Edith Piaf, la fuerza del gorrión de París

Apodada por su descubridor artístico Piaf –gorrión– debido a su aspecto frágil,  Edith Giovanna Gassion fue la cantante francesa más importante del siglo pasado. Nacida en 1915 en el seno de una familia desestructurada, fue criada por su abuela, que regentaba un burdel, tras ser abandonada a corta edad por su madre. Esa infancia triste, marcada además por una ceguera temporal, se convirtió en uno de sus símbolos de identidad. La vida parecía empeñada en tratar mal a la cantante de voz trágica y temas tan desgarradores como emotivos, hoy mundialmente conocidos.

Siendo adolescente, mientras cantaba junto a su hermanastra por las calles de París, se quedó embarazada, pero su hija moriría a los dos años a consecuencia de una meningitis. Desgraciadamente, Piaf no pudo tener más hijos, hecho que supuso para ella una gran tragedia. En 1935, su suerte cambió al ser descubierta por Louis Leplée, un gerente de un cabaret de los Campos Elíseos quien, impresionado por su voz, le propuso actuar en su negocio. Él fue también quien le pondría el apodo de Piaf, por el que tiempo después sería tan conocida.

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La vida comenzaba a arreglarse para la cantante de los eternos vestidos negros y las finas cejas, pero la tragedia volvió a cruzarse en su camino. Leplée fue asesinado en extrañas circunstancias que nunca llegaron a esclarecerse, y su carrera se vio truncada. Solo alguien con el tesón y el talento de Piaf podría sobreponerse a tanta desgracia; en el París de la II Guerra Mundial, sobrevivía cantando en tugurios.

Finalizada la guerra, llegaron los años en los que se convirtió en musa de artistas e intelectuales. Fue su época más gloriosa, si es que este calificativo puede aplicarse a una mujer de vida tan árida. Sus letras emocionaban y sus actuaciones no defraudaban jamás; cantaba en los más prestigiosos escenarios de Europa y América, y parte del dinero que ganaba lo invertía en ayudar a jóvenes cantantes que deseaban abrirse camino en ese mundo.

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El amor, sin embargo, no fue tan generoso como ella. Tuvo numerosos amantes poco duraderos y a muchos de ellos los alzó al estrellato, como a Yves Montand o a Charles Aznavour. El que fue considerado el gran amor de su vida, el boxeador Marcel Cerdan, murió en un accidente aéreo en 1949, hecho que la sumió en una depresión que conllevaría el inicio de su decadencia. A pesar de eso, Edith Piaf siguió cantando. En los años posteriores llegarían éxitos como La vie en rose y su aclamadísimo Non, je ne regrette rien. Además, participó en películas y obras de teatro.

El gorrión de París, con la salud cada vez más debilitada por un cáncer y con una gran adicción a la morfina, tenía en ocasiones que interrumpir sus conciertos para reposar y poder recuperarse. Pero siempre conseguía batir sus alas de nuevo. Sus últimas fuerzas las destinó a casarse en 1962, tan solo un año antes de morir, con su joven peluquero. Su maravillosa voz, su personalidad excepcional y su compleja y atormentada vida resultan tan fascinantes que en 2007 su historia fue llevada al cine. La vida en rosa fue protagonizada por Marion Cotillard, quien obtuvo el Oscar por esta interpretación.

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María Vintage Photography y Wikipedia.

Texto de @Esther Ginés 

Amaya y el arte de una miniaturista

Estaba deseando contaros esta historia.

Había prometido a Amaya que la sacaría antes de final de año, pero siempre me pasa lo mismo, la agenda del blog se me va desorganizado a medida que llegan noticias imprevista. Y al final me cuesta publicar las noticias en las fechas que tenía previstas en un principio. Pero, como más vale tarde que nunca aquí, os traigo la increíble historia de una de las pocas miniaturistas que quedan por el mundo.

La historia de Linker, el estudio de Amaya, se remonta al año 1897, cuando el bisabuelo de Amaya inauguró su estudio de arte y fotografía. Ella ha continuado con la tradición familiar realizando retratos y obras pictóricas en diferentes técnicas, y rescatando un arte cargado de historia que hoy está desgraciadamente casi desaparecido en nuestro país: la miniatura.

Las miniaturas son obras de muy pequeñas dimensiones, que fueron utilizadas por la aristocracia y la burguesía, especialmente en el siglo XIX, para retratar a los familiares y seres queridos. Debido a su pequeño tamaño, son perfectas para enmarcarlas en preciosos marcos o encajarlas en diversos objetos, como pueden ser joyas, medallones o camafeos, joyeros, …

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Son cuadros donde cada detalle se miniaturiza. Se realizan en una gran variedad de técnicas pictóricas sobre diferentes soportes: óleo sobre cobre o marfil, acuarela o lápiz sobre cartulina… empleándose pinceles de puntas finísimas que requieren de gran precisión por parte del artista y del uso de lupas en su elaboración, debido a su pequeñísimo tamaño.

Amaya ha añadido a los productos tradicionales de Linker una línea de invitaciones y todo tipo de papelería para bodas y celebraciones, realizadas a partir de sus acuarelas y dibujos, ofreciendo la opción de personalizar totalmente la papelería para cada cliente.

La vocación de Amaya por el arte y la pintura se desarrolló desde la infancia, influida por el ambiente familiar. Desde niña comenzó a recibir clases de dibujo y pintura y, posteriormente, estudió Bellas Artes obteniendo dicha licenciatura. Más tarde realizó el Master Internacional de Fotografía en la Escuela de Imagen EFTI.

Al finalizar la carrera su tío le enseñó todas las técnicasempleadas en el estudio, que iban a caer en el olvido por falta de sucesor, ampliando de esta forma sus conocimientos sobre la pintura de miniaturas y otro tipo de retratos, los tonos idóneos para cada tipo de piel y cutis, como usar los materiales, etc.  Para entonces el “Estudio” ya había cerrado sus puertas, su tío Roberto era uno de los últimos miniaturistas españoles, y fue una oportunidad poder aprender de su larga experiencia de toda una vida dedicada a la fotografía y a la pintura.

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La miniatura es un arte meticuloso y delicado que requiere de mucha paciencia y horas de trabajo y entrega. Retratar es captar el alma, la personalidad, la esencia de las personas y las cosas. Un retrato en miniatura es un pequeño tesoro en el que Amaya vuelca el corazón. Con la ayuda de la lupa y de lápices y pinceles de finísima punta, va trabajando con delicados trazos para lograr captar todos los detalles en pequeñas dimensiones. Amaya trabaja con sumo cariño y pincelada a pincelada, muy poco a poco va trabajando hasta que logra el resultado deseado.

En la actualidad algunos de los trabajos de Amaya pueden verse y tocarse en nuestro espacio de la Calle Claudio Coello, 60.

Para nosotras es un verdaderos placer y orgullo contar con una artista de su categoría en nuestra casa, y poder mostrar a nuestras clientes un trabajo tan delicado y tan poco conocido.

Diccionario Vintage: Con la «G»: Guardapelo

El nombre de guardapelo deriva de su uso habitual: pequeño colgante en forma de cajita plana en la que se guarda un discreto mechón de pelo, una pequeña fotografía o una miniatura pintada a mano.

Vivieron su época dorada durante los años de la época victoriana, momento en el que era muy frecuente que las mujeres lo recibieran por parte de su amado, como recuerdo para portarlo siempre junto a ellas. Normalmente se llevaban colgados de una cadena o prendidos con un pequeño alfiler cerca del corazón. Aunque también los había más pequeñitos, para ser colgados a modo de pequeña decoración en las pulseras.

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Algunos tenían la tapa  de cristal para dejar ver la fotografía de su interior y, aunque normalmente su tamaño solo permitía acoger una foto, hay algunos casos en los que por encargo se hacían con pequeñas piezas, que se abrían hasta dejar ver tres, cuatro y hasta cinco fotografías.

Durante la época victoriana, la decoración de estas piezas podría ser increíblemente rica. Era frecuente encontrarlos con preciosas representaciones de flores, pájaros o llamativos motivos. Siempre preciosamente decorados con  esmaltes, piedras preciosas y perlas.

Podríamos decir que los guardapelos reciben su inspiración de los antiguos relicarios.

Imagenes: @Maria Vintage Photography

Febrero, ha nacido “Neptunus deus Maris”

Siempre me gusta cerrar el mes con algo especial, y este año el broche de oro mensual lo va a poner mi proyecto “Bodegones Barrocos o Still Even”

Ya os conté el mes pasado en lo que consistía el proyecto y cómo mi inspiración vendría de la pintura de “vanidad”, en las que suntuosos arreglos de fruta y flores se entremezclan con libros, jarras, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales o científicos. Objetos, a su vez, acompañados por piezas con significados simbólicos.

Cada fotografía es única y lleva un proceso meticuloso de estudio.

Febrero es el mes del agua, de la purificación de las almas y del dios Neptuno. Es el  mes de las amatistas y de los lilos.

Después de algunas tardes de estudio, de consultar libros de arte, páginas en Internet y de apuntar alguna que otra idea en ese pequeño cuaderno de inspiración que me regalara MapyDh hace ahora un año, nacía un soleada mañana de sábado “Neptunus deus maris”

Espero que os guste…

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La luz de Rembrandt

Uno de mis pintores barrocos favoritos es el que da nombre al esquema sobre el que nos toca trabajar este mes: la luz Rembrandt, una iluminación en la que las sombras son las protagonistas absolutas del retrato.

Aunque Rembrandt siempre utilizara luz natural, yo voy a dejar pendiente intentarlo más adelante, para el proyecto que nos ocupa la idea es conseguirla utilizando luz artificial. Después de varias pruebas, con diferentes modificadores, mi decisión fue utilizar una cabeza de flash con paraguas y un reflector negro para absorber la luz que podría perderse.

El esquema de iluminación puede parecer sencillo, pero en cuanto te pones a trabajar en él te das cuenta de que en la práctica no lo es tanto. Conseguir que la iluminación tenga sentido y nos revele el carácter del modelo es lo más complicado.

Mi primera idea al empezar a estudiar este esquema fue inspírame en una de las obras del genial maestro, y estas fueron las obras elegidas. El siguiente pasó consistió en buscar modelos y algo de atrezzo. Mi idea era intentar emular la atmosfera barroca que caracteriza los retratos de Rembrandt, la intensidad de sus luces y sus sombras

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La luz principal es clave, y ha de estar por encima de los ojos del retratado en un ángulo aproximado de 45º grados a la cámara. La idea es que esa luz principal deje una sombra sobre la parte oscura, en la que nos quede un pequeño triangulo de luz justo debajo del ojo no iluminado. Esta sombra está provocada por la nariz del modelo.

Se pueden colocar opcionalmente reflectores (dorados, plateados o blancos) o luces de relleno para suavizar el efecto de las zonas menos iluminadas, pero hay que tener cuidado ya que puede llegar a hacer desaparecer el efecto de la iluminación que estamos buscando.

Conseguir la iluminación de tipo Rembrandt no es complicado del todo, lo que resulta difícil es que el resultado revele gestos y dé sentido a la fotografía.

Este es el resultado de la sesión con Claudia,a la que estoy eternamente agradecida por dejarse liar para semejante aventura, espero que os guste.

 

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Un esquema al que estoy segura le voy a sacar mucho partido en el futuro.

Espero que os guste y si queréis ver la sesión completa podéis pasar a visitar mi blog de fotografía: @María Vintage Photography

Os invito igualmente a visitar los trabajos de mis compañeras de proyecto:

María Casanova

Araceli Calabuig

Sara Lagunas

Eva Menacho

Verónica de Prado

 

Ges Rules fotógrafa de sensibilidades

Su nombre es Esther, pero su apodo y con el que todos la conocen es Ges Rules. Ella es mi fotógrafa emergente de febrero. Esther nació en 1970, en Madrid, con los ojos muy abiertos, eso le contaron al menos sus padres y su abuela. Ya por entonces debió de llamarle la atención todo lo que la rodeaba.

Cuando cumplió ocho años recibió  como regalo una Polaroid 1000. Pero no fue hasta que comenzó su carrera como diseñadora gráfica, que supo que realmente lo que quería era ser fotógrafa. Todo en ella gira en relación a observar, ver y captar.

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Yo conocí a Esther por casualidad en un taller que recibí de David Sagasta. Esther nos cedió su casa para realizar las fotos y yo quedé prendada de su delicadeza, nada más verla. Recuerdo que la llevé una pequeña cesta con fruta fresca de agradecimiento, pero nada más entregársela pensé que aquella mirada lo que hubiera merecido era un pequeño ramo de margaritas…

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Aquel día comencé a seguir su trabajo, y he de deciros que la he visto crecer en estos dos años… y mucho. Esther trabaja mucho la fotografía de calle y el retrato, y las dos disciplinas tienen un eje en común: la elegancia y la ternura.

Yo adquirí su fotografía “Behind Yourself” a través de un precioso proyecto que lleva a cabo el fotógrafo  Carlos Cazurro: “Fotos por Palestina”. Una iniciativa sin ánimo de lucro en la que un grupo de fotógrafos se han unido para ceder los derechos de sus imágenes por un tiempo, y recaudar fondos para una gran causa. Os animo a seguirlos, porque aunque ahora la web se encuentra cerrada en breve volverán a ofrecernos sus fotografías.

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Ges Rules en la actualidad colabora con la revista «Entre Cámaras», de la escuela «Fotoaula» de Jorge Pozuelo, realiza algún «book» y tiene fotos a la venta en bancos de imagen como Getty, Art + Commerce.

Ges, ahora ya formas parte de mi pequeña galería fotográfica y un poco también de mi vida…

“Actualmente creo que sin la fotografía nada tendría sentido. Me da la vida” (Ges Rules)

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Todas las imágenes de esta entrada están realizadas por la fotógrafa Ges Rules. También podéis seguir su trabajo a través de sus páginas en:

500px.com

Flickr.com

http://www.gesrules.com/

Zapatos: siglos de Placer y Dolor

El Museo Victorian & Albert en Londres acoge este año exposiciones muy interesantes que, desde López-Linares Vintage Jewelry os animamos a visitar. Entre ellas, una en particular que hará las delicias de los amantes de la moda y los complementos, tanto vintage como actuales. Hablamos de la muestra Shoes: Pleasure and Pain (Zapatos: Placer y Dolor), que se inaugura el 13 de junio.

A través de más de 250 pares de zapatos, esta exhibición mostrará el estilo que a lo largo de la historia ha marcado cada época, desde el Antiguo Egipto hasta nuestra era. Y es que vestir nuestros pies ha sido siempre símbolo de status, gusto, identidad y preferencia sexual. Esta exposición se adentrará en esta obsesión e investigará cómo y en qué medida los zapatos han sido poderosos indicadores de la personalidad de quien los lucía, durante cada época de la historia.

Zapatos de seda de 1750 - expo Shoes Pleasure and Pain - VA Museum

Sin embargo, la muestra no estará expuesta de forma cronológica. Como dicen sus organizadores “no es una enciclopedia de diseñadores de zapatos (…) sino que trata de entender el por qué el ser humano ha intentado desde siempre vestir calzado que, en la mayoría de las ocasiones, llegaba a resultar especialmente incómodo y doloroso.

La sandalia más antigua que presenta la exposición es la que se muestra en la imagen, datada en el Egipto Faraónico (principios del Imperio Romano). La plantilla está fabricada casi por completo en oro puro, y muestra signos de haber sido utilizada, aparentemente por alguien con un alto poder adquisitivo y social.

sandalia egipcia - expo Shoes Pleasure and Pain - VA Museum

Los zapatos medievales serán también una de las partes más aclamadas de la exhibición, como estos que os incluímos en la imagen, elaborados en piel de cabrito sobre pino tallado, que datan de 1600.

Chopines de 1600 - Expo Shoes Pleasure and Pain - VA Museum

De los siglos XVIII y XIX son estos zapatos de novia. Los primeros, creados en plata y oro sobre madera india, son de  la década de 1800, mientras que los segundos, en color azul pálido, fueron realizados en seda y raso con un lazo en plata y datan de la década de 1750.

Shoes: Pleasure and Pain estará organizada en torno a tres pilares:

  1. Transformación: zapatos considerados leyenda gracias al folklore regional y dominante en la época en la que se vistieron, como las varias versions del zapato de la Cenicienta.
  2. Posición social: en este apartado se analizará la relación entre la impracticabilidad y el escaso confort de unos zapatos cuyo único objetivo era mostrar el status de quien los vistiera, y la necesidad de utilizarlos.
  3. Seducción: El último de los objetivos que pueden llevar a alguien a sufrir dolor en pro de la atracción sexual. En esta parte de la exposición se mostrarán zapatos que durante siglos han sido vestidos con el único propósito del cortejo.

Esta es sin duda una exposición para no perderse, especialmente si planeas una escapade a Londres a partir de junio y hasta 2016. Os dejo los enlaces a la exposición por si os interesa conocer más sobre ella:

Web: Victorian&Albert Museum – Shoes: Pleasure and Pain

Filippo Lippi y el broche de perlas de su Madona

Hoy os traigo una joya copiada de una de las obras más emblemáticas de Filippo Lippi. Un pequeño broche de perlas que luce la Madonna en la obra «Madona y niño – Nacimiento de la Virgen». Es una pintura que Filippo Lippi hizo con la técnica de temple sobre madera alrededor de 1465, tiene un tamaño de diámetro de 135 cm. y se mantiene en la Galería Palatina de Florencia.

La historia de Filippo Lippi

De orígenes humildes, en 1421 Filippo tomó votos en el convento de Santa María del Carmine, en Florencia, cerca de donde había vivido con su familia.

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Así, el joven fraile tuvo la oportunidad de admirar los frescos que, durante la década de 1420, Masolino y Masaccio estaban pintando en la Capilla Brancacci, en la iglesia anexa al convento de las Carmelitas. Fue una experiencia decisiva en la formación de Lippi, hasta el punto de que «muchos decían que el espíritu de Masaccio había entrado en el cuerpo de Filippo» (Vasari 1568).

Filippo abandonó el convento en 1434 para trasladarse a vivir a Padua.  A finales de  1430 Lippi abrió su propio taller en Florencia, donde demostró enseguida su talento. En una carta fechada el 1 de abril de 1438 dirigida a Piero de Medici, Domenico Veneziano menciona a Filippo Lippi y a Fra Angelico como los mejores pintores del momento.

Filippo realizó pinturas de temas religiosos con elegante simbolismo: los temas más recurrentes eran la Pietá, la Anunciación y la Adoración del Niño. También pintó retratos. A partir de 1440 Lippi evolucionó hacia un estilo más cortesano, con colores más brillantes, más difuminados, más complejos y de atmósferas más espaciosas, en harmonía con los encargos que le demandaban en este periodo principalmente fomentado por los Medici y sus afiliados. Pintó para Cosimo il Vecchio el altar mayor, retratando la Adoración del Niño en la capilla del Palazzo Medici (antes de 1459).

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Entre 1452 y 1466 Lippi se dedicó a su empresa más ambiciosa: los frescos que muestran las «Escenas de las vidas de San Esteban y Juán el Bautista» en el Coro de la Catedral de Prato. Durante su estancia en Prato se enamoró de Lucrezia Buti, que vivía en el convento de Santa Margarita. A través de la intervención de Cosimo de Medici con el Papa Pío II consiguió que Lucrezia abandonara sus votos monásticos y pudiera casarse con ella. La pareja tuvo un hijo, Filippino, que siguió los pasos de su padre y se convirtió en un importante artista.

En 1647 Filippo Lippi se fue a Spoleto con todo su taller, habiéndosele encargado el fresco «Escenas de la vida de la Virgen» en 1647 en el ábside de la Catedral. Trabajó en esto hasta su muerte en octubre de 1469. Más tarde, en el Duomo de Spoleto donde Lippi había sido enterrado, Lorenzo il Magnifico ordenó la construcción del monumento sepulcral al artista, diseñado por Filippino.

Entre sus pupilos y colaboradores estaban Fra Diamante, Filippino Lippi y Sandro Boticelli.

BIBLIOGRAFIA:

Palazzo-medici.it

WIKIPEDIA

Jane Goodall, una vida dedicada a la defensa de los primates

Hacer de una pasión el pilar fundamental de tu vida. Algo que pocos han logrado de manera tan brillante como la británica Jane Goodall (Londres, 1934), una de las científicas vivas más respetadas y figura emblemática por su trabajo en defensa de los chimpancés. Doctora en Etología por la Universidad de Cambridge y doctora honoris causa por más de cuarenta universidades del mundo, ha sido distinguida con más de un centenar de premios internacionales, entre ellos el Príncipe de Asturias de Investigación en el año 2003.

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Su rostro dulce y aniñado a pesar de su edad, enmarcado por el pelo cano recogido en una casi eterna coleta, es casi tan característico como el peluche con el que siempre es fotografiada y que lleva en todas sus conferencias. Y es que su figura está estrechamente ligada a la de estos primates, por los cuales sintió verdadera devoción desde su infancia, desarrollada en Inglaterra. Con poco más de veinte años viajaba a Kenia para estudiar con un prestigioso antropólogo, dando comienzo a una brillante carrera profesional y personal que incluye más de una veintena de libros, exhaustivos artículos, documentales y una pionera investigación de campo sobre la vida de los chimpancés salvajes en Tanzania que abarca casi cincuenta años.

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Gracias a su capacidad de observación y a su empatía con estos animales, hoy en día se sabe mucho más sobre sus fascinantes rutinas de comportamiento y sobre todo lo que compartimos con ellos. Sus estudios desarrollados en África son tan relevantes que supusieron una auténtica revolución en el campo de la biología. Además de defender a estos animales, la naturalista británica siempre ha promovido que llevemos una existencia más sostenible y que se respete a todas las especies, luchando por lograr un cambio en la conciencia de las personas.

Convertida en un referente para los primatólogos, Goodall fundó a finales de los setenta el instituto que lleva su nombre, una organización global sin ánimo de lucro a través de la cual se investiga, se difunde y se protege el universo de los chimpancés, pero también de otros seres vivos. Profundamente crítica siempre que se le pregunta al respecto de su confianza en la humanidad, con la que se muestra bastante desencantada –aunque afirma confiar en el poder de las nuevas generaciones–, Goodall sigue a sus ochenta años muy involucrada en su defensa de las causas naturales.

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Un claro ejemplo de ello es el documental sobre su vida y obra, El viaje de Jane, en el que se comprueba que la energía y la pasión son dos rasgos que no parecen abandonar a esta británica, todo un ejemplo de entrega absoluta a un sueño. De su experiencia de casi sesenta años en defensa de la naturaleza nos queda, como un preciado legado, su acertada reflexión: “Si somos la criatura más inteligente que ha pisado el planeta, ¿cómo es posible que estemos destruyéndolo?”

Fotografías: María Vintage Photography

Texto de @Esther Ginés 

Os dejo un vídeo súper emotivo en el que se ve a Jane Goodall en plena acción.

www.youtube.com

 

Mary Wilson

Otra de esas sorpresas que me alegran la semana y el mes de trabajo. La verdad es que tengo una suerte increíble de tener el trabajo que tengo y encima poder compartirlo con gente tan increíble que ama el arte tanto a más que yo. Amigos que movidos por esa pasión por el arte y las cosas antiguas hacen el esfuerzo de acercarse hasta nuestro espacio solo para conocernos y pasar un ratito con nosotras.

Estoy eternamente agradecida a todos los que hacen este esfuerzo por acercarse hasta nosotras y conocer nuestro espacio.

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Hace unas semanas la sorpresa fue mayúscula cuando llamaron al timbre y vi la cara de Mary Wilson por primera vez. Mary es una de esas fotógrafas que sigo desde hace  años y a la que admiro profundamente. Su trabajo se centra fundamentalmente en fotografiar a su hija. Son fotografías espontáneas y mágicas en las que su hija, juega, baila y ríe. Imágenes cargadas de felicidad que son un verdaderos placer para la vista. Recuerdos de cada momento vivido con ella que quedarán para siempre congelados en una preciosa imagen.

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Sus retratos tiene esa magia que te lleva hasta el alma de la persona retratada, nos acercan a sus sentimientos, y su yo más profundo.

No puedo más que invitaros a pasear por su galería porque es una verdadera delicia. En ella vais a poder ver a su preciosa musa y muchos autorretratos en los que queda reflejado no solo su calidad como fotógrafo sino la enorme imaginación que tiene a la hora de montar escenarios fotográficos.

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Mil gracias por la visita Mary, espero que en otro viaje que hagas a Madrid vengas de nuevo a vernos y podamos charlar más despacio sobre tus proyectos futuros.

Todas las imágenes que acompañan este post pertenecen a su galería la cual podéis ver completa en el siguiente link: Galeria de Mary Wilson

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Diccionario Vintage: Con la «E» Estrass o Rhinestone

Piedra de vidrio  que intenta imitar al brillante y que se utiliza para decorar joyas de fantasía. Su nombre proviene del apellido de su inventor, Georg Friedrich Strass (1701-1773).

En 1750 Strass, el joyero alsaciano, consiguió fabricar una clase de vidrio con sales de plomo en su composición que poseía un brillo muy parecido al del brillante. Su invento dio la vuelta al mundo, consiguiendo poner al alcance de todas las clases sociales el brillo y la belleza de las piedras preciosas. Strass inventó el concepto de “piedra preciosa de imitación”, y dedicó  su vida a la fabricación de brillantes “falsos”.

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En 1810 Lançon perfeccionó el invento haciendo las imitaciones más brillantes y duras. Para ello colocó en la base un metal con brillo de espejo, para reflejar más luz, y aunque en un principio solamente se fabricaron en color blanco, poco a poco y con varios avances en la técnica, comenzaron a producirse en diversos colores que imitaban los rubíes, las esmeraldas o los zafiros.

Toda mujer quiere brillar con luz propia, y el invento de Strass consiguió que las mujeres de todas las clases sociales pudieran lucir joyas con el brillo de las piedras verdaderas, a un coste mucho más bajo. Strass popularizó el uso de los brillantes.

Mucho más tarde estas piedras de Strass se han usado también para decorar ropa, zapatos y todo tipo de complementos de moda.

Imágenes: María Vintage Photography

 

«Janus a principio ad finem»

Bodegón, también conocido como naturaleza muerta y, más recientemente, como Still Lifes: obra de arte que representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas, rocas, conchas, …) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, …) en un espacio determinado. Esta rama del arte se sirve de la composición, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.

Y esto es, justamente, lo que me he propuesto estudiar durante 2015.

Históricamente los bodegones ya adornaban el interior de algunas tumbas del antiguo Egipto. Se creía que los objetos relacionados con la comida y la vida doméstica se harían reales en el más allá. Más tarde ya, Plinio el Viejo nos hablaba de Peiraikos, que pintó tenderetes de zapateros y barberías, asnos, plantas y cosas semejantes, y por esa razón le llamaron el «pintor de los objetos vulgares».

También se han encontrado representaciones decorativas de bodegones en murales de la antigua Roma, en mosaicos de Pompeya y en la villa de Herculano. En esa época existía la tradición de usar cráneos en las pinturas como símbolo de mortalidad y de fugacidad, a menudo acompañada por la frase «Omnia mors aequat» (La muerte iguala a todos).

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A partir de 1300, comenzando por Giotto y sus seguidores, la pintura de bodegón revivió en las pinturas de tema religioso en forma de objetos de la vida cotidiana que acompañaban a las figuras protagonistas. Este tipo de representación pictórica fue considerado menor hasta el Renacimiento

Pero no sería hasta la llegada de Leonardo da Vinci cuando los bodegones comenzarían a liberarse de su significado religioso. Leonardo creó estudios a la acuarela como parte de su incansable examen de la naturaleza, y Alberto Durero, también realizó dibujos detallados de la flora y la fauna.

Jacopo de’ Barbari dio un paso más allá con su «Bodegón con perdiz», guanteletes y flechas de ballesta (1504), uno de los primeros bodegones trampantojo firmados y datados con un contenido religioso reducido al mínimo.

El siglo XVI vio una explosión de interés en el mundo natural y la creación de lujosas enciclopedias botánicas, que documentaban los descubrimientos del Nuevo Mundo. Además, comenzaron a popularizarse las colecciones de especies animales y minerales, conchas, insectos, frutas exóticas todo ello sirvió como modelo para los pintores que buscaban realismo y novedad.

Durante el S.XVII destaca la obra de Caravaggio, que fue uno de los primeros artistas que representó naturalezas muertas con conciencia de obra pictórica. Aplicó su influyente forma de naturalismo al bodegón. Su «Cesto con frutas» es uno de los primeros ejemplos de bodegón puro y, a partir de esta época, cuando va a comenzar mi estudio del Bodegón. La decisión de emular este género pictórico e intentar emularlo en fotografía digital me llevaba rondando la cabeza hace meses.

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Mi inspiración serán los grandes maestros del bodegón a partir de Caravaggio. Nombres como Frans Snyders, Osias Beert, Clara Peeters, Jacob van Es, Willem Heda y Pieter Claesz, Samuel van Hoogstraten, Cornelis Norbertus Gysbrechts, Georg Flegel, Juan Sánchez Cotán, Zurbarán, Blas de Prado, Mateo Cerezo o Antonio de Pereda, Juan van der Hamen, Juan de Espinosa, Antonio Ponce, Francisco Barrera o Ignacio Arias, Francisco de Burgos Mantilla, relacionado con Velázquez; Pedro de Camprobín y Pedro de Medina, Alejandro Loarte, Juan van der Hamen,  Valbuena, Tomás Yepes o Juan Fernández.

Maestros también del bodegón floral como Jan Brueghel el Viejo y Daniel Seghers en Flandes, Mario Nuzzi o Margarita Caffi en Italia y, en España, Pedro de Camprobín, Gabriel de la Corte, Juan de Arellano y su yerno Bartolomé Pérez de la Dehesa me acompañarán durante todo 2015.

Artistas que se inspiraron en los antiguos trampantojos griegos y que voy a estudiar con detalle y minuciosidad para intentar emular su obra con mi Nikon, mi equipo de iluminación y los numerosos objetos antiguos que, a lo largo de todos estos años, hemos ido guardando en casa.

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Yo me inspiraré en la pintura de “vanidad”, en las que suntuosos arreglos de fruta y flores se entremezclan con libros, jarras, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales o científicos. Objetos a su vez acompañados por piezas con significados simbólicos. Así, un cráneo, un reloj de arena o de bolsillo, una vela consumiéndose o un libro con las páginas vueltas, servirán de mensaje. Utilizaré variedades de frutas y flores que se mostrarán no solo frescas y jóvenes sino  comenzando a pudrirse o decaer para transmitir decadencia. Recurriré al simbolismo de las flores y de las piedras. Cada mes será único y diferente, pero siempre con el mismo estilo de fondo y con un hilo conductor que dejaré de incógnita, para ver si a final de año sois capaces de descubrirlo.

12 bodegones barrocos, 12 Still Even, o naturaleza tranquila como la llamaban en el S.XVII en los Países Bajos. Me quedo con este nombre mejor que con el de naturaleza muerta. Me sugiere mucho más y se identifica mejor con los que voy buscando.

Tardes de estudio, de lectura sosegada y de componer cada fotografía paso a paso. Trabajar las luces y las sombras. Estudiar a los grandes maestros de la pintura y, sobre todo, adentrarme en un estilo de fotografía que me hace especial ilusión experimentar.

Espero poder compartirlo con todos vosotros…

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Imágenes: María Vintage Photography 

 

Sorteo día de los enamorados

Estamos decididas a darles una gran sorpresa este mes a nuestros chicos. Y pensando en ellos: en nuestros padres, hermanos, compañeros…, hemos decidido celebrar un sorteo “Especial de los Enamorados” y hemos buscado un regalo especial para ellos. Vamos a sortear tres pares de gemelos.

¡¡Vamos a vestirlos de fiesta!!

Es súper sencillo, sigue estos pasos y participa en el sorteo de estos tres preciosos pares de gemelos:

  • Únete a nuestra comunidad de Facebook aquí: Facebook VintageBy López-Linares.
  • Deja un comentario en Facebook en la foto de los gemelos y dinos cuál de todas las joyas de nuestra tienda online te gustaría recibir como regalo el día de los enamorados.
  • Si quieres puedes compartir el post de Facebook con tus amigos, nosotras te lo vamos a agradecer mucho.

Fácil, rápido y… ¡una indirecta de los más directa para tu enamorado o enamorada!

Tienes hasta el martes día 4 de febrero a las 24.00 para participar y tres posibilidades de ganar unos.

El ganador se elegirá con la plataforma de Internet Woobox y se anunciará en el mismo Facebook el jueves 6 de febrero.

¡¡Mil gracias por participar y mucha suerte a todos!!

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Las Joyas vintage de Chaplin

Dicen que su pasión por las joyas comenzó en la década de los 30, al poco de contraer matrimonio casi secreto con Charles Chaplin, y que solía llegar a los camerinos con una pequeña tabaquera llena de joyas.

Si tuviera que destacar alguna pieza entre las de su colección, creo que me quedaría con los dos collares de brillantes. El más valioso de todos es una joya de los años 40 que la actriz utilizó para su papel protagonista en la película «Kitty». La joya llevaba en su parte central  un impresionante brillante, que pudo ser la pieza central del anillo de compromiso que recibiera de Chaplin.

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Pero mi pieza favorita es el collar del S.XIX. Sonadas fueron sus apariciones con este magnífico collar que podría convertirse en tiara en algunos de las fiestas más famosas de la época.  En la foto con fondo rojo podemos verla luciendo los dos collares, uno como collar y el otro como tiara.

Después de la frustración que la produjo  no conseguir el papel de Escarlata O´Hara en «Lo que el viento se llevó», Chaplin le regaló una pulsera de oro y cabujones de esmeraldas del joyero Trabert&Hoeffer Inc. Se trata de una maravillosa agrupación de llamativas flores con la que fue fotografiada a menudo. La pulsera iba acompañada con unos pendientes de cabujones de esmeraldas y diamantes de similar diseño floral. El «estilo flor» estaba muy en boga en EEUU durante este periodo, y su pulsera y pendientes se supone están inspirados en un broche de Van Cleef&Arpels que llevaba la Duquesa de Windsor. Una pulsera similar apareció en la colección de Mary Pickford.

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Destacada pieza de su colección es un broche de rubís y perlas en forma de labios, que el artista salvador Dalí diseñara especialmente para ella.

En abril y en octubre de 1990 se subastó gran parte de su colección de joyas. En ambas subastas las piezas ofrecidas consistían principalmente en piezas de los 40. Las joyas más destacadas fueron:

  • La pulsera y los pendientes de Trabert&Hoeffer
  • Un coloridoy encantador par de pendientes en forma de flor de oro, zafiros amarillos y azules y rubíes de Van Cleef&Arpels, con un par de horquillas y un anillo a juego.
  • También de Van Cleef&Arpels estaban un par de pendientes de diamantes en forma de huevo, rodeados de bandas de diamantes, tallados en forma de brillante.
  • Un broche de diamantes en forma de copo de nieve.
  • De la firma Cartier, un encantador broche de coral tallado.
  • Sus dos espectaculares collares de brillantes y otro de diamantes de colores.

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Las joyas de Paulette Goddard fueron toda una declaración de intenciones del exclusivo estilo de esta exitosa estrella de Hollywood, quien también fue una mujer inteligente y hermosa.

Muchos fueron regalos de hombres fascinados por ella, y como dijo una vez: «Yo no acepto flores, no cojo nada perecedero».

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IMÁGENES:

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Pinterest.com

Leila Amat

Con ella estreno esta nueva iniciativa. Fue por un post que leí en su blog por lo que me decidí a comenzar esta aventura de llenar mi casa de fotografía emergente e invitar a su autor a pasar por mi blog.

Leila Amat es filóloga de hispánicas y profesora de lengua y literatura, pero hace dos  años que decidió dedicarse de lleno a la fotografía creativa.

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Su carrera como fotógrafa no comenzó produciendo fotografías, sino contemplándolas. Tendría unos 11 años cuando su casa de Sevilla se incendió, con toda su infancia dentro. El fuego no lo consumió todo, pero lo poco que quedaba se había impregnado de humo. Todas las paredes, todos los objetos, absolutamente todo, quedó como un tizón. Fue limpiando de humo, con un trapito húmedo, una a una todas las fotografías que su padre tenía en una caja, cuando tuvo su primera experiencia fotográfica, y para ella una de las más profundas.

A disparar no comenzó hasta los 17 años, con una analógica. Desde entonces todo ha sido siempre una evolución, tanto estética como técnica. Desde sus comienzos quiso que cada imagen fuera en sí misma un universo, un mundo paralelo en el que vivir e interpretar un personaje que no era en la vida real. En la mayoría de las fotos aparece ella. Leila concibe la fotografía como un lenguaje que la permite vivir, expandirse o analizarse. Una herramienta con la que, con un poco de imaginación, poder soñar y hacer soñar a los demás.

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Me cuenta que nunca pensó en dedicarse exclusivamente a la fotografía, pero de repente se dio cuenta de que era lo único, junto al amor, que le daba la vida.

Fue entonces cuando decidió (mal)vivir de sus imágenes, tanto económica como espiritualmente. Comenzó vendiendo en las calles, hiciera frío o calor. Las calles del Arenal, Preciados o Fuencarral fueron los lugares donde Leila pasó horas y horas sentada, exponiendo y vendiendo su trabajo. Es muy duro porque la obra, expuesta a lo “top manta”, se devalúa muchísimo, y para la policía no eres menos ilegal que los que venden carcasas de móviles o bolsos falsificados.

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En la actualidad Leila vive de la venta online en algunas webs de arte como Myweb’art o a través de las galerías Lumas (alemana) y Sophie Lanoë (francesa).

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Leila vino hasta la tienda a traerme mi pequeña gran adquisición “Sueño de Bambú”, y su sola presencia llenó mi espacio de un halo de magnetismo, muy difícil de explicar. Leila transmite con su mirada una dulzura y una sensibilidad que te llevan a quererla, casi desde el primer momento.

Me siento afortunada de tener ya un testimonio de su creatividad decorando mi casa.

Estoy segura de que os va a encantar su obra. No dejéis de pasar a visitar su trabajo en:

Flickr.com

Facebook.com

Produccionesleilaamat.wordpress.com

Todas las imágenes de este post tienen derechos de autor y pertenecen a Leila Amat.