Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
‘Prim, El asesinato de la calle del Turco’ está basado en el atentado mortal a Juan Prim y Prats el 27 de diciembre de 1870. Prim, el presidente del Consejo de Ministros y ministro de la Guerra de la época fue tiroteado en la calle del Turco, magnicidio que nunca fue resuelto y siempre ha estado rodeado de misterio.
Una magnifica historia contada a través de Benito Pérez Galdós, el escritor y periodista que cubre la noticia del asesinato. Dirigida por Miguel Barden y con guión de Nacho Faerna y Virginia Yagüe se emitió el pasado 22 de diciembre en TVE1.
Faerna también ha escrito una novela en la que indaga en los acontecimientos que condujeron al complot para asesinar a Prim. La producción de la mini serie ha corrido a cargo de TVE, Televisión de Cataluña, Shine Iberia y Dream Team.
Una noche en la que #primturco se convirtió en trendigtopic en Twitter y en la que nuestra marca Vintage By López-Linares estrenó colaboración con sus joyas: pendientes, gafas, relojes, collares, peinetas… Piezas únicas y seleccionadas con todo mimo por Elena del Real, responsable del vestuario junto con Silvia García-Bravo.
Si tienes curiosidad por ver más de cerca todas las joyas que han lucido los personajes de la serie, puedes pasar por nuestro espacio de la Calle Claudio Coello 60, donde encontraras un pequeño rincón para disfrutar de estos complementos.
¡Os esperamos!
Desde aquí también queremos agradecer a Elena del Real y Shine Iberica por haber confiado en nosotras.
El nombre lo dice todo: “Vestidos para la culta sociedad”. Aunque más que culta, el calificativo correcto sería “educada”. Si a la ya de por sí preciosa ciudad de Bath le añadimos esta exposición que os muestro hoy, apenas quedan excusas para no visitarla…
Bath se encuentra situada al sudoeste de Inglaterra, en el condado de Somerset, y sus orígenes se remontan al Imperio Romano del año 43 A.C. Su abundancia de aguas termales hacían de ella el lugar idílico para ubicar una urbe romana en torno a unos baños y un temple que fue construido en las Colinas del Río Avon. Pero fue durante la época Georgiana cuando más se popularizó. Esa época que tantos imaginamos al pensar en la Edad Media… Ese siglo de vestidos ostentosos y joyas inimaginables que vestían quienes tenían la suerte de nacer en el seno de la High Society (Alta Sociedad)
Y por sus calles pasearon los entonces denominados “Assemblies” en su camino hacia alguna de las asambleas locales dieciochescas. Pero sus reuniones eran muy distintas de las que conocemos en la actualidad: un grupo de personas de alta alcurnia se reunía para conversar, expresar públicamente su galantería y en ocasiones, jugar o incluso, bailar. Y durante estos festejos, sus galas eran imprescindibles para demostrar su elevado rango en la sociedad.
En 1771 la ciudad, gracias al rápido crecimiento popular, fue merecedora de alojar la Gran Sala de Asamblea, hoy día reconvertido en el mundialmente famoso Fashion Museum (Museo de la Moda).
En total, 30 trajes de fiesta originales del siglo XVIII, cada cual más hermoso y con telas dignas de la mismísima Reina de Inglaterra. Estos trajes fueron elaborados durante el reinado de George III (en sus primeros años como Rey) y reflejan lo más significativo de la alta sociedad de las décadas de 1750 y 1760.
Si tenéis la oporturnidad de ir a visitar esta exposición, podréis admirar de cerca los riquísimos estampados tejidos a mano sobre la seda más delicada, así como impresionantes abrigos bordados a mano.
La muestra viene a demostrar cómo la moda Europea que caracterizó el segundo tercio del siglo XVIII, tiene su cierto impacto en las tendencias actuales. Diseñadores de la talla de Anna Sui, Meadham Kirchhoff, Vivienne Westwood, Stephen Jones o Alexander McQueen completan la exposición con la reconstrucción de lo que los caballeros Georgianos de la época vestían. Aunque aun más impresionantes son los vestidos con los que se engalanaban sus esposas.
La exposición permanecerá abierta hasta el 1 de enero de 2016, tiempo de sobra para que podáis organizar una escapada de lujo a una ciudad de ensueño, Bath.
En el núcleo de El Pont d’Arsèguel (Alt Urgell, Lleida) podéis visitar la Fábrica de lanas, que se fundó en el 1902 por los bisabuelos de los actuales propietarios y tiene las características de una empresa familiar que ha ido pasando de padres a hijos. La fábrica todavía funciona con con energía hidráulica y, entre otras máquinas, todavía se usa una espectacular hiladora diseñada en el siglo XVIII. En su época, la fábrica de lanas llegó tener 20 personas trabajando en ella.
Actualmente la fábrica dispone de un servicio de visitas guiadas, gestionado por la propia familia Isern y se confeccionan los típicos peúcos, tapabocas y mantas de pastor que pueden comprarse in situ.
Altamente recomendable para ir con niños ya que no supone ningún peligro, la visita no es excesivamente larga y las explicaciones son muy buenas. El precio de las entradas es muy razonable. Para los amantes de la fotografía es un lugar ideal para hacer fotos tanto en el interior como en el exterior.
Cuenta la leyenda que Raffaello Sanzio, más conocido como Rafael, se enamoró de Margarita Luti al ver cómo limpiaba sus pies en las aguas del Tiber. Su amor fue tan intenso y apasionado que no conseguía concentrarse en terminar la obra que le habría encargado el rico banquero Agostino Chigi. Hasta tal punto llegó la desesperación del banquero, que terminó instalando a Margarita en una zona de su palacio cercano al lugar de trabajo de Rafael, hasta que éste finalizara el proyecto.
Y es en éste y otro retrato de Margarita en los que aparecen las joyas históricas de las que hoy os quiero hablar. En las impresionantes pinturas “La Veleta” y «La Fornarina».
En La Veleta, obra firmada en 1516 en el que Margarita aparece ricamente vestida y velada con lo que parece un manto de seda, luce sobre su cabello como llamativo adorno una perla y un rubí, casi pegado a un descuidado rizo que quizás nos quiere dejar entrever su adúltera vida. Rafael plasma en el lienzo la belleza de una mujer serena y tranquila. Esta pieza es muy similar a la que luce Margarita en La Fornarina, casi pegada a un turbante, complemento muy de moda en la época. Diría que las dos piezas que luce en el pelo son prácticamente iguales, y hoy hemos querido traerlas hasta aquí. Una sobre una sutil gasa blanca y la otra sobre un rico brocado de seda.
Pero indaguemos algo más en la apasionante vida que tuvo Margarita y en la profunda historia de amor entre Rafael y ella…
En 1514 Rafael se comprometía con María Bibbiena, la sobrina del cardenal Medici Bibbiena, pero su matrimonio nunca llegaría a consumarse. Su mente y su corazón siempre estuvieron junto a su verdadero amor: Margherita Luti, «La Fornarina». Margherita era la hija de Francesco Luti, dueño de la panificadora «Fornaio de Siena», y parece que su humilde condición no la hizo digna de contraer matrimonio con un artista de la talla de Rafael, por lo que tuvo que conformarse con ser su amante hasta la muerte del artista.
Es muy posible que la prueba más sugerente de esta aventura sea su oleo «La Fornarina», en el que Margarita aparece semidesnuda, sutilmente tapada por una suave y fina seda, sosteniendo en su delicada mano uno de sus pechos. Una imagen más que sugerente de la pasión que debía unirles a ambos. Parece que esta obra permaneció oculta en su taller, siendo muy pocos los que la conocerían.
Al igual que con todas las buenas historias de amor, la historia de Rafael y la Fornarina tiene un final amargo. Después de una noche de amor, Raphael cayó gravemente enfermo y murió 15 días después. El artista logró escribir su testamento, teniendo en él muy en cuenta a su querida, a la que legó la suficiente fortuna para terminar su vida con tranquilidad. Pero tal fue el amor de Margarita por el artista que a su muerte solo encontró consuelo en el Convento de Santa Apolonia, una pequeña residencia en Vía di Santa Dorotea en el que viviría hasta su temprana muerte, no llegando nunca a disfrutar las riquezas que le legara su amado.
Una de las más bellas historias de amor de la Roma del Renacimiento, unida a una joya que ya pertenece a nuestra exclusiva colección de joyas históricas.
Lucrezia, la bellísima esposa del político florentino Bartolomeo Panciatichi, ha llegado hasta nosotros en un retrato ausente de fondo, en el que parece que Bronzino, el artista renacentista que lo pintara, sólo quisiera fijar nuestra mirada en la aristócrata florentina.
Y no es para menos… En su estilizado y elegante cuello blanco descansa un precioso collar de perlas, con un broche colgando y una larga cadena de oro con una pequeñísima placa de oro con esta inscripción grabada: «Sin fin amour Duré” en alusión al amor y la fidelidad.
Y en su mano izquierda esta dama renacentista luce un pequeño anillo de oro y rubíes que bien podría haber sido su sortija de pedida, y que es la pieza protagonista de nuestra colección de Joyas Históricas de hoy.
El suntuoso vestido de satén rosa y pesado terciopelo rojo, enmarca su belleza fría y serena. Bronzino realiza un sorprendente juego de luces y sombras con la tela a lo largo de toda su figura.
Lucrezia sujeta con la mano derecha un pequeño libro de oraciones apoyado en su rodilla. Parece que estuviera esperando el preciso instante en que Bronzino la dijera que ya había terminado de pintarla, para continuar leyendo con total naturalidad.
Esposa del humanista y político Bartolomeo Panciatichi desde 1528, Lucrecia Panciatichi fue inmortalizada junto a su esposo por el artista florentino Angelo di Cosimo, il Bronzino, (1503-1572), que siempre trabajó a la sombra de Miguel Ángel. En aquella época el arte de la ciudad de Florencia estaba dominada por dos grandes nombres: el de los Medici y el de Miguel Ángel.
Bartolomeo Panciatichi era hijo natural de Bartolomé el Viejo y perteneciente a una familia muy influyente de comerciantes de Pistoia. Propietarios de una gran empresa comercial en la ciudad francesa de Lyon, que en ese momento era un centro cultural y comercial debido a la estratégica situación de la que disfrutaba, al estar entre Francia, Italia, Suiza y Alemania.
Bartolomeo prefirió seguir la carrera política y humanística, abandonando el negocio familiar que dejó en manos de algunos familiares cercanos a muy temprana edad. En Lyon conocería a Lucrezia y a los pocos años toda la familia se trasladaría a Florencia. Allí llegaría a ocupar importantes cargos políticos y se convertiría en uno de los personajes más influyentes de su época.
Y su esposa, una dama que en este retrato descansa solemne, recatada, elegante, fiel y serena representa en su conjunto a las mujeres de la alta sociedad del Renacimiento.
Giorgio Vasari se refirió a esta obra con estas palabras: «… los retratos de él y su esposa, tan naturales que parecen realmente vivos, y no extraña sino el espíritu»
Los dos retratos del Bronzino pueden disfrutarse en la galería de los Uffizzi de Florencia.
La fragata Nuestra Sra. de las Mercedes ha completado su viaje. Una exposición gratuita que podemos disfrutar hasta el próximo 30 de noviembre en el renovado Museo Arqueológico de Madrid. Muy recomendable para visitarla con niños, ya que es muy amena y entretenida para ellos.
Una muestra que supone un sentido homenaje a todos los que perecieron aquel fatídico 5 de octubre de 1804, cuando una flotilla española regresaba a España desde el virreinato del Perú, cargada de preciadas mercancías y monedas para reponer las exhaustas arcas de la Hacienda española. Más de medio millón de piezas de plata y oro, cacao, lana de vicuña, quina y ratania, entre otras cosas, eran algunas de las preciadas mercancías que portaba en sus bodegas.
De forma totalmente inesperada y en periodo de paz con Inglaterra, una flotilla de bandera inglesa atacó a los cuatro barcos españoles: La Mercedes, La Medea, La Fama y la Santa Clara. La fragata Nuestra Sra. de las Mercedes explotó a los pocos minutos de comenzar la batalla, hundiéndose hasta lo más profundo de las costas portuguesas, cerca del Cabo San Vicente, con sus 200 pasajeros dentro y toda su carga. Entre las víctimas, la familia casi completa de don Diego de Alvear, segundo comandante de la flotilla que, junto a su hijo adolescente, presenciaron desde otra nave sin poder evitarlo como su esposa y el resto de sus hijos, cuatro niñas y tres niños, perecían en el atraco.
Este hecho tuvo como consecuencia el final del acuerdo de paz entre Inglaterra y España, siendo el preludio de la posteriorBatalla de Trafalgar.
El valioso cargamento, así como la tumba de los más de 200 valientes que murieron aquel fatídico día, fue expoliado en mayo de 2007 por la empresa norteamericana cazatesoros Odyssey. Después de varios años de litigios en los tribunales norteamericanos, éstos terminaron dando la razón al estado español y restituyendo a sus verdaderos propietarios todo lo expoliado. Este hecho sienta un precedente muy importante en la defensa del Patrimonio Arqueológico Subacuático.
La exposición hace un recorrido no solamente por los acontecimientos que sucedieron esos días, sino que nos pone en antecedentes y nos ilustra acerca de cómo y de qué manera afectó a la historia de España este suceso tan puntual. También deja constancia de lo importante que es conservar y custodiar los archivos de la historia de nuestro país, ya que sin ellos no habría sido posible recuperar el tesoro. La aportación por parte del estado español de documentos procedentes de los registros navales, resultó determinante en la resolución final del litigio con la empresa Odyssey.
Y lo que es aún más importante, con la historia de la fragata Mercedes se consigue poner de manifiesto la importancia de promover la defensa y salvaguarda del Patrimonio Cultural Subacuático, que ha de prevalecer sobre los intereses puramente económicos.
Hoy os traigo una de esas exposiciones que quedan grabadas en nuestras retinas para siempre. La belleza y delicadeza de una joya histórica de Cartier, admirarla y poder casi sentirla es sin duda una de mis mayores placeres. Y si además lo incluyes como plan en un viaje a New York, ¿qué más se puede pedir?
La muestra, titulada Cartier: Marjorie Merriweather Post’s Dazzling Gems recorre las piezas de joyería más famosas de una de las principales clientes del afamado Louis-François Cartier durante la primera mitad del siglo XX: Marjorie Merriweather.
La exposición tiene lugar en un rústico y encantador entorno con un aire muy vintage, situado dentro de los jardines del museo Hillwood y recrea el tipo de arquitectura que eligió Marjorie para su retiro en las montañas de Adirondack, al norte de Nueva York.
El museo suele llevar a ese espacio las exposiciones especiales, para que el visitante pueda disfrutar de toda la experiencia inigualable que supone visitor sus salas.
Quién fue Marjorie Merriweather
Considerada todo un icono de la historia Americana, Marjorie fue la fundadora de General Foods, además de una asidua a las fiestas de la clase alta de la primera mitad del siglo XX. Cuando apenas contaba con 27 años se convirtió en la mujer más rica de los Estados Unidos después de heredar todo el imperio de su padre, una fortuna de casi 250 millones de dólares.
La colección de joyas, muebles, porcelanas, pinturas y tapices que Marjorie llegó a recopilar durante su larga vida (falleció en 1973 con 86 años) fue inconmesurable y reúne piezas de Fabergé y Cartier. Las exquisitas joyas que Marjorie encargó a este último son las que ahora se pueden disfrutar en el Museo Hillwood.
Entre las joyas expuestas destaca este broche, considerado una de las obras más exquisitas de Cartier, realizado con siete esmeraldas indias esculpidas, diminutos diamantes, platino y esmalte, diseñado en 1928 por el aclamado joyero para su principal cliente, Marjorie Merriweather Post.
También son dignos de destacar el collar que el diseñador confeccionó para ella con perlas, diamantes y platino o la aún más impresionante gargantilla de zafiros, entre otras muchas piezas dignas del más exigente de los coleccionistas de arte.
Sin duda, Marjorie tenía un gusto exquisito para la joyería y la moda en general, como muestra esta inigualable colección, que podéis visitar hasta final de 2014, en el marco de un inolvidable viaje a Washington DC.
Un mes más en mi proyecto con El Objetivo Mágico. Parece mentira como pasan los meses…
La protagonista este mes ha sido Araceli Calabuig, ella eligió a Richard Averdon como nuestro maestro a replicar este mes de julio. Y yo he vuelto a contar con la inestimable ayuda de Mónica Giannini como modelo. La verdad es que si no hubiera sido por ella este reto no habría sido igual.
Averdon, el fotógrafo que nos legó el rostro de setenta años de historia. Revolucionario fotógrafo de moda que elevo a las modelos que posaron para su cámara a la categoría de mitos. La fotografía de moda no volvió a ser la misma después de su trabajo, aun hoy seguimos viendo cómo las mejores revistas de moda de la actualidad se inspiran en su trabajo.
De toda su obra me quedo con la elegancia de sus retratos de moda y la esencia de sus retratos posados. Algo tan aparentemente sencillo como colocar un fondo blanco y hacer posar a alguien, en sus manos se convierte en una increíble sorpresa. Humphrey Bogart, Marlon Brando o Marilyn Monroe,han sido solo algunos de los más famosos rostros que han posado para él.
He leído que su método para lograr la esencia de sus personajes era sencillo pero muy efectivo: agotarles; no solo psicológicamente, en algunos casos más de 4 horas frente a su cámara conseguían por fin desnudar al personaje y mostrar su verdadera personalidad.
Richard Avedon fue un gran artista capaz de sorprender no solamente a la hora de capturar el lujo y el glamur. Sus trabajos sobre injusticias sociales han ilustrado la mayoría de las grandes portadas de prensa mundial, y han dado para realizar una innumerable cantidad de libros y exposiciones.
Richard Avedon murió en octubre de 2004 como consecuencia de un derrame cerebral que sufrió mientras se encontraba trabajando. Desde entonces sigue batiendo récords. Una de sus fotografías más emblemáticas se remató por un importe de 841.000 euros hace pocos años.
Os dejo con las imágenes que seleccionamos y realizamos, una calurosa tarde de verano, entre Monica y yo. Un fondo blanco, un foco de luz continua y muchas ganas de aprender… Espero que os gusten.
Hoy me encantaría recomendaros uno de esos planes que a todos los vintage lovers nos chiflan: Visitar una exposición que alberga el Victorian and Albert Museum de Londres desde el pasado mes de marzo. Si estáis planificando un viaje a tierras británicas durante los próximos meses tendréis la increíble oportunidad de disfrutar de la historia del vestido de novia clásico, desde que se hiciera popular entre las novias a finales del siglo XVIII, hasta nuestros días. Desafortunadamente es poco probable que yo misma pueda asistir, pero espero ser testigo a través de vuestros ojos.
Los mejores diseñadores de trajes de novia de los últimos dos siglos y medio os guiarán con los más de 70 diseños a través de la evoluciónde este atuendo que jamás pasará de moda: Desde los vestidos en el más blanco puro hasta el más sensual marfil. Entre los diseñadores de cuyos trabajos podrás disfrutar destacan Charles Frederick Worth, Norman Hartnell, Charles James, John Galiano, Christian Lacroix, Vivienne Westwood y Vera Wang.
La exposición cuenta la fascinante historia de cada uno de estos 70 diseños, empezando en el año 1775 y acabando en la actualidad, e incluye nuevas adquisiciones respecto a las ediciones previas, como el diseño en violeta que vistió Dita Von Teese en su enlace con Marilyn Manson, o el que en su día lucieran Gwen Stefani y Gavin Rossdale en sus respectivas nupcias.
Pero además de tener la oportunidad de disfrutar de estas piezas de auténtico arte, el Museo V&A ha planificado un completo horario de eventos y actuaciones con la colección histórica como telón de fondo. Charlas nocturnas, talleres o conciertos románticos otorgarán aún más espectacularidad a la muestra. Si estás pensando en asistir a uno de estos eventos, infórmate de las fechas y horarios en Wedding Dresses 1775-2014: Events (simplemente haz click sobre el enlace para accede a al página)
De un rápido vistazo he destacado algunos a los que me encantaría poder asistir, como el taller con la escritora Julie Cohen como ponente, quien realizará una introducción a los elementos básicos de la narrativa romántica, o… ¿por qué no? escuchar al diseñador de moda más aclamado en Inglaterra, Bruce Oldfield. Aunque sin duda, mi taller favorite sería “Aprender a usar la tiara Victoriana”, como lo hubiera hecho cualquier dama de alto standing de la época.
La muestra permanecerá abierta hasta el 15 de marzo de 2015, lo que significa que tenéis mucho tiempo por delante para planificar ese viaje de ensueño a Londres, y de paso, disfrutar de cada una de estas bellezas. Y, por supuesto, ¡estaré deseando conocer vuestra experiencia con todo detalle! Vosotros seréis mis ojos…
Os dejo aquí el enlace a la website con más información sobre horarios y disponibilidad de entradas. ¡Disfrutad la visita!
Pues se termina Junio y yo quería cerrar el mes en el blog con esta entrada tan especial para mí.
Mi proyecto fotográfico en El Objetivo Mágico, en el que tenemos que replicar cada mes la obra de un gran maestro de la fotografía, tenía por protagonista a Toni Catany. Es mi maestro preferido. Yo lo había elegido y ahora tenía que profundizar en su obra e intentar reproducirla. Este es mi mes y Toni Catany ha cambiado mi manera de ver la naturaleza muerta y mi forma de fotografiar. No creo que por el momento haya otro maestro que me haya llegado tan adentro…
Artista mallorquín afincado en el Barrio del Raval de Barcelona, desde 1960, Tony Catany fue autodidacta, solo realizó un pequeño curso a distancia siendo muy joven. Publicó sus primeros reportajes en 1968 y fue a partir de 1978 cuando comenzó a ser conocido internacionalmente. Su dominio de las luces y las sombras es exquisito y la elegancia con la que trata el color es primorosa.
Su obra está cargada de sensibilidad, armonía y melancolía. Yo le descubrí hace apenas unos meses en un curso de Encandilarte, quedando a partir de entonces enamorada hasta la medula de toda su obra. Hasta el punto de ponerme como loca a buscar por internet obra suya, para ver si podría adquirir alguna de sus fotografías. Terminé con tres de ellas en mis manos gracias a Blanca de Berlín, galerista de Madrid que tiene a la venta alguna de las obras de este genial fotógrafo.
Su obra se centra fundamentalmente en el bodegón, el cuerpo humano desnudo y los paisajes.
Toni Catany realizó su primera exposición individual en 1972. Después de esa vinieron más de cien exposiciones individuales y otras tantas colectivas en todo el mundo.En el año 2001 recibió el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura y el Premio Nacional de Artes Plásticas (Catalunya). La revista Life le consideró uno de los 100 mejores fotógrafos del mundo
Tony experimentó a lo largo de su carrera con las más antiguas técnicas de revelado, terminando por pasarse a la fotografía digital, según sus palabras, porque le permitía tratar el color de la forma que él iba buscando. Utilizó muchos años una cámara semiprofesional, concretamente la Sony 828.
Su obra cautiva, emociona y deleita a la vista por su sensibilidad y elegancia.
Me declaro fan incondicional de toda su obra y de su manera de ver la belleza, y me quedo con esta frase suya que voy a acuñar como mía.
«Para mí la fotografía es una manera de expresar mis sentimientos, mi estado de ánimo y mis emociones. No hago fotografía para los demás, sino para mí, por el puro placer de fotografiar. Si además gusta, la satisfacción se amplía»
Toni Catany
He disfrutado este mes como no os lo podéis imaginar, siendo este el resultado de varias sesiones de Naturaleza Muerta intentado emular la obra de un gran visionario.
Una floristería que no solo ofrece flores. Un recoleto y elegante rincón en el casco antiguo de Madrid, con una historia detrás que merece ser escuchada en boca de sus dueños.
Un paseo matutino por el Barrio de las Letras en una mañana de domingo, me llevó a descubrir este inesperado lugar que anteriormente me había pasado casi desapercibido.
La historia se remonta demasiado atrás en el tiempo. Hace ya tres siglos, este pequeño rincón era el cementerio de la iglesia de San Sebastián. El camposanto existió hasta bien entrado el S.XIX. Fue en 1889 cuando la familia Martín, propietaria del solar, decidió arrendarlo a la parroquia para poner un vivero. Desde entonces, hasta hoy, muchas historias podrían contarnos las paredes de cristal de su coqueto invernadero.
Mencionada por Galdós en su novela «Misericordia», conserva la intimidad del antiguo camposanto y la esencia de su enorme pasado. Nunca cerró sus puertas, incluso durante los años de la guerra la floristería permaneció con sus puertas abiertas.
Hoy es un lugar de ensueño, un jardín cargado de encanto en el que no solo poder adquirir flores y disfrutar de su arquitectura. Es un pequeño remanso de paz, verdor y estilo en el corazón de uno de los barrios más ilustrados de la ciudad.
Intentar reproducir la obra de Isabel Muñoz ha sido, con diferencia, el más inquietante de los trabajos a los que me he enfrentado desde que en enero de 2014 comencé con mis compañeras de “El Objetivo Mágico” la labor de copiar, durante 2014, el trabajo de 12 grandes maestros de la fotografía.
Isabel Muñoz ha sido la fotógrafa escogida por Sara Lagunas, y he de deciros que la sensación que me ha producido reproducir a uno de los más grandes talentos que ha dado la fotografía nacional, para mí ha sido un motivo de bastante inquietud.
De su biografía os voy a contar poquito porque hay en la red escrito muchísimo sobre ella; sus premios, sus viajes y su obra dan para una película. Sus series en Cuba sobre las danzas más populares y tradicionales, sus series en Camboya, Turquía y Kenia. La maravillosa serie con el ballet de Victor Ullate o los niños de la escuela del circo de Beijing, son solamente algunos de los ejemplos que a mí, desde luego, me cortan la respiración.
Me siento enfrente de su obra y se me forma un nudo en el estómago. La leo o la oigo hablar y que quedo ensimismada. No son solo la luz, las texturas, el tratamiento de las pieles, su maravillosa manera de tratar el blanco y negro o la perfección de cada una de sus fotografías lo que me atrapa. Es su valentía y arrojo a la hora de plasmar lo que siente lo que hace que me sienta muy pequeña…
Y ahora se supone que tengo que coger con mis inexpertas manos mi Nikon, para intentar emular una de estas obras tan enormes, tan grandiosas, con tanta pasión … Y yo me pregunto, si no estaré haciendo el más enorme de los ridículos intentando emularla.
Me puse a estudiar su obra, sus ediciones, su luz y a buscar modelos para la sesión.
Nada más ver su serie “Oriental” pensé en mi amiga Malén: Ella baila desde que yo la recuerdo… ¡y ya hace mucho! Malén es farmacéutica, pero no hay minuto del día que la quede libre y no lo aproveche ensayando y ensayando. Su pasión por el baile, dedicación y perfeccionismo son envidiables. Baila tango, claqué, danza del vientre, bailes de salón… No hay disciplina en el amplio espectro de la danza que se la resista. No es profesional, aunque tiene una compañera de baile con la que actúa en un grupo llamado “Sweet Twins STW”. Estaba convencida de que no iba a encontrar mejor modelo y más entregada para este fin que mi amiga Malén y no me equivoqué. De una tarde entera metidas en un garaje, como todos los grandes descubrimientos de la vida, salió esta serie. Espero que os guste.
Con Mapy tengo una relación profesional desde hace ya muchos años, ella es nuestra directora creativa, la cabeza que materializa todas mis ideas on y off line, y con la que ya me une una gran amistad después de tantos años.
Me encantó charlar con ella de los principios de sus tatuajes, cómo se escondía en casa para que no se los vieran y cómo pasó un verano en la playa con una chaqueta, hasta que finalmente, por cosas del día a día no tuvo mas remedio que confesarle lo que llevaba en su piel a su madre.
Mapy D.H. es diseñadora gráfica, ilustradora y artista. Su cuerpo es un reflejo de su sensibilidad por el arte. Puedes leer en su piel todo lo que siente por el dibujo, y parte las cosas que le gustan, los maestros a los que admira y los grandes a los que sigue.
Colecciona tatuajes para ella dice: «son dibujos en la piel, una obra de arte que llevas contigo a todas partes hasta el final». Lleva tatuajes de tres artistas y uno realizado por ella misma.
Eneko realizó su primer tatuaje, una herradura con la mano con los dedos cruzados y dos rosas. Simboliza la buena suerte.
El segundo se lo hizo ella misma, con ayuda de Jota (su maestro en el arte del tatuaje y su pareja): es un pequeño trébol de cuatro hojas.
El tercero, Jota. Es un tatuaje inacabado en proceso de creación aun. De momento tiene una flor, un bote de perfume, un zapato de tacón y un cupcake con una calavera. Todas obras de arte relacionadas con las cosas que le gustan, la feminidad, las calaveras, el amor…
El cuarto tatuaje es de El Chanok, artista mexicano. Una Calavera de Azúcar Mexicana/Santa Muerte. Este tatuaje es fruto de una promesa que hizo y quería que se lo hiciera un tatuador méxicano. Simboliza lo dulce y lo duro de la vida y de la muerte. Algo muy relacionado con la cultura y tradición mexicanas. Mapy adora México y todo lo relacionado con este país.
Por eso pensé en ella cuando vi la serie de Isabel Muñoz sobre los Maras. Siempre me habían llamado la atención sus tatuajes y el hecho de que llevara su propio amor por el arte, tatuado en su cuerpo.
Me parecía increíblemente valiente y bello…
De una tarde en casa con ella salió esta serie.
Quiero recalcar que estas dos series están hechas, desde el más profundo respeto al trabajo de una gran profesional de la fotografía, por una aficionada que solamente pretende aprender algo en este arte fijándose en los más grandes.
Mil gracias a las dos, sin vosotras este trabajo no habría sido posible.
También os incluyo un enlace a su web oficial en la que podréis ver todo su trabajo y una entrevista que la realizaron en RTVE
Os dejo también dos vídeos que he encontrado en la red para que escuchéis a Isabel Muñoz hablar sobre su obra. Hay que escucharla para entender su pasión por lo que hace.
El martes presentábamos, en el marco de la “3ª Exposición de Joyas Históricas”, nuestra colección «Gracia».
La colección, basada en las joyas que recibiera la Princesa Grace Kelly con motivo de su boda, está compuesta por un collar de perlas con doble broche en clip, una pulsera y unos pendientes. La exposición cuenta, igualmente, con numerosos complementos de la época, que bien podrían haber sido lucidos por la propia Princesa: bolsos, guantes, pendientes,…
Igualmente pudimos disfrutar de algunas de las piezas más icónicas de nuestra colección, como la “Tiara Downtown”, los pendientes de “La Joven de la Perla» de Vermeer, o el collar de la «Dama del Armiño» de Leonardo da Vinci.
Fue una jornada de puertas abiertas en la que contamos con la presencia de numerosos amigos y expertos en moda, y en la que María de Cuenca nos ofrecía una charla sobre joyas históricas, que dio lugar a un debate de lo más enriquecedor sobre las modas en la joyería.
Nos llevamos una sorpresa increible cuando escuchamos la invitación a la inauguración de nuestra “Exposición de Joyas Históricas”, a través de una voz tan especial como la de Lydia Bermejo, de “El Loft de Carrie”.
Os dejo el link a su audio:
¡No os lo perdáis, tiene una voz preciosa!
La exposición permanecerá abierta hasta el 30 de junio, en horario de comercio, de lunes a viernes de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00, en Vintage By López-Linares, C/ Claudio Coello, 60, Madrid 28001. Nuestro espacio en Madrid.
Quiero agradecer especialmente a todos los asistentes el esfuerzo que realizasteis para asistir a este encuentro y el cariño con el que nos habéis tratado.
Nos encantará seguir recibiendo a todos aquellos interesados en las historia de las joyas, y poder haceros partícipes de todas las curiosidades que rodean a estas piezas tan icónicas.
También podrás seguir todas las novedades desde nuestro Facebook y en Twitter con el hastagh #joyashistoricas.
En breve colgaremos un vídeo en Youtube que grabó Marta Rodríguez Ruiz y que retransmitimos via hangout en Google+. Una iniciativa novedosa de Google a la que nos hemos apuntado.
Rus Martínez Cantero de «Estilo Rus» a la que damos las gracias en especial por la ayuda prestada en la organización de este día tan especial para nosotras.
Helena Pujalde, Victoria de «Friendly Madrid», Elena de «Le Cabinet d Èlena», Isabel Jorquera de «Libera tu Karisma», Carla Royo Villanova de «Carla Bulgaria» y Cesar Barrero Pérez.
Esta foto nos la mandó Isabel Jorquera de «Libera tu Karisma», en ella vemos a Isabel Jorquera Fuertes con Elena de «Le Cabinet d´Elena» y Victoria de «Friendly Madrid». Una imagen para la que sobran palabras.
Celebramos nuestra tercera edición de “Exposición de Réplicas de Joyas Históricas”. Tras el éxito de las dos ediciones anteriores, y ante el inminente estreno de la película “Grace of Mónaco”, hemos decidido hacer una edición especial de nuestro famoso evento.
Inauguraremos el día martes 20 de mayo a las a las 12:00, y contaremos con la presencia de María Romero de Cuenca que nos dará una charla sobre historia y joyería.
Como primicia, y para todas aquellas personas que se decidan a acercarse ese día hasta nuestro espacio, tendremos la presentación de la nueva colección “Gracia”. La colección, basada en las joyas que recibiera la Princesa Grace Kelly con motivo de su boda, fue un encargo muy especial realizado por el Príncipe Rainiero que la princesa recibiría el día de su boda civil. El conjunto está compuesto por un collar de perlas con doble broche en clip, una pulsera y unos pendientes.
¡Pero no nos hemos quedado aquí! Hemos ido aún más lejos y hemos realizado una preciosa tiara, inspirada en la preferida de Grace de Mónaco, al menos la que lució en más ocasiones, casi siempre peinada por el famoso peluquero Alexandre.
Una joya realizada en plata con circonitas. La pieza original constaba de 214 diamantes talla brillante y 45 diamantes en talla baguette, sería lucida por la princesa en numerosas ocasiones, entre ellas la gala previa a la boda en Atenas de los Reyes de España don Juan Carlos y doña Sofía, y en la gala previa a la boda de la infanta Pilar con Luis Gómez-Acebo en 1967.
En la exposición, igualmente, contaremos con numerosos complementos de la época, que bien podría haber lucido la propia Princesa: bolsos, guantes, pendientes, …
El día 20 de mayo será una fecha muy especial, permaneciendo abierta nuestra tienda en horario continuado de 11.00 a 20.30. Ese día podremos tomar un Oporto juntos y charlar disfrutando de todas estas piezas tan icónicas.
Con la presente obra de arte, nos adentramos en el apasionante mundo del Renacimiento Italiano. A finales del siglo XV, Florencia vivía mucho más adelantada que otras ciudades a nivel cultural y científico; pero lo que no nos suelen decir o no nos informan de ello, es que Florencia estaba más avanzada en la Magia que el resto de la actual Europa.
Sí, un mundo mágico era el que cada día regía a los seres humanos en el Renacimiento Occidental, pero Florencia destacaba siempre por encima de las demás urbes. Eruditos que eran a la vez magos y astrólogos, instruían con sus enseñanzas a sus discípulos y nobles señores.
Y en este ambiente sabio y mágico nace La Primavera de Sandro Botticelli, una de las mejores obras de arte de toda la historia.
En el presente artículo se desvelan, por fin, todos los misterios que han acompañado a dicho cuadro desde su creación.
Vivan conmigo esta apasionante aventura.
Esperanza Parra López es Licenciada en Historia del Arte y cuenta en su expediente con diecisiete sobresalientes y siete matrículas de Honor.
Ella es nuestra Vintage Blogger de abril y ha traído en primicia hasta nuestro blog su trabajo de investigación sobre el famoso cuadro La Primavera de Botticelli, por el cual el Ministerio de Educación la concedió una beca y en el que obtuvo una matrícula de honor.
Os dejo el link al trabajo completo.Una verdadera joya de la investigación:
