, esta petición se realiza regalando un anillo que simboliza el compromiso y la promesa del futuro matrimonio. Pero, ¿se ha regalado siempre un anillo de compromiso?. ¿Cuándo nació esta tradición?. En el post de hoy os vamos a contar la historia del anillo de compromiso. 

Desde tiempos inmemoriales se ha utilizado algún objeto como símbolo de compromiso, pero no siempre ha sido un anillo. Y no siempre se le ha entregado a la novia. 

Primeros anillos de compromiso

La creación de los anillos de compromiso se suele atribuir al Antiguo Egipto. Mientras que, a los Antiguos Griegos se les atribuye la adopción de esta tradición. La realidad de la historia del anillo de compromiso solo se puede rastrear de manera confiable hasta la Antigua Roma. 

En Roma, utilizaban dos anillos diferentes como símbolo de compromiso hacia una mujer. El primero, hecho de hierro que las mujeres utilizaban únicamente dentro de casa mientras se dedicaban a las tareas del hogar. Y un segundo, hecho de oro, que llevaban en público. 

Pero no fue hasta el año 850 que el anillo de compromiso recibió el significado oficial que todos conocemos a día de hoy. Fue el Papa Nicolas I quien declaró que el anillo de compromiso representaba “la intención de un hombre de casarse”. Y utilizando el oro como material más común para esos anillos de compromiso. 

Diamantes en los anillos de compromiso

La primera vez que se utilizaron diamantes en un anillo de compromiso fue en 1477. Cuando el archiduque Maximiliano de Austria le pidió matrimonio a María de Borgoña. Según la GIA (Instituto Gemológico de América por sus siglas en inglés). El anillo presentaba diamantes largos y estrechos montados en forma de «M». 

Aunque sabemos que fue el Archiduque Maximiliano de Austria el primero en proponer matrimonio con un anillo de diamantes, no fue él quien lo puso de moda. De hecho, no fue hasta 1947 que este tipo de anillos de compromiso se pusieron de moda. Y fue gracias a la empresa británica De Beers. Una empresa dedicada a los diamantes, que con ayuda de varias estrellas de Hollywood del momento lanzó el famosísimo eslogan “A diamond is forever” (Un diamante es para siempre). De Beers consiguió que los anillos de compromiso de diamantes se hicieran populares, otorgando, además, la creencia de que estos anillos eran indispensables.

El diamante es conocido por ser uno de los materiales más duros, resistentes y duraderos, características que bien se pueden asociar con el matrimonio. Entregar un anillo de compromiso con un diamante simboliza un amor puro, fuerte y duradero.

Otras piedras preciosas en los anillos de compromiso

En el siglo XXI siguen siendo muy populares los anillos de compromiso de diamantes, pero se puede decir que las preferencias están cambiando. Y es cada vez más común ver estos anillos con diferentes piedras preciosas. 

Por ejemplo, el príncipe William, cuando le pidió matrimonio a Kate Middleton eligió un anillo de compromiso con un precioso zafiro azul. El mismo que recibió su madre Diana Spencer de manos de su padre, el príncipe Carlos. 

Otro ejemplo es Orlando Bloom, que eligió un anillo con un rubí único en el centro para pedirle matrimonio a Katy Perry. O Jose Antonio Baston, el novio de Eva Longoria, que utilizó un anillo de rubí rodeado de diamantes para pedirle matrimonio a la actriz.

Y tú, ¿cuál dirías que es tu anillo de compromiso favorito? 

BIBLIOGRAFÍA

https://en.wikipedia.org/

https://www.brides.com

Las bodas de Marilyn Monroe

La primera boda, de las tres que tuvo Marilyn Monroe, por ese entonces aún conocida por su nombre de pila: Norma Jean Baker, fue en 1942. Ella tenía tan solo 16 años. Se casó con su vecino James Dougherty al que conoció de una forma muy curiosa. 

La madre de Marilyn, Gladys, tenía problemas psicológicos y pasó mucho tiempo en hospitales psiquiátricos, dejando a su hija en casas de acogida. Después de pasar por diferentes casas de acogida, su vecina Grace Goddard y su marido decidieron que fuera a vivir a su casa con ellos. Tenían la intención de mudarse a otra ciudad. El matrimonio tenía un hijo: James Dougherty. Se dieron cuenta que no podían mudarse con Marilyn puesto que era menor de edad. A no ser que se casara con su hijo James. 

Por eso, en 1942, la pareja se casó. James Dougherty dijo en una entrevista: “Decidimos casarnos para evitar que volviera a un hogar de acogida, pero estábamos enamorados”. Marilyn lució un sencillo vestido de novia de encaje bordado con mangas largas y velo de tul, en sus manos un gran ramos de flores tan de moda por ese entonces.

Foto: Rare Historical Photos

Vivieron unos años muy felices hasta que, durante la II Guerra Mundial, James se inscribió en el ejército. Fue destinado fuera del país y la pareja no aguantó la distancia. Además, mientras su marido estaba fuera, Marilyn firmó un contrato con Fox para trabajar como modelo. El contrato le exigía no estar casada y así se lo hizo saber a su marido, con la intención de divorciarse, pero permanecer juntos. Algo que James no aceptó, llegando el divorcio de la pareja cuatro años después de boda.  

Su segundo matrimonio fue en 1954, cuando se casó con Joe Dimaggio. Años atrás, Joe había sido nombrado el mejor jugador de béisbol de todos los tiempos. La pareja se conoció en 1952, coincidiendo con el fin de su carrera: se acababa de retirar del béisbol. Al contrario que la de Monroe, que en aquel momento era una actriz muy prometedora. 

Se conocieron a través de un amigo en común, al que Joe le pidió que le concertara una cita con la actriz. A Marilyn le sorprendió mucho Dimaggio, llegando a decir que «Esperaba un tipo deportivo llamativo de Nueva York y en su lugar conocí a este tipo reservado que no intentó besarme de inmediato»

Empezaron a conocerse en la distancia: Marilyn vivía en la costa Oeste de EEUU y Dimaggio en la costa Este. Decidieron que debían casarse, aunque sabían que no sería un matrimonio fácil por la distancia. En 1954, se casaron en el Ayuntamiento de San Francisco. En esta ocasión, Marilyn optó por un discreto traje de falda marrón chocolate. El traje era recatado y presentaba un bonito cuello Peter Pan de piel blanca y un detalle de botones. Días después, Joe tenía que viajar a Japón por trabajo, así que Marilyn viajó con él, haciendo del viaje su luna de miel.

Foto: Mondadori via Getty Images

Los viajes continuaron, y la carrera de Marilyn no dejaba de brillar. Su marido comenzó a estar muy celoso de sus escenas en el cine. La quería solo para él y quiso alejarla de Hollywood sin éxito. Nueve meses después de su boda, el matrimonio se divorcio. Para Joe, Marilyn fue el amor de su vida y no se volvió a casar. Además, permaneció junto a su ex mujer durante los peores momentos de su vida. Cuando ella murió, Joe lo pasó francamente mal y siempre visitó su tumba dejandole rosas tres veces por semana. 

En 1956, Marilyn se casó con el aclamado dramaturgo Arthur Miller, convirtiéndose en su matrimonio más largo. Se conocieron años antes, pero no fue hasta 1955 que se reencontraron, y comenzaron a tener un affaire, ya que, Arthur en ese momento estaba casado. Fue en este momento que Marilyn comenzaba a ser muy famosa y seguida por las cámaras, por lo que la pareja no pudo mantener su relación en secreto más tiempo. Arthur Miller se divorcio de su mujer para casarse en secreto con Marilyn. 

En esta ocasión, Marilyn optó por un vestido ceñido y escotado, muy de su estilo. Lo combinó con un tocado en forma de velo que le cubría parcialmente el rostro.

Foto: Pixshark

Vivieron años de felicidad pero también tuvieron muchos problemas. Arthur entendía muy bien a Marilyn, pero llegó un momento en que no pudo soportar más los problemas de la actriz y su curiosa personalidad. Además, ella acabó decepcionada con algunas actitudes del dramaturgo. Por lo que, fue en 1960 que ambos se divorciaron.   

La actriz nunca volvió a casarse, aunque sí se le conocieron diferentes parejas.

Tres bodas y tres trajes bien diferentes, creo que me quedo con el tercero, me parece el más coqueto y el que más identifico con la personalidad de la actriz, y a ti ¿cuál te gusta más? 

Bibliografía:

https://www.biography.com

https://rarehistoricalphotos.com 

https://www.biography.com/news

 

Novias icónicas: Anne McDonnell Ford

Hoy dedicamos nuestro especial sobre novias icónicas a Anne Mcdonnel. Esta apasionante y activa mujer que se casaba en la década de los 40 con uno de los hombres más poderosos de la época: Henry Ford II. 

Anne Mcdonnell y Henry Ford II se habían conocido cuando ella volvía de un viaje a Europa en 1936. Escasamente cuatro años después contraen matrimonio. Henry era el nieto de Henry Ford, él mismo sería presidente de Ford Motor Co. en las décadas de 1950 y 1960. Juntos tuvieron tres hijos: Charlotte, Anne, y Edsel Ford II.

En la imagen oficial de la boda podemos ver a una bella y deslumbrante Anne luciendo un precioso vestido de novia con un diseño bastante habitual para la época. El majestuoso velo y las transparencias del corpiño nos dejan entrever su drapeado. Un gran ramo, muy frecuente en la época, completan su look. Para mi gusto, le sobran los guantes largos. Se me hacen un poco raros con esa manga tan delicada y veraniega. Pero en conjunto creo que su estilo es sencillo, teniendo en cuenta con quien se casaba. La boda fue todo un acontecimiento social para la época.

Anne fue una mujer muy activa política y socialmente. Sirvió en el Comité de Bellas Artes de la Casa Blanca durante las administraciones de Eisenhower y Kennedy. Además, ayudó a restaurar el “Blair House” o “Casa Blair”en Washington. 

La casa es la residencia oficial para los invitados del presidente de los Estados Unidos. Construida en 1824 con piedra caliza de color caqui es un ejemplo tardío de la arquitectura federal. Fue la residencia particular de Joseph Lovell, primer cirujano general de los Estados Unidos. Siendo adquirida por Francis Preston Blair, un editor de periódicos en 1836 y perteneciendo a su familia durante un siglo. No sería hasta 1942 que la casa fue comprada por el gobierno de los Estados Unidos. Siendo desde entonces la residencia oficial de los invitados del presidente.

Pero seguimos con Anne, que me despisto… ella jugó un papel activo en eventos sociales y caritativos en Nueva York. Deslumbró siempre por su forma de vestir muy elegante y siempre a la última. No en vano Anne McDonnel entraría en la lista de las 10 mejor vestidas del mundo en 1956. Y en 1960 fue nombrada miembro del “Fashion Hall of Fame”.

El amor no duró eternamente y, en 1964, la pareja terminaría divorciándose. 

Anne volvió a casarse años más tarde con Deane Johnson en Nueva York. Después, la pareja se mudó a Bel-Air, donde compraron una mansión abuhardillada estilo Regencia que ella misma decoró con su colección de antigüedades francesas. 

La pareja posteriormente vivió en la ciudad de Nueva York, donde estuvo asociada durante un tiempo con Sotheby’s. 

Anne McDonnell Ford Johnson muere en 1996, después de una apasionante y activa vida a los 76 años, en el New York Hospital-Cornell Medical Center. 

Bibliografía e Imagenes: 

https://es.wikipedia.org

https://www.nytimes.com/

https://outlet.historicimages.com

https://www.thehenryford.org

https://www.nytimes.com

La ilegible caligrafía de Agatha Christie

Agatha Christie nació en una familia de clase media en 1890 en Torquay, al Suroeste de Inglaterra. Su padre, americano de nacimiento, decidió que estudiara desde casa, en lugar de ir al colegio, algo poco común en la Inglaterra de la época. Su madre, era una excelente narradora de novelas, y no quería que Agatha aprendiera a leer antes de los ocho años. Suponemos, que preferiría ser ella quien le contara las historias. Pero Agatha, al pasar tanto tiempo en casa, aprendió a leer sola a los cinco años. Comenzó a leer numerosas historias infantiles, con las que desarrolló su creatividad: tenía amigos imaginarios, jugaba con los animales y empezó a escribir pequeños poemas desde muy niña. 

No fue hasta que estalló la I Guerra Mundial que Christie empezó a escribir sus novelas policiacas. Todo empezó por una apuesta que hizo con su hermana Madge, que era incapaz de escribir una buena historia de detectives. En ese momento, Agatha había empezado un nuevo trabajo en el Hospital de Torquay como dispensadora de fármacos. Este trabajo le aburría un poco, por lo que decidió aceptar la apuesta de su hermana y escribió su primera novela: “The Mysterious Affair at Styles”.

Después de la guerra, Agatha continuó escribiendo, experimentando con diferentes tipos de historias de misterio y suspense. 

Más tarde recordó que en su familia la conocían como “la lenta». Escribir y deletrear siempre le resultó increíblemente difícil. De hecho, ella misma admitió haber sido una «muy mala ortográfica» toda su vida.

Agatha Christie padecía disgrafía

No fue hasta la muerte de su hija, en 2004, que este secreto salió a la luz. Con su muerte, todos los escritos personales de su madre se revelaron al mundo. En ellos se puede ver la pésima caligrafía de la escritora y su dificultad para entender los textos. Resulta, que Agatha Christie padecía disgrafía: una enfermedad que produce una gran dificultad para coordinar los músculos de las manos. Por lo que escribir se convierte en una ardua tarea.

Pero esto nunca frenó a la conocida escritora que, viéndose incapaz de ser ella misma quien escribía sus historias, decidió dictarle a una tercera persona. Una vez, Agatha dijo: “I have learnt that I am me, that I can do the things that, as one might put it, me can do, but I cannot do the things that me would like to do.”, es decir, “He aprendido que yo soy yo, y que puedo hacer las cosas que, como podría decirse, puedo hacer, pero no puedo hacer las cosas que me gustaría hacer”. Se dice que podría estarse refiriendo a su, en ese momento, desconocida disgrafía. 

Aun con esto, las novelas de Agatha Christie son famosas mundialmente. Habiendo vendido millones de copias. Además, se han traducido a más de cien idiomas. 

Sin duda, nos ha dejado un gran legado y después de conocer sus dificultades también nos ha dado una gran lección de superación personal.

Bibliografía:

https://www.agathachristie.com

http://bohemia.cu/

Christina Broom, la primera reportera de prensa inglesa.

Esta es la vida de una pionera de la fotografía. Una mujer que comenzó revelando sus fotografías en una vieja carbonera y terminó convirtiéndose en la primera mujer en publicar su trabajo en periódicos de reconocido prestigio para la época como “The Daily Sketch” o “The Illustrated London News”.

Christina Livingston nació en Chelsea, Londres en 1862. Con 24 años se casaba con Albert Edward Broom, adoptando así el nombre por el que se la conoce desde entonces: Christina Broom. Del matrimonio nació su única hija, Winifred, que se convertiría con los años en el gran apoyo para Christina.

Los tres vivieron en Fulham donde Edward dirigía el negocio familiar: una ferretería y otras empresas comerciales. Desafortunadamente, en 1903 el negocio familiar entró en absoluto declive. Se cree que el fracaso de los negocios de Edward vino como consecuencia de un accidente que sufrió en 1896 jugando al cricket, en el que se rompió la espinilla, y del que nunca llegó a recuperarse del todo. 

Como consecuencia del fracaso de los negocios y, el hecho de que Edward no estuviera en condiciones de trabajar, Christina se vio obligada a buscar una fuente de ingresos para sacar a su familia adelante. Por ello, pidió prestada una cámara de fotos de cajón. Y, de forma autodidacta, aprendió a tomar fotografías. En esta época, únicamente los hombres estaban bien vistos como fotógrafos. Pero eso no frenó a esta humilde y valiente mujer. Broom decidió luchar contra todos los estereotipos de la época y vivir de su trabajo como fotógrafa. Christina vendió sus fotografías en un puestecito en el Royal Mews del Palacio de Buckingham desde 1904 hasta 1930. 

Christina revelaba sus fotos en una carbonera, que le daba la oscuridad que necesitaba. Llegó a vender tantas fotos que su hija Winifred tuvo que dejar el colegio para poder ayudar a su madre en el negocio. Albert, tenía una impecable caligrafía y ayudaba escribiendo las leyendas de las postales. ¡Llegaban a vender hasta mil postales al día! ¡Todo un logro para la época! ¿No os parece?

Christina fue nombrada fotógrafa oficial de la “Household Division”, es decir, de las unidades militares más elitistas del país. Además, empezó a fotografiar acontecimientos y escenas sociales importantes del momento. Como por ejemplo las fotografías oficiales del Palacio y los Príncipes de Gales, marchas feministas o las marchas sufragistas previas a la I Guerra Mundial.

Marcha de sufragistas por Christina Broom. Foto: Museum of London

La muerte de su marido Albert, en 1912 fue un duro golpe para Christina. De forma conmemorativa, decidió adoptar el nombre artístico de Señora Albert Broom. Con el estallido de la I Guerra Mundial, en 1914, Christina decidió fotografiar a los soldados en su día a día y antes de marchar a la guerra. Su fabuloso trabajo la llevó a convertirse en la primera reportera de prensa de Inglaterra, publicando sus fotografías en importantes publicaciones como “The Daily Sketch”, “The Illustrated London News”, “The Tatler”, o “The Sphereand Country Life”.

Soldados fotografiados por Christina Broom. Foto: Museum of London

Contingente de soldados de EEUU cuando llegaron a Inglaterra para pelear en la I Guerra Mundial por Christina Broom

Christina Broom murió en 1939 a la edad de 76 años y fue enterrada en el cementerio de Fulham. Broom dedicó 36 años de su vida a la fotografía, llegando a tomar unas 40,000 fotografías a lo largo de todos estos años. A día de hoy, podemos encontrar su legado fotográfico en varios museos. La colección más importante la encontraremos en el Museo de Londres.

Un maravilloso trabajo que llevó a esta sencilla y valiente mujer a convertirse en la primera mujer en publicar fotografías en diarios y otras publicaciones del momento. Además de convertirla en la primera reportera de prensa de Inglaterra. 

Todo un logro por el que hoy queremos dedicarle este pequeño homenaje. 

Espero que os haya gustado su historia. Merece la pena darse una vuelta por internet y descubrir su sorprendente trabajo.

Bibliografía

http://www.20minutos.es

http://www.mujeresenlahistoria.com

https://artsandculture.google.com

Nos vamos de vacaciones!!

Nos estamos preparamos para las vacaciones, vamos a intentar desconectar unas semanas.

Nos llevamos: un par de buenos libros, un reloj con las manillas paradas y la cámara de fotos.

Este año nos hemos propuesto desconectar del todo y dejar pasar el tiempo.

Nuestra tienda online permanece cerrada solamente desde el día 30 de julio al 9 de agosto, por lo que si realizáis alguna compra en estas fechas el paquete saldrá el lunes 10 de agosto.

Os dejamos nuestro mail de contacto: info@lopezlinares.com  y nuestro Whatsapp ( 660116577 ) por si necesitáis algo urgente. Estaremos disponible todo el verano, aunque igual tardamos un poquito en contestar.

Eso sí, os prometemos volver con un montón de novedades!!

Aquí os dejamos el link a la web: 

www.lopezlinaresvintagejewelry.com

Os deseamos un feliz descanso y nos vemos a la vuelta!!

 

Marylin vista por Avedon

Me gusta este retrato de Marilyn Monroe, tomado por Richard Avedon, porque nos muestra un lado muy diferente de ella.

Por lo general, los fotógrafos toman fotografías de personas que hacen una pose que les indican que hagan, o la típica pose que el propio modelo decide. Sin embargo, en este caso Avedon hace todo lo contrario: nos muestra una Marylin autentica.

Este enorme retratista nos muestra la verdadera personalidad de sus modelos. Es el caso de Marylin, ella siempre suele aparecer alegre y divertida. Avedon a conseguido sacarla de ese estereotipo de mujer simplona para mostrarnos una mujer real. Quizás un poco ausente o inmersa en algún pensamiento profundo

Esta imagen es un misterio, y me hace preguntarme en qué estaba pensando la Monroe.

Un retrato magnifico que no me canso de mirar…

El arte en la mesa

Desde el pasado 17 de febrero y hasta el próximo 10 de junio, el museo Hillwood presenta una muestra muy curiosa y que ha llamado tremendamente mi atención.

Se trata de una exposición en la que los creadores de tendencias contemporáneos Timothy Corrigan, Barry Dixon, Charlotte Moss, Alex Papachristidis, P. Gaye Tapp, Hutton Wilkinson y Josh Hildreth han trabajado para realizar una selección de mesas inspiradas en el estilo excepcional de Marjorie.

Estoy segura de que ahora que estoy tan metida en el mundo de la fotografía de bodegón, sería de una increíble inspiración para mí el poder visitarla.

Ya sabéis que este museo es la antigua vivienda de la famosísima Marjorie Merriweather, que se convirtió a mediados del S.XX en lugar de reunión de las más importantes personalidades de la época: diplomáticos, políticos, aristócratas, artistas. Todo lo más florido de la alta sociedad americana se dejaba ver en sus salones.

El gusto de Marjorie por los objetos antiguos y de colección, junto con su personalidad tan refinada, hicieron de las noches en Hillwood un lugar cargado de magia al que todo el mundo soñaba con acudir.

Esta selección de diseñadores de interiores, ha creado diferentes estilos de mesas inspiradas en el excepcional estilo de Marjorie

Tienen la enorme ventaja de poder trabajar con todos los objetos de la colección de Hillwood, y se inspiraran, como hizo ella, en los modelos franceses y rusos de los siglos XVIII y XIX.

Estoy segura de que esta inspiración, junto con su propia estética más moderna, va a crear mesas tan artísticas y fastuosas que no dejarán indiferente a nadie.

Una muestra para entretenerse y explorar el concepto de mesas artísticas, pasadas y presentes.

A mí, desde luego, me encantará verla.Y a vosotras, ¿os llaman la atención este tipo de mesas tan sofisticadas y bien decoradas?

Os dejo el link a la web por si tenéis la suerte  de poder visitarla.

https://www.hillwoodmuseum.org/exhibitions/artistic-table

 

 

 

Novias con tiara

Mil gracias Miriam por acordarte de nosotras y mandarnos las fotos del día de tu boda con nuestra tiara y gracias también por dejarnos publicarlas¡
No sabes la ilusión que nos hace recibir imágenes de este día tan importante para vosotras.
¡Estabas guapísima!
Fotografías: MyoPhoto

El Rito de la Velación Nupcial

La velación nupcial es un rito muy antiguo que se ha mantenido durante siglos. Se conservan datos de velaciones nupciales desde tiempos de los visigodos y de los mozárabes del siglo XI. Es un rito que está recogido y detallado en el “Manual de Toledo”  del  siglo XV.

Los nuevos esposos, antes de recibir la bendición nupcial, se arrodillan y se les coloca el velo sobre la cabeza de ella y sobre los hombros de él, simbolizando la indisolubilidad del matrimonio que acaban de contraer.

El sacerdote, con las manos extendidas sobre ellos, pronuncia una oración de bendición nupcial. Después de recibir la bendición se quita el velo y se continúa con la celebración.

Es una preciosa ocasión para ponerse esa mantilla antigua de familia que a veces son demasiado antiguas para llevarlas como parte del estilismo de la novia, pero si pueden lucirse en ese día tan especial.

Es un rito que aporta mucha solemnidad a la celebración católica del matrimonio y que ya se ve en contadísimas ocasiones.

La verdadera historia de la osa que inspiró Winnie the Pooh

Winnie the Pooh es uno de los personajes más conocidos en la literatura infantil, pero lo que muy pocos saben son los orígenes de este entrañable personaje.

El oso, que en realidad era una osa, nació en los bosques canadienses de Winnipeg en 1914, durante la Primera Guerra Mundial. Fue allí donde el soldado veterinario Harry Colebourn se hizo con ella, conviviendo el cachorro con las tropas durante 4 meses. Al final el capitán decidió atravesar el Atlántico con ella en brazos y llevársela a su Inglaterra natal, dado el cariño que la había cogido.

Pero el capitán terminaría donándola al Zoológico de Londres al ser llamado a combatir en Francia y no poder seguir haciéndose cargo de ella.

Cuando el conflicto acabó, el capitán se dio cuenta de que era inviable regresar la osa a su hogar, y decidió dejarla en el zoológico para siempre.

«Se escribieron muchos artículos acerca de lo amigable y bien entrenada que estaba. Dejaba que los niños se le acercaran y hacía trucos para ellos. Fue una atracción muy popular durante muchos años».

Originalmente, la osa tenía por nombre Winnipeg, pero luego se simplificó a Winnie.

Pero, ¿cómo llego esta Winnnie a inspirar al escritor Alan Alexander Milne?

Christopher Robin Milne. hijo del autor de la saga de cuentos, con apenas 5 años visitó el zoo de Londres y se quedó prendado de la simpatía y cercanía de Winnie. Al poco tiempo sería su cumpleaños y recibiría como regalo un gran oso de peluche de 60 cm., al que impondría el nombre de Winnie. De esta forma, su padre terminaría inspirándose en su propio hijo y en su oso para crear el personaje de Winnie de Pooh.

Entre los entusiastas de los libros de Milne se encontraban las hijas de Walt Disney, que acabaría comprando sus derechos de imagen.

En 1966 Disney hace la primera película sobre Pooh: “Winnie the Pooh y el árbol de miel”.

El personaje ha alcanzado tal popularidad que uno de sus primeros dibujos, concretamente uno realizado a tinta por E. H. Shepard en 1928 en el que aparece el oso jugando con otros de los personajes de los cuentos infantiles de A. A. Milne, acabaría alcanzando la cifra de £314.500 (casi medio millón de dólares) en una prestigiosa subasta Sotheby’s. Tres veces el precio que se había estimado que alcanzaría.

Otra versión en lápiz de la misma escena fue vendida hace pocos años por £58.750 (alrededor de US $90.000).

Ahora, y hasta el 8 de abril de 2018, tienes la oportunidad de visitar en el Victorian&Albert Museum de Londres una simpática muestra en torno a este querido personaje. Un simpático recorrido por su vida a través de bocetos, cartas, fotografías, dibujos animados, cerámica y moda.

Bibliografía:

VAM

Bbc.com

DISNEY

En la portada del blog podemos ver a Harry Colebourn y Winnie, 1914

Sorolla y la Moda

El próximo 13 de febrero se inauguraba en Madrid una exposición dedicada a la presencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla.

La muestra reúne más de setenta pinturas procedentes de museos y colecciones privadas algunas de ellas nunca expuestas públicamente, junto a un destacado conjunto de vestidos y complementos de época.

La revista Smoda en su número de febrero nos deja un maravilloso reportaje dedicado a esta exposición, con textos de Ana Fernandez Abad, fotografía de Biel Capllonch y estilismo de Francesca Rinciari. En el mismo han utilizado algunas de las piezas más destacadas de nuestra colección de joyas históricas.

Un editorial de moda en el que han replicado algunos de los retratos más famosos del soberbio artista.

Os dejo con algunas de las imágenes de esta bella sesión, aunque os recomiendo que compréis la revista porque merece la pena conservarlas en papel.

Os dejo también la ficha con todos los detalles de la exposición:

http://www2.museothyssen.org/microsites/prensa/2018/Sorolla/NP_Sorolla.pdf

La exposición comisariada por Eloy Martínez de la Pera tendrá lugar, de manera simultánea en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el Museo Sorolla y podrá disfrutarse hasta el 27 de mayo de 2018. Cada museo ofrece una selección de piezas y obras, por lo que para tener una visión completa y enriquecedora de la exposición se recomienda visitar ambos museos.

¡Yo desde luego esta no me la pierdo!

La historia del árbol de Navidad

Pues nada, que ya tenemos aquí la Navidad.

Las calles de todas las ciudades del mundo se llenan de lucecitas de colores, arbolitos decorados y se respira un espíritu navideño allí por donde vayas. Todo huele a frio, abeto, muérdago y mazapán…

Yo tengo la costumbre de decorar mi casa todos los años en este puente de diciembre. Cuando mis hijos eran pequeños solíamos ir a la Plaza Mayor, lugar en el que todos los años comprábamos una figurita nueva para el belén. Era una tradición. Tengo un belén de cerámica desde que era pequeña que he ido completando año a año con unas figuritas muy graciosas, con una carita muy entrañable que a mí me han encantado desde niña. Soy una sentimental, lo reconozco…

También decoramos el árbol. Hace muchos años invertí en un árbol precioso, totalmente artificial. Reconozco que no hay nada como un árbol natural, pero me da dolor solo pensar en cortar un pino para ponerlo en mi recibidor, viendo cómo cada día pierde un montón de hojas a causa de la calefacción. Durante un par de años compré un árbol con maceta para replantarlo en la casa de la Sierra al terminar las fiestas, pero ninguno consiguió sobrevivir más de unos meses. En cuanto llegaba el calor todos se secaron. Al final, cada año saco mi árbol artificial y lo decoro sin remordimiento de ningún tipo.

Este año me ha dado por ponerlo de lo más tradicional: rojo y verde son mis colores elegidos. Quería recordar mis navidades de pequeña y esos tonos son lo que más me recuerdan a estas fechas.

No sé por qué me picó la  curiosidad mientras lo montaba: ¿alguien sabe de dónde viene esta tradición?, ¿cuándo se montó el primer árbol de Navidad en España?

Pues la tradición viene del norte de Europa, más concretamente de la Alemania del S.XVII. Desde allí paso a Finlandia y a los países nórdicos. A Estados Unidos llegó a finales del S.XVII, llevado por los alemanes hessianos durante la guerra contra George Washington.

A Inglaterra llegaba a mediados del S.XIX, y parece que el primer árbol lo vieron en el Castillo de  Windsor en 1841, bajo el reinado de la Reina Victoria.

Nosotros vimos un árbol de Navidad por primera vez gracias a una aristócrata rusa que trajo consigo la tradición a España: Sofía Troubetzkoy, que después de enviudar del duque de Morny, hermanastro de Napoleón III, contrajo segundas nupcias con el aristócrata español Pepe Osorio, el Gran Duque de Sesto y Marqués de Alcañices, uno de los mayores promotores de la Restauración borbónica que permitió a Alfonso XII reinar, tras el exilio de su madre Isabel II.

Parece ser que la primera vez que se colocó un árbol navideño en España fue en Madrid, durante las navidades del año 1870, en el desaparecido palacio de dichos nobles: el palacio de Alcañices, ubicado en el Paseo del Prado esquina con la calle de Alcalá, 4, en el solar actualmente ocupado por el Banco de España.

Sofía Troubetzkoy era una mujer de enorme belleza, que todo lo que hacía o se ponía se convertía en moda al instante. Trajo esa tradición consigo y decoró su palacio para envidia y deleite de toda la aristocracia española de la época, siendo imitada por todas las damas que querían ser tan modernas y chic como ella.

Pues aquí me tenéis a mí… imitando a Sofía Troubetzkoy. Este fin de semana me he sentido como una autentica aristócrata, decorando mi hogar con todos los detalles navideños que hacen que cada uno de los hogares en el mundo sientan el calor de estas fechas de rencuentro, ilusiones y deseos compartidos.

¡Os deseo unas felices fiestas a todos!

La historia del cristal de swarovski

Este mes de diciembre nuestra “no piedra” va a ser el cristal de Swarovski. Aunque no se puede considerar una piedra vamos a tratarla como tal en nuestro diccionario, ya que es un material que revolucionó la historia de la bisutería y uno de los grandes protagonistas de las mejores colecciones de bisutería de todos los tiempos.

La historia de esta marca comienza con el nacimiento de Daniel Swarovski en 1862, en un pueblecito del norte de Bohemia llamado  Georgenthal, centro de la producción y de la industria del vidrio.

 

Su padre era el dueño de una pequeña fábrica-taller de vidrio donde se elaboraba toda clase de adornos y joyas de bisutería. Daniel, al lado de su padre, aprendió todo lo referente a la manipulación del vidrio, que en aquellos años era puramente manual y artesanal. Pasaron los años y, después de comprobar que su gran ilusión de ser un gran violinista era una pura quimera, Daniel Swarovski marcha a Paris para graduarse como ingeniero óptico.

En 1883 asiste a la “Primera Exposición Eléctrica” en Viena. Es allí donde, viendo las innovaciones y las nuevas técnicas de Siemens y Edison, Daniel ve la posibilidad de inventar una máquina que pueda moler, tallar y pulir el cristal de una manera más perfecta y precisa a cómo se estaba haciendo en ese momento en su fábrica.

En ese momento comenzó a realizarse su gran sueño: crear una empresa familiar donde se fabricase el cristal perfecto.

En 1891 logra diseñar su primera máquina eléctrica para la manipulación del cristal, pero lo único que le falta es el dinero para poner en marcha el proyecto. Encuentra dos socios, Frank Weis y Armand Kosmann. Juntos buscan el lugar idóneo para montar la fábrica y lo encuentran en el Tirol. Allí hay agua suficiente para la energía eléctrica que necesitan las máquinas. En 1895 nace la nueva fábrica de vidrio “George Frederic Strass”.

Daniel Swarovski comienza a producir su propio cristal, y al mismo tiempo va perfeccionando sobre la marcha sus máquinas. En la década de 1900 sus hijos se incorporan al negocio.

El resultado de sus esfuerzos por mejorar la calidad del cristal tiene un feliz resultado, de la fábrica sale un cristal casi perfecto, excelente podríamos decir, y los joyeros comienzan a hacer pedidos de estos hermosos cristales para insertarlos en sus joyas.

Con gran visión comercial Daniel Swarovski manda una muestra de sus cristales a Francia y a Moscú. Dos lugares estratégicos para la comercialización de su producto, Francia por ser el centro de la moda y Rusia por ser el centro del lujo y la riqueza en esos momentos.

Son los años 20, la llamada “Belle Époque. Se han puesto de moda los tejidos bordados con perlas y cristales y los adornos de brillantes. Los cristales de Swarovski son perfectos y llegan en el momento apropiado. Con una gran visión comercial, crea una cinta llena de cristales que se puede aplicar a toda clase de tejidos, accesorios e incluso puede adornar zapatos, bolsos y tocados. Cocó Chanel es de las primeras diseñadoras de alta costura en emplear los cristales de Swarovski y lanza toda una colección con ellos. El éxito de la marca está garantizado.

Ante el parón económico de la de la segunda guerra mundial, Swarovski decide dar el salto a los Estados Unidos, logrando allí otro enorme éxito. Sus cristales debutan en el mundo del espectáculo, en Hollywood y en los vestidos de las mujeres de la alta sociedad estadounidense.

Por la década de los cincuenta la casa Swarovski sorprende con una nueva innovación: incorpora en los cristales unas partículas muy delgadas de metal, que produce con la luz unos destellos iridiscentes iguales a los producidos por el diamante. Son los famosos cristales “Aurora Boreal”, inigualables, de un cristal perfecto y calidad superior. Crea tendencia, y la alta joyería demanda estos cristales inigualables. Nadie los ha logrado imitar, ni superar. La fórmula sigue estando guardada bajo llave por la familia.

Daniel muere en 1956, no impidiendo su pérdida en ningún momento el continuo desarrollo de la empresa, que sigue creando, diversificándose y expandiendo su mercado por todo el mundo.  Actualmente la empresa está en manos de la quinta generación Swarovski, que produce el 80% de las piedras- cristales que se utilizan en la joyería de alta gama.

También en el mundo de la moda los grandes diseñadores como Dolce & Gabanna, Channel,  Vuitton y otros muchos, utilizan en sus creaciones con gran éxito el último producto Swarovski llamado “Malla de cristal”. Es un tejido suave y ligero cubierto de cristales, ideal para los vestidos de alta costura.

En Innsbruck, capital del Tirol, está el museo “Swarovski Crystal Worls” donde, como en un parque temático, puedes introducirte dentro del mundo mágico del cristal de Daniel Swarovski.

Yo os he dejado a lo largo de este post algunas imágenes de piezas que tenemos realizadas con este precioso cristal. Son piezas inspiradas en el Barroco, una época en la que estoy segura que tanto hombres como mujeres se habrían vuelto locos con el brillo de estos cristales.

 

 

 

“Balenciaga Shaping Fashion”

Este mes de noviembre me gustaría cerrarlo con la exposición de uno de mis diseñadores de moda favoritos, él es el “Gran Maestro” español de la alta costura, ese en el que todos se inspiran y al que todos los diseñadores soñarían parecerse.

 

La exposición a la que vamos a viajar hoy está teniendo lugar en Londres en el marco de uno de los más prestigiosos museos de la capital inglesa, el Victoria & Albert. El museo abre sus puertas hasta el 18 de febrero para mostrarnos cada día más de 100 piezas del prestigioso modisto español Cristóbal Balenciaga.

Hace un siglo, el modisto español abría una boutique en San Sebastián que se convertiría en una de las casas con más historia de la moda española. El modisto abandonaría su tierra para entrar en París por la puerta grande, destacando sobre grandes del momento como Coco Chanel o Christian Dior.

La muestra se centra en los años cincuenta y sesenta, y en ella podemos ver esas siluetas tan características del modisto, con esas formas perfectas, casi arquitectónicas, esos volúmenes que envolvían a la mujer de forma magistral y la daban un halo de elegancia que muy pocos han logrado.

Sus prendas son verdaderas obras de arte. Balenciaga siempre estuvo asociado a un corte impecable, limpio, sencillo y, casi celestial, de una perfección inigualable.

Audrey Hepburn, Jackie Kennedy, Ava Gardner y un sinfín de lo que hoy llamaríamos “influencers”, fueron incondicionales de la marca.

Yo he querido ilustrar este post de hoy con fotografías de uno de mis fotógrafos favoritos, hubiera sido un sueño ver trabajar a Richard Avedon en un plató de fotografía junto a Cristobal Balenciaga.

Pero siempre nos quedará Londres, y si tenéis la suerte de viajar a la capital inglesa no dejéis de visitar esta muestra. Y si lo hacéis, por favor, no dejes de escribirme para contarme qué os ha parecido.

Ya sabéis, en el Victoria & Albert., hasta el 18 de febrero de 2018: “Balenciaga Shaping Fashion”

Bibliografia:

Vam.ac.uk

Wmagazine.com

Pinterest.es

Hijosdelacaducidad.wordpress.com

Highlowvintage.com