Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
Vamos a dedicarles uno de nuestras secciones a las grandes damas de la antigüedad. Mujeres que por su estilo, su personalidad, su carácter y su valentía llegaron a marcar tendencia en algún momento en el mundo de la moda.
A todas ellas vamos a buscarlas un pieza muy especial, una pieza que estamos convencidas de que ellas mismas habrían elegido para lucir en algún momento de sus interesantes vidas.
Nuestra primera invitada es Norah Lindsay. Nora fue una proyectista de jardines de la alta sociedad inglesa entre las dos guerras mundiales, convirtiéndose en una importante diseñadora de jardines, tanto en el Reino Unido como en toda Europa
Nacida en la India, en el seno de una familia militar anglo irlandesa de clase alta, a los 22 años se casaba con Sir Harry Lindsay.
La pareja recibiría como regalo de bodas una preciosa residencia en Sutton, Courtenay Manor, en el condado de Oxfordshire, un pintoresto e idílico lugar cargado de precisas casitas, graneros y establos que le servirían a Norah para desarrollar sus aptitudes como jardinera y paisajista.
Influenciada por otra gran dama de la jardinería inglesa, Gertrude Jekyll, en 1924, después de su fracaso matrimonial y enfrentándose a una ruina financiera, Norah se embarcó en una fructífera carrera como diseñadora de jardines.
Pasó toda su vida relacionada con los niveles más altos de la sociedad, encontrándose en su lista de clientes lo más florido de la nobleza británica. Sus diseños pueden verse aun en algunas de las casas de campo más emblemáticas de toda Inglaterra.
En la imagen que os adjunto, un sencillo retrato del pintor y escultor ingles George Frederic Watts, Nora aparece con un vaporoso vestido de gasa y encaje, adornado por una preciosa lazada en tono turquesa. Como único complemento un precioso broche en la parte izquierda de su cuadrado escote.
Nosotras hemos elegido un precioso broche de inspiración victoriana, realizado con piedras semipreciosas, que nos ha parecido lo más indicado para este precioso vestido.
Cada semana que pasa, cada capítulo que termina nos deja deseando que llegue el siguiente. La trama de #seishermanas es cada día más interesante.
Desde el principio de la serie, hace ya 10 semanas, quedamos fascinadas con los decorados, el vestuario, el atrezzo. Aquél primer baile en El Casino de Madrid nos dejó pegadas a la TV, y desde aquel día no hemos dejado dejado de mirar embelesadas, todas las tardes, La 1 de TVE.
Las costumbres de la época y conocer tantos detalles sobre cómo vivían las mujeres y, también los hombres, a principios del siglo XX fue el segundo flechazo que tuvimos. Cada día conocemos más detalles y anécdotas que nos hacen comprender cómo era la vida en aquella época.
Y capítulo a capítulo, día a día, nos fuimos enamorando de las Seis hermanas. Sus diferentes caracteres y personalidad, sus reacciones ante las circunstancias, su coraje, y su fuerza han logrado cautivarnos.
Vivimos intensamente con ellas sus amores, desamores, preocupaciones y alegrías. Queremos a los que las quieren, y nos incomodan los que les hacen daño, o les crean problemas. Ya forman parte de nuestras familias. Cada vez que uno de los personajes luce una de nuestras joyas, sentimos que un trocito de nuestro corazón las acompaña. Los pendientes camafeo de Adela, el collar de Doña Dolores, las peinetas, rascamoños, los bolsos … Es una delicia ver nuestras piezas en la pantalla, lucidos con tanta elegancia y glamur.
Esta décima semana hemos vivido con Adela una ilusión. Oírle decir que ya va a retirarse el luto y escuchar a Don Mauro como le decía que siempre la ha querido, nos ha hecho pensar: te lo mereces Adela.Pero también veíamos que no se le iluminaban los ojos como cuando habla con Germán. Don Mauro es una caballero, noble y cariñoso, y seguro que su amistad y cercanía van a estar siempre a su lado.
Nos hemos levantado de nuestras sillas y aplaudido a La Bella Margarita cuando canta ópera en el Ambigú. Hemos aplaudido igual de fuerte que el público que estaba escuchándola en directo.También hemos contenido el aliento con Don Luis, y respirado aliviadas la noche que no se encuentra bien y no acude al café. Le hemos guiñado el ojo a Gabriel y le hemos dicho en un susurro: bien hecho !!!
Estamos viviendo con Celia su desasosiego y la búsqueda de su camino. Solo podemos acompañarla y estamos seguras que sus decisiones serán las correctas.
Con Don Ricardo nos incomodamos, vemos como se acerca a nuestras chicas a través de la tía Adolfina y sabemos que sus intenciones no pueden ser buenas. No nos fiamos del tío de las Silva. Sabemos cuales son sus objetivos y sabemos que quiere lograr la información que creía que Facunda le iba a proporcionar. Desde casa avisamos a la tía Adolfina y le decimos: cuidado! Pero de momento, no nos escucha.
Con Elisa vivimos sus cambios de opinión, sus manipulaciones y sus caprichos de adolescente. A veces reimos con ella a veces queremos regañarla. Pero lo que queremos, igual que ella, es verla radiante y feliz el día de su puesta de largo que cada vez intuimos más cerca.
Diana y Salvador, Salvador y Diana. Les oímos discutir y les sentimos acercarse. Esta semana Salvador ha recibido la cuarta bofetada de Diana, pero ha tenido su compensación. Ya lo hemos comentado en otras ocasiones, forman un gran equipo y posiblemente una gran pareja. Por cierto nos ha encantado que Diana descubra quién es la Bella Margarita y su conversación con Francisca. Te queremos Diana.
En Tejidos Silva las aguas se están poniendo un poco turbulentas, Diana ha decidido igualar los salarios entre hombres y mujeres. Aunque pretendía mantenerlo en secreto, ellos ya se han enterado, y parece que de momento no están muy conformes con la decisión. Veremos que va pasando en los próximos capítulos
Y el tema que esta semana más nos ha sobrecogido ha sido ver a Doña Dolores derrumbarse y llorar. Ella, tan fuerte, tan soberbia, tan dura, también tiene sentimientos.
Para una madre ver como la disputa de sus hijos se convierte en un cisma irreconciliable y termina con el abandono de la casa familiar por parte de Cristóbal es muy doloroso. Pero ella sabe el origen de esta disputa y queremos que Blanca también lo sepa. ¿Será Francisca quién por fin se lo cuente?
Como veis la tensión y nervios, junto con muchas risas y algunas lágrimas, nos han acompañado toda esta semana. Estamos deseando ver que ocurre en la próxima.
Os recordamos a todos que seguimos con la exposición de las joyas de la serie. Vuestras visitas y sentarnos a comentar todos los detalles, nos encanta. Os esperamos !!!
Entendemos por lazo una banda de tela alargada, que nos permite atar o fijar alguna prenda de una forma creativa y decorativa. Lazada es un nudo de cordones que sujeta unos zapatos, una cinta que decora las coletas de las niñas, y no tan niñas, o la serie de lazos que componen una escarapela.
Los lazos decoran vestidos, cabezas, zapatos, bolsos y hasta paquetes de regalos. Son la guinda que da cierto aire romántico a cualquier cosa.
Y, por supuesto, no podían faltar en nuestro Diccionario Vintage los broches en forma de lazada o lazo.
Fueron piezas que se pusieron muy de moda en los 20s, y que se han utilizado en joyería a lo largo de toda la historia para realizar broches, pendientes y colgantes.
Los broches en forma de lazo son piezas que dan un toque muy especial y romántico a cualquier look, tanto de vestir como más informal.
Suelen estar realizados en oro o plata y llevar piedras, tanto piedras de color, preciosas o semipreciosas, como perlas de diversos tipos. Es un tipo de decoración igualmente frecuente en tiaras, pendientes y sortijas. Las lazadas o pequeños lazos siempre dan a la pieza en cuestión un aire romántico y retro a la joya.
«Martis, belli et fertilitatem deum» es el cierre de este mes en el blog. Siempre me gusta cerrar el mes con algo especial, y este año el broche de oro mensual lo va a poner mi proyecto “Bodegones Barrocos o Still Even”
Un proyecto que me está llevando a estudiar a los grandes maestros de la pintura del Barroco y en los que estoy encontrando toda la inspiración.
Marzo es el mes de “Martirius”, el mes de Marte. En Marzo llega la primavera y comenzamos a ver los primeros brotes, las flores resurgen de su letargo y el campo comienza a oler distinto. Pero marzo también es el mes de la guerra y de la fertilidad.
Este mes la base de mi trabajo han sido el rojo y el dorado. El rojo por ser un color que me trae recuerdos de guerra, por ser el color que baña el nacimiento de una nueva vida. Un color que me embriaga, igual que lo hace el olor del narciso, la flor de marzo.
Marte también es el dios que protege los campos y el ganado. De ahí el dorado, un color que me recuerda el trigo, de los campos sembrados y el olor a pan.
Cada fotografía es única y, como veis, lleva un proceso meticuloso de estudio y elaboración. No me gusta dejar nada al azar.
Este mes me ha costado más centrar el tema y dar con lo que buscaba, y también me ha costado dios y ayuda encontrar narcisos en Madrid. Pero al final di con ellos en un pequeño vivero en el centro y pude adquirir la flor que buscaba. Después de una mañana jugando con la luz, nacía “Martis deus belli. Fertilitas”
Iván es madrileño y hace ya 12 años que se dedica profesionalmente al mundo de la fotografía, leer su CV es darte cuenta de la increíble experiencia que lleva a sus espaldas realizando reportajes, tanto en el campo del retrato como de producto y de cómo ha sido capaz de fusionar la fotografía con su otra pasión, la música.
A Iván le he conocido por pura casualidad y gracias a un precioso proyecto solidario que tienen entre manos Carmen Hache y Rosa Martínez. Se trata de un proyecto sin ánimo de lucro que nace en el año 2013. Una iniciativa que desde la fotografía y el arte en general intenta concienciar y ayudar contra los malos tratos. «Mujer mariposa» colabora directamente con la Fundación Ana Bella, una entidad en la cual mujeres supervivientes de malos tratos ayudan a otras. “Mujer mariposa» es un movimiento de mujeres que se crecen ante la adversidad, que se caen y se levantan. Y que despliegan las alas”.
Asistí a la inauguración este año de su exposición y entre todas las obras expuestas los ojos se me fueron en el primer momento a la fotografía de Iván. Luego después de comprarla, para colaborar con esta causa, fue cuando descubrí su trabajo y el porqué de esta fotografía.
Iván sufrió un accidente en bicicleta en Madrid en el año 2014, del que salió vivo de milagro y se ve obligado a parar su actividad durante 4 meses. Tiempo en que se plantea su rumbo en la fotografía. Quiere desarrollar una faceta más personal y no tan profesional en este terreno. Para ello, tras la recuperación, realiza varios cursos para reforzar conocimientos, y coger más confianza y mejorar el criterio sobre su propia obra. Revisando su colección de fotos, se da cuenta de su gusto por las fotografías nocturnas, de viajes y de personas, y es en este momento cuando se plantea salir un poco de la vorágine comercial y pensar en dar a conocer su parte más artística. Dar a conocer su fotografía más personal.
Su primera participación en una exposición ha sido en Mujer Mariposa. Y ahora ya se encuentra súper ilusionado para plantearse reunir más fotografías para realizar alguna otra.
Todas las fotos que acompañan este texto están realizadas por Ivan y pertenecen a su portfolio más personal. Su fotografía para Mujer Mariposa ya estará decorando la nueva pared de mi casa dedicada a la fotografía emergente cuando vosotros estéis leyendo estas líneas. Te deseo mucha suerte y espero poder asistir pronto a esa exposición que imagino ya tendrás entre manos.
Os dejo los links a la obra de Ivan y al proyecto Mujer Mariposa gracias al cual le descubrí.
Siempre me gusta cerrar el mes con algo especial, y este año el broche de oro mensual lo va a poner mi proyecto “Bodegones Barrocos o Still Even”
Ya os conté el mes pasado en lo que consistía el proyecto y cómo mi inspiración vendría de la pintura de “vanidad”, en las que suntuosos arreglos de fruta y flores se entremezclan con libros, jarras, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales o científicos. Objetos, a su vez, acompañados por piezas con significados simbólicos.
Cada fotografía es única y lleva un proceso meticuloso de estudio.
Febrero es el mes del agua, de la purificación de las almas y del dios Neptuno. Es el mes de las amatistas y de los lilos.
Después de algunas tardes de estudio, de consultar libros de arte, páginas en Internet y de apuntar alguna que otra idea en ese pequeño cuaderno de inspiración que me regalara MapyDh hace ahora un año, nacía un soleada mañana de sábado “Neptunus deus maris”
Uno de mis pintores barrocos favoritos es el que da nombre al esquema sobre el que nos toca trabajar este mes: la luz Rembrandt, una iluminación en la que las sombras son las protagonistas absolutas del retrato.
Aunque Rembrandt siempre utilizara luz natural, yo voy a dejar pendiente intentarlo más adelante, para el proyecto que nos ocupa la idea es conseguirla utilizando luz artificial. Después de varias pruebas, con diferentes modificadores, mi decisión fue utilizar una cabeza de flash con paraguas y un reflector negro para absorber la luz que podría perderse.
El esquema de iluminación puede parecer sencillo, pero en cuanto te pones a trabajar en él te das cuenta de que en la práctica no lo es tanto. Conseguir que la iluminación tenga sentido y nos revele el carácter del modelo es lo más complicado.
Mi primera idea al empezar a estudiar este esquema fue inspírame en una de las obras del genial maestro, y estas fueron las obras elegidas. El siguiente pasó consistió en buscar modelos y algo de atrezzo. Mi idea era intentar emular la atmosfera barroca que caracteriza los retratos de Rembrandt, la intensidad de sus luces y sus sombras
La luz principal es clave, y ha de estar por encima de los ojos del retratado en un ángulo aproximado de 45º grados a la cámara. La idea es que esa luz principal deje una sombra sobre la parte oscura, en la que nos quede un pequeño triangulo de luz justo debajo del ojo no iluminado. Esta sombra está provocada por la nariz del modelo.
Se pueden colocar opcionalmente reflectores (dorados, plateados o blancos) o luces de relleno para suavizar el efecto de las zonas menos iluminadas, pero hay que tener cuidado ya que puede llegar a hacer desaparecer el efecto de la iluminación que estamos buscando.
Conseguir la iluminación de tipo Rembrandt no es complicado del todo, lo que resulta difícil es que el resultado revele gestos y dé sentido a la fotografía.
Este es el resultado de la sesión con Claudia,a la que estoy eternamente agradecida por dejarse liar para semejante aventura, espero que os guste.
Un esquema al que estoy segura le voy a sacar mucho partido en el futuro.
Espero que os guste y si queréis ver la sesión completa podéis pasar a visitar mi blog de fotografía: @María Vintage Photography
Os invito igualmente a visitar los trabajos de mis compañeras de proyecto:
Otra de esas sorpresas que me alegran la semana y el mes de trabajo. La verdad es que tengo una suerte increíble de tener el trabajo que tengo y encima poder compartirlo con gente tan increíble que ama el arte tanto a más que yo. Amigos que movidos por esa pasión por el arte y las cosas antiguas hacen el esfuerzo de acercarse hasta nuestro espacio solo para conocernos y pasar un ratito con nosotras.
Estoy eternamente agradecida a todos los que hacen este esfuerzo por acercarse hasta nosotras y conocer nuestro espacio.
Hace unas semanas la sorpresa fue mayúscula cuando llamaron al timbre y vi la cara de Mary Wilson por primera vez. Mary es una de esas fotógrafas que sigo desde hace años y a la que admiro profundamente. Su trabajo se centra fundamentalmente en fotografiar a su hija. Son fotografías espontáneas y mágicas en las que su hija, juega, baila y ríe. Imágenes cargadas de felicidad que son un verdaderos placer para la vista. Recuerdos de cada momento vivido con ella que quedarán para siempre congelados en una preciosa imagen.
Sus retratos tiene esa magia que te lleva hasta el alma de la persona retratada, nos acercan a sus sentimientos, y su yo más profundo.
No puedo más que invitaros a pasear por su galería porque es una verdadera delicia. En ella vais a poder ver a su preciosa musa y muchos autorretratos en los que queda reflejado no solo su calidad como fotógrafo sino la enorme imaginación que tiene a la hora de montar escenarios fotográficos.
Mil gracias por la visita Mary, espero que en otro viaje que hagas a Madrid vengas de nuevo a vernos y podamos charlar más despacio sobre tus proyectos futuros.
Todas las imágenes que acompañan este post pertenecen a su galería la cual podéis ver completa en el siguiente link: Galeria de Mary Wilson
Bodegón, también conocido como naturaleza muerta y, más recientemente, como Still Lifes: obra de arte que representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas, rocas, conchas, …) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, …) en un espacio determinado. Esta rama del arte se sirve de la composición, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.
Y esto es, justamente, lo que me he propuesto estudiar durante 2015.
Históricamente los bodegones ya adornaban el interior de algunas tumbas del antiguo Egipto. Se creía que los objetos relacionados con la comida y la vida doméstica se harían reales en el más allá. Más tarde ya, Plinio el Viejo nos hablaba de Peiraikos, que pintó tenderetes de zapateros y barberías, asnos, plantas y cosas semejantes, y por esa razón le llamaron el «pintor de los objetos vulgares».
También se han encontrado representaciones decorativas de bodegones en murales de la antigua Roma, en mosaicos de Pompeya y en la villa de Herculano. En esa época existía la tradición de usar cráneos en las pinturas como símbolo de mortalidad y de fugacidad, a menudo acompañada por la frase «Omnia mors aequat» (La muerte iguala a todos).
A partir de 1300, comenzando por Giotto y sus seguidores, la pintura de bodegón revivió en las pinturas de tema religioso en forma de objetos de la vida cotidiana que acompañaban a las figuras protagonistas. Este tipo de representación pictórica fue considerado menor hasta el Renacimiento
Pero no sería hasta la llegada de Leonardo da Vinci cuando los bodegones comenzarían a liberarse de su significado religioso. Leonardo creó estudios a la acuarela como parte de su incansable examen de la naturaleza, y Alberto Durero, también realizó dibujos detallados de la flora y la fauna.
Jacopo de’ Barbari dio un paso más allá con su «Bodegón con perdiz», guanteletes y flechas de ballesta (1504), uno de los primeros bodegones trampantojo firmados y datados con un contenido religioso reducido al mínimo.
El siglo XVI vio una explosión de interés en el mundo natural y la creación de lujosas enciclopedias botánicas, que documentaban los descubrimientos del Nuevo Mundo. Además, comenzaron a popularizarse las colecciones de especies animales y minerales, conchas, insectos, frutas exóticas todo ello sirvió como modelo para los pintores que buscaban realismo y novedad.
Durante el S.XVII destaca la obra de Caravaggio, que fue uno de los primeros artistas que representó naturalezas muertas con conciencia de obra pictórica. Aplicó su influyente forma de naturalismo al bodegón. Su «Cesto con frutas» es uno de los primeros ejemplos de bodegón puro y, a partir de esta época, cuando va a comenzar mi estudio del Bodegón. La decisión de emular este género pictórico e intentar emularlo en fotografía digital me llevaba rondando la cabeza hace meses.
Mi inspiración serán los grandes maestros del bodegón a partir de Caravaggio. Nombres como Frans Snyders, Osias Beert, Clara Peeters, Jacob van Es, Willem Heda y Pieter Claesz, Samuel van Hoogstraten, Cornelis Norbertus Gysbrechts, Georg Flegel, Juan Sánchez Cotán, Zurbarán, Blas de Prado, Mateo Cerezo o Antonio de Pereda, Juan van der Hamen, Juan de Espinosa, Antonio Ponce, Francisco Barrera o Ignacio Arias, Francisco de Burgos Mantilla, relacionado con Velázquez; Pedro de Camprobín y Pedro de Medina, Alejandro Loarte, Juan van der Hamen, Valbuena, Tomás Yepes o Juan Fernández.
Maestros también del bodegón floral como Jan Brueghel el Viejo y Daniel Seghers en Flandes, Mario Nuzzi o Margarita Caffi en Italia y, en España, Pedro de Camprobín, Gabriel de la Corte, Juan de Arellano y su yerno Bartolomé Pérez de la Dehesa me acompañarán durante todo 2015.
Artistas que se inspiraron en los antiguos trampantojos griegos y que voy a estudiar con detalle y minuciosidad para intentar emular su obra con mi Nikon, mi equipo de iluminación y los numerosos objetos antiguos que, a lo largo de todos estos años, hemos ido guardando en casa.
Yo me inspiraré en la pintura de “vanidad”, en las que suntuosos arreglos de fruta y flores se entremezclan con libros, jarras, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales o científicos. Objetos a su vez acompañados por piezas con significados simbólicos. Así, un cráneo, un reloj de arena o de bolsillo, una vela consumiéndose o un libro con las páginas vueltas, servirán de mensaje. Utilizaré variedades de frutas y flores que se mostrarán no solo frescas y jóvenes sino comenzando a pudrirse o decaer para transmitir decadencia. Recurriré al simbolismo de las flores y de las piedras. Cada mes será único y diferente, pero siempre con el mismo estilo de fondo y con un hilo conductor que dejaré de incógnita, para ver si a final de año sois capaces de descubrirlo.
12 bodegones barrocos, 12 Still Even, o naturaleza tranquila como la llamaban en el S.XVII en los Países Bajos. Me quedo con este nombre mejor que con el de naturaleza muerta. Me sugiere mucho más y se identifica mejor con los que voy buscando.
Tardes de estudio, de lectura sosegada y de componer cada fotografía paso a paso. Trabajar las luces y las sombras. Estudiar a los grandes maestros de la pintura y, sobre todo, adentrarme en un estilo de fotografía que me hace especial ilusión experimentar.
Con ella estreno esta nueva iniciativa. Fue por un post que leí en su blog por lo que me decidí a comenzar esta aventura de llenar mi casa de fotografía emergente e invitar a su autor a pasar por mi blog.
Leila Amat es filóloga de hispánicas y profesora de lengua y literatura, pero hace dos años que decidió dedicarse de lleno a la fotografía creativa.
Su carrera como fotógrafa no comenzó produciendo fotografías, sino contemplándolas. Tendría unos 11 años cuando su casa de Sevilla se incendió, con toda su infancia dentro. El fuego no lo consumió todo, pero lo poco que quedaba se había impregnado de humo. Todas las paredes, todos los objetos, absolutamente todo, quedó como un tizón. Fue limpiando de humo, con un trapito húmedo, una a una todas las fotografías que su padre tenía en una caja, cuando tuvo su primera experiencia fotográfica, y para ella una de las más profundas.
A disparar no comenzó hasta los 17 años, con una analógica. Desde entonces todo ha sido siempre una evolución, tanto estética como técnica. Desde sus comienzos quiso que cada imagen fuera en sí misma un universo, un mundo paralelo en el que vivir e interpretar un personaje que no era en la vida real. En la mayoría de las fotos aparece ella. Leila concibe la fotografía como un lenguaje que la permite vivir, expandirse o analizarse. Una herramienta con la que, con un poco de imaginación, poder soñar y hacer soñar a los demás.
Me cuenta que nunca pensó en dedicarse exclusivamente a la fotografía, pero de repente se dio cuenta de que era lo único, junto al amor, que le daba la vida.
Fue entonces cuando decidió (mal)vivir de sus imágenes, tanto económica como espiritualmente. Comenzó vendiendo en las calles, hiciera frío o calor. Las calles del Arenal, Preciados o Fuencarral fueron los lugares donde Leila pasó horas y horas sentada, exponiendo y vendiendo su trabajo. Es muy duro porque la obra, expuesta a lo “top manta”, se devalúa muchísimo, y para la policía no eres menos ilegal que los que venden carcasas de móviles o bolsos falsificados.
En la actualidad Leila vive de la venta online en algunas webs de arte como Myweb’art o a través de las galerías Lumas (alemana) y Sophie Lanoë (francesa).
Leila vino hasta la tienda a traerme mi pequeña gran adquisición “Sueño de Bambú”, y su sola presencia llenó mi espacio de un halo de magnetismo, muy difícil de explicar. Leila transmite con su mirada una dulzura y una sensibilidad que te llevan a quererla, casi desde el primer momento.
Me siento afortunada de tener ya un testimonio de su creatividad decorando mi casa.
Estoy segura de que os va a encantar su obra. No dejéis de pasar a visitar su trabajo en:
Nuestras “12 citas con Fotógrafos” llegan a su fin. Hace solamente unos días que terminaba el año 2014 y yo cierro proyecto con el fotógrafo Jordi Gual.
Para mí ha sido un año increíble, y el proyecto una experiencia enriquecedora que me ha hecho crecer tanto a nivel personal como fotográfico.
Ahora, a las puertas del 2015, “El Objetivo Mágico” llega a su fin y cada una de nosotras continuará con sus proyectos personales. Aunque nunca se sabe qué nos deparará el futuro, de momento no tenemos ningún proyecto conjunto a la vista.
Pero yo no quería despedir este proyecto sin dar las gracias a todos aquellos que me habéis apoyado, seguido, comentado, animado, ayudado y aguantado durante todo este 2014. Especialmente quiero dar las gracias a Monica Giannini, Mapy Dh, Malén Martinez, Raquel Queiruga, Carola del Alisal, Fernando del Alisal y Rodrigo del Alisal. Sin vuestra incondicional ayuda mis 12 fotógrafos no habrían salido a la luz. ¡¡¡Mil gracias a todos!!!
En muy poquitos días os contaré lo que tengo en la cabeza para este 2015 fotográficamente hablando, de momento os dejo con mi trabajo de este mes.
La fotografía de Jordi Gual es bastante inquietante. Ha tenido a sus mejores modelos en sus 3 hijas, siendo su hija mayor Natalia, invidente, la protagonista de la mayoría de sus trabajos. Como muy bien él explica “Los ojos de Natalia me enseñaron a mirar, pero es una mirada llena de tensión, de ambivalencia. Odio que ella esté ciega y la amo porque es mi hija.
Hay muy poco material suyo en la red y además este mes de diciembre para mi es una locura de trabajo por lo que solamente he podido realizar una fotografía.
Su antepasado es la fíbula, pieza que data de la edad de bronce.
Su uso, como tal, comenzó en la antigüedad como pieza de joyería, para sujetar o cerrar las pesadas capas o las prendas de vestir. Con el paso de los años su uso se fue extendiendo pasando a ser meramente estético, convirtiéndose en un adorno de joyería eminentemente femenino, que gusta de ser lucido tanto en la solapa de las chaquetas como en vestidos o pañuelos.
Formado por dos piezas soldadas entre sí, una hace las funciones decorativas y la otra es una especie de imperdible que sirve para fijarlo a la prenda. Es muy frecuente que ese cierre de imperdible lleve un pequeño sistema de seguridad, para que el broche no se abra en ningún momento y así no pueda perderse.
Es frecuente, y en nuestras colección disponemos de varios modelos, que los broches lleven otra pieza oculta, una especie de anilla que al abrirse sirve para introducir una cadenita dentro, y así el broche puede colgarse en el cuello a modo de collar.
Hay muchas mujeres que los coleccionan, siendo frecuente encontrar coleccionistas de broches en forma de lazos, mariquitas, libélulas y un largo etc.
Pieza de gran belleza que siempre complementa un buen traje y crea un look elegante y atemporal.
Como forma de ilustrar en la medida que un broche bien escogido puede resultar el complemento ideal y definitivo en una indumentaria elegante, recurro a la conocida frase de «cerrar con broche de oro», lo que vendría a significar ese toque final que permite la culminación perfecta de algo.
El nombre de aljófar proviene del árabe, significando pequeña perla o conjunto de ellas, de forma irregular. Los poetas suelen utilizar este término para designar las pequeñas gotas de rocío que cubren la hierba a primeras horas de la mañana. Generalmente son de escaso valor, pudiendo distinguir dos tipos diferentes: las llamadas “amapola”, que son más esféricos, y las llamadas “semilla”, de forma más ovalada e irregular
Se da el nombre de aljófar también a las piezas de joyería que se realizan con este tipo de perlas que se utilizaban tanto para coser en pendientes o colgantes, como para decorar las más ricas sedas en el Renacimiento.
En la actualidad no es muy frecuente encontrar piezas de joyería realizadas con este tipo de pequeñas cuentas de perlas, ya que es complicado trabajar con ellas debido a su minúsculo tamaño.
Cuando están bien cosidas, tanto sobre oro como sobre plata, resultan muy atractivas y elegantes.
Parece mentira como pasan los meses… Y aún suena más raro pensar que solamente nos queda un mes para cerrar esta etapa tan fructífera de mi vida fotográfica.
Este mes el protagonista ha sido Helmut Newton, él ha sido nuestro maestro a replicar. Y yo he vuelto a contar con la inestimable ayuda de Mónica Giannini como modelo. Creedme que si no hubiera sido por ella este reto no habría sido igual.
Helmut Newton es, probablemente, el fotógrafo que elevó la fotografía erótica a su nivel más glamuroso. He leído que le llaman el creador del “Porno Chic”, y creo que estas dos palabras definen su controvertido estilo a la perfección. Es el máximo representante del vouyerismo en la fotografía.
El gran salto a la fama le llegó en los años 50, cuando comienza una serie de colaboraciones con el Vogue Australia que le llevan en pocos años a París para trabajar en el Vogue francés.
En 1976 publicó su polémico libro White Women, en el que recogía la vida de las prostitutas de la rue Sain-Denis. Todo en sus imágenes desprende provocación, mezclada en un cóctel de glamur y, quizás, algo de violencia. A mí me ha costado bastante elegir imágenes que le representaran y con las que me sintiera en cierta medida identificada, su obra me resulta demasiado provocativa y, en algunos casos, hasta violenta.
Manolo Blahnik dijo de su obra: “La estética femenina de Newton era única. Fue un hombre que fotografió a mujeres que realmente parecen mujeres”.
Este es el resumen de mi trabajo de este mes, en el que una vez más tengo que dar las gracias a Mónica y en el que me hace especial ilusión que estemos las dos juntas en una de las fotografías.
Espero que os guste nuestro trabajo.
Y lo más divertido de todo fue el making off de esta foto:
En el núcleo de El Pont d’Arsèguel (Alt Urgell, Lleida) podéis visitar la Fábrica de lanas, que se fundó en el 1902 por los bisabuelos de los actuales propietarios y tiene las características de una empresa familiar que ha ido pasando de padres a hijos. La fábrica todavía funciona con con energía hidráulica y, entre otras máquinas, todavía se usa una espectacular hiladora diseñada en el siglo XVIII. En su época, la fábrica de lanas llegó tener 20 personas trabajando en ella.
Actualmente la fábrica dispone de un servicio de visitas guiadas, gestionado por la propia familia Isern y se confeccionan los típicos peúcos, tapabocas y mantas de pastor que pueden comprarse in situ.
Altamente recomendable para ir con niños ya que no supone ningún peligro, la visita no es excesivamente larga y las explicaciones son muy buenas. El precio de las entradas es muy razonable. Para los amantes de la fotografía es un lugar ideal para hacer fotos tanto en el interior como en el exterior.
