Gemas y joyas de los Medici

Florencia y la familia Medici se encuentran unidos desde el Renacimiento de tal forma que no se puede hablar de la una sin mencionar a la otra.  Para los que leéis este blog vintage con asiduidad, sabréis que me apasiona hablar de esta familia, contar la apasionante historia de cada uno de sus miembros, y descubrir la extensa colección de joyas que poseían.

En los talleres de nuestro espacio vintage de Madrid nos hemos inspirado ya más de una vez en las joyas que vestían los Medici para realizar nuestras piezas de estilo renacentista, siempre observando con minuciosidad los retratos que el maestro pintor renacentista Bronzino realizaba para la familia. Los pendientes inspirados en los que luciera la pequeña Bia di Medici o con los que años más tarde fuera retratada su hermana María Lucrecia di Medici son un ejemplo de estas piezas que hemos traído hasta nuestra colección de joyas históricas.

Es por esta razón que me complace especialmente presentaros la exposición “Gemas y joyas de los Medici”, que tiene lugar en el Museo Metropolitano de Arte Teien en Tokio desde el 22 de abril y que permanecerá abierta al público hasta el 5 de julio. Pero como muy probablemente asistir en persona se torna complicado, voy a intentar acercaros la muestra todo lo posible.

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El tesoro de los Medici

Durante décadas, y desde el primer Gran Duque de la Tuscany, Cosme di Medici, la familia fue reuniendo una inmensa colección de riquezas de todo tipo, en su mayoría hoy celosamente guardada en el Museo de Plata del Palazzo Pitti.

Por primera vez en la historia reciente de Japón, las piezas más destacadas de esta colección son expuestas para el gran público en el Museo Metropolitano de Tokio. Entre ellas, retratos de algunos de los más venerados pintores de la época, como el mencionado Bronzino, y las piezas de joyería más destacadas que muy elegantemente vestirían los miembros de la familia para mostrar su poder y riqueza.

De entre las piezas expuestas no podemos dejar de mencionar la colección de cameos medievales que cautivaron a Lorenzo el Magnífico durante toda su vida. Fue el precursor de la “edad de oro” de la familia di Medici. Sobre él se decía que tenía “el carácter de un artista y el alma de un monarca”. Cabe mencionar la influencia griega y romana en las piezas renacentistas, como bien se observa en la muestra.

En total, la exposición reúne 60 piezas de joyería y 20 retratos, todos ellos clave para entender la trágica y a la vez, romántica, historia de esta familia.

Pero no sólo esta colección es merecedora de nuestra atención. El Museo, construido en 1933 como residencia del Príncipe Asaka, es en sí una obra de arte de estilo Art-Decó.

Algo que me ha llamado la atención es una oferta que hacen a la entrada del Museo. A los visitantes que luzcan perlas se les realiza un descuento de 100 yenes. ¡A tenerlo en cuenta si decidimos ir a verla!

Podéis encontrar más información en la página web del museo.

Imágenes: Pinterest

Gladys Deacon IX Duquesa de Marlborough

Cuando durante la primavera de 1.928 Cartier llevó a cabo dos encargos para Gladys Marie, hacía apenas 7 años que la bella norteamericana había contraído matrimonio con el IX Duque de Marlborough y ya era poseedora de una de la colección de joyas más impresionantes que conozco.

Cartier recibió el encargo de realizar dos broches en forma de ramo de hojas para los que ella aportó casi la mitad de los diamantes. El centro del más grande estaba diseñado para engastar en el centro una esmeralda.

Estas dos piezas serían rediseñadas por su propietaria más adelante, ya que en la subasta de sus joyas que se realizará en 1978 aparecen con un diseño bastante diferente. Las piedras centrales se reemplazaron por una especie de pasta verde ya que se habían vendido por separado anteriormente.

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En esa misma época Gladys encargó a Holmes & Co que comprara en su nombre una pulsera de diamantes en una subasta. La joya que constaba de un diamante central de 48 quilates rodeado por un borde de diamantes tenía un diseño muy típico de finales del S.XIX y se adquirió por 1950 libras de la época.

En su colección de joyas también destacaban dos anillos muy estilosos ambos montados en oro. Uno era una esmeralda de cabujón montada entre zafiros y el otro un zafiro, de más 12 quilates y engastados entre esmeraldas.  El zafiro era descrito como de mejor calidad y se cree que era de origen Kashmir.

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Otra importante joya de su colección era un collar de diamantes formado por 14 diamantes que sumaban un total de 130 quilates; con una piedra central más grande tenía aproximadamente 21, 66 quilates. Parece probable que esta joya fue adquirida en Chaumet’s a mediados de los años 20.

La vida amorosa de esta bellísima mujer comienza cuando apenas es una adolescente y tras el fallecimiento en 1901, de su padre. Gradys decide pasar seis meses en Blenheim, donde coincide con El Príncipe Heredero Guillermo de Prusia que quedó totalmente prendado de ella, fue tal la locura que sintió en esos días que la hizo entrega de un anillo que era propiedad de su madre. Gladys le correspondió dándole una pulsera. El Príncipe heredero volvió a Alemania enfermo de amor y sin anillo. El Kaiser pronto se dio cuenta e insistió en que devolviera el anillo inmediatamente, Gladys se lo devolvió de mala gana recuperando su pulsera.

Después de esta aventura amorosa Gladys pasó un tiempo en Roma con su madre en la hermosa Villa Farnese en Caprarola. Fue probablemente durante este periodo cuando recibió una pulsera de oro de Castellani, de estilo clásico, con la inscripción «fides probitas forma pudicita». Las itinerantes joyas de la familia Castellani estaban muy de moda a principios de siglo XX.

En 1916 encargó a Boldini un retrato que capturó su extraordinario encanto. En el retrato lleva un elegante colgante de perla y diamante, típico del estilo «Garland» tan popular a principios del siglo XX. Es impactante el contraste entre esta sencilla joya y las opulentas piezas que llevó como Duquesa de Marlborough.

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El 24 de junio de 1921 se casó por fin con el Duque después de éste divorciarse. La ceremonia religiosa se llevó a cabo en casa de su primo Eugene Higgins. Gladys llevaba un maravilloso vestido de oro y plata, y en su mano izquierda llevaba un soberbio anillo con un diamante de 12 quilates. Era el anillo de compromiso del Duque y la primera gran joya que recibía como Duquesa de Marloborough.

Durante los años 20 y principios de los 30 fue cuando adquirió sus joyas más sensacionales. El Duque de Marlborough compró por 3,500 libras una «tiara de 25 grandes perlas en forma de gotas cuajada de  brillantes” que supuestamente perteneció a la Familia Imperial Rusa. Uno de los días más recordados en los que luciría la tiara fue durante la celebración del 60 cumpleaños de su marido, Gladys apareció resplandeciente con un vestido clásico empedrado con turquesas azules y su regia tiara.

Un año después de su muerte a los 97 años, se subastaba un cofre con algunas de las últimas joyas que habían permanecido en su poder.

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Gladys fue una mujer increíble de la que el escritor Marcel Proust, diría: «nunca vi a una chica con tal belleza, magnífica inteligencia, bondad y encanto». Aquellos que la conocieron en su juventud coincidían con Proust en que era extraordinariamente atractiva, y durante años perseguida por muchos de los solteros más codiciados de Europa.

En el momento de su muerte, parece ser que la Duquesa cansada de una vida frívola estaba pensando ingresar en una orden religiosa católica de Italia, ella se había convertido a esta religión al final de su vida.

He encontrado un curioso vídeo hecho el día de su boda:

http://www.britishpathe.com/video/duke-of-marlborough/query/Marlborough

Imágenes:

Pinterest 

Amedo Bagués una trayectoria de casi dos siglos y medio.

El joyero Amadeo Bagués nacía en Barcelona en el seno de una antigua familia catalana de joyeros.

Trabajó en el taller de la joyería Segura, pero muy pronto, en 1926, Amadeo, junto con su hermano Narciso, crearon su propio taller de joyería ubicado en el casco antiguo de Barcelona. En este establecimiento se ofrecía un amplio abanico de productos (como era costumbre en esa época): joyas, relojes, objetos de plata, máquinas de fotografiar…, que poco a poco esta oferta fue desapareciendo para especializarse únicamente en joyas, llegando en 1930 a exponer solamente piezas creadas por ellos mismos en su taller.

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Durante los años difíciles de la guerra y la postguerra española, los hermanos Bagués pudieron mantener su negocio gracias a que muy hábilmente estos escondieron el oro del taller detrás de los azulejos de la trastienda. Gracias a lo cual, en 1948, tras terminar la guerra, pudieron dar el salto y abrir un establecimiento en el edificio El Regulador, situado en plena Rambla de Barcelona.

El carácter inquieto y cultural de Amadeo, incansable colaborador en toda clase de eventos culturales y sociales de la ciudad Condal, le llevó a ser uno de los más prestigiosos joyeros de Barcelona, llegando a ser nombrado presidente del círculo de joyeros y del gremio provincial.  Dos años después de abrir el segundo  comercio, se instalaron  en la casa Amatllé ubicada en el elegante y señorial Paseo de Gracia, donde actualmente se encuentra.

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En 1950 Los hermanos Bagués se asocian con el joyero catalán Masriera, que a su vez estaba anteriormente asociado con el joyero Carreras. De esta manera, tres grandes y prestigiosos joyeros dan paso a lo que unos años después se convertirá en la actual firma conocida internacionalmente como Bagués Masriera; ya que los hermanos Bagués absorbieron  en su totalidad la asociación de las tres firmas.

La joyería Bagúes Masriera se caracteriza por su colorido y aires mediterráneos, manteniendo dos grandes líneas de productos: la tradicional modernista y la del esmalte al fuego que, junto con el oro y los brillantes, proporcionan carácter típico de esta firma.

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Bagués Masriera comercia actualmente en los principales paises de la Unión Europea, así como en Estados Unidos, Rusia, Ucranía, Qatar, China y Japón, y estando abriéndose camino en los mercados de Malasia y Singapur.

Podemos decir que es la única firma del mundo de la joyeria y de la orfebrería española, que puede presumir de haber mantenido su trayectoria durante casi dos siglos y medio.

http://www.bagues-masriera.com/

Bibliografía e imágenes:

Bagues Masriera

Diccionario Vintage: Con la «R» Rubí

El rubí es una gema de color rojizo que pertenece a la familia de los corindones. El nombre de rubí  viene de la palabra latina “ruber” que significa “rojo”.

Este color rojo es debido a la cantidad de cromo y de hierro que la gema tenga en su composición. Por eso  el rubí tiene un amplio recorrido de colorido en la gama de los rojos, que va desde el rojo intenso “rojo  sangre de pichón” al color violeta (rubí Orissa), pasando por diversas tonalidades rosáceas (rubí de Madagascar).

Los mejores rubíes  llegan a ser más costosos que los diamantes  del mismo tamaño, superándolos solo  en valor las esmeraldas.

Actualmente los mejores yacimientos de  rubíes se encuentran en Mogok y Hong –Hsu (Myanmar, antigua Birmania).

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Hay una gran variedad de rubíes, pero yo destacaría los siguientes:

El Rubí Sangre de pichón                                           

Es la  más preciada variedad de rubí. Su color es rojo intenso con tonalidades púrpuras azulados. Este rubí adquiere una luminosidad especial en la noche con la luz  de las candelas. Por eso es muy valorado y admirado.

El rubí de Mogok (Birmania) Es un rubí de un rojo intenso, teñido de rosa con algunos reflejos azules.

El rubí de Tanzania (África central-costa este) Este rubí se ha convertido en la estrella del mercado del rubí. Es de un color rojo brillante, luminoso, con una increíble mezcla de tonos rosa brillante y anaranjado suave.

El rubí Malewi ( S.E de África) Es un rubí de rojo profundo con discretas tonalidades rosa-violeta.

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Luego están el rubí Rojo noche (Camboya), El rubí de Madagascar, El rubí  Sri Lanka ( isla golfo de Bengala), El rubí Balas (Afganistan) 

Y por último el Rubí  Estrella que es una variedad de rubí, que  cuando se talla en cabujón , muestra unos reflejos en forma de estrella de 6  y a veces de 12 rayos que parecen deslizarse sobre la superficie de la gema cuando esta se mueve.

Estos rubíes son escasos. De cada cien rubíes extraídos, solo tres pueden ser estrella con unos buenos y bonitos reflejos de color. Los rubíes estrella son traslúcidos y opacos, nunca se presentan transparentes.

Es un rubí estrella de color violeta con bellos reflejos rojos.

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Algunos rubíes famosos por su historia

Rubí de Timor

 Es el rubí más grande de tamaño después del rubí de la corona imperial rusa. Esta piedra pasó a  las  manos de Timur – conocido en Europa como Tamerlán – cuando este conquistó Delhi en 1398. En 1628  pasó  a poder del emperador de Delhi,  Shah Jahan, el cual construyó el famoso trono del Pavo Real y lo embelleció con numerosas piedras preciosas entre ella el rubí Timor. Más tarde con la invasión persa el rubí volvió de nuevo a Persia hasta que en 1949 la East India Company tomó posesión de la piedra y la envió a Inglaterra.

Esta piedra tiene la peculiaridad de tener unas inscripciones en su superficie con los nombres de todos los emperadores que la poseyeron.

El Príncipe Negro

Es una gran espinela de un color rojo espectacular, considerada durante algún tiempo como rubí. Esta famosa piedra que, se encuentra hoy engarzada en la corona real británica, estuvo en posesión de D. Pedro I “el cruel”, rey de Castilla, que pasó a su poder por medio Abu Said rey de Granada.

Pedro I  más tarde, la entregó como tributo y en pago de favores militares   al  príncipe  ingles Eduardo IV apodado “el Príncipe Negro”, hijo del rey de Inglaterra Eduardo III.  El hijo de Eduardo IV, Enrique V en 1415, montó la piedra en su corona de casco.

El rubí pasó más tarde a formar parte del tesoro de la corona de Inglaterra, hasta que Carlos II la montó en la corona real. Esta corona  fue varias veces modificada para las coronaciones de la reina Victoria en 1838 y la coronación de Jorge VI en 1937,  en  la cual  quedó tal y como la conocemos hoy en día.

El uso primitivo de esta piedra fue como colgante, por eso lleva en su parte superior un orificio que está  tapado con un diamante.

Imágenes @María López-Linares

 

La Gravida- Raffaello

 

La mujer encinta o simplemente “La gesta” es un óleo sobre madera retrato del artista italiano del Alto Renacimiento Raphael. Parece que en su mano llevara un pequeño pañuelo y porta varios anillos de una sencillez y elegancia increíble. Esas son las dos piezas que hoy os traigo hasta el blog. Una en lapislázuli y la otra en cuarzo amarronado.

El retrato representa a una mujer que está embarazada sentada con la mano izquierda apoyada en su estómago. Las pinturas de las mujeres embarazadas eran inusuales en la época del Renacimiento.

El retrato representa una mujer de tres cuartos contra un fondo oscuro, sentada, con una mano sobre su vientre redondo.

 

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Con un vestido de pronunciado escote en rojo y con las mangas desmontables, algo muy frecuente en la época. Los ropajes aunque de apariencia sencilla le dan un aire grandioso a la figura.

No es seguro que la dama representada estuviera realmente embarazada. Puede ser que la forma redonda del vestido se deba a la opulencia del cuerpo y a la posición sentada. La mano, con la presencia de muchos anillos probablemente quiere poner de relieve la situación social en lugar de aludir a una maternidad futura.

También hay controversia con la identidad de la modelo, podría ser un miembro de la familia Bufalini de Città di Castello, o Emilia Pia da Montefeltro, debido a las similitudes con el Retrato de Emilia Pia da Montefeltro, ahora en el Museo de Arte de Baltimore en los Estados Unidos.

El trabajo fue mencionado por primera vez en un inventario de principios del siglo XVIII de Palazzo Pitti. En el inventario de 1815 se atribuye a Innocenzo da Imola, mientras que en el de 1829 aparece de nuevo como por un pintor desconocido. Se atribuyó primero a Rafael en 1839 ahora es considerado casi unánimemente por el pintor de Umbría, con alguna excepción.

El retrato fue pintado entre 1505 y 1506, durante la estancia de Rafael en Florencia, Italia y se encuentra actualmente en el Palazzo Pitti en Florencia.

Imágenes @María López-Linares

Ada María Davis y el diario de su boda.

Era muy corriente a finales del S.XIX que las mujeres se dedicaran a la enseñanza. Normalmente debían abandonar ese trabajo al contraer matrimonio para hacerse cargo de su nueva casa y de su esposo. En el caso de Ada María trabajaba para mantenerse, ya que carente de padres necesitaba una ayuda económica para salir adelante.

Ada Maria Davis era huérfana de padre y madre y vivía como huésped en casa de George y Mary Hudson en Rutland, Massachussets, este hecho seguramente se debía a que en aquella época no estaba muy bien visto que una mujer trabajara y viviera sola. Seguramente Ada decidió vivir con el citado matrimonio para no levantar habladurías entre sus conocidos.

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En 1874, Ada se había trasladado a Worcester, Massachusetts, donde era profesora en la Escuela Adams Square, y allí muy probablemente habría conocido a su futuro esposo,  Timothy Sibley Heald. Timothy vivía en Hubbardston, donde su padre regentaba un aserradero de madera.

Ada Maria debía ser una mujer extremadamente organizada y previsora, comenzó a llevar la cuenta de gastos de su boda seis semanas antes de la fecha prevista, y aún se conserva el cuaderno en el que con todo detalle fue apuntándolo todos los gastos. La suma total asciende a $667.16 en los artículos relacionados específicamente con la boda.  Parece ser que ese dinero provenía de los ingresos por la venta de la madera vendida un tiempo atrás, que probablemente Ada habría heredado a la muerte de su padre, por lo que podemos pensar que quizás fueron las gestiones para la venta de esa madera lo que hizo que ella y Timothy se conocieran y comenzaran su noviazgo.

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Davis mantenía el diario con todos los detalles. Era meticulosa en la registro de todos los gastos de su boda y su ajuar. En él vemos anotado todo lo referente a gastos,  adquiriendo tela, encajes y otros suministros de costura, guantes de seda, medias, azahar y una falda de aro, entre otras cosas. Ella era consciente de cada centavo que gastaba.

El vestido de novia se realizó con  dieciocho yardas de satén blanco, que Davis compró a Miss. Aldrich por $45.

El corpiño se ajustaba un poco hacía abajo, siendo más largo que los que hemos visto hasta ahora. Algo que se puso de moda más o menos por esas fechas. El largo de Ada estaba un poco a caballo entre lo que empezaba a estar de moda y lo que ya no gustaba tanto, lo cual nos habla de su deseo de estar a la moda pero sin ser demasiado rompedora en sus gustos. Su falda también era algo menos abullonada que las que hemos visto hasta el momento. Al final, con todos estos cambios, la figura de la mujer comienza a ser más estilizada.

Ada Davis y T. Sibley Heald se casaron por la tarde en el moderno «Bay State House», un moderno hotel para la época construido en 1856 y situado en el corazón del distrito financiero de Worcester. De acuerdo con el diario de Davis, la pareja invitó a 239 personas, en su mayoría amigos y familiares de Worcester y sus alrededores, aunque algunos llegaron desde lugares tan lejanos como Chicago y Cincinnati.

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Fue todo un evento muy moderno, y un centenar de invitados disfrutaron de la obra hecha por la repostera local Hannah Hemenway, que era especialista en pasteles de boda.

Espero que os guste nuestra novia Vintage de febrero. A mí me ha resultado muy curiosa su historia.

Os dejo un par de fotos del hotel donde se celebró el banquete y del diario de Ada, que me han parecido muy curiosas.

Bibliografía:

Wedding Perfection- Two Centuries of wedding Gowns- Cynthia Amnèus.

Gran Duquesa Maria Nikolaevna, hija de Zar Nicolás II y la Emperatriz Alejandra Feodorovna

Joven de buen carácter, vivaz y coqueta, era considerada la segunda más bella de las hijas del zar. Decían que su hermana Tatiana era aún más bella.

Poseía unos expresivos ojos azules, tan grandes que en la familia eran conocidos como «los platillos de María». Vivía en una de las 100 habitaciones del palacio de Alejandro, a  20 km al sur de San Petersburgo, con su hermana la Gran Duquesa Anastasia, formando lo que en palacio se conocía como «la pequeña pareja».

Su tutor francés Pierre Gilliard dijo de ella que era “alta y bien estructurada, con mejillas sonrosadas”. Tatiana Botkina decía que la expresión de los ojos de Maria era «suave y gentil». Durante su infancia su apariencia física era comparada con la de los ángeles de Botticelli. El Gran Duque Vladimir Alexandrovich de Rusia la llamaba «El bebé amigable», por su naturaleza buena.

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Al estallar la revolución rusa, fue confinada junto a su familia en el Palacio Alejandro de Tsárskoye Seló. En agosto de 1917 fue trasladada con ellos a Tobolsk (Siberia) y posteriormente, en la primavera de 1918, a Ekaterimburgo. En la madrugada del 17 de julio de ese mismo año murió asesinada por los bolcheviques, junto a su familia y varios sirvientes.

Retrato de la retratista Christina Robertson (1796-1854), en la que podemos apreciar su sutil y melancólica belleza.

Fotografías: @María López-Linares

Flor Charo Agruña 

 

Diccionario Vintage: Con la «Z» Zafiro

Podemos buscar el origen de la palabra zafiro en el latín Sapphirús, el griego Sappeiros  o el  hebreo Sapir, todas ellas utilizadas para designar a las gemas de color azul.

El zafiro era conocido y muy usado desde la antigüedad, sobre todo se asocia a la cultura persa. Piedra preciosa de la familia del corindón. El zafiro es una variedad del corindón transparente por su tonalidad azul.

La gran diferencia entre el zafiro y el rubí es que el zafiro, al encontrarse en las zonas  superiores de la capa terrestre donde abunda el oxido de hierro y el titanio  adquiere ese color azul que le distingue de su hermano el rubí.

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Existe una gran variedad de gamas de colores de zafiros a los cuales se les denomina  “zafiros de fantasía” :   blanco, verde, amarillo, rosa, marón , transparente….

Los zafiros más cotizados son:

  • El de Cachemira con un color azul intenso aterciopelado.
  • El zafiro de Myanmar que posee un precioso color azul índigo
  • El zafiro de Sri-Lanka muy demandados por su color azul arándano intenso.

Zafiros famosos

  • La estrella de la India

Es el zafiro más grande, descubierto hace 300 años en Sri Lanka. Tiene 536 quilates. Y está expuesto en el Museo Americano de Historia Natural.

  • El Zafiro Logan

Es el zafiro facetado más grande conocido. Tiene 423 quilates y está expuesto en el Museo Smithsoniano de Historia Natural. Washington Dc.

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  • Zafiro Stuart

Es un zafiro de 104 quilates. Colocado en la corona real británica  debajo del rubí “Príncipe negro”  para la coronación de la reina Victoria en 1908. Más tarde, para la coronación de Jorge V el zafiro  fue desplazado a la parte posterior de la corona poniendo en su antiguo lugar a la  segunda “Estrella de África”.

  • Zafiro Ruspoli

Es un zafiro en forma de diamante de 135 quilates que perteneció a Luis XIV. Actualmente está expuesto en el  Museo de Historia Natural de Francia.

  • Zafiro Millenium

Es un zafiro de 61.500 quilates tallado por el italiano Alessio Boschi.  En la piedra están talladas las caras de algunos personajes de la humanidad como Beethoven o Shakespeare Este zafiro en bruto fue descubierto en Madagascar en 1995.

IMÁGENES:

Losmasraros.com

Millenniumsapphire.com

María López-Linares

 

Diccionario Vintage: Con la «A» Abalorio

Abalorio, del árabe Al-ballurí, que significa  “de vidrio”. La Real Academia española de la Lengua lo define como: conjunto de cuentas agujereadas, con las cuales ensartándolas, se hacen adornos y labores.

Historia del  Abalorio

Los abalorios han sido usados por el  hombre desde las primeras civilizaciones tanto para adorno personal como para protección de los espíritus malignos o como amuletos de prosperidad e incluso también se usaron como moneda de cambio.

Los primeros abalorios aparecen  en el año 100.000  a. C.  En la época prehistórica se encuentran guijarros con una perforación que está  hecha expresamente para pasar por ellas un cordón.                                     

Conforme avanza la historia, el uso de los abalorios se extiende por todo el mundo a la vez que se refina tanto el proceso y técnica de elaboración, como la materia prima con la que se elaboran.

Desde los primeros abalorios encontrados en la época prehistórica hasta el final del imperio romano, la técnica de elaboración fue casi la misma; y  desde la época romana  hasta el siglo XX, en realidad hay pocas  las innovaciones en  las técnicas empleadas;  es en el uso de los distintos materiales  donde se aprecia el cambio de una época a otra. Pero a partir del siglo XX, los avances técnicos y científicos  introducen importantes innovaciones  tanto en los  materiales empleados como en los modos y técnicas de elaboración.

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Las principales técnicas empleadas  en la artesanía del Abalorio

Técnica  de la filigrana

Es una técnica empleada en orfebrería  que consiste en  decorar con hilos de metal (oro o plata) Incrustados, superpuestos, o individuales creando formas y figuras. Es una técnica muy antigua  que ya se empleaba en el antiguo Egipto, Mesopotamia,  Bizancio , Grecia..etc.

Técnica del Cloisonné

Consiste en contornear el dibujo con metal. En la antigüedad se usaban incrustaciones  con piedras preciosas, vidrio  y otros metales. Actualmente  se usa esmalte vidriado. Esta técnica se uso mucho en el imperio Bizantino y en China.

Técnica de granulación

Consiste en decorar con la unión de pequeños granitos de metal sobre otra superficie de metal siguiendo un diseño determinado.. Es una de las más antiguas tecnicas empleadas en el abalorio. Ya en el año 2.500 a.C encontramos objetos elaborados con esta con esta técnica

 Clases de materiales en el Abalorio

Actualmente se emplea toda clase de materiales: madera, plastico, piedra, materiales naturales de origen animal como el hueso, el coral, marfil , conchas, ambar….  o   vegetal como semillas . Actualmente los abalorios de cristal  son los que más se imponen, destacando entre los cristales : el cristal de Bohemia ,el de Murano y el austriaco ( cristal de swarosky)  que por su calidad, su brillo y colores variados es muy apreciado en joyeria .26

Florence Carlisle y su aventura europea.

Una curiosa costumbre entre la clase acomodada americana de finales del S.XIX era que al alcanzar la mayoría de edad solían realizar un viaje por Europa, una aventura que era conocida como “El Gran Tour”. Un apasionante viaje en el que los jóvenes aprovechaban no solo para visitar la Roma clásica, sino también para perderse por los lugares de moda de la capital francesa, o para estudiar de cerca la pintura renacentista de los mejores museos italianos. Este “Tour” era una ocasión perfecta para ser presentados en Londres ante la Reina de Inglaterra y, de este modo, entrar a formar parte de lo que ellos llamaban la “buena sociedad”. Ser presentado en la Corte se había convertido en un pasaporte para la formar parte de un restringido circulo y así asegurarse la aprobación en la alta sociedad americana.

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Parece que nuestra protagonista de esta semana se encontraba en el censo londinense en el año 1871, domiciliada en el Hotel St. James en Jermyn Street, viajando junto a su madre y su hermano con un grupo de cuarenta americanos

Florence Carlisle, para ser presentada ante la reina tenía que cumplir con unas estrictas normas de vestimenta. Las señoras debían llevar un vestido de noche con escote bajo y manga no muy corta. Se requería el uso de un tocado de tres plumas de avestruz con un pequeño velo.

El vestido que os traigo hoy, y que se encuentra actualmente en Museo de Arte de Cincinnati, lleva el sello de una modista de Londres, la Sra. James, una de muchas en el West End que se especializó en el traje de corte. Está claro, por las fotografías originales tomadas en Londres, que la señora James realizó para  Carlisle un vestido que seguía las más estrictas reglas de protocolo.

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Como el vestido de una novia, este tipo de trajes de corte estaba hecho especialmente para la ocasión. No es de extrañar que las damas vistieran sus trajes de novia el día que eran presentadas en la corte o que por el contrario usaran los trajes con los que se las presentaban en sociedad para contraer matrimonio. El vestido fue donado al museo como vestido de corte y de novia. Sin embargo, Carlisle no se casó hasta junio de 1884, por lo que parece poco probable que fuera usado para dos fechas tan separadas. El vestido es una joya en su diseño y ejecutado en un tono dorado  y cargado de detalles románticos. Con una preciosa falda llena de pequeños volantitos plisados y una preciosa cola de seda natural. Un diseño que bien podría lucir cualquier novia de este S.XXI.

¿No os parece que los trajes de novia clásicos nunca pasan de moda?

Bibliografía:

Wedded Perfection Two centuries of wedding gowns- Cynthia Amnéus.

María Palmer, sobrina del famoso pintor inglés Sir Joshua Reynolds.

En el retrato que os dejo podemos ver a una joven y lozana María pintada por el afamado artista de la época Sir Thomas Lawrence, que llegó a presidir la Royal Academy de Londres. La baronesa aparece ataviada con un vistoso vestido de seda amarilla, llevando en su brazo izquierdo dos sencillas pulseras, seguramente de oro.

Una gran dama de la sociedad británica que hoy os dejo en mi Vintage Blog.

María Palmer, segunda esposa de Murrough O’Brien 10º barón de Inchiquin, 5º conde de Inchiquin y 1er. marqués de Thomond, soldado y político irlandés.

La pareja contraería matrimonio el  25 de julio de 1792. María era la hija mayor de John Palmer, de Palmer House, y de  Mary Reynolds una hermana del famoso pintor inglés 19

Por tanto María era  sobrina carnal del afamado pintor y principal heredera de su tío. Ella fue una mujer con un gran capital para la época, lo que le permitió de pagar en más de una ocasión las  deudas de su marido.

Murrough  tenía fama de jugador y bebedor, pero también se  uniría a la Guardia de Granaderos y sería oficial en Alemania, donde ganó grandes honores en la batalla de Lauffeld en 1747. Se retiró en 1756 y entró en la Cámara de los Comunes irlandesa. Ocupó un puesto en el  parlamento para Harristown hasta 1768.

A causa de su apoyo a la Ley de Unión de Gran Bretaña e Irlanda, el 29 de diciembre 1800 fue nombrado marqués de Thomond en Irlanda y barón Thomond de Taplow en el Reino Unido el 2 de octubre 1801, Este último título le permitió sentarse en la Cámara de los Lores del Reino Unido. Tuvo una estrecha relación con el rey Jorge III.

Parece que, como era costumbre en la época, tuvo un hijo ilegítimo, Thomas Carter. Fue compositor en Londres durante la década de 1790 y  vivió con su padre en Taplow Court durante una temporada, prestándole dinero, igual que haría su esposa, para pagar sus múltiples deudas.

Espero que os guste.

 

Louis Icart el gran ilustrador de moda en los años 20.

Louis Icart, artista autodidacta, no tuvo formación académica alguna.  Comenzó a dibujar a edad muy temprana. En 1907 se traslada a Paris para dedicarse al dibujo y a la pintura. En esta época realizó hermosos grabados que muy pronto le dieron fama.

Icart fue uno de los mayores y más considerados ilustradores de los talleres de moda de la época, todos los grandes nombres de la moda de los años 20 y los 30 querian trabajar con él. Querian sus ilustraciones como soporte de venta para sus ultimas creaciones de moda.

Icart, que había nacido en Toulouse en el seno de una modesta famila, pero de gran inquietud cultural y artística, sería el mayor exponente de la pintura, el grabado y la ilustración de moda de estos años.

Icart participaría en la primera guerra mundial, hecho que le llegó a traumatizar y con el que solamente encontraba consuelo dibujando en el primer soporte que tenía entre sus manos. Al terminar la guerra todos esos dibujos, la mayor parte aguatintas, fueron convertidos en grabados que comercializaría en Europa y los EEUU.

Su gran musa fue su esposa Fanny Volmers, ella aparece en la mayoría de sus dibujos y grabados.

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En 1925 en pleno Art Decó, Icart se convirtió en todo un símbolo de esta época.

Icart en sus dibujos representa a las mujeres de forma sensual y elegante, pero siempre con un matiz delicado y a veces con un toque de humor. Fue un símbolo de la época Art Decó y aun hoy sus dibujos y grabados originales son altamente cotizados en los mercados de segunda mano mundiales

Murió en Paris en 1950.

Hoy os traigo dos de sus grabados que, por casualidades de la vida, cayeron en mis manos hace apenas unos días. No pude resistirme a fotografiarlos y, por supuesto, decido acompañarlos de dos de mis piezas más queridas de la colección Arte Decó.

¿Conocíais a este ilustrador y pintor francés?

¿Qué os parece su obra?

Yo había visto alguna de sus obras, pero al escribir estas líneas y buscar toda la información necesaria, me he quedado totalmente prendada de su delicadeza y su elegancia.

Espero que a vosotros también os guste este pequeño hallazgo que os traigo hoy.

Ayer encontré este vídeo en YouTube que me ha parecido precioso

Un traje de novia color maiz, un referente en el S.XIX

Elizabeth Kissam (1844-1902), hija de un comerciante del centro de Nueva York, contrajo matrimonio con Henry De Bus natural de Ohio en pleno S.XIX. Su futuro suegro poseía negocios de fabricación de alambiques, cubas y cisternas de los que Henry se haría cargo al poco de volver de la guerra civil y casarse con Elizabeth.

En 1868 la empresa tomó el nombre “Debus Tub and Coopering Co”, con oficinas en la calle Elm en el centro de Cincinnati. Coopering era un negocio lucrativo, ya que en aquella época había más de 35 fábricas de cerveza solamente en el distrito Over- the-Rhine de Cincinnati, y la fábrica de Henry suministraba material prácticamente a todas ellas.

Elizabeth Kissam eligió un vestido para el día de su boda de aire vanguardista para la época.Una falda con un más que generoso vuelo y un dobladillo de más de 50 cm que la hacían caer con una elegancia especial. Con la invención de la crinolina en la década de 1850, las faldas ganaron muchísimo volumen y se hicieron cada vez más impactantes. Con la ventaja de ser muchísimo más ligeras y permitir a las mujeres moverse con muchísima más libertad que las antiguas y pesadas enaguas para dar volumen.

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La mayoría de los vestidos de su época se hicieron en dos piezas, el corpiño separado de la falda. En esta ocasión Elizabeth eligió un diseño en el que la falda iba unida a la blusa. Este tipo de diseños comenzaron a verse en las revistas de moda de 1859, pero fueron muy pocos modelos los que se debieron realizar ya que apenas han sobrevivido. Yo creo que debían ser mucho más incómodos y menos prácticos que los vestidos de dos piezas.

El color de este vestido de novia es bastante llamativo. En vez de blanco Kissam eligió un color oro rosado, en una seda de tafetán que cambiaba de color según la luz que recibía. Un color al que algunas revistas de moda de la época hacen referencia como color maíz.

La prenda está escasamente decorada con un estrecho encaje de bolillos hecho a mano y cosido justo dentro de la línea del cuello, y un detalle algo más ancho por debajo del busto y sobre los hombros. Un pequeño decorado realizado con dos hilos, uno en color dorado y el otro de un satén blanco,  embellecen el corpiño y las diminutas mangas abullonadas. Los botones están cubiertos con un delicado remate de ganchillo fino.

Un vestido con una  impresionante falda para una mujer con  apenas 50 cm de cintura, que se conserva en perfectas condiciones.

Bibliografia: Two Centuries of wedding gowns  Cynthia Amneús.

Diccionario Vintage: Con la «R» Relicario

Se llama relicario a una cajita o estuche que antiguamente se llevaba colgada en el cuello.  En un principio su uso era meramente religioso, sirviendo para  guardar reliquias o recuerdos de santos.

El cristianismo denomina reliquias a los restos de aquellas personas que han sido santificadas. Por extensión, se conoce como reliquia a las cosas que pertenecieron a los santos o que tuvieron algún tipo de contacto con ellos, y relicario al lugar en el que se guardaban.

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Tenemos constancia de su uso ya en el S.IV en el Tesoro de Monza, regalados por San Gregorio a la reina Teodolina.

Entre ellos se encuentran ciertas botellitas, muy comunes en aquella época, que sólo contenían algodón empapado en aceite bendecido, o tomado de las lámparas que ardían junto al sepulcro de algún mártir.

Pero con el paso de los años su uso se fue popularizando y comenzaron a llevarse encima con algún recuerdo de alguien. Al popularizarse su uso para guardar mechones de cabello su nombre evoluciono al de “guardapelo”, pieza de  joyería de la que ya hemos hablado antes.

 

 

Maria Lucrecía de Medici

Un magnifico collar de perlas y oro a juego con una sencilla tiara y unos pendientes son las joyas que porta Maria Lucrecía de Medici, nuestra protagonista de hoy en este magnífico retrato de Brocino

Cosme de Médici contraería matrimonio con una de las más ricas damas de la nobleza de Nápoles, Leonor de Toledo. Leonor era una de las nietas del segundo duque de Alba.

Este matrimonio supuso para Cosme una alianza política con el reino de Nápoles y una cuantiosa dote que invertiría entre otras cosas en numerosas obras de arte. El matrimonio tendría once hijos aunque solamente les sobreviviría uno de ellos, Fernando I de Medici.

Pero hoy la protagonista es María Lucrecía, una de sus hijas más queridas. María no sería la primera hija de Cosme, ya que unos años antes había nacido Biá de Medici, hija natural de Cosme y una dama desconocida, que llegó a criarse en la corte como si de una princesa se tratara hasta su prematuro fallecimiento.

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María fue en cambio la primera hija legítima de Cosme y nacería en el propio palacio de los Medici recibiendo el nombre de María en honor a sus dos abuelas.

Por sus contemporáneos sabemos que ella no sólo fue de una belleza extraordinaria, era una jovencita amable, refinada, elegante y con unas grandes dotes para las letras y las artes. María hablaba con fluidez el español, enseñado por diferentes profesores y su propia madre.A una tierna edad se había planificado su boda, comprometiéndola con Alfonso II de Este, pero el matrimonio jamás se concretó ya que María fue atacada por la malaria y moriría con apenas  17 años.

Cuentan las crónicas de la época que para Cosme I,  su hija María, fue el gran amor de su vida. La niña de sus ojos y su hija más querida. Quizás por eso y porque fue considerada en la época una de las damitas más bellas de Florencia decidiera inmortalizarla en la mano de uno de los más prestigioso artistas de la época, Brozino. María nos dejaría toda su belleza inmortalizada gracias a este gran artista y Cosme mantendría este retrato en sus dormitorios privados hasta el mismo día de su propia muerte.

Entre los retratos de los hijos de Cosme, el de María es el más solemne de todos y en el yo destacaría tanto el majestuoso ropaje como las preciosas joyas que porta.

Nosotras hemos traído hasta nuestra colección del renacimiento una copia de los pendientes que luce en el cuadro, realizados en plata dorada y cuarzo. Una réplica de la joya estamos seguras serán una de las piezas más admiradas de nuestro escaparate.

¡Esperamos que os guste!

Bibliografia

Kleio.org

Wikipedia

Fotografias:

Galería de los Ufizzi

@ María López-Linares Vintage Photography