Bernardo Dovizi majestuoso retrato de Rafael

El primer anillo de hombre que entra a formar parte de nuestra colección renacentista es portado por el cardenal Bernardo Dovizi en este majestuoso retrato de Rafael.

Un gran retrato de composición sobria y clásica, en el que vemos al cardenal sentado de medio cuerpo con sus ropajes cardenalicios y portando en su mano un gran cáliz de plata.

Destaca sobre el resto el brillo de la seda roja y la textura de su ropaje. Rostro de mirada 00profunda y personalidad reservada que nos muestra una ligera mueca en la boca, como si esbozara un leve gesto de superioridad. Porta tres anillos que son las piezas que llegan este mes hasta nuestro espacio.

Eran los tiempos del papa León X, habiendo sido Dovizi su secretario y llegando más tarde a ser el representante diplomático del Pontífice en Urbino y en Francia. En estas fechas posaba para uno de los  grandes artistas del renacimiento Italiano.

El cardenal Bernardo Dovizi fue un hombre de extraordinaria inteligencia y un brillante humanista del Renacimiento, con un especial amor por la literatura. Llegó a escribir una  comedia: «La Calandria».

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Amigo íntimo de Rafael, no solo le encargaría este increíble retrato, en sus manos recaería asimismo la  decoración de tres de las estancias más emblemáticas y bellas del Vaticano.

Rafael contó para este magnífico proyecto con la ayuda inestimable  de uno de sus más aventajados discípulos: Giovanni de Udine. Rondaba el año 1519.

Giovanni había experimentado con éxito la técnica del estuco, ocurriéndosele reducir a polvo escamas del mármol más blanco que encontró y pasarlas por un tamiz, para luego añadirlas a la cal de travertino. Rafael quedó prendado con su descubrimiento, por lo que decidió contar con su ayuda para la realización del estucado de las tres estancias que le había encargado el cardenal: la stufetta (o cuarto de baño) del cardenal Bibbiena, la Loggetta y las Logias vaticanas.

El retrete o «estufilla» del cardenal nos ofrece una decoración tremendamente intimista e incluso erótica. El tema elegido son diversos episodios de la vida de Venus y su relación con los otros dioses, junto a numerosos amorcillos que juguetean con animales. En el siglo XIX debieron encontrar demasiado atrevida la escena, por lo que convirtieron el retrete en capilla cubriéndose las paredes con tablas y su bóveda con una tela.

Tal fue la satisfacción del cardenal al ver terminada la obra, que quiso casar al artista con  su sobrina María, algo que no fue posible ya que fallecería antes de la fecha de la ceremonia.

El cardenal Bernardo Dovizi nació  en 1470, falleciendo en Roma en 1520.

Nosotras hemos querido inmortalizar parte de su obra en esta sencilla y clásica pieza de joyería.

Bibliografía:

Turismo-toscana.blogspot.com.es

Artehistoria.com

Museodelprado.es

Imágenes: @María López-Linares Vintage Photography

 

 

Diccionario Vintage: Con la «L» Lazo

Entendemos por lazo una banda de tela alargada, que nos permite atar o fijar alguna prenda de una forma creativa y decorativa. Lazada es un nudo de cordones que sujeta unos zapatos, una cinta que decora las coletas de las niñas, y no tan niñas, o la serie de lazos que componen una escarapela.

Los lazos decoran vestidos, cabezas, zapatos, bolsos y hasta paquetes de regalos. Son la guinda que da cierto aire romántico a cualquier cosa.

Y, por supuesto, no podían faltar en nuestro Diccionario Vintage los broches en forma de lazada o lazo.

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Fueron piezas que se pusieron muy de moda en los 20s, y que se han utilizado en joyería a lo largo de toda la historia para realizar broches, pendientes y colgantes.

Los broches en forma de lazo son piezas que dan un toque muy especial y romántico a cualquier look, tanto de vestir como más informal.

Suelen estar realizados en oro o plata y llevar piedras, tanto piedras de color, preciosas o semipreciosas, como perlas de diversos tipos. Es un tipo de decoración igualmente frecuente en tiaras, pendientes y sortijas. Las lazadas o pequeños lazos siempre dan a la pieza en cuestión un aire romántico y retro a la joya.

Imágenes: @María Vintage Photography

Exposición «El Retrato en las Colecciones Reales

Hasta el 19 de abril os queda solamente para poder disfrutar de una de las más completas e interesantes exposiciones sobre la historia de los retratos reales de España.

La exposición hace un recorrido desde Juan de Flandes a Antonio López y ofrece una visión general del retrato de corte en España, desde el siglo XV al XXI.

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Un itinerario para disfrutar de obras maestras de la pintura, con los mejores ejemplos conservados en las colecciones de Patrimonio Nacional. El recorrido, a lo largo de 12 salas por la planta baja del Palacio Real de Madrid, se complementa con una visita al propio Palacio. En total no invertiréis más de una mañana en visitar las dos cosas y, verdaderamente, merece la pena. Yo saqué la entrada por internet y me resultó de lo más agradable la doble visita.

La exposición en sí esta estructurada en dos grandes secciones: Casa de Austria y Casa de Borbón, y un recorrido en orden cronológico que nos hace entender un poco mejor la historia de España a través de sus familias reales.

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La muestra se abre con la dinastía de los Habsburgo, con diversos retratos entre los que destaca el de la reina Isabel la Católica, de la Casa de los Trastámara, de Juan de Flandes.

Destacable de esta sección son también los retratos de Carlos V de Jakob Seisenegger y de Felipe II de Antonio Moro, y esta sección podréis encontrar una de las joyas de la exposición: una pequeña miniatura del conde-duque de Olivares de Diego Velázquez.

En la segunda sección dedicada a la Casa de Borbón desde el siglo XVIII hasta el presente, se exponen los mejores ejemplos del retrato borbónico del Patrimonio Nacional: Felipe V, Carlos III o la maravillosa obra de Francisco de Goya con María Luisa de Parma como modelo. Obras de Vicente López, Federico de Madrazo o Franz Xaver Winterhalter, Joaquín Sorolla y Ramón casas, entre otros.

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La muestra se cierra con dos obras emblemáticas una de Salvador Dalí y la otra de Antonio López de la familia real de Juan Carlos I.

Una selección de obras que merece la pena visitar y para la que ya os quedan muy poquitos días.

Os dejo el link a la web de Patrimonio por si os decidís a visitarla en estos días.

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Bibliografía e Imágenes:

Patrimonio Nacional

Las joyas de Joan Crawford

La mayor parte de la colección de joyas de Joan Crawford fue subastada al poco de su fallecimiento. Aunque ya se había desprendido de gran parte de su colección antes de morir, Joan Crawford guardó hasta su muerte sus piezas más queridas, que no las de más valor. La mayoría de estas joyas eran de entre los años 30 y los 50, cuando el estilo era más atrevido, con grandes piedras y adornos muy exagerados.

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De entre todas sus piezas de su colección yo destacaría las siguientes:

  • Un magnifico aderezo de oro y citrino formado por collar, dos pulseras gemelas, pendientes y anillo. Corrió a cargo de Raymond C. Yard, uno de los joyeros más demandados de Estados Unidos en aquella época.
  • Este juego fue unos de los favoritos de Joan, un conjunto de aguamarina y diamantes firmado por la casa francesa Boucheron (Verger Freres) que la actriz adquiriría en 1935. El juego fue lucido por Joan tanto dentro como fuera de la pantalla durante este periodo en numerosas ocasiones, y es el sueño de cualquier coleccionista de joyas clásicas. Este adorno fue más tarde adquirido por Andy Warhol y se incluyó en la venta de su colección -«Collection of Jewelry and Watches» de 1988-. Hasta hace apenas unas semanas podría admirarse en el Museo Of Fine Arts de Boston, en una exposición llamada “Hollywood Glamour Fashion and Jewerly from Silver Screeen”

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  • Joan recibió numerosas joyas de todos sus maridos, pero quizás el que más piezas le regalaría sería Alfred Steel, Presidente de Pepsi Cola, y una de las piezas más curiosas que recibiera de sus manos fue un pequeño broche de oro con rubíes y diamantes con forma de botella de Pepsi-Cola, que la actriz recibiría como regalo de boda. La pieza alcanzaría años más tarde un precio de 5.000 dólares en la subasta de las joyas de la diva. Otra de las joyas más espectaculares que recibiría de él fue un reloj de pulsera de platino y diamantes. Esta joya fue creada por el joyero Ruser. El reloj tenía una pequeña esfera circular, apoyada de racimos de variadas flores de diamantes en un brazalete de piedras similares. Un diseño atrevido y espectacular del que no he logrado encontrar ninguna fotografía decente. La joya tenía una pequeña inscripción que decía «To my love, Xmas 1958, Alfred».
  • Impresiónate es también el juego de broches que Joan Crawford adquirió al famoso diseñador Fulco di Verdura. Joan Crawford los llevaría sujetos a la solapa de sus vestidos con un deslumbrante efecto. Unos años más tarde adquirió un collar de diamantes en baguette, pero como a veces no se veía lo bastante extravagante, solía colocar estos broches de Flato u otro gran pasador de diamantes para crear un conjunto aún más cegador.

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  • Datado a finales de los 50 había unos espectaculares pendientes de diamantes en la colección Crawford. Estaban diseñados en forma de racimo en baguette, con diamantes en corte de brillante y corte de marquesa, sujetando cada uno una gota o borla desmontable de diamantes en baguette.
  • Joan Crawford estaba tan enamorada de los zafiros que era conocida coloquialmente como «Joan Blue». Una de sus piezas favoritas era un juego de brazaletes, con tres zafiros estrella de entre 70 y 60 quilates. También tenía un anillo de compromiso de un zafiro estrella de 70 quilates, que le regalo su segundo esposo, y un soberbio zafiro corte esmeralda de 72 quilates.

Su carisma, sus felinos ojos y su capacidad para bordar los papeles dramáticos, hicieron de ella una de las más grandes estrellas de Hollywood. Joan Crawford se gana por méritos propios entrar a formar parte de nuestra particular selección de grandes coleccionistas de joyas.

Imágenes y Bibliografía

Legendaryjoancrawford.com

Jewelsdujour.com

Susanjanejewels.com

Mfa.org

Alta-joyeria.blogspot.com.es

Collectingfinejewels.com

Filippo Lippi y el broche de perlas de su Madona

Hoy os traigo una joya copiada de una de las obras más emblemáticas de Filippo Lippi. Un pequeño broche de perlas que luce la Madonna en la obra «Madona y niño – Nacimiento de la Virgen». Es una pintura que Filippo Lippi hizo con la técnica de temple sobre madera alrededor de 1465, tiene un tamaño de diámetro de 135 cm. y se mantiene en la Galería Palatina de Florencia.

La historia de Filippo Lippi

De orígenes humildes, en 1421 Filippo tomó votos en el convento de Santa María del Carmine, en Florencia, cerca de donde había vivido con su familia.

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Así, el joven fraile tuvo la oportunidad de admirar los frescos que, durante la década de 1420, Masolino y Masaccio estaban pintando en la Capilla Brancacci, en la iglesia anexa al convento de las Carmelitas. Fue una experiencia decisiva en la formación de Lippi, hasta el punto de que «muchos decían que el espíritu de Masaccio había entrado en el cuerpo de Filippo» (Vasari 1568).

Filippo abandonó el convento en 1434 para trasladarse a vivir a Padua.  A finales de  1430 Lippi abrió su propio taller en Florencia, donde demostró enseguida su talento. En una carta fechada el 1 de abril de 1438 dirigida a Piero de Medici, Domenico Veneziano menciona a Filippo Lippi y a Fra Angelico como los mejores pintores del momento.

Filippo realizó pinturas de temas religiosos con elegante simbolismo: los temas más recurrentes eran la Pietá, la Anunciación y la Adoración del Niño. También pintó retratos. A partir de 1440 Lippi evolucionó hacia un estilo más cortesano, con colores más brillantes, más difuminados, más complejos y de atmósferas más espaciosas, en harmonía con los encargos que le demandaban en este periodo principalmente fomentado por los Medici y sus afiliados. Pintó para Cosimo il Vecchio el altar mayor, retratando la Adoración del Niño en la capilla del Palazzo Medici (antes de 1459).

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Entre 1452 y 1466 Lippi se dedicó a su empresa más ambiciosa: los frescos que muestran las «Escenas de las vidas de San Esteban y Juán el Bautista» en el Coro de la Catedral de Prato. Durante su estancia en Prato se enamoró de Lucrezia Buti, que vivía en el convento de Santa Margarita. A través de la intervención de Cosimo de Medici con el Papa Pío II consiguió que Lucrezia abandonara sus votos monásticos y pudiera casarse con ella. La pareja tuvo un hijo, Filippino, que siguió los pasos de su padre y se convirtió en un importante artista.

En 1647 Filippo Lippi se fue a Spoleto con todo su taller, habiéndosele encargado el fresco «Escenas de la vida de la Virgen» en 1647 en el ábside de la Catedral. Trabajó en esto hasta su muerte en octubre de 1469. Más tarde, en el Duomo de Spoleto donde Lippi había sido enterrado, Lorenzo il Magnifico ordenó la construcción del monumento sepulcral al artista, diseñado por Filippino.

Entre sus pupilos y colaboradores estaban Fra Diamante, Filippino Lippi y Sandro Boticelli.

BIBLIOGRAFIA:

Palazzo-medici.it

WIKIPEDIA

Simonetta Vespucci, musa del Renacimiento

Muchos no sabrán el nombre de la musa que inspiró esa pintura, pero la imagen de la Venus de Sandro Botticelli es una de las primeras que nos vienen a la cabeza si pensamos en el universo pictórico del Renacimiento. Su cabello dorado y largo, su nívea piel y esa hermosa mirada triste y virginal cautivaron a muchos hombres de la Florencia del siglo XV, pero sería el pintor Sandro Botticelli quien la inmortalizaría al convertir a Simonetta Vespucci en su musa.

Simonetta –de soltera su apellido era Cattaneo–  era hija de un noble genovés y contrajo matrimonio con tan sólo dieciséis años con un vecino del propio pintor, un hombre procedente de una familia de posición acomodada quien al parecer se quedó prendado de ella nada más verla.

Se dice que su hermoso porte y su equilibrada belleza merecieron la alabancia de los poderosos Médici, mecenas de numerosos artistas, y los historiadores del arte la señalan casi sin discusión como la mujer más hermosa de todo el Renacimiento. Si no lo fue, al menos no se puede negar que se convertiría por méritos propios en la mujer más representativa de ese periodo.

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Su imagen, además, va siempre ligada a una triste y a la par intensa historia de amor digna de una tragedia de Shakespeare. El pintor cuatrocentista se obsesionó hasta tal punto por ella que la retrató en la que sería una de sus obras cumbres, El nacimiento de Venus (1484), que terminó casi diez años después de la muerte de la joven, como si de un homenaje póstumo se tratase.

Simonetta la bella, como era popularmente conocida, también protagoniza el cuadro Venus y Marte, y en general, todas las mujeres retratadas por el maestro italiano guardan un enorme parecido con la dama.

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Mucho se ha especulado con la idea de que se tratara de un amor sólo factible a través de la pintura, una suerte de amor platónico por parte del artista. Simonetta, además de estar casada, falleció con tan sólo 23 años víctima de una tuberculosis, y Botticelli –que jamás se casó, mientras que el esposo de ella volvió a contraer matrimonio–  pidió ser enterrado a los pies del sepulcro de su amada, en la iglesia de Todos los santos de Florencia; allí yacen sus restos desde 1510, pegados a los de la noble.

La vida de Simonetta, a pesar de la admiración que provocaba y de las atenciones que mereció, fue triste. El tiempo no fue capaz de marchitar su belleza de ninfa, su hermosura virginal y llena de dulzura, porque la enfermedad se la llevó mucho antes de lo que nadie podía imaginar. Botticelli se encargó durante el resto de su vida de que el olvido no se adueñara de ella y la convirtió en una musa universal del Renacimiento, una musa que hoy sigue siendo admirada.

Imágenes:

María Vintage Photography y Wikipedia.

Texto de @Esther Ginés 

Diccionario Vintage: Con la «A» Aljofar

El nombre de aljófar proviene del árabe, significando pequeña perla o conjunto de ellas, de forma irregular. Los poetas suelen utilizar este término para designar las pequeñas gotas de rocío que cubren la hierba a primeras horas de la mañana. Generalmente son de escaso valor, pudiendo distinguir dos tipos diferentes: las llamadas “amapola”, que  son más esféricos, y las llamadas “semilla”, de forma más ovalada e irregular

Se da el nombre de aljófar también a las piezas de joyería que se realizan con este tipo de perlas que se utilizaban tanto para coser en pendientes o colgantes, como para decorar las más ricas sedas en el Renacimiento.

En la actualidad no es muy frecuente encontrar piezas de joyería realizadas con este tipo de pequeñas cuentas de perlas, ya que es complicado trabajar con ellas debido a su minúsculo tamaño.

Cuando están bien cosidas,  tanto sobre oro como sobre plata, resultan muy atractivas y elegantes.

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Fotografías: @María Vintage Photography

Las joyas testigo de una bella historia de amor de la Roma del Renacimiento: Margherita Luti

Cuenta la leyenda que Raffaello Sanzio, más conocido como Rafael, se enamoró de Margarita Luti al ver cómo limpiaba sus pies en las aguas del Tiber. Su amor fue tan intenso y apasionado que no conseguía concentrarse en terminar la obra que le habría encargado el rico banquero Agostino Chigi. Hasta tal punto llegó la desesperación del banquero, que terminó instalando a Margarita en una zona de su palacio cercano al lugar de trabajo de Rafael, hasta que éste finalizara el proyecto.

Y es en éste y otro retrato de Margarita en los que aparecen las joyas históricas de las que hoy os quiero hablar. En las impresionantes pinturas “La Veleta” y «La Fornarina».

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En La Veleta, obra firmada en 1516 en el que Margarita aparece ricamente vestida y velada con lo que parece un manto de seda, luce sobre su cabello como llamativo adorno una perla y un rubí, casi pegado a un descuidado rizo que quizás nos quiere  dejar entrever su adúltera vida. Rafael plasma en el lienzo la belleza de una mujer serena y tranquila. Esta pieza es muy similar a la que luce Margarita en La Fornarina, casi pegada a un turbante, complemento muy de moda en la época. Diría que las dos piezas que luce en el pelo son prácticamente iguales, y hoy hemos querido traerlas hasta aquí. Una sobre una sutil gasa blanca y la otra sobre un rico brocado de seda.

Pero indaguemos algo más en la apasionante vida que tuvo Margarita y en la profunda historia de amor entre Rafael y ella…

En 1514 Rafael se comprometía con María Bibbiena, la sobrina del cardenal Medici Bibbiena, pero su matrimonio nunca llegaría a consumarse. Su mente y su corazón siempre estuvieron junto a su verdadero amor: Margherita Luti, «La Fornarina». Margherita era la  hija de Francesco Luti, dueño de la panificadora «Fornaio de Siena», y parece que su humilde condición no la hizo digna de contraer matrimonio con un artista de la talla de Rafael, por lo que tuvo que conformarse con ser su amante hasta la muerte del artista.

Es muy posible que la prueba más sugerente de esta aventura sea su oleo «La Fornarina», en el que Margarita aparece semidesnuda, sutilmente tapada  por una suave y fina seda, sosteniendo en su delicada mano uno de sus pechos. Una imagen más que sugerente de la pasión que debía unirles a ambos. Parece que esta obra permaneció oculta en su taller, siendo muy pocos los que la conocerían.

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Al igual que con todas las buenas historias de amor, la historia de Rafael y la Fornarina tiene un final amargo. Después de una noche de amor, Raphael cayó gravemente enfermo y murió 15 días después. El artista logró escribir su testamento, teniendo en él muy en cuenta a su querida, a la que legó la suficiente fortuna para terminar su vida con tranquilidad. Pero tal fue  el amor de Margarita por el artista que a su muerte solo encontró consuelo en el  Convento de Santa Apolonia, una pequeña residencia en Vía di Santa Dorotea en el que viviría hasta su temprana muerte, no llegando nunca a disfrutar las riquezas que le legara su amado.

Una de las más bellas historias de amor de la Roma del Renacimiento, unida a una joya que ya pertenece a nuestra exclusiva colección de joyas históricas.

Bibliografía:

Amantedeldelirio.blogspot.com.es

Slate.com

Mozzarellamamma.com

Galeriebalzac.blogspot.com.es

Micasaesmimundo.blogspot.com.es

Imágenes:

@María Vintage Photography

@Pinterest

 

Magdalena Strozzi

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Magdalena Strozzi era la esposa de un rico comerciante y mecenas de Florencia, AgnoloDoni, y este singular retrato, realizado por Rafael hacia 1506, parece que fue un encargo del Agnolo Doni con motivo de su unión matrimonial o del nacimiento de su primer hijo, encargo que se realizará en forma de díptico para que los dos quedaran unidos para siempre por un juego de bisagras. Las últimas investigaciones de las tablas indican que fueron tomadas del mismo árbol y pintadas hacia 1506.

La obra se asemeja bastante a la que realizara Leonardo Da Vinci de su “La Mona Lisa”. Dicen que la obra de da Vinci fue la gran inspiración de Rafael a la hora de inmortalizar a Magdalena Strozzi, lo que se evidencia comparando ambos retratos donde las similitudes son más que notables.

La joven aparece vestida con un enorme, escote como era usual en la época, y con unas enormes mangas desmontables en damasco azul. Se encuentra colocada delante de un típico paisaje toscano como la Mona Lisa, y con la misma postura en manos y cuerpo.

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La gran diferencia con la obra de Da Vinci es que Magdalena aparece ataviada con sus mejores joyas: un precioso colgante con una enorme perla irregular y tres piedras de diferentes tonalidades, cada una indicando algo muy especial. La esmeralda recuerda la castidad de Magdalena, el rubí la intensidad de su persona, el zafiro la pureza y la perla la fidelidad.  Esta es la pieza que se clavó en mi retina y que busqué por varios talleres florentinos, hasta dar con un artesano que la realizara lo más exacta posible. Y, justamente, eso es lo que hoy os traigo hasta aquí: ese sencillo colgante que tiene tanta historia detrás y que tantas cosas nos transmite con su diseño y sus colores.

Magdalena también  porta un sencillo collar, que parece de cuentas de azabache, y que nos recuerda al que luciera «La Dama del Armiño», obra de la que os hablé hace ya meses.

El trabajo quedó en poder de los descendientes de la familia Donia, hasta que en 1826 fueron comprados por el Gran Duque de Toscana, Leopoldo II de Lorena, y así llegaron a formar parte de las colecciones del Palacio Pitti.

La obra original puede verse en el Palazzo Pitti de Florencia.

Yo hoy os traigo esta delicada copia de la joya que luciera Magdalena Strozzi allá por 1506. Espero que os guste.

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Exposición Joyas Históricas

El martes  presentábamos, en el marco de la “3ª Exposición de Joyas Históricas”, nuestra colección «Gracia».

La colección, basada en las joyas que recibiera la Princesa Grace Kelly con motivo de su boda, está compuesta por un collar de perlas con doble broche en clip, una pulsera y unos pendientes. La  exposición cuenta, igualmente, con numerosos complementos de la época, que bien podrían haber sido lucidos por la propia Princesa: bolsos, guantes, pendientes,…

Igualmente pudimos disfrutar de algunas de las piezas más icónicas de nuestra colección, como la “Tiara Downtown”, los pendientes de “La Joven de la Perla» de Vermeer, o el collar de la «Dama del Armiño» de Leonardo da Vinci.

Fue una jornada de puertas abiertas en la que contamos con la presencia de numerosos amigos y expertos en moda, y en la que María de Cuenca nos ofrecía una charla sobre joyas históricas, que dio lugar a un debate de lo más enriquecedor sobre las modas en la joyería.

Nos llevamos una sorpresa increible cuando  escuchamos la invitación a la inauguración de nuestra “Exposición de Joyas Históricas”, a través de una voz tan especial como la de Lydia Bermejo, de “El Loft de  Carrie”.

Os dejo el link a su audio:

¡No os lo perdáis, tiene una voz preciosa!

La exposición permanecerá abierta  hasta el 30 de junio, en horario de comercio, de lunes a viernes de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00, en Vintage By López-Linares, C/ Claudio Coello, 60, Madrid 28001. Nuestro espacio en Madrid.

Quiero agradecer especialmente a todos los asistentes el esfuerzo que realizasteis para asistir a este encuentro y el cariño con el que nos habéis tratado.

Nos encantará seguir recibiendo a todos aquellos interesados en las historia de las joyas, y poder haceros partícipes de todas las curiosidades que rodean a estas piezas tan icónicas.

¡Os esperamos!

Os dejo el link a la invitación: INVITACIÓN EXPOSICIÓN JOYAS HISTÓRICAS.

También podrás seguir todas las novedades desde nuestro Facebook y en Twitter con el hastagh #joyashistoricas.

En breve colgaremos un vídeo en Youtube que grabó Marta Rodríguez Ruiz y que retransmitimos via hangout en Google+. Una iniciativa novedosa de Google a la que nos hemos apuntado.

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En la imagen de izquierda a derecha:

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María López-Linares con Marcos Garabán de «Marcos Garabán»

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Begoña de «El Vestidor de Bego», María López-Linares, Maria Romero de Cuenca de «Arte al Instante» y Sonia Hernández de «Esencia Trendy»

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Carmen Hummer de «Carmen Hummer», María López-Linares y Lydia Bermejo de «El Loft de Carrie».

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Helena Pujalde, Victoria de «Friendly Madrid», Elena de «Le Cabinet d Èlena», Isabel Jorquera de «Libera tu Karisma», Carla Royo Villanova de «Carla Bulgaria» y Cesar Barrero Pérez.

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Esta foto nos la mandó Isabel Jorquera de «Libera tu Karisma», en ella vemos a  Isabel Jorquera Fuertes con Elena de «Le Cabinet d´Elena» y Victoria de «Friendly Madrid». Una imagen para la que sobran palabras.

Algunos detalles de la exposición:

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¡Os esperamos!