Audrey Hepburn: Retratos de un icono

Estoy segura de que los que seguís con frecuencia nuestro blog vintage sabréis que Audrey Hepburn es una de nuestras musas más queridas. Entre nuestras joyas más admiradas por quienes os animáis a visitar nuestro espacio vintage en Madrid se encuentra la reproducción del collar de perlas que luciera esta actriz durante el rodaje de “Desayuno con diamantes”. Y no sólo es de nuestras piezas favoritas, sino que también parece ser la vuestra.

Es por esta razón que hoy nos hemos animado a escribir sobre esta preciosa exposición en Londres que mantendrá sus puertas abiertas hasta el 18 de octubre… ¡Aún estás a tiempo de organizar un viajecito de fin de semana a la isla de Shakespeare!

La National Portrait Gallery alberga en esta muestra más de 70 fotografías sobre la vida completa de Audrey, comenzando desde sus primeros años en un coro del teatro West End de Londres, hasta sus últimos días dedicados a la beneficiencia, inclyendo sus viajes a Sudán.

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Portadas de las revistas más glamurosas de los 50 y material cinematográfico que nunca llegó a salir a a luz son algunas de las sorpresas que nos depara esta exhibición, además de las imágenes que son inéditas, como por ejemplo las fotografías tomadas por algunos de los fotógrafos más aclamados del siglo XX, como Richard Avedon, Cecil Beaton, Terry O’Neill, Norman Parkinson o Irving Penn.

Especialmente curiosa nos ha parecido la iniciativa de The Gallery, que pone a disposición de los visitantes a su especialista Helen Trompeter, con quien puedes realizar un tour muy especial recorriendo toda la historia de Hepburn, a través de las imágenes y las explicaciones ofrecidas por esta experta en Twitter (visita desde aquí su perfil).

En agosto, la exposición ya consiguió el premio a la Exhibición del mes, un galardón otorgado por la prensa londinense.

La National Portrait Gallery fue fundada en 1856 con el objetivo de recoger y mostrar las colecciones más famosas de retratos de Británicos de reconocimiento mundial. La exhibición de Audrey Hepburn corresponde a su muestra privada y que estará expuesta sólo hasta el 18 de octubre, pero si te decides a visitar la isla y esta exposición, no dudes en ver también la colección permanente con más de 200.000 retratos desde el siglo XVI hasta nuestros días.

Para más información, visita la web del evento en la National Portrait Gallery.

Un legado recuperado, ahora en Boston: La familia Rothschild

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Este mes Boston es la capital protagonista de nuestra exposición recomendada. Restoring a Legacy: Los tesoros de la familia Rothschild nos trae hasta el 5 de julio al Museum of Fine Arts de Boston una magnífica muestra europea saqueada durante la época nazi y que fue devuelta recientemente a sus dueños originarios, los descendientes del barón y la baronesa Rothschild de Viena.

La muestra, compuesta de 186 objetos de arte, entre los que se incluyen joyas, objetos decorativos, muebles, miniaturas y hasta libros de la conocida familia vienesa. Lo que a nosotros nos ha llamado especialmente la atención es la colección personal de 80 objetos de la baronesa, en la que se incluye una impresionante y bella joyería de la época.

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Destacamos entre todas las joyas expuestas una tiara también usada como collar de 1920 compuesta de 9 diamantes en forma de pera y un broche con dos esmeraldas y de estilo Art-Decó de 1937. No obstante, todas las piezas merecen ser ensalzadas  y admiradas, ya que son un excelente y delicado trabajo de orfebrería en cuantiosas formas y utilizando los más variados materiales preciosos, como el oro, cuarzo de ágata o piedras preciosas, barnizadas con preciosos esmaltes.

La familia Rothschild

Los Rothschild eran descendientes de un banquero judío de Frankfurt que estableció su próspero negocio bancario en 1760. Pero su mayor triunfo fue establecer un sistema bancario internacional a través de sus cinco hijos, que finalmente entraron a formar parte de los nobles austríacos. Entre ellos, el barón de Habsburgo.

Llegaron a tener tanto poder e influencia que en Francia y Austria los Rothschild presionaron para construir y financiar las redes ferroviarias, y en general, todos estuvieron involucrados en la orfebrería con metals preciosos, con especial predilección por el oro, llegando a poseer, se dice, la mayor fortuna privada de la historia reciente.

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En 1938 los Rothschild perdieron todos sus intereses en Austria a manos de los nazis, lo que supuso el fin de más de un siglo de permanecer en el corazón de la banca en Europa central. Tras esto, la familia se dispersó.

Hoy día, aunque siguen siendo igual o más conocidos que entonces, su patrimonio y dedicación ha cambiado de sector, siendo el sector bancario y de inversión su apuesta más feroz.

Gracias a los esfuerzos de familias como ésta por recuperar su patrimonio, así como la ayuda de algunos movimientos como “Monuments Men” y “Woman in Gold”, que han sacado a la luz el espolio llevado a cabo por los nazis durante la II Guerra Mundial, estas joyas parte de la historia han podido ver la luz y retornar a sus dueños.

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Bibliografía e Imágenes:

Radioboston.wbur.org

Bostonglobe.com

Nytimes.com

Mfa.org

Fabergé Revealed en Las Vegas: La caída de los Zares relatada por su joyería

Si Las Vegas es ya de por sí uno de los destinos de preferencia de la mayoría del turismo de entretenimiento y juego, ahora cada vez más lo está siendo también para el turismo cultural gracias a sus muchas exposiciones y actividades culturales que cada uno de los hoteles regenta.

En esta ocasión queremos recomendaros una en concreto cuyas puertas permanecerán abiertas hasta el 25 de mayo, por si estáis pensando en una visita por el oeste Americano este mes: Fabergé Revealed. Esta exposición muestra 238 artefactos original que el diseñador realizó para sus distinguidos clientes, la mayoría de la realeza de la época, lo que supone la colección de Fabergé más grande jamás mostrada fuera de Rusia. La historia que sus piezas esconden tras ellas ha revelado muchísimos detalles sobre la familia imperial rusa de los siglos XIX y XX.

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La denominada Casa de Fabergé produjo en torno a 150.000 objetos de arte, joyas y artículos hechos en plata. Muchos de ellos eran únicos y raros, elaborados exclusivamente para un determinado y distinguido cliente. Los más famosos y cuyo valor y fama ha llegado hasta nuestros días fueron los Huevos de Pascua, de los que ya hemos hablado en nuestro Diccionario Vintage.

Sus joyas de lujo y un refinado arte de diseño y montaje es lo que llevó a Fabergé hasta la familia imperial rusa de finales del siglo XIX. En esta muestra, entre otras maravillas, se pueden observar más de 200 piezas que el célebre joyero realize para el Zar ruso Alexander III, así como para su sucesor Nicolás II, incluyendo los cuatro Huevos de Pascua Imperiales, únicos en el mundo.

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Tarissa Tiberti, Directora Ejecutiva de la galería donde se encuentra ubicada la exposición – que por cierto, está enclavada dentro de uno de los hoteles-casino más lujosos de todo Las Vegas, el hotel Bellagio – comentó para una entrevista publicada en el periódico LA Times que “estos objetos no sólo engrandecen la belleza del arte histórico, sino que también nos cuentan uno de los momentos más importantes de la historia: la caída de la familia imperial rusa”.

La muestra, cuyas piezas en su gran mayoría, proceden del Virginia Museum of Fine Arts, permanecerá abierta en el hotel Bellagio hasta el 25 de mayo. Si os decides a hacer esta visita Americana tan especial, no dudéis en dedicarle una mañana.

Podéis encontrar más información y adquirir los tickets en: http://newsroom.bellagio.com/

Exposición «El Retrato en las Colecciones Reales

Hasta el 19 de abril os queda solamente para poder disfrutar de una de las más completas e interesantes exposiciones sobre la historia de los retratos reales de España.

La exposición hace un recorrido desde Juan de Flandes a Antonio López y ofrece una visión general del retrato de corte en España, desde el siglo XV al XXI.

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Un itinerario para disfrutar de obras maestras de la pintura, con los mejores ejemplos conservados en las colecciones de Patrimonio Nacional. El recorrido, a lo largo de 12 salas por la planta baja del Palacio Real de Madrid, se complementa con una visita al propio Palacio. En total no invertiréis más de una mañana en visitar las dos cosas y, verdaderamente, merece la pena. Yo saqué la entrada por internet y me resultó de lo más agradable la doble visita.

La exposición en sí esta estructurada en dos grandes secciones: Casa de Austria y Casa de Borbón, y un recorrido en orden cronológico que nos hace entender un poco mejor la historia de España a través de sus familias reales.

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La muestra se abre con la dinastía de los Habsburgo, con diversos retratos entre los que destaca el de la reina Isabel la Católica, de la Casa de los Trastámara, de Juan de Flandes.

Destacable de esta sección son también los retratos de Carlos V de Jakob Seisenegger y de Felipe II de Antonio Moro, y esta sección podréis encontrar una de las joyas de la exposición: una pequeña miniatura del conde-duque de Olivares de Diego Velázquez.

En la segunda sección dedicada a la Casa de Borbón desde el siglo XVIII hasta el presente, se exponen los mejores ejemplos del retrato borbónico del Patrimonio Nacional: Felipe V, Carlos III o la maravillosa obra de Francisco de Goya con María Luisa de Parma como modelo. Obras de Vicente López, Federico de Madrazo o Franz Xaver Winterhalter, Joaquín Sorolla y Ramón casas, entre otros.

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La muestra se cierra con dos obras emblemáticas una de Salvador Dalí y la otra de Antonio López de la familia real de Juan Carlos I.

Una selección de obras que merece la pena visitar y para la que ya os quedan muy poquitos días.

Os dejo el link a la web de Patrimonio por si os decidís a visitarla en estos días.

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Bibliografía e Imágenes:

Patrimonio Nacional

Iván Martínez Segovia

Iván es madrileño y hace ya 12 años que se dedica profesionalmente al mundo de la fotografía, leer su CV es darte cuenta de la increíble experiencia que lleva a sus espaldas realizando reportajes, tanto en el campo del retrato como de producto y de cómo ha sido capaz de fusionar la fotografía con su otra pasión, la música.

A Iván le he conocido por pura casualidad y gracias a un precioso proyecto solidario que tienen entre manos Carmen Hache y Rosa Martínez. Se trata de un proyecto sin ánimo de lucro que nace en el año 2013. Una iniciativa que desde la fotografía y el arte en general intenta concienciar y ayudar contra los malos tratos. «Mujer mariposa» colabora directamente con la Fundación Ana Bella, una entidad en la cual mujeres supervivientes de malos tratos ayudan a otras. “Mujer mariposa» es un movimiento de mujeres que se crecen ante la adversidad, que se caen y se levantan. Y que despliegan las alas”.

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Asistí a la inauguración este año de su exposición y entre todas las obras expuestas  los ojos se me fueron en el primer momento a la fotografía de Iván. Luego después de comprarla, para colaborar con esta causa, fue cuando descubrí su trabajo y el porqué de esta fotografía.

Iván sufrió un accidente en bicicleta en Madrid en el año 2014, del que salió vivo de milagro y se ve obligado a parar su actividad durante 4 meses. Tiempo en que se plantea su rumbo en la fotografía. Quiere desarrollar una faceta más personal y no tan profesional en este terreno.  Para ello, tras la recuperación, realiza varios cursos para reforzar conocimientos, y coger más confianza y mejorar el criterio sobre su propia obra. Revisando su colección de fotos, se da cuenta de su gusto por las fotografías nocturnas, de viajes y de personas, y es en este momento cuando se plantea salir un poco de la vorágine comercial y pensar en dar a conocer su parte más artística. Dar a conocer su fotografía más personal.

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Su primera participación en una exposición ha sido en Mujer Mariposa. Y ahora ya se encuentra súper ilusionado para plantearse reunir más fotografías para realizar alguna otra.

Todas las fotos que acompañan este texto están realizadas por Ivan y pertenecen a su portfolio más personal. Su fotografía para Mujer Mariposa ya estará decorando la nueva pared de mi casa dedicada a la fotografía emergente cuando vosotros estéis leyendo estas líneas. Te deseo mucha suerte y espero poder asistir pronto a esa exposición que imagino ya tendrás entre manos.

Os dejo los links a la obra de Ivan y al proyecto Mujer Mariposa gracias al cual le descubrí.

Web oficial: llamaranta.com

Flickr

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Mujer Mariposa

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Febrero, ha nacido “Neptunus deus Maris”

Siempre me gusta cerrar el mes con algo especial, y este año el broche de oro mensual lo va a poner mi proyecto “Bodegones Barrocos o Still Even”

Ya os conté el mes pasado en lo que consistía el proyecto y cómo mi inspiración vendría de la pintura de “vanidad”, en las que suntuosos arreglos de fruta y flores se entremezclan con libros, jarras, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales o científicos. Objetos, a su vez, acompañados por piezas con significados simbólicos.

Cada fotografía es única y lleva un proceso meticuloso de estudio.

Febrero es el mes del agua, de la purificación de las almas y del dios Neptuno. Es el  mes de las amatistas y de los lilos.

Después de algunas tardes de estudio, de consultar libros de arte, páginas en Internet y de apuntar alguna que otra idea en ese pequeño cuaderno de inspiración que me regalara MapyDh hace ahora un año, nacía un soleada mañana de sábado “Neptunus deus maris”

Espero que os guste…

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La luz de Rembrandt

Uno de mis pintores barrocos favoritos es el que da nombre al esquema sobre el que nos toca trabajar este mes: la luz Rembrandt, una iluminación en la que las sombras son las protagonistas absolutas del retrato.

Aunque Rembrandt siempre utilizara luz natural, yo voy a dejar pendiente intentarlo más adelante, para el proyecto que nos ocupa la idea es conseguirla utilizando luz artificial. Después de varias pruebas, con diferentes modificadores, mi decisión fue utilizar una cabeza de flash con paraguas y un reflector negro para absorber la luz que podría perderse.

El esquema de iluminación puede parecer sencillo, pero en cuanto te pones a trabajar en él te das cuenta de que en la práctica no lo es tanto. Conseguir que la iluminación tenga sentido y nos revele el carácter del modelo es lo más complicado.

Mi primera idea al empezar a estudiar este esquema fue inspírame en una de las obras del genial maestro, y estas fueron las obras elegidas. El siguiente pasó consistió en buscar modelos y algo de atrezzo. Mi idea era intentar emular la atmosfera barroca que caracteriza los retratos de Rembrandt, la intensidad de sus luces y sus sombras

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La luz principal es clave, y ha de estar por encima de los ojos del retratado en un ángulo aproximado de 45º grados a la cámara. La idea es que esa luz principal deje una sombra sobre la parte oscura, en la que nos quede un pequeño triangulo de luz justo debajo del ojo no iluminado. Esta sombra está provocada por la nariz del modelo.

Se pueden colocar opcionalmente reflectores (dorados, plateados o blancos) o luces de relleno para suavizar el efecto de las zonas menos iluminadas, pero hay que tener cuidado ya que puede llegar a hacer desaparecer el efecto de la iluminación que estamos buscando.

Conseguir la iluminación de tipo Rembrandt no es complicado del todo, lo que resulta difícil es que el resultado revele gestos y dé sentido a la fotografía.

Este es el resultado de la sesión con Claudia,a la que estoy eternamente agradecida por dejarse liar para semejante aventura, espero que os guste.

 

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Un esquema al que estoy segura le voy a sacar mucho partido en el futuro.

Espero que os guste y si queréis ver la sesión completa podéis pasar a visitar mi blog de fotografía: @María Vintage Photography

Os invito igualmente a visitar los trabajos de mis compañeras de proyecto:

María Casanova

Araceli Calabuig

Sara Lagunas

Eva Menacho

Verónica de Prado

 

Zapatos: siglos de Placer y Dolor

El Museo Victorian & Albert en Londres acoge este año exposiciones muy interesantes que, desde López-Linares Vintage Jewelry os animamos a visitar. Entre ellas, una en particular que hará las delicias de los amantes de la moda y los complementos, tanto vintage como actuales. Hablamos de la muestra Shoes: Pleasure and Pain (Zapatos: Placer y Dolor), que se inaugura el 13 de junio.

A través de más de 250 pares de zapatos, esta exhibición mostrará el estilo que a lo largo de la historia ha marcado cada época, desde el Antiguo Egipto hasta nuestra era. Y es que vestir nuestros pies ha sido siempre símbolo de status, gusto, identidad y preferencia sexual. Esta exposición se adentrará en esta obsesión e investigará cómo y en qué medida los zapatos han sido poderosos indicadores de la personalidad de quien los lucía, durante cada época de la historia.

Zapatos de seda de 1750 - expo Shoes Pleasure and Pain - VA Museum

Sin embargo, la muestra no estará expuesta de forma cronológica. Como dicen sus organizadores “no es una enciclopedia de diseñadores de zapatos (…) sino que trata de entender el por qué el ser humano ha intentado desde siempre vestir calzado que, en la mayoría de las ocasiones, llegaba a resultar especialmente incómodo y doloroso.

La sandalia más antigua que presenta la exposición es la que se muestra en la imagen, datada en el Egipto Faraónico (principios del Imperio Romano). La plantilla está fabricada casi por completo en oro puro, y muestra signos de haber sido utilizada, aparentemente por alguien con un alto poder adquisitivo y social.

sandalia egipcia - expo Shoes Pleasure and Pain - VA Museum

Los zapatos medievales serán también una de las partes más aclamadas de la exhibición, como estos que os incluímos en la imagen, elaborados en piel de cabrito sobre pino tallado, que datan de 1600.

Chopines de 1600 - Expo Shoes Pleasure and Pain - VA Museum

De los siglos XVIII y XIX son estos zapatos de novia. Los primeros, creados en plata y oro sobre madera india, son de  la década de 1800, mientras que los segundos, en color azul pálido, fueron realizados en seda y raso con un lazo en plata y datan de la década de 1750.

Shoes: Pleasure and Pain estará organizada en torno a tres pilares:

  1. Transformación: zapatos considerados leyenda gracias al folklore regional y dominante en la época en la que se vistieron, como las varias versions del zapato de la Cenicienta.
  2. Posición social: en este apartado se analizará la relación entre la impracticabilidad y el escaso confort de unos zapatos cuyo único objetivo era mostrar el status de quien los vistiera, y la necesidad de utilizarlos.
  3. Seducción: El último de los objetivos que pueden llevar a alguien a sufrir dolor en pro de la atracción sexual. En esta parte de la exposición se mostrarán zapatos que durante siglos han sido vestidos con el único propósito del cortejo.

Esta es sin duda una exposición para no perderse, especialmente si planeas una escapade a Londres a partir de junio y hasta 2016. Os dejo los enlaces a la exposición por si os interesa conocer más sobre ella:

Web: Victorian&Albert Museum – Shoes: Pleasure and Pain

«Janus a principio ad finem»

Bodegón, también conocido como naturaleza muerta y, más recientemente, como Still Lifes: obra de arte que representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas, rocas, conchas, …) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, …) en un espacio determinado. Esta rama del arte se sirve de la composición, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.

Y esto es, justamente, lo que me he propuesto estudiar durante 2015.

Históricamente los bodegones ya adornaban el interior de algunas tumbas del antiguo Egipto. Se creía que los objetos relacionados con la comida y la vida doméstica se harían reales en el más allá. Más tarde ya, Plinio el Viejo nos hablaba de Peiraikos, que pintó tenderetes de zapateros y barberías, asnos, plantas y cosas semejantes, y por esa razón le llamaron el «pintor de los objetos vulgares».

También se han encontrado representaciones decorativas de bodegones en murales de la antigua Roma, en mosaicos de Pompeya y en la villa de Herculano. En esa época existía la tradición de usar cráneos en las pinturas como símbolo de mortalidad y de fugacidad, a menudo acompañada por la frase «Omnia mors aequat» (La muerte iguala a todos).

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A partir de 1300, comenzando por Giotto y sus seguidores, la pintura de bodegón revivió en las pinturas de tema religioso en forma de objetos de la vida cotidiana que acompañaban a las figuras protagonistas. Este tipo de representación pictórica fue considerado menor hasta el Renacimiento

Pero no sería hasta la llegada de Leonardo da Vinci cuando los bodegones comenzarían a liberarse de su significado religioso. Leonardo creó estudios a la acuarela como parte de su incansable examen de la naturaleza, y Alberto Durero, también realizó dibujos detallados de la flora y la fauna.

Jacopo de’ Barbari dio un paso más allá con su «Bodegón con perdiz», guanteletes y flechas de ballesta (1504), uno de los primeros bodegones trampantojo firmados y datados con un contenido religioso reducido al mínimo.

El siglo XVI vio una explosión de interés en el mundo natural y la creación de lujosas enciclopedias botánicas, que documentaban los descubrimientos del Nuevo Mundo. Además, comenzaron a popularizarse las colecciones de especies animales y minerales, conchas, insectos, frutas exóticas todo ello sirvió como modelo para los pintores que buscaban realismo y novedad.

Durante el S.XVII destaca la obra de Caravaggio, que fue uno de los primeros artistas que representó naturalezas muertas con conciencia de obra pictórica. Aplicó su influyente forma de naturalismo al bodegón. Su «Cesto con frutas» es uno de los primeros ejemplos de bodegón puro y, a partir de esta época, cuando va a comenzar mi estudio del Bodegón. La decisión de emular este género pictórico e intentar emularlo en fotografía digital me llevaba rondando la cabeza hace meses.

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Mi inspiración serán los grandes maestros del bodegón a partir de Caravaggio. Nombres como Frans Snyders, Osias Beert, Clara Peeters, Jacob van Es, Willem Heda y Pieter Claesz, Samuel van Hoogstraten, Cornelis Norbertus Gysbrechts, Georg Flegel, Juan Sánchez Cotán, Zurbarán, Blas de Prado, Mateo Cerezo o Antonio de Pereda, Juan van der Hamen, Juan de Espinosa, Antonio Ponce, Francisco Barrera o Ignacio Arias, Francisco de Burgos Mantilla, relacionado con Velázquez; Pedro de Camprobín y Pedro de Medina, Alejandro Loarte, Juan van der Hamen,  Valbuena, Tomás Yepes o Juan Fernández.

Maestros también del bodegón floral como Jan Brueghel el Viejo y Daniel Seghers en Flandes, Mario Nuzzi o Margarita Caffi en Italia y, en España, Pedro de Camprobín, Gabriel de la Corte, Juan de Arellano y su yerno Bartolomé Pérez de la Dehesa me acompañarán durante todo 2015.

Artistas que se inspiraron en los antiguos trampantojos griegos y que voy a estudiar con detalle y minuciosidad para intentar emular su obra con mi Nikon, mi equipo de iluminación y los numerosos objetos antiguos que, a lo largo de todos estos años, hemos ido guardando en casa.

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Yo me inspiraré en la pintura de “vanidad”, en las que suntuosos arreglos de fruta y flores se entremezclan con libros, jarras, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales o científicos. Objetos a su vez acompañados por piezas con significados simbólicos. Así, un cráneo, un reloj de arena o de bolsillo, una vela consumiéndose o un libro con las páginas vueltas, servirán de mensaje. Utilizaré variedades de frutas y flores que se mostrarán no solo frescas y jóvenes sino  comenzando a pudrirse o decaer para transmitir decadencia. Recurriré al simbolismo de las flores y de las piedras. Cada mes será único y diferente, pero siempre con el mismo estilo de fondo y con un hilo conductor que dejaré de incógnita, para ver si a final de año sois capaces de descubrirlo.

12 bodegones barrocos, 12 Still Even, o naturaleza tranquila como la llamaban en el S.XVII en los Países Bajos. Me quedo con este nombre mejor que con el de naturaleza muerta. Me sugiere mucho más y se identifica mejor con los que voy buscando.

Tardes de estudio, de lectura sosegada y de componer cada fotografía paso a paso. Trabajar las luces y las sombras. Estudiar a los grandes maestros de la pintura y, sobre todo, adentrarme en un estilo de fotografía que me hace especial ilusión experimentar.

Espero poder compartirlo con todos vosotros…

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Imágenes: María Vintage Photography 

 

Leila Amat

Con ella estreno esta nueva iniciativa. Fue por un post que leí en su blog por lo que me decidí a comenzar esta aventura de llenar mi casa de fotografía emergente e invitar a su autor a pasar por mi blog.

Leila Amat es filóloga de hispánicas y profesora de lengua y literatura, pero hace dos  años que decidió dedicarse de lleno a la fotografía creativa.

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Su carrera como fotógrafa no comenzó produciendo fotografías, sino contemplándolas. Tendría unos 11 años cuando su casa de Sevilla se incendió, con toda su infancia dentro. El fuego no lo consumió todo, pero lo poco que quedaba se había impregnado de humo. Todas las paredes, todos los objetos, absolutamente todo, quedó como un tizón. Fue limpiando de humo, con un trapito húmedo, una a una todas las fotografías que su padre tenía en una caja, cuando tuvo su primera experiencia fotográfica, y para ella una de las más profundas.

A disparar no comenzó hasta los 17 años, con una analógica. Desde entonces todo ha sido siempre una evolución, tanto estética como técnica. Desde sus comienzos quiso que cada imagen fuera en sí misma un universo, un mundo paralelo en el que vivir e interpretar un personaje que no era en la vida real. En la mayoría de las fotos aparece ella. Leila concibe la fotografía como un lenguaje que la permite vivir, expandirse o analizarse. Una herramienta con la que, con un poco de imaginación, poder soñar y hacer soñar a los demás.

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Me cuenta que nunca pensó en dedicarse exclusivamente a la fotografía, pero de repente se dio cuenta de que era lo único, junto al amor, que le daba la vida.

Fue entonces cuando decidió (mal)vivir de sus imágenes, tanto económica como espiritualmente. Comenzó vendiendo en las calles, hiciera frío o calor. Las calles del Arenal, Preciados o Fuencarral fueron los lugares donde Leila pasó horas y horas sentada, exponiendo y vendiendo su trabajo. Es muy duro porque la obra, expuesta a lo “top manta”, se devalúa muchísimo, y para la policía no eres menos ilegal que los que venden carcasas de móviles o bolsos falsificados.

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En la actualidad Leila vive de la venta online en algunas webs de arte como Myweb’art o a través de las galerías Lumas (alemana) y Sophie Lanoë (francesa).

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Leila vino hasta la tienda a traerme mi pequeña gran adquisición “Sueño de Bambú”, y su sola presencia llenó mi espacio de un halo de magnetismo, muy difícil de explicar. Leila transmite con su mirada una dulzura y una sensibilidad que te llevan a quererla, casi desde el primer momento.

Me siento afortunada de tener ya un testimonio de su creatividad decorando mi casa.

Estoy segura de que os va a encantar su obra. No dejéis de pasar a visitar su trabajo en:

Flickr.com

Facebook.com

Produccionesleilaamat.wordpress.com

Todas las imágenes de este post tienen derechos de autor y pertenecen a Leila Amat.