Joyería Art Decó: ¿De dónde viene este estilo?

Hoy quiero hablaros sobre la joyería Art Decó. Hace unas semanas hicimos una encuesta en nuestro Instagram (@vintagebylopezlinares) para conocer los temas sobre los que queríais que os hablaramos en nuestro blog. Una seguidora nos sugirió hablar sobre la joyería Art Deco, ¡y nos encantó la idea! 

Así que hoy voy a intentar descubriros de dónde viene este estilo y por qué creo que tuvo y tiene tanto éxito.

El estilo Art Decó.

El nombre “Art Decó” se toma de la exposición internacional de Artes Decorativas celebrada en París en 1925. La finalidad de esta exposición era la de mostrar los adelantos industriales y decorativos más importantes del momento. 

La primera premisa del certamen era la modernidad. Te adjuntamos unas imágenes de algunos de los pabellones, para que veas las maravillas que crearon para la ocasión y lo modernos que debieron resultar algunos de ellos para la época.

Pabellón de África en la Exposición de París (1925). Imagen vía: © MAD Paris

El movimiento Art Decó nació y triunfó en los años 20. Su pico de popularidad se encontró entre 1920 y 1939, aunque su influencia sigue muy viva en nuestros días. Se caracterizó fundamentalmente por una tendencia estética hacia las líneas rectas: la simetría de los objetos. El objetivo principal era el de adaptar el diseño a las condiciones de producción en serie exigidas por las industrias modernas de la época.

El término hizo fortuna. Se aplicó a diversas variantes, tales como la arquitectura, el mobiliario, la joyería, la moda, la automoción y un largo etcétera.

Automóviles y mobiliario.

En las siguientes fotografías se puede ver un ejemplo de cómo se adaptó esta moda a la automoción y al mobiliario. Este modelo en concreto lo creó Jacques Emile Ruhlmann en 1922 y fue presentado en la exposición de Artes Decorativas. Realizado en chapa de ébano barnizada con marquetería de amaranto y madera clara imitación marfil. Casualmente sale en subasta en la galería Artcurial de París este mismo mes con un precio de salida de 6.000€.

Fotografía © 2013 Peter Harholdt

La Moda.

La aportación de la moda a este estilo fue muy valiosa e interesante. Se aportó una mentalidad mucho más moderna y liberadora de lo que se había visto hasta el momento. 

Por ejemplo, Paul Poiret creó la nueva línea definida de la mujer moderna, desterrando el corsé por completo en sus diseños. Con faldas más cortas, sombreros semejantes a los cascos de los soldados, líneas angulares en el corte del traje… Y, por supuesto, en el peinado, que hoy conocemos como el look garçon. El fue, en definitiva, el artífice de la figura de la mujer moderna, en la que predominaban los vestidos simples, de líneas fluidas, y a la vez elegantes. 

Mencionar también el trabajo de Coco Chanel, que borró casi por completo las caderas y el busto de la figura femenina, en un afán de sacar a la mujer de ese papel sumiso en el hogar, dándole libertad para emprender, hacer deporte y, en definitiva, rebelarse contra las antiguas ataduras impuestas por la sociedad. 

La joyería Art Decó. 

Si nos centramos en la joyería no podemos dejar de destacar el trabajo de Cartier. Fue uno de los máximos exponentes de este estilo en la época. Cartier presentó en la citada exposición sus obras, con la curiosidad de que estaban separadas del resto de sus compañeros, exponiendolas en pabellón de la moda y no en el de la joyería. 

Aunque en un comienzo la joyería Art Déco tuvo como protagonistas a los diamantes, poco a poco fueron introduciéndose los colores en los diseños. Aún así, son muchas y espectaculares las piezas monocromáticas que pueden encontrarse. Puesto que, la gran innovación introducida en estos diseños, era su montaje sobre esqueletos de platino. Esto hacía que las piezas fueran enormemente flexibles y ligeras. Permitiendo trabajos minuciosos y extremadamente detallistas, como los que veis en las fotografías.

También hay que destacar el uso del zigzag y las figuras geométricas como los triángulos, círculos, cuadrados… Así como las líneas curvas aerodinámicas y las líneas horizontales. Pero poco a poco el color pasó a ser parte fundamental del diseño. Empezaron a introducirse nuevos materiales y a combinarse piedras de una forma muy novedosa. Se dejaron atrás los colores pastel, y se usaron piedras de colores vivaces como el rojo, azul, negro y verde… Así como las perlas. 

Hay que pensar que en esta época ya era más fácil viajar. Y eso hacía que se trajeran piedras y materiales exóticos de tierras lejanas con mucha más facilidad que antes. De oriente llegaron el jade, el ónix, el coral, los lacados tan característicos de esta época, que se utilizaban en pitilleras, y boquillas por ejemplo. 

Fotografía © Joyería Suarez

La época Cartier

Una de las colecciones que marcaría este afán por mezclar piedras sería la de Tutti frutti de Cartier. Esta colección se inspiraba en los motivos de la India. La inspiración llegó con motivo de un viaje que haría en 1911 Jacques Cartier a este país allí descubre la cultura de las piedras grabadas. El collar de la fotografía pertenece a esta colección. Una de las últimas piezas que se ha subastado de esta colección fue un magnífico brazalete. La joya alcanzó la espeluznante cifra de 1.300 millones de euros en una subasta online hace muy pocos años. Al parecer, su dueña fue muy reticente a venderlo y Sotheby’s llevaba detrás de ella varios años para que lo hiciera. Y finalmente consiguieron convencerla.

También en estos años, Cartier lanza los aderezos desmontables. Con estructuras capaces de adaptarse a la piel casi como un tejido. Se introducen en las joyas mecanismos que consiguen que una pulsera se convierta en tiara, en collar o en dos broches.  
Los animales invaden los escaparates de las joyerías del mundo: serpientes, loros, perros… Al igual que las plantas exóticas como las palmeras, bambúes… Quizás, de entre todos ellos, el más reconocido -o al menos el que más ha perdurado- sea la famosa pantera de Cartier. Aunque se presentó en 1914, fue en esta época en la que alcanzó su máximo explendor.

Fotografía © Cartier

Los cortes más populares de la época.

Los más famosos de la joyería Art Decó fueron los siguientes:

  • Los cortes baguette: La talla baguette es un diamante rectangular y elegante con un gran escalón en la parte superior.
  • Corte asscher: Se trata de un corte cuadrado que presenta grandes facetas escalonadas y una corona alta que produce un brillo diferente a cualquier otra forma de diamante. De hecho, los expertos en diamantes a menudo se refieren al brillo de un diamante de talla Asscher como un pasillo sin fin con espejos reflectantes.
  • Corte cojín antiguo: Puede ser cuadrado o rectangular, con las esquinas redondeadas. Generalmente comprende 58 facetas.

Curiosidades de la época. 

En esta época, Van Cleefs & Arpels, desarrolla los engastes invisibles que se han convertido en su sello de marca.

El platino fue el metal más utilizado en este periodo. Aunque también el oro blanco. Y, por supuesto, la plata que fue muy utilizada para abaratar los costes de las piezas. Además, con la llegada de la maquinaria para joyería mejoraron las técnicas de fundición. Entre ellas la filigrana, la cual se perfeccionó mucho en esta época.

Los accesorios que protagonizaron la joyería Art Decó fueron los brazaletes, los broches de doble clip, las pitilleras y las boquillas. Ya que, con el cambio en la moda, los brazos quedaban al descubierto y eran adornados con joyas.

Vintage by Lopez-Linares: nuestra joyería Art Decó

Hasta aquí nuestro repaso general al estilo Art Decó. Personalmente, creo que su éxito radica en la sencillez de sus diseños. Que hacen de ellos piezas super elegantes y atemporales, que aún a día de hoy están de moda. Además de siempre ocupar un lugar especial en el corazón de todos aquellos que amamos el trabajo de joyería antiguo. 

Tuve la suerte de poder visitar una exposición en el año 2013 llamada “La joyería Art Decó en los locos años 20” en el Museo Thyssen de Madrid. Pude ver la exposición con una visita guiada maravillosa. Y pasé de un expositor a otro y, os prometo que, había veces que me costaba despegarme del cristal viendo tanta maravilla.

La Elegancia y Esplendor del Art Decó en más de 30 piezas de Cartier

Hoy hemos visitado virtualmente otra de las exposiciones a la que nos habría encantado acudir en persona, pero Moscú de momento no está entre nuestras próximas escapadas. Así que hemos decidido traeros las piezas a vosotros, para que podáis disfrutar de la Elegancia y Esplendor del Art-Decó.

La muestra se aloja en Museo del Kremlin de Moscú, aunque las piezas proceden del Instituto del Traje de Kyoto. Esta es la primera vez que estas colecciones de alta costura Europea y la joyería de la época se muestran en Moscú. Pero no es de extrañar el interés que suscita. Los visitantes tienen la posibilidad de ver joyas de entre 1910 y 1930 de maestros como Cartier y Van Cleef & Arpels, junto con impresionantes trajes y fotografías de archivo de esas décadas.

Exposicion Elegancia y Esplendor del Art Deco - Tiara de Cartier

En total, la exposición muestra 34 creaciones de Cartier, seleccionados cuidadosamente de entre sus colecciones de la época. Impresionantes piezas que dejan a los visitantes boquiabiertos. Joyas que marcaron el inicio de un estilo muy particular, original, rompiendo totalmente con lo que se conocía hasta ese momento pero que aún hoy sigue utilizándose por su glamour y elegancia.

El Art-Decó es puramente un estilo decorativo, que simplemente se dejó guiar por los cambios de la época, con una Guerra Mundial todavía muy reciente, una segunda en ciernes y una gran depresión económica que ya se olfateaba en el ambiente.

Exposicion Elegancia y Esplendor del Art Deco - Collar de Van Cleef and Arpels - Paris - 1929

Sin embargo, durante los años previos al estallido del Art-Decó, el rol de la mujer ya estaba cambiando, siendo cada vez más significativo, y tuvo gran influencia en el estilismo característico de las décadas de 1910 a 1930. Una mujer que luchaba por conseguir que su voz se escuchara y que se le considerara independiente del hombre.  ¿Y cuál es la mejor forma de protestar cuando no puedes alzar la voz? Mostrándolo. Y ellas lo mostraron.

Es una de las épocas que más nos apasionan, ya lo sabéis. Y por eso nos encantaría poder visitar la exposición. Si alguien tiene la suerte de visitar Moscú antes del 11 de enero,  ¡no dudéis en ir a ver esta muestra! Y de paso, nos contáis un poco más sobre ella.

Tenéis toda la información en el Moscow Kremlin Museum.

Exposicion Elegancia y Esplendor del Art Deco - cajita de polvos de Van Cleef and Arpels - Paris - 1931

 

Louis Icart el gran ilustrador de moda en los años 20.

Louis Icart, artista autodidacta, no tuvo formación académica alguna.  Comenzó a dibujar a edad muy temprana. En 1907 se traslada a Paris para dedicarse al dibujo y a la pintura. En esta época realizó hermosos grabados que muy pronto le dieron fama.

Icart fue uno de los mayores y más considerados ilustradores de los talleres de moda de la época, todos los grandes nombres de la moda de los años 20 y los 30 querian trabajar con él. Querian sus ilustraciones como soporte de venta para sus ultimas creaciones de moda.

Icart, que había nacido en Toulouse en el seno de una modesta famila, pero de gran inquietud cultural y artística, sería el mayor exponente de la pintura, el grabado y la ilustración de moda de estos años.

Icart participaría en la primera guerra mundial, hecho que le llegó a traumatizar y con el que solamente encontraba consuelo dibujando en el primer soporte que tenía entre sus manos. Al terminar la guerra todos esos dibujos, la mayor parte aguatintas, fueron convertidos en grabados que comercializaría en Europa y los EEUU.

Su gran musa fue su esposa Fanny Volmers, ella aparece en la mayoría de sus dibujos y grabados.

louis-icart-vintage-by-lopez-linares

En 1925 en pleno Art Decó, Icart se convirtió en todo un símbolo de esta época.

Icart en sus dibujos representa a las mujeres de forma sensual y elegante, pero siempre con un matiz delicado y a veces con un toque de humor. Fue un símbolo de la época Art Decó y aun hoy sus dibujos y grabados originales son altamente cotizados en los mercados de segunda mano mundiales

Murió en Paris en 1950.

Hoy os traigo dos de sus grabados que, por casualidades de la vida, cayeron en mis manos hace apenas unos días. No pude resistirme a fotografiarlos y, por supuesto, decido acompañarlos de dos de mis piezas más queridas de la colección Arte Decó.

¿Conocíais a este ilustrador y pintor francés?

¿Qué os parece su obra?

Yo había visto alguna de sus obras, pero al escribir estas líneas y buscar toda la información necesaria, me he quedado totalmente prendada de su delicadeza y su elegancia.

Espero que a vosotros también os guste este pequeño hallazgo que os traigo hoy.

Ayer encontré este vídeo en YouTube que me ha parecido precioso

Louis Armstrong y su banda de jazz los “Hot Five”

Esta semana se ha cumplido el aniversario de la grabación de los primeros registros de Louis Armstrong y su banda de jazz los “ Hot Five”, corría noviembre de 1925. Hoy nuestro “Viernes en Blanco y Negro” rinde un homenaje al indiscutible rey del Jazz.

Un regalo de dios, como dicen algunos… Louis Armtrong marcaría las pautas por las que se desarrollaría el jazz en las siguientes décadas.

Los “Hot Five” serían la primera banda con la que Armstrong grabaría un disco, y el 12 de noviembre de 1925 la fecha elegida para crear los primeros registros que llevaban su nombre como director de orquesta. Considerada por muchos críticos como una de las mejores grabaciones de la historia del jazz.

«My Heart» y “Cornet Chop Suey” fueron las primeras canciones grabadas. La banda estaba compuesta por Johnny Dodds en el clarinete, Kid Ory en el trombón, Johnny St. Cyr en el banjo y la esposa de Louis, Lil Hardin-Armstrong en el piano.

Algunos de sus temas más recordados…

Aquellas pequeñas cosas…

Aquellas pequeñas cosas… Pequeños detalles que son capaces de alegrarme un día y de recargar mi saldo de ilusiones.

Historias que llegan a mis manos de manera casual. Historias desconocidas hasta ese momento, pero que me hacen pensar, recordar momentos y me llenan de ternura. Historias de las que no podré olvidarme en la vida.

Compré este traje de novia en una subasta en Inglaterra. Llevaba años buscando un traje de novia de los 20s, y al verlo colgado en la percha me quedé fascinada con él. Pujé de inmediato y conseguí comprarlo. La espera hasta que lo vi en mis manos se me hizo eterna… Me llegó hasta Madrid en una sencilla caja de cartón antigua. Pero la gran sorpresa llegó cuando, al abrir la caja, me encontré con una fotografía de una pareja de novios de los años 20’s. No me cabe la menor duda de que se trata de la novia, luciendo el vestido que acababa yo de recibir. Una fotografía de estudio seguramente realizada después de la boda, como era costumbre en la época.

¿Por qué alguien se desprendería de una joya de vestido así?

¿Por qué enviar la fotografía de boda al comprador del vestido?

Miro sus caras en esta foto e imagino en su sonrisa la ilusión que ambos sentían en ese momento. Ilusión que comparto hoy al disponer de ese mismo vestido, tantos años después, y poder conocer a quién lo disfrutó antes que yo.

Una cosa sí tengo clara, y es que no pienso desprenderme de ambos trofeos jamás.

Ahora mismo luce en mi escaparate y muestro orgullosa a todo el que se interesa por el traje, el velo, la fotografía y, por qué no, su caja antigua.

¿Te gustaría a ti también poder disfrutar de este legado de la historia?

Vintage

Vintage FOTODIP

Imágenes: María Vintage

Downton Abbey

Hoy se inicia la tercera temporada de “Downton Abbey”. La famosa serie dramática británica ha sido un éxito rotundo de audiencia a nivel internacional, y muy destacadamente en España.

La verdad es que a mí no me extraña: desde la interpretación de todo su cuadro de actores, a su ambientación y vestuario, todos los detalles de la serie son tan perfectos, que consiguen transportarte a la Inglaterra de principios del S.XX sin darte cuenta. Si a esto añadimos un reparto de actores ingleses de gran talla, la serie se convierte en un éxito digno de verse, aunque solamente sea para recrearte la vista.

El primer capítulo de esta tercera temporada fue visto por más de 9 millones de espectadores en el Reino Unido. Tiene su inicio con la esperada boda entre Lady Mary Crawley y Matthew Crawley, algo que todos los que vimos la primera parte estábamos deseando que sucediera.

Y aquí es donde a mí se me hicieron los ojos “chiribitas”. Cuando vi las fotos de la boda en internet a finales de septiembre, lo primero que me vino a los ojos fue la tiara que llevaba Mary. Los diseñadores de vestuario de la serie fueron en busca de unos de los más afamados anticuarios de Inglaterra, Bentley & Skinner, especializados en joyería antigua, y así, entre los dos, crearon la tiara georgiana para el paseo de Lady Mary camino del altar.

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Bentley es un joyero inglés con tienda desde 1934, especializado en piezas antiguas de finales del siglo XIX. Consiguió hacerse muy famoso hace años por crear una calavera de brillantes para el artista Damien Hirst. La pieza llegó a venderse en 50 millones de libras.

La firma Skinner sirvió a la reina Victoria en el siglo XIX. Bentley & Skinner nació en 1997 por la unión de ambas casas.

El sensacional tocado está plagado de diamantes de talla antigua, con 45 quilates montados en oro amarillo y plata y está valorado en 125.000 libras. La pieza se transforma en un broche y en una diadema.

Pues ya os podéis imaginar lo primero que pasó por mi cabeza… ¡Quería esa tiara! La quería en mis manos y la quería antes de que la audiencia española pudiera verla. Quería que todos pudieran disfrutar de ella el mismo día que se estrenaba la serie.

Tampoco perdí de vista el vestido de la novia, un diseño de la encargada de todo el vestuario de la serie, Caroline MacCall. Parece que el traje ha sido el encargo más caro que se ha realizado para la serie, ya que su confección casi superó la cifra de las 4.000 libras. Es un  precioso vestido de estilo años 20 de encaje de plata y un bordado en perlas de arroz y cristal de Swarovski. Un diseño que ahora mismo luciría encantada más de una novia del s. XXI.

Y eso mismo hicimos. Hemos recreado la boda de Lady Mary en pleno corazón de Madrid. Hemos reproducido su tiara y ahora, en nuestro escaparate, luce pletórico un maniquí con la tiara y un vestido de novia original de los años 20.

Si quieres disfrutar de esta joya, fotografiarla o simplemente contemplar lo bella que podía lucir una novia a principios del siglo pasado, no dejes de asomarte por nuestro escaparate. El conjunto estará expuesto hasta finales de año.

¡No te lo pierdas, te esperamos!

Links interesantes:

El Castillo  De  High

Página oficial de la serie

Damien Hirst

Dora Ford

La actriz Dora Ford, fotografiada en 1920 por James Abbe.

Me encanta la delicadeza y elegancia que transmite esta fotografía. Tanto el traje, como las joyas que luce quedarían de absoluta actualidad en cualquier fiesta hoy en día. Lo único que nos lleva a los años 20s es el peinado que lleva.

Yo me quedo con su colgante y su mirada perdida… y vosotras?