Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
‘Prim, El asesinato de la calle del Turco’ está basado en el atentado mortal a Juan Prim y Prats el 27 de diciembre de 1870. Prim, el presidente del Consejo de Ministros y ministro de la Guerra de la época fue tiroteado en la calle del Turco, magnicidio que nunca fue resuelto y siempre ha estado rodeado de misterio.
Una magnifica historia contada a través de Benito Pérez Galdós, el escritor y periodista que cubre la noticia del asesinato. Dirigida por Miguel Barden y con guión de Nacho Faerna y Virginia Yagüe se emitió el pasado 22 de diciembre en TVE1.
Faerna también ha escrito una novela en la que indaga en los acontecimientos que condujeron al complot para asesinar a Prim. La producción de la mini serie ha corrido a cargo de TVE, Televisión de Cataluña, Shine Iberia y Dream Team.
Una noche en la que #primturco se convirtió en trendigtopic en Twitter y en la que nuestra marca Vintage By López-Linares estrenó colaboración con sus joyas: pendientes, gafas, relojes, collares, peinetas… Piezas únicas y seleccionadas con todo mimo por Elena del Real, responsable del vestuario junto con Silvia García-Bravo.
Si tienes curiosidad por ver más de cerca todas las joyas que han lucido los personajes de la serie, puedes pasar por nuestro espacio de la Calle Claudio Coello 60, donde encontraras un pequeño rincón para disfrutar de estos complementos.
¡Os esperamos!
Desde aquí también queremos agradecer a Elena del Real y Shine Iberica por haber confiado en nosotras.
Cerramos el año felices por el gran apoyo que hemos recibido de todos vosotros. El hecho de rodearnos de tanta gente amante del arte y la historia, de dentro y fuera de nuestras fronteras, nos llena de satisfacción y nos hace seguir trabajando cada día con ilusión para no defraudaros a ninguno.
Queríamos haceros un regalo de Navidad y, al final, después de darle muchas, vueltas nos hemos decidido por crear en exclusiva para todos vosotros un e-book con nuestras 25 obras maestras del cine en blanco y negro, esas que no nos cansamos de ver y que nos siguen cautivando
Son “Los 25 iconos del cine en blanco y negro”. Nos encantará que te sumes a nosotros en este increíble recorrido por todo lo mejor del cine clásico.
Para recibir nuestro regalo solamente es necesario que te subscribas a nuestro blog, y recibirás casi de inmediato nuestro increíble e-book con los “Los 25 iconos del cine en blanco y negro”, lo hemos preparado especialmente para ti. Esperamos que disfrutes con su lectura.
Vivian Maier (1926-2009) dejó un legado fotográfico impresionante. Una pequeñísima parte de su obra pudo verse el verano pasado en la ciudad de Valladolid. La muestra recorrió varias ciudades europeas y actualmente no he encontrado ningún lugar en el que puedan verse expuestas sus fotografías en conjunto.
Yo la descubrí de la mano de Beatriz Garcia Couriel en unos de sus cursos de fotografía online. Su obra sencilla y llana nos transporta de una manera natural al Chicago y al Nueva York de la segunda mitad del S.XX. Me fascinó desde el primer instante.
Vivian revelaba sus carretes en el cuarto de baño de la casa donde prestaba sus servicios como niñera, llegando a acumular cientos de ellos. La mayoría aún no han sido revelados. Su legado se descubrió de forma totalmente casual cuando tras una subasta en Chicago se encontraron cerca de 100.000 negativos. John Maloof, dueño del material subastado en 2007, aun no ha conseguido sacar a la luz todo el material.
Son estampas callejeras, personajes de la vida diaria de Chicago y Nueva York: prostitutas, mendigos, vagabundos, niños… Simplemente, escenas cotidianas pero llenas de magnetismo.
Una de las series que más llamó mi atención desde el primer momento fueron sus autorretratos. Son reflejos en espejos o cristales de los lugares cotidianos de sus paseos de domingo. En ellos se puede ver a Vivian seria, con aspecto retraído, tímida y discreta. Esa es la sensación que esta serie me trasmite a mí. La comisaria de la exposición de Valladolid, Anne Morin, lo ha achacado a la «permanente búsqueda» de sí misma, tal vez porque indagara realmente en quién era ella. Vivian ha sido la precursora de todos estos autorretratos frente a espejos que ahora pueden verse en todas las redes sociales…
En un principio decidí enfocar el trabajo de este mes a una serie de autorretratos al más puro «Estilo Vivian», realizados con una cámara exacta a la que usara ella. Una joya que descubrí en un antiguo armario de trastos de mi padre. Una Rollei completa, con varios objetivos, filtros y hasta disparador “remoto”. Al final también yo me lancé a la calle un par de tardes con ella para intentar capturar ese Madrid que creo habría capturado ella.
Os dejo el link a la película sobre su vida que os recomiendo, ya que os va a acercar mucho a la enigmática personalidad de esta magnífica fotógrafa callejera.
Merle Oberon es el nombre artístico de Estelle Merle O’Brien Thompson, actriz británica nacida en Tasmania a principios del S.XX, y la primera protagonista de nuestra nueva sección “Grandes coleccionistas de joyas”.
Merle Oberon vivió en la India hasta cumplir los 17 años, edad a la que se trasladó a Londres instalándose allí con la ilusión de triunfar en el cine.
Su gran golpe de suerte vino cuando en 1930 el productor y director Alexander Korda la descubriera por casualidad, el pulió su imagen y la convirtió en una de las grandes damas del cine británico de los años 40. Terminaron casándose y fue él uno de los primeros que comenzó a regalarla carísimas joyas.
Merle Oberon aparece llevando el fabuloso collar que parece ser Napoleón Bonaparte regalara Baronesa Haussmann.
Una de las primeras piezas que adquiriría es un antiguo collar de diamantes y esmeraldas que, al parecer, fue un regalo de Napoleón III a la Baronesa Haussmann. Se cree que fue un obsequio en agradecimiento a la labor de modernización que llevara a cabo su esposo en el París de mediados del S.XIX. Gracias a esta majestuosa y polémica reforma París se trasformó, en menos de dos décadas, de ciudad medieval a la más moderna capital del mundo. Merle lució la pieza en películas como “El divorcio de la señorita X” y en «Of love and desire» (no hay versión española). Merle Oberon le quitaría dos lágrimas al collar para hacerse unos pendientes y luciría la parte central, que también se trasformaba en broche, en numerosísimas ocasiones.
Merle Oberon aparece llevando el clip de tres flores de Cartier, Londres, que originalmente formó parte de una horquilla para el pelo Photocourtesy of Fine Art America.
En 1939, tras su matrimonio, Alexandre la regalaría una de las piezas para mí más bella de su colección: una pieza de Cartier consistente en tres broches en forma de rosa ya abierta, dos exactamente iguales y la otra un poquito más grande. Este último tiene un detalle encantador: los pistilos son diamantes que están montados con un poco de movimiento, lo que le da a la pieza una belleza muy especial. Estos tres broches originariamente fueron diseñados para ser lucidos como horquillas en la cabeza, pero Merle los lució casi siempre como broche o incluso como camafeo, resultando siempre sensacionales. Lamentablemente, al vender su colección tras su muerte, las tres piezas se vendieron por separado.
Se da la casualidad de que pocos años más tarde la por entonces Princesa Isabel de Inglaterra recibiría, con ocasión de su boda con el Príncipe Felipe de Grecia, de manos del Nizam (un título nobiliario musulmán) de Hyderabad y Berar (dos provincias de la India), un juego idéntico de horquillas montados en una tiara, que también estaban diseñados por Cartier. Isabel II desmontó los diamantes de la tiara para hacer una nueva de rubíes y diamantes. Sin embargo, mantuvo las tres horquillas de rosas que ha lucido a menudo.
Pero quizás la pieza más espectacular de su colección sea el collar de diamantes y 39 cuentas de esmeraldas barrocas, que Korda la regalara en 1939 de inspiración indú. La pieza encajaba a la perfección con la exótica belleza de Merle Oberon. El collar, con un diseño muy original para la época, sorprende no solo por el tamaño de sus esmeraldas sino por la peculiar forma en la que están montadas, ya que su diseño permite que las cuentas giren 360º sobre la pieza de diamantes que la sujeta, encajando así a la perfección y luciendo con una caída elegante y sensual.
La historia de su compra es ciertamente curiosa, demostrando una vez más cómo los humanos siempre deseamos más fervientemente aquello que creemos ya ha adquirido otro. Parece que la pieza iba a ser adquirida por la diseñadora Elsa Schiaparelli. Merle vio el collar en el escaparate de la tienda de París, y cuando entró a preguntar por la pieza el vendedor la dijo que alguien más estaba interesado en adquirirlo. Esto es algo que, curiosamente, sucede algunas veces en el comercio y que los clientes interpretan como una estrategia que los vendedores utilizamos para acelerar la venta. Merle realmente no creyó lo que le contaba el vendedor y pensó que era una táctica para acelerar la venta. Pero a los pocos días se daría cuenta de que el vendedor no mentía, pasó por el escaparate y el collar no estaba. Su misteriosa rival se encontraba en una de las habitaciones privadas de la joyería probándose la pieza.
Al día siguiente Merle volvió a pasar para ver si seguía en el escaparate, y en ese preciso instante vio salir a Elsa Schiaparelli. Su misteriosa rival ya tenía cara y el collar ya no estaba en el escaparate. Debió regresar con tal cara de desolación que su esposo se puso el sombrero, salió a la calle, entró en la joyería, preguntó por el collar y, para su sorpresa, salió con él en la mano. Las fabulosas 29 esmeraldas ya podrían lucir en su exótico cuello para siempre.
Merle disfrutaría de esta pieza hasta su muerte.
Cartier 1938, 29 impresionantes gotas de esmeralda barrocas, montadas en platino y diamantes, con un largo de 44 cm y rematado en 2,642,500 CHF. Uno de los collares de Cartier más fotografiados de su historia. Link al collar:
Otras de las piezas destacadas de su colección son:
Un juego de dos horquillas diseño de Cartier de diamantes en forma de flores, una con el pistilo engastado con diamantes y la otra con pistilos de rubíes. Se podían llevar juntos o por separado como horquillas, o se podían montar en una pulsera de tiras de diamantes para formar un impresionante cierre. Merle llevó esta pulsera junto con la horquilla de tres rosas en la película «Viaje sin retorno» en 1940.
Un broche floral de zafiros y diamantes de Cartier, también desmontable, para llevar como horquilla. Llevaba engastado un gran zafiro ovalado y con los pétalos de diamantes. El tallo de diamantes se vendió por separado, sin mencionar el hecho de que se podía montar en la horquilla. Merle llevó la pieza unida en muchas ocasiones, llevando también la horquilla en una banda de terciopelo como gargantilla o sobre una pulsera de platino que Cartier también había fabricado. Estoy segura de que Merle no solo adoraba las joyas de Cartier por su calidad y belleza, sino también por la versatilidad que siempre proporcionan sus diseños.
A finales de los 50 y 60 adquirió y modificó un gran número de joyas. Paso bastante tiempo viviendo en Roma, donde adquirió de Bulgari un broche de diamantes y un broche engastado con rubíes y diamantes. Bulgari también creo para Merle un elegante bolso en un inusual diseño de bellotas, con el cierre de oro con turquesas y diamantes engastados.
Van Cleef&Arpels fue otro de los diseñadores preferidos de Merle durante los 70, destacando un juego de broche, pendientes y collar de turquesas y diamantes; un collar de diamantes y coral rosa que se podían convertir en un broche y pulsera.
Merle tenía también una pequeña, pero buena, colección de rubíes. Ésta incluía un espectacular collar de rubíes y diamantes de David Webb, que también creó para ella un anillo a juego y unos pendientes de rubíes y diamantes cada uno con rubíes ovalados en el centro de gran tamaño.
La mayoría de estas piezas se vendieron en la subasta que se celebró en Nueva York el 22 de abril de 1980, justo un año después de su muerte.
Merle Oberon tuvo una verdadera colección de joyas de cine.
Oscar a la mejor película, mejor director, mejor actor, mejor fotografía en color, mejor dirección artística, mejor vestuario, mejor sonido y mejor banda sonora.
Nominada al Oscar a mejor actor y actriz secundarios, mejor montaje y mejor guion adaptado.
La película recibió innumerables premios que podéis conocer aquí: Filmaffinity
Curiosidades:
A pesar de la preparación exhaustiva de Audrey Hepburn ensayando las canciones para que salieran perfectas, la mayoría están dobladas por la cantante Marni Nixon. Excepto algunas frases en el inicio de algunas canciones («The rain in Spain» y «Just you wait, Henry Higgins»). Más tarde admitió que si hubiera sabido que le iban a doblar la voz, no habría aceptado el papel. Decidió no volver a aparecer en un musical si no se le garantizaba que cantaría ella.
Debido a la forma de cantar de Rex Harrison, no fue posible hacer una pre-grabación y posterior doblaje de su voz. En este caso, Harrison llevaba uno de los primeros micrófonos sin hilos bajo la corbata.
Según cuentan algunos biógrafos, Rex Harrison cantó con especial sentimiento la canción «I´ve grown accustomed to her face» («He crecido acostumbrado a su rostro»), porque estaba pensando en su ex-mujer Kay Kendall que había fallecido pocos años antes de leucemia.
Ya con 35 años, Audrey Hepburn hacía el papel de una joven de 19.
Jack Warner no quería a Harrison en el papel del profesor Higgins, argumentando que era demasiado mayor. Quería que fuera Peter O´Toole, pero éste exigía un sueldo excesivamente alto. También se lo ofrecieron a Cary Grant, Rock Hudson, Noel Coward, Michale Redgrave y George Sanders.
Rex Harrison dedicó el Oscar a sus «twofair ladies», Audrey Hepburn y Julie Andrews, que habían trabajado con él (con Audrey en la película y con Julie en Broadway).
Audrey Hepburn siempre pensó que debía ser Julie Andrews la que hiciera el papel de Eliza, pero la única razón de que fuera aquélla fue porque Jack Warner se negó en redondo a que ésta lo hiciera: «No le daría el papel a Julie aunque Audrey lo rechazara». Las auténticas razones por las que Andrews no hizo el papel de Eliza aún no están claras. Walt Disney, incluso, se ofreció a retrasar el rodaje de «Mary Poppins» si Andrews era aceptada.
Parece ser que si Audrey hubiera rechazado el papel de Eliza, éste habría sido para Elizabeth Taylor que lo quería desesperadamente.
En 1994, la película fue completamente restaurada con un coste de 600.000 dólares.
Es una de las cuatro producciones que han ganado tanto un Tony (premios de teatro) en 1957 y un Oscar. Las otras tres son «Sonrisas y lágrimas», «Un hombre para la eternidad» y «Amadeus».
La película costó 17 millones de dólares, que supuso un récord hasta la fecha.
Está rodada íntegramente en estudio, sin exteriores.
Lo primero que uno debe hacer para ver esta película es perder el miedo al inglés y verla en versión original. Los acentos de los protagonistas, la evolución en el habla de Eliza Doolittle y la belleza de la mayoría de las canciones, por no decir todas, la convierten en una obra maestra.
Poned los subtítulos, subid el volumen y, si es posible, conectadla a un buen equipo de música. Es una delicia para los oídos. Personalmente creo que Audrey Hepburn, aunque no recibió grandes premios por esta película, hace uno de los mejores papeles de su vida. Lamentablemente la Academia no le perdonó que su voz estuviera doblada (hay grabaciones originales de su voz) y no le premió como se merece. Pero indudablemente la película es una de las grandes obras maestras del cine musical.
Un musical con una puesta en escena y un vestuario para no perderse detalle.
Con esta icónica e inolvidable película cerramos nuestro año de “Miércoles de Película”, han sido 52 semanas disfrutando del buen cine primero en blanco y negro y luego en las últimas semanas en color.
No descarto recuperar esta sección más adelante, ya que ha tenido muchísimo éxito.
Pero ya tenemos otras ideas preparadas para la nueva temporada que os iremos descubriendo más adelante.
Nominada al Globo de Oro al mejor actor (Tony Randall).
Laurel de Oro a la mejor comedia y a la mejor actriz de comedia (Doris Day).
Curiosidades:
El final original tenía a la pareja protagonista emborrachándose y entrando en un hotel. Doris Day insistió en que se cambiara, casándose borrachos antes de irse a la cama.
Doris Day explicaba así la elegancia de las comedias que protagonizó con Rock Hudson: “Me he convertido en una nueva clase de ‘sex symbol‘, la mujer con la que los hombres querrían acostarse, pero no antes de casarse con ella. Sexy, pero pura. Algo que cuidé en estas películas fue evitar la vulgaridad, que me repugna de verdad. Me gustaban estos guiones sobre el juego hombre-mujer mientras se hacían con estilo, ingenio e imaginación. En mi vocabulario, la vulgaridad empieza cuando la imaginación sucumbe a lo explícito.”
El título en español responde al nombre de un postre de moda en aquellos momentos, el pijama, cuyos ingredientes eran melocotón en almíbar, rodajas de piña en conserva, nata, flan, helado de vainilla y guindas. Se decía que su ingestión provocaba sueño, por lo que era aconsejable ponerse el pijama para dormir la siesta.
La película pretende ser una sátira sobre el negocio de la publicidad en Madison Avenue, que era donde estaban las principales agencias de Nueva York.
Según el director: «A veces teníamos que hacer 10 o 12 tomas, porque Rock y Doris rompían a carcajadas».
Para muchos esta es, la mejor de las tres comedias románticas que protagonizaron Doris Day y Rock Hudson, y que refleja de forma inequívoca la realidad de la clase media americana de finales de los 50.
Sin duda una pareja que consigue, por méritos propios, entrar en el Libro de Oro de las mejores parejas de la historia del cine. Grandes amigos en la vida real, Rock Hudson y Doris Day se convirtieron en la pareja más divertida del momento.
Enamoraron al público tanto masculino como femenino, sin olvidar la ayuda del inolvidable Tony Randall, que fue el tercer integrante de un trío que enganchó con enorme éxito al público mundial.
Yo he disfrutado rememorando algunas de sus escenas más divertidas.
Oscar al mejor diseño de vestuario en blanco y negro. La película recibió innumerables premios que podéis ver aquí:
Curiosidades:
Cuando el diseñador de vestuario estaba tomando medidas a los tres protagonistas principales le dijo a Marilyn: «Tony Curtis tiene mejor culo», a lo que la actriz, desabrochándose la blusa contestó: «Sí, pero no tiene unas tetas como estas».
Marilyn tenía serias dificultades para memorizar las frases. Es famosa la escena en la que tenía que abrir un cajón y decir: «¿Dónde está el bourbon?». Después de equivocarse unas 40 veces diciendo: «¿Dónde está el whisky?», «¿Dónde está la botella?» o «¿Dónde está el bombón?», Billy Wilder optó por escribir la frase dentro del cajón que tenía que abrir. Marilyn entonces se equivocaba de cajón, lo que le obligó a escribir la frase en todos los cajones. Hicieron falta cincuenta y cinco tomas para rodar esta escena.
En la escena en la que se despide de Tony Curtis por teléfono, se la ve moviendo los ojos de lado a lado, revelando de este modo lo que ocurría: estaba leyendo las frases en una pizarra. Solía llegar tarde de 2 a 3 horas por costumbre y a veces no salía de su camerino.
En una pre-audición de la escena en la que Jack Lemmon anuncia su boda, la gente se reía de tal manera, que se perdió gran parte del diálogo. Hubo que volver a filmarla.
Tony Curtis le pidió a Billy Wilder imitar a Cary Grant para hacer de millonario. Al director le gustó la idea y así se hizo. Parece que cuando Grant lo vio le gustó mucho, aunque dijo: «Yo no hablo así».
La primera vez que Jack Lemmon y Tony Curtis se vistieron de mujeres, estuvieron paseando por los estudios para ver si alguien notaba el cambio. Nadie se dio cuenta. Entonces se atrevieron a meterse en los servicios femeninos, causando el mismo efecto. Una escena en el tren recrea este momento.
Es una de las pocas películas calificadas con «Malditas» por la Legión Americana Católico Romana de la Decencia. En el estado de Kansas estuvo prohibida.
Marylin quería que la película se filmara en color, pero Wilder la convenció de lo contrario, argumentando que el maquillaje de Lemmon y Curtis quedaría en un tono demasiado verdoso.
Un bailarín de cabaret fue contratado para enseñar a los dos protagonistas a caminar con tacones. Al cabo de una semana, Jack Lemmon declinó la ayuda, diciendo que no quería caminar como una mujer, sino como un hombre que se quiere hacer pasar por mujer.
Según Jack Lemmon, George Raft pasó horas intentando enseñarle a él y a Joe E. Brown a bailar tango.
Le ofrecieron el papel de Jerry a Jerry Lewis, pero lo rechazó. Más tarde se arrepentiría de haberlo hecho.
La voz de Tony Curtis como mujer está doblada.
Para hacer el papel de Josephine, Tony Curtis se basó en su madre, en Grace Kelly y en Eve Arden.
Si alguna película merece entrar en la historia del cine como «LA COMEDIA», con mayúsculas, es sin duda ésta.
Billy Wilder, el dios del cine, hace de nuevo una obra maestra en la que no hay concesiones al drama. Es una película pensada única y exclusivamente para soltar una carcajada tras otra. Marilyn, que ya empezaba a acusar los palos que le estaba dando la vida y su inestabilidad emocional, está sensacional; sexy, picara y un tanto inocente cómo solo ella sabía estar. Se convierte en la «diosa» de todas las escenas en las que aparece.
La escena de su aparición en la estación de tren, y ese oportuno escape de vapor -que muchos dicen que no estaba preparado-, con Jerry y Joe -en ese momento ya siendo Daphne y Josephine-, es magistral, sencillamente magistral.
La escena en la que Jerry le dice a Joe que se va a casar: «¡Enhorabuena!, ¿quién es la afortunada?»- le dice Joe-. «¡Soy yo!», le contesta Jerry.
Sin olvidar la histórica escena final en la que Jerry le confiesa a Osgood que es un hombre, dando fin a la película con una de las frases más famosas de la historia del cine: «Bueno, ¡nadie es perfecto!».
Posiblemente, sea la mejor comedia de todos los tiempos. Una película que no ha perdido chispa con el paso de los años y que consigue hacerte pasar un magnifico rato.
Oscar al mejor director, mejor película, mejor montaje, mejor guión adaptado y mejor dirección artística.
Nominada al mejor actor, mejor actriz, mejor actor secundario, mejor fotografía y mejor sonido.
La película recibió innumerables premio que podéis ver aquí: Premios
Curiosidades:
Hasta la llegada de «The Artist» (2011) fue la última película en blanco y negro en ganar un Oscar.
Baxter es un pobre contable, pero en su apartamento hay dos lámparas de Tiffany.
A Shirley MacLaine le iban dando el guión con cuentagotas. Wilder no quería que supiera cómo se desarrollaba la historia.
Cuando escribieron el guión Wilder y compañía ya estaban pensando en Jack Lemmon.
Se dice que cuando Jack Lemmon hace la escena en la que se duerme en Central Park bajo la lluvia, Billy Wilder le roció con anticongelante para evitar que se congelara.
El estudio quería a Groucho Marx para el papel de Dreyfuss, pero Wilder se negó.
La revista Premiere la votó como «una de las 50 mejores comedias de todos los tiempos».
Una comedia más del maestro Wilder. Una nueva obra maestra. Los éxitos se sucedían sin parar. En este caso un «pringado», un contable de una poderosa empresa, un número más en una interminable fila de mesas de trabajo, consigue el favor de su jefecillo gracias al apartamento donde le deja ir para «echar sus canitas al aire».
Sin embargo, la aparición de Shirley MacLaine trastoca todos los planes. Jack Lemmon, que siempre hará papeles de hombre «pobre, pero honrado», da una vuelta de tuerca más al rol del hombre sólo, que vive en una sociedad donde el materialismo y el poder económico están por encima de los sentimientos y las personas.
Pero el amor, al final, es lo que convierte al hombre gris en un valiente.
Wilder vuelve a jugar con los sentimientos humanos, riéndose y haciéndonos reír.
Otra comedia que no deberías perderte…
Os dejo el link a la película completa en Internet: «El Apartamento»
Premios Laurel (tercer premio) a Lauren Bacall a la mejor actriz de comedia.
Nominada al Premio Laurel a la mejor comedia.
Nominada al Premio WGA (Writer´s Guild of America) al mejor guión de comedia.
Curiosidades:
Inicialmente se pensó en James Stewart y Grace Kelly como pareja protagonista, pero, al prometerse esta última a casarse con Rainiero, Stewart se negó a hacer el papel. Años más tarde se arrepintió de haberlo hecho.
La idea de esta película fue de Helen Rose, la diseñadora de vestuario de la MGM.
Fue la última película de Dolores Gray que, al estar más especializada en musicales, se centró más en el teatro y la televisión.
Lauren Bacall, en sus memorias, escribió que fue «una de las experiencias cinematográficas más felices de mi carrera».
Gregory Peck pidió personalmente que fuera Lauren Bacall la pareja protagonista, cosa que a Minelli le encantó.
Helen Rose diseñó el vestuario, que incluía 132 vestidos. Eso significa una media de más de un vestido por minuto para una película de 118 minutos.
Gregory Peck se basó en las muecas de Cary Grant para hacer el papel del periodista.
Una sofisticada y elegante diseñadora de moda se casa con un cuasi paleto y simplón periodista deportivo, que tiene que lidiar entre su pasado no muy elegante y una panda de mafiosos que le buscan para darle una paliza.
Mientras Lauren Bacall, en un papel que le viene como anillo al dedo se rodea de buen gusto y personajes un tanto estrafalarios, Gregory Peck entra en ese entorno glamuroso con una pandilla de toscos y maleducados amigotes.
El choque social, servido en tono de comedia estaba servido. Divertidísimas situaciones, magníficamente bien dirigidas por Minelli, que la convierten en una comedia que no ha perdido fuerza a pesar del paso del tiempo.
Los secundarios no se quedan atrás, destacando sin duda el papel de Maxi, el boxeador medio bobo y el de Lori Shannon que maneja con gran elegancia las estupideces que llega a hacer su anterior pareja.
Si te gusta la moda de los años 50 no puedes perderte este continuo desfile de trajes de ensueño. La película con más de 100 trajes diseñados por Helen Rose, se convierten en una de las más elegantes y glamurosas de la MGM.
Nominada a los premios BAFTA por mejor película, mejor actor principal, mejor actriz extranjera, mejor película extranjera y mejor guión.
Placa de Oro a Marilyn Monroe a la mejor actriz (Premios David di Donatello).
Laurel de Oro a Marilyn Monroe (Premios Laurel, cuarto lugar).
Premio NBR a la mejor actriz secundaria (Sybil Thorndike).
Curiosidades:
Debido a sus muchos cambios de peso y a un aborto, a Marilyn le tuvieron que hacer varias tallas de todo el vestuario.
Laurence Olivier ya había hecho el papel en teatro con su mujer, VivienLeigh.
Marilyn recibió el 75% de las ganancias de la película.
Según dicen, a Laurence Olivier le conmocioné tanto el comportamiento de Marilyn durante el rodaje que no volvió a dirigir una película hasta 1970.
Es la única película que Marilyn hizo fuera de Estados Unidos.
La película iba a ser un musical, pero el marido de Marilyn, Arthur Miller, la persuadió para que no lo hiciera.
Vivien Leigh iba a hacer el papel protagonista, pero era demasiado mayor.
Una vez más, el choque de clases sociales desencadena un guión genial, donde la corista enamora al frío e impenetrable príncipe. Marilyn, que ya empezaba a acusar los golpes que le estaba dando la vida, está maravillosa, adueñándose de cada escena en la que aparece. Laurence Olivier, un por otro lado magnífico actor y director, tuvo que lidiar con una actriz a la que admiraba y con la que acabó casi como el rosario de la aurora por sus constantes faltas de puntualidad, su negativa a seguir sus instrucciones, su falta de precisión en los diálogos (nunca repetía la misma frase dos veces).
A pesar de ello, o quizás gracias a ello, la película se desarrolla con una encantadora fluidez, no percibiéndose en ningún momento los difíciles momentos que supusieron el rodaje.
Como muy bien diría Laurence Olivier años más tarde: «Nada se podía hacer con aquella luminosidad, era imposible… Tal vez entonces estaba demasiado ocupado con dirigir y no me di cuenta del enorme potencial que tuve a mi lado; hay momentos en que está maravillosa. Creo que Marilyn era única». Yo también lo creo, y para mí ésta, junto a “Con faldas y a lo loco”, es la mejor película de Marilyn.
Si alguno no la ha visto, cosa que dudo, no perdáis la oportunidad de disfrutar de uno de las películas más desenfadadas y divertidas de la historia del cine clásico.
Premio a la mejor actriz del Círculo de Escritores Cinematográficos.
Premio a la mejor película del Sindicato Nacional del Espectáculo.
Curiosidades:
Uno de los personajes de la película es el Gran Duque Vladimir de Rusia (interpretado por Alfredo Mayo) que, según el guión, es un aristócrata borracho que persigue a María Luján. Resultó que había un auténtico Gran Duque de Rusia con ese nombre, y demandó a la productora por retratarle de manera tan poco favorecedora. El problema se resolvió cuando Cifesa, la distribuidora de la película, acordó pagar al indignado duque una no revelada pero importante cantidad de dinero, quitando del guión toda referencia a Vladimir de Rusia. Todo lo que se oye en la película son referencias al «Gran Duque», pero sin nombre.
El guion fue originalmente rechazado por la censura del régimen de Franco. Los censores consideraron la trama inmoral para un católico en la España de la época. Se realizaron varios cambión en el dialogo y al final la censura aceptó la película.
Toni Fernández, la niña actriz que aparece en una breve escena al principio de la película, es en realidad la sobrina de Sara Montiel.
Originalmente se pensó en sincronizar los labios de Sara Montiel en las canciones para que las cantara otra cantante. Sin embargo, en el estudio de grabación, la cantante contratada exigió que se le pagase antes por su trabajo y el director se negó. Se solicitó a Sara su presencia en el estudio y grabó todas las canciones en una tarde. La voz de Sara y su estilo terminaron siendo la principal atracción de la película.
El último cuplé fue la reaparición de Sara Montiel en el cine español, tras una prolongada etapa fuera de nuestras fronteras. Etapa que culminó con tres películas en Hollywood: Veracruz, Serenade (Dos pasiones y un amor) y Run of the Arrow (titulada Yuma en España). Sara rodó «El último cuplé» en Barcelona durante unas vacaciones, y sin esperar al estreno regresó a Estados Unidos para rodar Yuma, por lo que el éxito del filme español la sorprendió en América.
El último cuplé se rodó en condiciones muy precarias por la falta de dinero. El proyecto tardó años en reunir financiación, teniendo que suplir con ingenio la escasez del presupuesto: había decorados construidos con cartón y algunos atuendos de la protagonista estaban confeccionados en papel. Sara Montiel, habituada a los generosos medios de los rodajes en México y Hollywood, se alarmó ante tales limitaciones, si bien siguió adelante con un sueldo de 100.000 pesetas. Su marido, el director Anthony Mann, consideró que el filme estaba condenado al fracaso.
En 38 semanas en cartel la recaudación ascendía a 15 millones de pesetas, cifra colosal en la época, convirtiéndose en todo un récord. Además batió algunos más: mayor recaudación en un fin de semana (479.737 Ptas.), mayor recaudación en un día festivo (100.000 Ptas.) y mayor recaudación en un día laborable (58.000 Ptas.). Solo en Madrid había recaudado 15 millones de pesetas.
El último cuplé, un dramón de esos que tanto gustaban a las mujeres de la época. Se ha convertido en un inmortal del cine clásico español, gracias a canciones que han pasado a la historia de la música española. Preciosidades como «Fumando espero» o «El relicario» se han convertido en temas más que populares.
Gracias a esta película Sara Montiel hizo muchas más películas con una temática similar, convirtiéndose en cantante y publicando discos que la hicieron millonaria. A destacar, sin duda, el que fue el artífice del éxito de la voz de Sara Montiel: Juan Solano, joven pero ya experimentado compositor que se encargó, no sólo de la creación de las canciones sino de conseguir adaptarlas para la particular voz grave de Sara Montiel.
En una época en la que en los teatros se cantaba sin micrófono y era casi obligatorio tener una voz aguda para ser oído, Juan Solano; que compuso innumerables éxitos de la copla para Concha Piquer, Miguel de Molina y Lola Flores, entre otros; fue sin duda el maestro que logró llevar a Sara Montiel a convertirse en «Saritísima».
Una película para recordar un historia de España que se nos hace lejana, pero que en el fondo es increíblemente cercana.
Nominada a mejor película, mejor actor secundario (James Dean), mejor actor (Rock Hudson), mejor actriz secundaria (Mercedes McCambridge), mejor guión adaptado, mejor dirección artística, mejor vestuario, mejor montaje y mejor banda sonora.
La película recibió innumerables nominaciones y premios que podéis conocer aquí: Premios
Curiosidades:
Una noche, en mitad del rodaje, Elizabeth Taylor y Rock Hudson quedaron para beber. Al día siguiente, a las 5:30 de la mañana, tenían que rodar una escena de amor. Afortunadamente no había diálogo, porque los dos llevaban una cogorza de aúpa. Incluso durante la filmación hubo personas que rompieron a llorar emocionadas, pensando en lo intensamente que estaban rodando la escena.
Después de la muerte de James Dean, Nick Adams tuvo que doblarle en algunas escenas.
Carroll Baker, que hace de hija de Elizabeth Taylor, era en realidad mayor que ella. Dennis Hopper, el hijo, era 4 años más joven.
Irónicamente, James Dean hizo un anuncio sobre la seguridad al volante, aconsejando a los telespectadores: «Conduce con cuidado, porque la vida que salves podría ser la mía». Dos semanas después murió en un accidente de coche.
Se pensó en Grace Kelly y Audrey Hepburn como protagonistas de la película, pero Rock Hudson eligió a Elizabeth Taylor. En cuanto al protagonista masculino William Holden, John Wayne, Forrest Tucker y Sterling Hayden fueron los candidatos. Clark Gable fue rechazado por ser demasiado mayor.
Alan Ladd tuvo posibilidades de hacer el papel de Jett Rink, pero su mujer se lo prohibió. Robert Mitchum y Montgomery Clift también tuvieron posibilidades.
El personaje de Jett Rink está inspirado en la vida del magnate tejano del petróleo Glenn McCarthy.
La gigantesca pintura del rancho Benedict se encuentra actualmente en el Hotel Menger en San Antonio, Texas.
James Dean estaba tan metido en su personaje que iba siempre ataviado con la ropa de Jett Rink.
La película se pasó todo un año en los estudios de edición.
Presupuestada originalmente con dos millones de dólares, acabó costando cinco. A pesar de esto, la película fue el mayor éxito de taquilla de la Warner hasta la fecha.
Llegaba la época de las grandes superproducciones. La industria del cine era millonaria y por fin, después de la crisis de la post-guerra, había dinero para todo.
Jack Warner se lanzó a producir una película épica sobre el poder, el dinero y el brutal cambio social que supuso el descubrimiento del petróleo en Texas. Del ranchero bruto, casi paleto, que pasaba el día cuidando reses en interminables parajes, se pasaba a magnates millonarios, igual de paletos, pero mucho más poderosos.
Llama poderosamente la atención la pareja protagonista. Rock Hudson, altísimo (1,93) y Elizabeth Taylor, bastante más bajita (1,60), forman una pareja inusual, aunque de gran magnetismo en la pantalla (eran grandes amigos y se conocían muy bien).
James Dean, en la que sería su última película, terminó de forjar su leyenda gracias a un papel en el que la chulería y la prepotencia eran su principal seña de identidad.
Lamentablemente, esta gran película llegaría unos cuantos años más tarde a seriales televisivos de dudoso gusto y peor calidad cinematográfica, que hicieron que «Gigante» no haya sido tan valorada actualmente como lo fue en su día.
Una de las superproducciones de Hollywood que no puedes perderte.
Nominada al Oscar al mejor actor secundario (Sal Mineo), mejor actriz secundaria (Natalie Wood) y mejor guión.
Curiosidades:
La venta de camisetas se disparó a raíz de que James Dean la llevaba en esta película.
Los tres actores principales murieron en trágicas circunstancias. James Dean en accidente de coche, Sal Mineo apuñalado y Natalie Wood ahogada. Además, Edward Platt, que hacía un papel menor, se suicidó en 1973.
En la escena de la pelea con navajas, estas son reales. Los actores llevaban cotas de malla bajo la ropa.
James Dean pudo hacer la película porque Elizabeth Taylor estaba embarazada y hubo que retrasar el rodaje de «Gigante».
James Dean murió antes de que se estrenara la película.
Nicholas Ray estuvo paseando varias noches con bandas callejeras antes de filmar la película.
Se pensó en Paul Newman para el papel de Jim Stark, y Marlon Brando llegó a hacer una prueba de pantalla.
Aunque hacía de adolescente, James Dean ya tenía 24 años.
Cuando Jim, Judy y Plato están explorando la casa vacía, Plato lleva un candelabro con velas. Eran bombillas unidas a un cable que iba por dentro de la chaqueta de Sal Mineo.
El argumento de la película dura exactamente un día.
Se pretendió que el personaje de Sal Mineo fuera sutil pero claramente homosexual. Incluso el nombre (Plato) estaba inspirado en Platón, el filósofo griego, que era homosexual.
En la escena final, el que camina hacia la torre es Nicholas Ray. Parece ser que aparecía en todas sus películas, aunque esto es sólo un rumor.
La primera escena de la película era una banda que ataca a un padre y deja caer un juguete al suelo. Debido a que era muy violenta se eliminó, y en su lugar aparece James Dean con un juguete en la mano.
Inicialmente se pensó que Natalie Wood era demasiado ingenua e íntegra para el papel.
La película se empezó a rodar en blanco y negro.
Sin ninguna duda algo estaba cambiando en el cine. Después de tantas películas románticas donde todo acaba feliz, y las de aventuras donde el héroe acaba con los malos, nadie había llegado tan lejos.
Nicholas Ray se dio cuenta de que había un nicho que nadie había tocado. Los jóvenes necesitaban verse reflejados en alguna película, estaban revolucionando la sociedad y necesitaban ser escuchados.
Ya no había finales felices. El amor, el sexo, las drogas, la música y, sobre todo, la durísima competencia entre los chicos tenían que verse reflejados en el cine,
Hubo padres que salieron escandalizados de las salas de cine porque desconocían lo que sus hijos hacían en la calle. La sociedad estaba a punto de dar un cambio, el rock and roll estaba en su nacimiento y la explosión de libertad sucedió poco tiempo después.
Una película imprescindible para entender los cambios sociales del siglo XX.
Esta semana se estrena. Llevaba desde el año pasado esperando este momento y por fin llega a las pantallas de todos los cines “Grace of Mónaco”.
La película, que ha abierto la 67ª edición del Festival de Cannes, se estrenará en unos días en España. La cinta dirigida por el francés Olivier Dahan y protagonizada por Nicole Kidman, Tim Roth y la española Paz Vega, entre otros, se centra en un año de la vida de la princesa. Corría el año 1962 y la situación política entre Francia y Mónaco era tremendamente delicada, el papel de la Princesa Grace fue fundamental en estos momentos.
El vestuario es una de las cosas que tengo más curiosidad por descubrir, su diseño ha corrido a cargo de Gigi Lepage, 49 ‘looks’ lucidos con la elegancia innata de Nicole Kidman a lo largo de la película. Para mi va a ser una de las piezas clave.
La película es una de las más esperadas del año para todos los amantes de la moda y el glamur, por lo que me puse manos a la obra en cuanto supe de este estreno. Comencé una minuciosa labor de investigación sobre las piezas de joyería más queridas por la princesa. Mi idea era rendirle un sincero homenaje en estos días en que se la va a recordar en todo el mundo.
Y así nació la colección “Gracia”, una serie de piezas de joyería en plata con circonitas compuesta por collar, pendientes, pulsera y tiara. Una colección que presentamos mañana en nuestro espacio de Madrid y al que estás invitado a asistir.
Grace Kelly se convertiría en una de las princesas reales más admiradas de la historia, por su elegancia, educación y belleza innata, habiendo sido para nosotras siempre una fuente de inspiración.
Yo no me pierdo el estreno. Ya me contaréis qué os ha parecido la película, y si os animáis a pasar por nuestro espacio podremos cambiar impresiones.
Nominada al Oscar al mejor guión, mejor fotografía, mejor director y mejor sonido.
La película contó con innumerables premios que podéis ver aquí: imdb
Curiosidades:
La película se rodó en un solo set (Set: lugar donde se filma). Se construyó todo el patio de vecinos, así como los apartamentos, que tenían agua y electricidad. Algunos de ellos incluso estaban amueblados. Llevó meses construirlos.
Excepto las tres primeras tomas de la película, donde suena una orquesta, el resto del audio es totalmente natural. La música de la calle, las conversaciones y los diferentes sonidos.
Es la única película en la que Grace Kelly aparece con un cigarro.
Alfred Hitchcock filmó toda la película desde el apartamento. Las órdenes a los otros actores las daba por radio.
La actriz que hizo el papel de «Miss Torso» estuvo viviendo en apartamento durante todo el mes de rodaje.
Se utilizaron mil focos para simular la luz de día.
En los ’60, la película estuvo a punto de perderse debido a un deterioro del pigmento que la coloreaba. Hubo que restaurarla completamente.
La cámara que James Stewart muestra en la película es una cámara de 35 mm. de fabricación alemana. La productora, Paramount Pictures, tapó intencionadamente la etiqueta de la marca.
Alfred Hitchcock aparece en el apartamento del compositor musical dando cuerda a un reloj. El compositor musical es Ross Bagdasarian, creador de «Alvin y las ardillas».
Un patio de vecinos y un apartamento. Eso es todo lo que Hitchcock necesitó para hacer la que para muchos es la obra maestra del realizador británico. No sólo eso, sino que el actor protagonista está con una pierna escayolada y prácticamente no se mueve en toda la película.
Grace Kelly está bellísima, con aquel vestido negro que se convirtió en una de sus imágenes más famosas. Y, aunque su papel es poco menos que prescindible, la luz que irradia su presencia, su manera de moverse y la maravillosa escena en la que se acerca, mirando a la cámara, mirando al espectador, cuando va a besar a James Stewart, se ha convertido, sin duda, en la marca personal que la catapultó al «Olimpo de las diosas» del cine.
Alfred Hitchcock estaba perdidamente enamorado de ella, y se nota. La cámara la adora y ella disfruta con ello.
Por otro lado, James Stewart, con una cámara y sentado en una silla de ruedas, mantiene al espectador igual de inmóvil, esperando al desenlace que, como no podía ser de otra manera, el maestro «Hitch» resuelve con el arte que siempre le caracterizó.
Una película imprescindible que esta semana nos sirve para abrir nuestra exposición de joyas históricas, con algunas de las piezas inspiradas en la bellísima Grace Kelly.
Premios:
