Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
La Euphorbia pulcherrima, conocida comúnmente como flor de pascua o poinsettia, es una planta nativa de Mesoamérica y se ha convertido en un clásico en la decoración navideña. Su color rojo se asocia inequívocamente con estas fiestas. Es muy habitual que al compartir la mesa con nuestros amigos y familiares durante la Navidad, nos encontremos con una pascua en el centro de la mesa. El contraste de su color rojo intenso con el verde de sus hojas es muy decorativo y muy cálido.
En origen, esta planta es de México. Concretamente en un área del sur del país conocida como Taxco de Alarcón. Los aztecas ya la utilizaban para ofrecérsela a sus dioses, como planta medicinal para la fiebre, reservando siempre una parte para ser usada como tinte natural.
En el siglo XVI los franciscanos que evangelizaban por la zona la utilizaban como adorno floral en la época de Navidad, ya que por estas fechas la planta florecía y adquiría un tono rojizo muy llamativo y decorativo.
Pero la planta debe su nombre y fama a un diplomático, político y botánico americano: Joel Roberts Poinsett. Poinsett fue destinado a México a principios del S.XIX como embajador, y descubrió la planta por casualidad en uno de sus viajes a la zona de Taxco. Quedó tan prendado de la vistosa planta que decidió recoger algunos esquejes para intentar cultivarla en sus propios invernaderos en la zona de California. Allí fue donde dedicó mucho tiempo a su estudio y donde, en las navidades posteriores, adquirió la costumbre de regalar la planta, ya que era en estas fechas concretas cuando la planta florecía y se encontraba en su máximo explendor. De esta manera la planta fue adquiriendo popularidad y convirtiéndose, poco a poco, en una planta presente en las fiestas navideñas de muchas casas americanas, consiguiendo Poinsett de esta manera inmortalizar su nombre.
En España no tenemos mucha cultura de flores y plantas, desgraciadamente, pero hay ciertas fechas en las que las plantas buscan su acomodo en nuestras casas, siendo este el caso de las navidades, el día de los difuntos, San Valentín y los días del padre y de la madre.
La flor de Pascua es una planta muy estacional, no siendo habitual encontrarla en otras fechas en viveros o floristerías.
Algunos consejos que os puedo dar para cuidarlas y conservarlas durante más tiempo, y para que os acompañen mucho después de la Navidad son:
Comprar poinsettias que se hayan producido en nuestro país, ya que las condiciones serán similares y podrán resistir más.
Alejarlas de zonas de corrientes, aires acondicionados o calefacción.
La ubicación adecuada es cerca de una ventana, donde le dé la luz.
Cuando se riegue, no hacerlo directamente ni mojar las hojas. Colocar agua debajo de la maceta en un plato y dejarlo durante 10 minutos, para que la planta absorba el agua que necesite. Es una planta que no soporta el encharcamiento.
En verano la frecuencia de riego habrá que aumentarlo.
¿Sabías que la flor de pascua tiene un día especial enteramente suyo? Por una ley del Congreso americano se declaró el 12 de diciembre como el Día Nacional de la Poinsettia. La fecha marca la muerte de Joel Roberts Poinsett.
El objetivo del día es disfrutar de la belleza de esta planta. Por lo tanto, asegúrate de regalarle a alguien que quieras una flor de pascua por estas fechas.
¿Qué os sugieren las flores de pascua?
¿Os lo habíais planteado alguna vez?
Artículo escrito por Pilar Tejela Alonso, paisajista del estudio Espacios Vivos.
Mil gracias por la colaboración este mes en nuestra sección Vintage Blogguer en “Vintage By López-Linares”.
Bette Davis (Leslie Crosbie)
Herbert Marchall (Robert Crosbie)
James Stephenson (Howard Joyce)
Frieda Inescort (Dorothy Joyce)
Menudo papelón hace la Davis en este drama. No había visto la película y ni siquiera sabía de qué iba, a pesar de que ella es una de mis actrices favoritas y estaba deseando enfrentarme a su papel de mala malísima, del que tanto me habían hablado.
Me ha costado muchísimo encontrar la película. Al final he conseguido una copia en Ebay. Me estoy comprando todas las películas de nuestro Especial de los Miércoles, pues me hace especial ilusión tener las 52 cintas en casa para poder volver a verlas en cualquier momento. Ya las he buscado un rincón especial en la estantería de mi salón.
Para muchos esta es la mejor actuación de Bette Davis, con la que forjó su aura de «mala, malísima». Aunque en Jezabel interpretara un papel de joven burguesa, malcriada y capaz de hacer daño a los demás por despecho, al final demuestra tener un buen corazón y voluntad de expiar sus culpas. Por el contrario, en “La Carta” es la maldad en estado puro. Manipuladora, cínica, falsa… lo tiene todo.
Menudas escenas nos deja este drama. Ya para empezar, los primeros minutos de la cinta son impactantes. Ese paseo de la cámara por los exteriores de la plantación, con los indígenas adormecidos entre los matorrales en una oscura y tenebrosa noche. De repente, aparece ella… impertérrita, con un enloquecimiento frio y desgarrador, descarga su revólver con una seguridad aplastante. A los pocos segundos, sorprendentemente, se convierte en una dulce y afligida esposa explicando los pormenores que la han llevado a cometer el asesinato.
Otra escena que me dejó impactada es la de la cárcel. ¡Qué estrategia manipuladora más increíble! Consigue meterse al abogado en el bolsillo de la manera más sutil, casi sin que él mismo se dé cuenta. Y luego, la escena en la que se enfrenta a la viuda de su amante. Esas miradas en penumbra, cubierta por esa preciosa mantilla de encaje blanco. Y como al final se enfrentan cara a cara las dos, una lucha entre mujeres enamoradas que se miran fijamente, como retándose la una a la otra.
El director se las ingenia para realzar los encantos personales de la protagonista, no solamente su singular belleza, el magnetismo de su mirada y su expresividad dominan la pantalla continuamente.
La película, que reflexiona sobre la pasión, el amor, la sinceridad y la fidelidad, aunque obtuvo un gran éxito de público en la época no recibió ninguno de los seis Oscar a los que estaba nominada.
A mí me ha impactado…
¿La habéis visto?
Contadme, por favor qué os ha parecido.
Premios:
Oscars (1941):
Nominada a: Mejor película, mejor actriz, mejor actor, mejor director, mejor fotografía, mejor montaje y mejor banda sonora.
Premios del New York Film Critics Circle Awards: Segundo premio al mejor director y tercer premio al mejor actor.
Curiosidades:
• En la escena del asesinato, el actor David Newell tuvo que tirarse de la escalera ocho veces, hasta que el director estuvo contento con el resultado.
• Está basada en un hecho real.
• Es la segunda versión que se hizo de esta película.
• En la obra de teatro, la protagonista sale indemne. La censura no permitió que fuera así en la versión cinematográfica (lo que le da mayor calidad a la película).
Primera escena de la película, ya empieza impactando
Esta bloguera Asturiana creció en el seno de una familia dedicada en cuerpo y alma al mundo de la moda. Su padre, Luis Sanz, fue fundador de la firma de marroquinería “BRIDAS”. Una niña que de pequeña jugaba con recortes de piel y le cogía los bolsos a su madre y que casi sin darse cuenta desarrolló el gusto por la moda y el arte en general. Seguramente fue esto lo que la llevó a Licenciarse en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca.
Actualmente es Especialista en Comunicación y Redes Sociales. Alejandra vino a vernos para hacernos una entrevista para la sección de tiendas de la revista digital “Es Madrid no Madriz”, en la que trabaja. Me cuenta que siempre anda buscando lugares especiales y como redacta los artículos en primera persona, por qué escoge ese rincón, qué es lo que más ha llamado su atención o qué tiene de especial para ella.
Pasamos una tarde juntas, yo contándola todas mis novedades y ella poniendo una espacial atención a cada detalle de mis explicaciones. Hicimos un recorrido por nuestra historia, desde los comienzos del negocio familiar hasta nuestros días. Yo hablaba y ella sacaba fotos con su cámara. La encanta la fotografía y siempre la gusta dar un toque especial a sus entradas con fotos personales.
Muchísimas gracias por la visita Alejandra, nos encantó conocerte un poco más y charlar contigo más despacito.
Podéis seguir su trabajo en “Tic Tac News” un Blog de Restaurantes de Moda y Mucho Más. Un blog diferente, divertido también único, donde reseña los restaurantes más punteros, eventos y experiencias que más le gustan desde un punto de vista alegre, optimista y jovial.
Me cuesta encontrar huecos para escaparme de la rutina diaria, pero el lunes pasado ya estaba inquieta porque no había ido a ver la exposición de Cristina García Rodero en la Galería Juana de Aizpuru. Sabía que quedaban muy pocos días para verla y estaba decidida a no perdérmela. Busqué un hueco a mediodía y decidí escaparme dando un paseo. Hice la visita con mi amiga Rocío Pérez Rodríguez, aficionada a la fotografía como yo y que se prestó a posar en una de mis fotos.
Una de las mejores fotógrafas españolas y la primera en nuestro país en formar parte de la Agencia Magnum, no podía perdérmela. Admiro el trabajo de García Rodero desde que vi una de sus imágenes por primera vez.
La exposición nos lleva por la historia de Georgia, un proyecto que García Rodero comenzó en 1995 por una petición de Médicos sin Fronteras. Mostrar por qué era necesaria la ayuda humanitaria era su meta, y tras visitar la muestra nos damos cuenta de que García Rodero no solamente es capaz de inmortalizar la magia de cada rincón que visita, ella es un vínculo de unión entra la realidad más dura, la sencillez y la valentía de un pueblo y sus habitantes.
Capaz de recoger la magia de cada momento, ha inmortalizado como nadie las tradiciones populares de la Península.
Cristina García Rodero siempre trabaja con personajes anónimos porque, según dice ella, las personas sencillas son los más transparentes, las más auténticas, las que nos dejan indagar en sus propias almas… las más elocuentes.
Salí aún más enamorada de su trabajo de lo que estaba antes, con un nudo en el estómago y con la sensación de haber disfrutado de la obra de una mujer valiente y con una sensibilidad muy especial. Me encantaría conocerla.
Tenéis la oportunidad de verla hasta el próximo día 10 de diciembre. La exposición es gratuita, la galería es preciosa y el barrio invita a dar un paseo. Aunque está haciendo un frío increíble en Madrid, el plan merece la pena.
Podéis disfrutar todo el trabajo de Cristina García Rodero en su página de Magnum.
Esta tenía unas ganas locas de volver a verla, recordaba más o menos la trama pero mi memoria no era capaz de recordar muchos pequeños detalles que al volver a verla me han entusiasmado.
En mi humilde opinión, no sé si habrá otra comedia romántica mejor hecha que esta. Cuando la guerra estaba a punto de convertirse en Mundial, cuando los Americanos estaban viviendo un sueño irreal, donde todo iba bien mientras el mundo se derrumbaba, llega Cukor y su elegantísima, exclusiva y deliciosa manera de hacer comedia para seguirles sumidos en esa «realidad irreal» donde todo es maravilloso (a pesar de que los patriarcas están divorciados), glamuroso (a pesar de las toscas maneras de los dos periodistas), elegante (a pesar de la mala educación de Dina) y socialmente correcto (a pesar del festival de cuernos).
Katharine Hepburn está magnífica, con su elegancia natural y un vestuario de Oscar que realza todos sus encantos femeninos. Se encuentra rodeada de hombres que le acosan, mientras un inteligentísimo Cary Grant espera pacientemente el momento de atacar para recuperar a la mujer que ama.
Algún día me encantaría escribir sobre Adrian Adolph Greenburg el creador de todo el vestuario de Katharine y sin el que todos los encantos de la actriz no habrían quedado tan patentes en cada una de las escenas. El vestuario es exquisito.
El gran mérito del guión de esta película creo que, es que no sabes que va a hacer Katharine Hepburn hasta el final. ¿Se casará con Kitredge? ¿Se fugará con el periodista, con quien tiene un romance la noche anterior a la boda? ¿O volverá con ese encantador de serpientes que es Cary Grant?
No es un triángulo amoroso. Es un canto a la aventura, al amor, al desenfreno, pero hecho con la elegancia que Hollywood imprimía a sus películas.
Quizá el código Hayes recibió miles de críticas por parte de los guionistas, productores, directores y actores de Hollywood, pero al final se hacían películas inteligentes, ya que había que darle al coco para que el espectador comprendiera lo que no se podía ver. Una manera de hacer cine que dejaba entrever lo que todo el mundo sabía y criticaba a escondidas.
Una comedia de 10 que no puedes perderte si como yo eres una enamorada del cine clásico romántico.
¿Con cuál de todos sus pretendientes te habrías quedado tú? Yo no lo he dudado ni un segundo…
Premios:
Oscars (1941):
Oscar a James Stewart al mejor actor secundario al mejor guión adaptado y nominada a mejor película, mejor actriz y mejor director.
Premio en 1995 del National Film Preservation Board.
Premio en 1940 del National Film Critics Circle Awards a Katharine Hepburn. Segundo lugar a la mejor película.
Curiosidades:
James Stewart siempre pensó que su actuación no estuvo bien y que el Oscar se lo tendrían que haber dado a Henry Fonda.
La película se rodó en sólo ocho semanas y no necesitó nuevas tomas.
Katharine Hepburn poseía los derechos de la película, que ya había representado en teatro. Los derechos los tenía Howard Hughes y se los dio de regalo.
Katharine Hepburn quería que Clark Gable hiciera el papel de Cary Grant y que Spencer Tracy hiciera el de James Stewart (en este caso lo habría bordado), pero estaban ocupados en otros proyectos.
El guión de la película fue escrito y pensado para Katharine Hepburn.
El sueldo que recibió Cary Grant, 100.000 -una suma enorme para la época- lo donó por completo al Fondo Británico de Ayuda a la Guerra (estamos en 1940 y Cary Grant era inglés).
La escena de buceo de Katharine Hepburn es real, sin dobles.
A Cary Grant le dejaron elegir qué papel, de los dos protagonistas, quería hacer. Eligió el menos ostentoso (cosa, por otra parte, lógica, dada la calidad del actor. N.d.a).
James Stewart estaba tan incómodo en la escena de la piscina, que se empeñó en llevar un albornoz. Según él, si hubiera salido en bañador, habría sido el final de su carrera.
El collar sobre el que Dina (la niña) dice «apesta» es una copia del collar que se usó en la película «María Antonieta» protagonizada por Norma Shearer.
La película está calificada en el quinto puesto de las mejores comedias románticas de todos los tiempos según The American Film Institute.
Años después se hizo un musical basado en la misma película, llamada «Alta sociedad», donde Grace Kelly hace de Tracy, Frank Sinatra de periodista y Bing Crosby de C. K. Dexter Haven. Una chapuza en mi opinión, a pesar del elenco de actores/cantantes (incluso sale Louis Armstrog).
El pasado 18 de noviembre se celebraba el 85º aniversario del nacimiento del más inquieto ratoncito de la historia del cine animado. Mickey Mouse nacía de la mano de Walt Disney y su socio por entonces UbIwerks. Comenzaba su carrera en un corto en blanco y negro titulado “Seamboat Willie” que se estrenaba el 18 de noviembre de 1928 y que le catapultaría a la fama mundial.
Mickey es probablemente el personaje de Disney más ligado al legendario empresario de animación Walt Disney, incluso prestó su voz para este Mickey original. El cortometraje sonoro se estrenó en Nueva York en el “Universal´s Colony Theatre”. El famoso teatro hacía apenas cuatro años que había abierto sus puertas, y recibía por primera vez en la historia el estreno de un corto de animación sonoro. El protagonista: nuestro astuto ratoncito.
El éxito fue tan grande que Mickey se convertiría en muy poco tiempo en el personaje más famoso de Walt Disney, y en un auténtico icono del mundo animado.
La productora Disney ha querido conmemorar este señalado día. Y, ¿qué han hecho para celebrarlo? Primero le han lavado un poquito la cara a Mickey y, tomando como referencia los dibujos de UbIwerksle, le han dado lo que podría llamarse un cierto aire más vintage, haciendo que nos recuerde en cierta medida al personaje de los comienzos. Y con este Mickey renovado y retro-vintage han producido 19 cortos para televisión e internet. Todos ellos dirigidos por Paul Rudish.
Podremos ver “Get Horse”, uno de estos cortos, en el estreno de la película «Frozen: El reino del Hielo» hoy mismo. Un pequeño recuerdo a los primeros cortos del ratoncito, que mezcla las últimas tecnologías en 3D con lo más clásico y retro del personaje, y se estrena hoy. Lo más sorprendente es que la historia está contada por del propio Walt Disney, lo que ha sido posible gracias a unas técnicas especiales de montaje de sonido.
Estoy deseando ver esta remake del personaje, estoy segura de que me va a traer muy buenos recuerdos de mi infancia.
Algunos vídeos que he encontrado por Youtube de las primeras películas:
Me encanta recibir sorpresas en la tienda. Quizás me repito un poco, pero es que no os podéis imaginar la ilusión que me hace cuando vienen a verme personas con las que llevo tiempo interactuando por internet y a las que no he puesto aún cara. ¡¡Hay… qué ilusión cuando las veo en la puerta de la tienda!! Es de las cosas más gratificantes que me regalan todas las horas que paso trabajando en este mundo 2.0.
Juana y Victoria vinieron a verme a la vuelta del verano. Las dos llegaron a mí, como tanta gente increíble, a través de Flickr y por mi “afición/obsesión” al mundo de la fotografía.
Juana, aunque es de un pueblecito de Jaén, Villacarrillo, vive en la actualidad en La Roda (Albacete). Con Juana he hecho varios cursos por intentet con la escuela “Encandilarte”, y siempre me llamó la atención que había llegado hasta este mundo a partir del nacimiento de Alejo, su hijo. “La inminente llegada de mi bebé el año pasado, me empujó a buscar cursos online para sacarle por fin más partido a la cámara, y poder tener así una pequeña parcela solo para mí mientras cuidaba del niño”, me decía Juana en uno de sus mensajes.
Ahora me cuenta lo equivocada que estaba y cómo Alejo se ha convertido en su mejor ayudante y modelo.
Victoria se dedica profesionalmente a la Osteopatía y a las terapias manuales, y a la fotografía digital desde hace poco más de 3 años. Con la fotografía intenta reflejar lo que ven sus ojos. Su fotografía habla de ella y de su manera de buscar la belleza.
Pasamos una tarde encantadora. Les enseñé la tienda, merendamos y pasamos un rato charlando, por supuesto, de nuestra afición en común “la fotografía”.
Os dejo el link a sus galerías de Flickr y a algunas de las imágenes que más me gustan de su trabajo.
Peliculón, creo que junto con “Jezabel” de la que ya os hable hace unas semanas, la que más me ha sorprendido hasta ahora. La había visto hace mucho tiempo, pero la verdad no me acordaba prácticamente de nada.
Está claro que a mí esto del cine clásico cada día me está enganchando más, y es que nunca pensé que lo pasaría tan bien con este proyecto.
Dice mi hermano Ángel, ya sabéis que es relojero y un entendido y gran aficionado al cine clásico, que para él es la mejor película de Hitchcock, incluso mejor que «Psicosis» y creo que tiene razón.
Es fantástico ver cómo como el director mueve a Joan Fontaine, la pobre se «mal desenvuelve» en una descomunal mansión donde todo le viene grande. Impresionante morada para la que se realizó una maqueta, ya que no encontraron una ubicación adecuada para realizarla en todo estados Unidos. Creo que si hubieran rodado la película en Inglaterra, les habría sido mucho más sencillo encontrar un paraje natural para realizarla. Allí he visto mansiones que podrían haber sido perfectamente “Manderley”, ese lugar que te hipnotiza en las primeras escenas de la película y que tantas desgracias trae a nuestra protagonista.
Joan Fontaine realiza un papel impecable de la apocada, temerosa y casi aterrorizada Mrs. De Winter. Su casi pavor, diría yo, a tener que enfrentarse a la espantosa Sra. Danvers convierten a este binomio en la clave del éxito de la película.
La Sra. Winter, una mujer que vive en el pasado donde el esplendor de la anterior Sra. De Winter llenaba de luz y optimismo la gigantesca casa. La nueva Sra. de Winter vive acosada por el odio, la maldad y la envidia. Rebeca se convierte en la tercera protagonista de la película, consiguiendo, sin estar presente, quitar el sueño a la dulce Sra. De Winter.
Una obra maestra del cine, imbuida en la tenebrosa atmósfera Hitchconiana donde cada escena es una sorpresa. Magnífica la actuación de las dos protagonistas, Joan Fontaine y la malvada Judith Anderson, y sorprendente final.
¡Os invito a pasar una tarde de cine clásico con Rebeca, y a que me contéis después que os ha parecido!
Premios:
Premio del National Board of Review a una de las mejores diez películas del año.
Tercer premio del National Film Critics Circle Awards a Joan Fontaine.
Oscar a la mejor película, mejor fotografía en blanco y negro, mejor actor (Laurence Olivier), mejor actriz (Joan Fontaine), mejor actriz secundaria (Judith Anderson) y mejor director (Alfred Hitchcock). En total seis oscars y 11 nominaciones.
Nominada al Oscar al mejor guión adaptado, a la mejor dirección artística, al mejor montaje, a los mejores efectos especiales y a la mejor banda sonora original.
Curiosidades:
Gracias al enorme éxito que tuvo esta película en España, la chaqueta que lleva Joan Fontaine pasó a ser conocida como «rebeca», llamándose así desde entonces.
Según instrucciones de Hitchcock, Judith Anderson no debía parpadear los ojos en ningún momento.
Fue la primera película que hizo Hitchcock en Hollywood, y la primera y única en ganar un Oscar a la mejor película.
A Mrs. Danvers casi no se la ve caminar. Hitchcock quiso potenciar el carácter nervioso de Joan Fontaine, y procuró que Judith Anderson apenas se moviera.
Una de las candidatas a conseguir el papel protagonista fue Vivien Leigh. También, según sus memorias, Maureen O´Hara, Anne Baxter, Olivia De Havilland (que se negó a hacerlo porque su hermana, Joan Fontaine, era candidata) Anita Lousie, Loretta Young y Carole Lombard, a la sazón esposa de Laurence Olivier que intentó infructuosamente que lo consiguiera. Por este motivo, trató fatal a Joan Fontaine. Hitchcock, aprovechándose de ello, hizo que todo el mundo en el plató intentara ponerla nerviosa, consiguiendo así un personaje aún más creíble.
Es la segunda película de Hitchcock basada en una novela de Daphne Du Maurier. Por eso quiso que la película se llamara «Daphne» y no «Rebeca», pero Selznick se negó.
Como Selznick no encontró un lugar apropiado para hacer la película en todo EEUU, Manderley se tuvo que hacer con una maqueta en miniatura.
Entre los papeles masculinos los candidatos fueron William Powell, Robert Donat, Ronald Colman y Leslie Howard.
Con objeto de mantener la oscura atmósfera del libro, Hitchcock insistió en filmarla en blanco y negro.
Como en todas sus películas, Hitchcock aparece en algún momento. Es este caso, mientras Favell está haciendo una llamada desde una cabina.
Una de esas cosa que tenía ganas de hacer cuando supe que iba a pasar unos días en Cadiz era levantarme un día al alba y acudir al puerto de Barbate a ver la llegada de los barcos cargados de pescado fresco.
Por supuesto no podía dejarme la cámara en casa. Pertrechada de todos los aperos, una mañana de este agosto, en la que arreciaba intensamente el tradicional levante de esa zona, me presenté en el puerto sobre las 7.30 para vivir en primera persona ese peculiar momento.
Mi desilusión en un principio fue grande. Justamente esa semana la flota de Barbate se encontraba en los caladeros de sardina de Cádiz, lo que significaba que el de Barbate estaba vacío y sin atisbo de que ningún barco llegara a atracar cargado de pesca. Parece que el día elegido no había sido el mejor pero, como siempre que uno no lo espera, terminas encontrándote con alguna grata sorpresa.
Y así fue, al poco tiempo ya estaba charlando con uno de los responsables del puerto, que me explicaba todo lo que estaba sucediendo en un pequeño rincón del puerto, único con actividad, que había llamado mi atención. Allí, una decena de hombres de mar se encontraban inmersos en las dos únicas actividades que daban vida al puerto en estos días: la carga de una barco con varias toneladas de caballa fresca, para el cebo de los 3000 atunes que mantienen en las piscinas de engorde próximas a la almadraba; y el desmontaje de ésta, en funcionamiento desde el 20 de abril de este año, hasta la temporada 2014.
Todo seguía prácticamente igual que hace 3000 años cuando los fenicios se instalaron en la comarca, dando ya comienzo a la captura de los atunes que atravesaban la zona desde el Atlántico, para desovar en el Mediterráneo. Fueron los fenicios los constructores de las primeras factorías dedicadas al salado del atún, creando una ruta comercial desde esas costas para transportar por barco, a través de todo el Mediterráneo, el atún capturado y tratado en la zona de Gádir, actual Cádiz.
Usaban unas ánforas de barro terminadas en forma de pico de dos asas, que iban divididas por dentro en varios compartimentos. En la base el pescado salado y en las superiores diversas hierbas aromáticas y perfumes, lo que conseguía evitar el desagradable olor despedido durante el largo viaje. Los barcos, cargados con una cama de arena en sus bodegas, viajaban con las ánforas clavadas sobre ellas para evitar se movieran con la mala mar a lo largo de todo su largo recorrido comercial.
Los fenicios fueron los impulsores de una tradición y unas técnicas que siguieron años después los romanos. Estos fueron los fundadores en la actual playa de Bolonia de la ciudad de «Baelo Claudia», encontrándose en ella, aún perfectamente visible, la mayor factoría de tratamiento de atún de todo el mediterráneo. Allí troceaban el atún; lo salaban en grandes depósitos excavados en el terreno y, con los despojos y vísceras de los pescados de la zona, fundamentalmente del atún, macerados a pleno sol durante todo el verano, elaboraban la preciada salsa «Garum», que era una exquisitez para la época. Esta salsa era considerada afrodisíaca, siendo por su elevado coste solamente consumida por las clases más pudientes de la antigua Roma. A la vista de los ingredientes y el tratamiento de estos, estoy segura de que ahora no seríamos capaces ni siquiera de oler la afamada y costosa salsa.
Después llegaron los árabes, a los que debemos la palabra almabraba: “Lugar donde se golpea”.
La tradición sigue hasta nuestros días en los que cada año se siguen colocando los laberintos de redes, tal y como ya se hacía antaño. A través de un conducto formado por redes ancladas al fondo, se consigue ir dirigiendo a los atunes hasta una gran red cerrada y de la que ya no pueden escapar. Allí, tras proceder a la levantada de esta gran bolsa, van elevando los atunes hasta la superficie donde son capturados uno a uno por brazos increíblemente fuertes. No cualquiera es capaz de levantar a pulso piezas, dando violentos coletazos, de entre 300 y 500 kgs. de peso y lanzarlas sobre las cubiertas de los barcos que están alrededor formando un corro, que se va estrechando en la medida que van extrayendo su preciada carga.
En los años 40 la zona disponía de más de 20 saladeros, acudiendo gente de todos los lugares a surtirse de sus famosas salazones. La sal, de las salinas de Chiclana más gruesa de lo normal, es la perfecta para elaborar la mojama. En esos años de penuria en España el producto estrella fue la sardina arenque, pero se salaban cazones, bonitos, atunes o pez volador. Actualmente quedan muy pocas fabricas, aunque siguen trabajando exactamente igual que lo hicieran en su día los fenicios y romanos.
Todo esto me lo contaron en el puerto, pero luego me aconsejaron acercarme hasta “La Chanca”. Una de esas pocas empresas familiares y artesanales que quedan en la zona, en la que han instalado un curioso museo del atún y en el que te explican todo y puedes degustar sus productos. Aquí vimos despiezar un atún y escuchamos el famoso “ronqueo”: ruido que hace el cuchillo cuando las manos expertas del Ronquero lo hacen pasar por la espina dorsal del atún para desprender suss lomos. Un ruido similar al ronquido de un humano, y de ahí su nombre.
Ellos salan, conservan y ahúman una gran variedad de productos de la zona, sobre todo atún, y lo hacen exactamente igual que se hiciera hace casi 3000 años. Un arte que no debiera perderse nunca y que todos deberíamos conocer y valorar por su larga tradición en nuestra historia.
También os dejo un pequeño reportaje fotográfico de esa mañana de agosto, estas son mis dos fotografías preferidas. Espero que os guste.
La semana pasada la casa de subastas de Beverly Hills, Julien’s Auctions sacó a subasta parte de la colección de vestidos y bocetos del diseñador de moda William Travilla, amigo íntimo de Marilyn Monroe. Entre las piezas subastadas destaca, el famosísimo vestido plisado color marfil que volaba sobre la rejilla del metro en “La tentación vive arriba” dejando a la luz las increíbles piernas de Marylin. Una escena y un vestido que se han convertido en icono a lo largo de los años.
William Travilla trabajo con Marylin en «Los caballeros las prefieren rubias», «Cómo casarse con un millonario» y «Luces de candilejas», aparte de la anteriormente mencionada.
Nacido en 1920 en Los Ángeles, fue descubierto por la actriz Ann Sheridan, quien admiraba y coleccionaba sus bocetos. Al poco tiempo fue contratado en el departamento de diseño en la Warner Brothers, con él que ganó un Oscar por «El burlador de Castilla» y trabajo en la Twentieth Century-Fox, donde vistió a estrellas como Ginger Rogers, Lana Turner y Marylin Monroe. Poco antes de su muerte en 1990, trabajo en los lujosos diseños de los seriales «Dallas» y «California”.
El famosísimo vestido salió a subasta con una estimación de venta entre 20.000 y 30.000 dolares, y junto con algunos bocetos firmados por el diseñador, muebles y recuerdos garantizan el éxito seguro de la subasta.
Estoy buscando los precios de remate de las piezas más significativas, si llego a encontrar los datos los añadiré en esta entrada.
Toda la información de este artículo pertenece a la casa de subastas Julien’s Auctions.
No hace mucho que estaba viendo a Antonio Banderas protagonizar el famoso personaje de “El Zorro”, y ha sido recordando esta última versión de la película, y por supuesto porque no podía faltar entre nuestro protagonistas Tyron Power, por lo que me he decidido a incluir en nuestro “Miércoles de Película” una versión clásica de esta aventura.
Esta, junto con la de Banderas, es una de las versiones que más me gusta de esta historia de aventuras por antonomasia.
Junto a los piratas, los aventureros africanos y los bandidos justicieros, el Zorro ha sido de los héroes preferidos del público hasta la llegada de los súper-héroes modernos. Robin Hood, La Pimpinela Escarlata, El Tulipán Negro, El Zorro o La Flecha Negra, todos ellos hombres de gran belleza, aventureros, íntegros, educados, elegantes y seductores…. El hombre perfecto para las jóvenes de la época.
Tyrone Power, un actor de gran carisma, le marca un gol al héroe de la época: Errol Flynn. Ruben Mamoulian, experto director de coreografías, convierte la película, gracias a su magnífica banda sonora, casi en un musical. Las escenas de «baile», los duelos, son excepcionales.
Considerada por muchos la mejor versión de todas, «El signo del zorro» es una película amena, entretenida y divertida. Basil Rathbone, uno de los mejores «malos» del cine, está estupendo -para mí el mejor de todos- y Tyrone Power borda el papel, una de sus mejores interpretaciones de a lo largo de su carrera.
¿Con qué versión te quedas tú?
Premios:
Nominada al Oscar a la mejor película y al mejor guión original en 1941.
Premio en 2009 del National Film Preservation Board.
Curiosidades:
Basil Rathbone era un experto en esgrima. No así Tyrone Power, que tuvo que ser doblado por un especialista. Las escenas más rápidas fueron rodadas a 18/20 fotogramas por segundo (lo usual son 24) y luego los efectos de sonido sincronizados.
Los soldados que apuestan al principio de la película usan los pesos mexicanos, cuando en realidad deberían usar la peseta.
Aunque El Zorro es un personaje de ficción, a menudo se le confunde con Joaquín Murrieta, un bandido mexicano (que Hollywood se encargó de confundir aún más al darle protagonismo en la última versión de Antonio Banderas, cuyo nombre real en la película «La máscara del Zorro» es Joaquín Murrieta). Asimismo, El Zorro ha inspirado a otros personajes como Batman y El Llanero Solitario.
Se han hecho 16 películas de el Zorro en EEUU, dos series de TV y otras 40 entre México, España, Italia, Francia y Bélgica. Los «Zorros» más famosos han sido: Douglas Fairbanks, Tyrone Power, Anthony Hopkins y Antonio Banderas.
A través de este precioso término nos referimos a objetos antiguos de diseño artístico y buena calidad. La palabra, y sobre todo la esencia del término vintage nos hace pensar en diferentes cosas a cada uno de nosotros: ropa, joyas, decoración… Y aunque a día de hoy solemos asociarla a moda y diseño, yo no puedo olvidar su origen.
Vintage, palabra inglesa preciosa en su sonoridad, que podría traducirse como “vendimia». El término vintage lo usaban las bodegas para referirse a aquellos los vinos que se producían con sus mejores cosechas y eran añejados.
Por eso creo que en mi caso, siempre que escucho la palabra vintage me vienen a la cabeza burbujas… Burbujas de champagne.
Cierro los ojos e imagino aquella mágica noche de 1670, en la cava de la abadía de Hautvillers. Sobresaltado por el estallido de una botella, su abad Don Pierre Pérignon, descendió a la bodega y tras probar el vino que se había derramado, despertó a los demás monjes con un grito que ha hecho historia: «¡Venid, hermanos, venid! ¡Estoy bebiendo estrellas!». Por supuesto, se trataba de champagne.
Vintage es calidad, es exclusividad, es historia y es estilo.
Por ello cuando pienso en el monje Pierre Pérignon podando los viñedos para que no alcanzaran más de 90 cm. de altura. Recogiendo sólo las uvas que estaban enteras, y solo cuando hacía frío. O poniendo telas húmedas sobre los racimos que estaban al sol, para conservarlos frescos y no permitiendo que ningún tipo de maceración cambiase el sabor del mosto… el concepto vintage alcanza su máximo esplendor en mi cabeza.
La primera cosecha de Dom Pérignon vintage fue de 1921. Y cada nuevo vintage se crea a partir de las mejores uvas de una misma añada. Si esa añada no cumple con el ideal de excelencia, se descarta para ser un Vintage.
Hay una historia ocurrida en Julio de 2010 que es realmente fascinante:
Un grupo de buceadores encontró un barco hundido en el mar Báltico, probablemente el buque naufragó entre 1825 y 1830.
¿Dónde se dirigía el barco? ¿Quién era el destinatario del tesoro que transportaba? Preguntas a las que seguramente hoy ya no encontraremos respuesta.
Pero lo que si sabemos es cuál era el botín de ese barco: 145 botellas de champagne francés.
Un barco que naufragó hace casi dos siglos, y lo más apasionante de esta historia es que 79 de estas botellas, de tres marcas muy conocidas: Veuve-Clicquot, Juglar y Heidsiek, están en perfectas condiciones para su consumo.
Parece ser que la temperatura constante del agua, la oscuridad del fondo del mar y la presión dentro del propio envase consiguió que el champagne conservara todas sus cualidades gustativas.
No sabremos ya para quién eran esas botellas, ni el motivo de esa posible fiesta o acontecimiento al que se dirigían.
Pero lo que si sabemos es, que a día de hoy, hablamos del champagne más antiguo del mundo. Absolutamente vintage y apasionante.
Levanto mi copa con todos vosotros y acompañada de estas magnificas burbujas vintage, hago un brindis porque podamos seguir disfrutando de tantas cosas e historias bellas que nos rodean.
Artículo escrito por Rus Martínez Cantero. Rus es Social Media Strategist especializada en identidad digital y este mes Blogguer invitada en “Vintage By López-Linares”. Mil gracias.
Esta semana se ha cumplido el aniversario de la grabación de los primeros registros de Louis Armstrong y su banda de jazz los “ Hot Five”, corría noviembre de 1925. Hoy nuestro “Viernes en Blanco y Negro” rinde un homenaje al indiscutible rey del Jazz.
Un regalo de dios, como dicen algunos… Louis Armtrong marcaría las pautas por las que se desarrollaría el jazz en las siguientes décadas.
Los “Hot Five” serían la primera banda con la que Armstrong grabaría un disco, y el 12 de noviembre de 1925 la fecha elegida para crear los primeros registros que llevaban su nombre como director de orquesta. Considerada por muchos críticos como una de las mejores grabaciones de la historia del jazz.
«My Heart» y “Cornet Chop Suey” fueron las primeras canciones grabadas. La banda estaba compuesta por Johnny Dodds en el clarinete, Kid Ory en el trombón, Johnny St. Cyr en el banjo y la esposa de Louis, Lil Hardin-Armstrong en el piano.
• Director/es: Victor Fleming y (sin aparecer en los créditos) George Cukor y Sam Wood.
• Productor: David O. Selznick. En este caso es importante, puesto que Selznick es el creador, el «alma mater» de esta película. Sólo él tuvo la fe suficiente en pelear para que esta película saliese al mercado.
Reparto:
• VivienLeigh (Escarlata O´Hara)
• Clark Gable (Rett Butler)
• Olivia De Havilland (Melanie Hamilton)
• Leslie Howard (Ashley)
Sentarte una tarde de noviembre a ver «Lo que el viento se llevó», así como quien no quiere la cosa, convierte un día cualquiera en un día inolvidable. Casi cinco horas junto a mi hija, a la que conseguí convencer de que viera la película conmigo ocultándola que duraba casi cinco horas, y que no despegó los ojos de a pantalla ni un solo instante. Está claro que Cark Gable y Vivian Leigh siguen atrapando a las mujeres de todas las edades y generaciones.
“Lo que el viento se llevó” podría ser clasificada como «La PELÍCULA», con mayúsculas. Aventura, amor, conflictos, suspense, comedia… Todo está aquí. La obra maestra de David O. Selznick, que, a pesar de haber realizado muchas otras grandes películas, será siempre recordado por ésta.
Escenas memorables e infinitas, casi cinco horas de película que dan para mucho. Yo me quedo con la de Escarlata vistiéndose con Mami, apretándole el corsé. La interpretación de la criada negra es para mí uno de los pilares del éxito de la película, no en vano fue la primera mujer de color en recibir un Óscar de la academia de Hollywood, que considero con todo merecimiento.
La soberbia interpretación de Vivian leigh, sus expresiones de superioridad, envidia, avaricia, dolor, desesperación, picardía… Una interpretación magistral.
Su entrada con ese llamativo vestido escarlata en la fiesta, donde las jóvenes van vestidas de una manera mucho más pura, más casta es un guiño descarado a «Jezabel» y una escena cautivadora.
Los encuentros, con mezcla de amor/odio, entre una Escarlata totalmente ajena a los encantos de un desesperadamente enamorado Rett Buttler. Gark Gable está impresionante y no te cansas de mirarle.
Las interminables, enormes y maravillosas escaleras de toda la película. Las escenas casi «Hitchckonianas» (de hecho, Selznick pidió consejo al maestro del suspense en alguna ocasión), lentas, con el martilleante tic-tac de un reloj, donde las mujeres esperan paciente y desesperadamente, inmersas en un absurdo e inútil entretenimiento a que sus maridos salgan airosos del asalto a los bandidos…
“Lo que el viento se llevó” será siempre la película más famosas de la historia del cine, porque en ella se amalgama, seguramente sin quererlo, toda la grandiosidad de la época dorada de Hollywood. Una película sencillamente irrepetible y un icono para los amantes del cine clásico.
Premios:
Placa de Honor a William Cameron Menzies por el uso del color, reforzando la carga dramática de la película.
Oscar a la mejor actriz a Vivien Leigh; a la mejor actriz secundaria a Hattie MacDaniel (Mami), siendo la primera mujer negra en ser nominada y recibir un Oscar; a la mejor dirección artística a Lyle R. Wheeler; a la mejor cinematografía en color; al mejor director (Victor Fleming); al mejor montaje; a la mejor película; al mejor guión adaptado y premio especial a la mejor innovación técnica.
Nominada al mejor actor (Clark Gable), a la mejor actriz secundaria (Olivia de Havilland), a los mejores efectos especiales, a la mejor banda sonora y al mejor sonido.
Curiosidades:
• Se entrevistaron a 1400 actrices para hacer el papel de Escarlata.
• A muy pocos actores les gustó el papel que les tocó hacer. Entre otros, destacaba Clark Gable que aceptó el papel a condición del extra económico que recibió para poder arreglar su divorcio con Carole Lombard. A Leslie Howard le parecía que era demasiado mayor para el papel de Ashley.
• Gary Cooper rechazó el papel convencido de que sería un completo fracaso («estoy encantado de que sea a Clark Gable al que le va a reventar el fracaso en la cara y no a mí dijo Cooper).
• La frase «Francamente querida, me importa un bledo» (Frankly my dear, I don´t give a damn) está calificada en el primer puesto de las 100 mejores frases de cine.
• Fue la primera película en color en ganar un Oscar.
• Los cuatro protagonistas sólo aparecen juntos en una escena (tras el ataque a Shatytown).
• Judy Garland iba a hacer el papel de una de las hermanas de Escarlata, pero optó por hacer otra película: «El mago de Oz».
• En principio la película se pensaba hacer en dos partes dada la longitud inicial (cerca de cinco horas).
• Se usaron todas la cámaras que había de Technicolor para la escena del incendio de Atlanta. Los bomberos estaban listos para actuar en caso de que descontrolara, y había una reserva de 5000 galones (cerca de 20.000 litros) de agua para la eventualidad (después de la filmación había que apagarlo).
• Clark Gable fue enormemente reacio a filmar una escena en la que tenía que llorar. Olivia De Havilland fue la que le convenció.
• Si se ajustara la recaudación de la película a la inflación actual, «Lo que el viento se llevó» seguiría siendo la película más taquillera de la historia (a fecha de 2005 habría recaudado más de 3.700 millones de dólares y 200 millones de entradas de cine), siendo «La Guerra de las Galaxias» la segunda.
• En ninguna de las escenas de interior se rodó con tejado.
• La actriz que hace de madre de Escarlata tenía 28 años, mientras Vivien Leigh, cuyo papel era el de una chica de 16 años, tenía 25.
• Es la película más larga que ha ganado un Oscar.
• En encuestas populares para elegir quién haría el papel de Escarlata, Vivien Leigh obtuvo un solo voto.
• Olivia de Havilland estuvo en un hospital de maternidad para saber cómo era un parto real, para poder hacer la escena del nacimiento de su hija lo más real posible.
• A Clark Gable nunca le gustó la película, calificándola como «una película de mujeres».
Os dejo con el tráiler de la película y algunas escenas memorables:
