La boda de Elvis Presley y Priscilla

El año que viene se cumplirán 50 años de la única boda del Rey del Rock

Elvis Presley y Priscilla vivieron un precioso e íntimo día de boda, que me ha parecido más que curioso para comenzar con esta nueva sección que va a ser “Bodas de Cine de Vintage by López-Linares”

Hay bodas sobre las que se ha escrito hasta la saciedad y sobre las que las crónicas de la época dejaron ríos de tinta, pero esta fue una boda más bien discreta a la que acudieron pocos invitados famosos y sobre la que tampoco hay tanto escrito.

Mi idea es hacer una serie de posts en los que descubriros las anécdotas más curiosas de cada una de las bodas seleccionada, y estas son las que he encontrado de esta pareja de estrellas:

Boda Elvis y priscilla- Vintage by lopez linares (3)

  1. La pareja se conoció en 1959 cuando Priscilla era aún una adolescente. El encuentro se produjo en una fiesta en Bad Nauheim, Alemania.
  2. Elvis y Priscilla se casaron en 1967 en Las Vegas, en una suite privada en el Hotel Aladdin. La ceremonia civil fue organizado por el manager de Elvis, Tom Parker.
  3. A la ceremonia acudieron a penas un centenar de invitados. A finales de ese mes volvieron a Graceland y dieron otra gran recepción para los que no habían estado en la primera.
  4. La ceremonia duró ocho minutos. Se celebró a las 9 de la mañana.
  5. Se sirvió un desayuno completo con cochinillo asado, ostras, langosta, champán… y pollo frito del sur.
  6. Ya no es posible recrear el día de la boda de Elvis, el Hotel Aladdin fue destruido en 1998. Lo que si puedes hacer es recrear una típica boda en Las Vegas al más puro estilo Elvis, en la capilla de Graceland.
  7. Elvis optó por llevar un esmoquin de seda de brocado negro y, por supuesto, sus famosísimas botas de cowboy.
  8. Priscilla diseñaría su propio vestido de novia en gasa. La novia llevaba un pomposo velo de tul muy cortito, como era usual en esos años, y portaba una corona de diamantes de imitación. Os aseguro que me habría encanto ayudarla a elegir el modelo.
  9. La única celebridad en la lista de invitados fue el comediante Redd Foxx. El resto fueron familia y amigos.
  10. El pastel de boda, de seis niveles, costó unos $ 3,200 de la época, lo que podría ser más o menos 22,000 $ de hoy en día. Cada capa se llenó dos veces con mermelada de albaricoque y una crema bávara con sabor a kirsch.
  11. El primer baile de la pareja fue «Love Me Tender».
  12. Los novios marcharon de luna de miel durante un mes a una casa alquilada en Palm Springs, una propiedad que desde entonces se ha convertido en un museo Elvis.
  13. Su única hija, Lisa Marie, nació exactamente nueve meses después de su día de la boda, el 1 de febrero de 1968.
  14. Elvis Presley le regaló a Priscilla uno de los anillos más espectaculares que se recuerdan. Tenía un diamante de 3 quilates y medio, rodeado por una corona de diamantes más pequeños.

Boda Elvis y priscilla- Vintage by lopez linares (2)

La pareja se divorciaría en octubre de 1973 después de seis años y medio de matrimonio. Acordaron entonces compartir la custodia de su hija.

El cantante debió pagarle a su ex-esposa $725.000 dólares en efectivo, y acordó darle el 5% de las ganancias que generen sus discos y películas.

Pese a su separación, continuaron siendo amigos hasta la muerte del músico el 16 de agosto de 1977.

Os dejo un link con una curiosa página que vende a Barbie y a Kent vestidos de la famosa pareja el día de su boda

LA MUÑECA:

The barbie collection

Este es el vídeo de su boda:

Youtube- Video boda Elvis

IMÁGENES:

Club elvis memories blogspot

BIBLIOGRAFIA

People.com

Diccionario Vintage: Cierre de gancho o hippie

El cierre de gancho puede ser abierto o cerrado, es muy cómodo y rápido de poner, quizás por eso es tan popular entre nuestras  clientes.

El inconveniente que tiene es que con el paso de los años el lóbulo de nuestra oreja pierde definición y se descuelga un poco, lo que puede hacer que los pendientes queden un poco descolgados, permitiendo que se vea demasiado el lóbulo o que parezca que lo tenemos más grande.

diccionario vintage-cierre gancho-cierre hippie- vintage by lopez linares (1)

Otro posible inconveniente de este tipo de cierre, sobre todo si es de “gacho abierto”, es que puede salirse con un mal movimiento o engancharse en el cabello y perder uno de los pendientes. Por esa razón recomiendo siempre el uso de topes de silicona, para que quede bien sujeto y evitarnos disgustos.

En el caso del cierre de gancho cerrado este problema desaparece por completo, ya que el cierre evita que el pendiente pueda salirse en un descuido.

diccionario vintage-cierre gancho-cierre hippie- vintage by lopez linares (3)

Nosotras en nuestra colección de joyas históricas solamente trabajamos el cierre de gancho con cierre incorporado, sobre todo para evitar estas pérdidas indeseadas.

Sí es cierto que es un tipo de cierre que no favorece a todo el mundo, pero es muy popular entre la gente joven.

Podéis encontrar una gran selección de pendientes con este tipo de cierre en nuestra colección de pendientes renacentistas. 

Louise Uphoff: Una novia demasiado clásica para su época

Hace unas semanas os hablaba sobre lo vanguardista que resultó para la época el vestido de novia de Katherine Worth Phillip. Su boda fue solamente un año antes que la de Louisa Uphoff, pero ella se atrevió con un diseño mucho más moderno para la época.

Por el contrario, el vestido de novia de Louisa Uphoff en 1875 no tiene el estilo vanguardista que tenía el de Katherine. Louise seguramente sería una joven mucho más recatada y sencilla, por lo que eligió un diseño mucho más apropiado para los manuales de etiqueta de la época. El escote es alto y las mangas largas; el vestido es la viva imagen de la modestia

Uphoff también eligió usar satén blanco, algo que en la época ya recomendaban en el libro sobre el “Arte del buen vestir” de S. S Frost y su compañero y escritor de etiqueta Cecil B. Hartley. Así versaban las palabras del reputado estilista: “Desde la hija del millonario a la hija del mecánico siempre hay una regla, que la novia debe vestir de color blanco en todas partes. Vestido, velo, guantes, zapatillas, guirnalda, todo tiene que ser de color blanco puro para una novia.

En el libro se lamentaban de los adornos extravagantes que prodigaron en algunos de los vestidos de novia norteamericanos. Hartley recomendaba que la simplicidad era la opción más sabia.

Se podría decir que Uphoff embelleció excesivamente su vestido con hileras de volantes, encajes en el escote y varios adornos de azahar alrededor de la falda

El padre de Luoisa, George H. Uphoff, era propietario de una caballeriza, y la familia residía en los barrios del este de Walnut Hills de Cincinnati, siendo probablemente de clase media. Uphoff seguramente consultó diversas revistas de moda para decidir sobre un diseño elegante para un día tan especial.

El vestido no cuenta con etiqueta alguna, por lo que probablemente recurriría a alguna modista local, igual que hizo Ada Davis en 1874.  Ya la hubiera gustado a la novia recurrir a algún afamado diseñador parisino, pero no todas las jóvenes tenían la fortuna suficiente para costearse un traje de esas características.

marca plata novio

Louisa Uphoff (1853-1933) se casó con Frank Xavier Bernard Homan (1851-1879) en mayo de 1875. Frank heredó el negocio familiar tras la muerte de su padre en 1865. una reputada fábrica de plateado y utensilios de Britannia llamada Homan & Co.

La temprana muerte de Frank de fiebre tifoidea en 1879, ocurrió cuando Louisa estaba embarazada de su tercer hijo. Louisa y su cuñado, Henry Korf, trabajaron en Homan & Co. durante años. La firma de plata desapareció en 1941.

Bibliografía:

“Arte del buen vestir”

@ Wedding Perfection- Two Centuries of wedding Gowns- Cynthia Amnèus.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Francisca María de Borbón “Le Mademoiselle de Blois.

Françoise Marie fue una de las hijas bastardas que el rey de Francia Luis XIV tuvo con Madame de Montespan, legitimada en el año 1681.

Una mujer que llegó a ser duquesa de Orleans y primera dama del reino, pero que tuvo una vida llena de luchas y sinsabores.

En este retrato, realizado por el pintor francés Françoise de Troy (1677-1749), vemos bastante bien reflejada su personalidad. Reconocemos una gran dama por su porte y su indumentaria.

Un exuberante vestido de terciopelo de seda azul, bordado con hilo de oro y adornado con dos hermosos broches muy al uso de esa época, con un cinturón de perlas y piedras semipreciosas.

Por debajo del precioso traje sobresale una camisola rematada de delicados encajes, mostrando detrás el impresionante manto de tafetán granate que enmarca a la gran dama, casi como si de una enorme orla se tratara.

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Llama la atención cómo el pintor ha sabido reflejar el temperamento de esta mujer, y su mirada llena de la añoranza de esa vida feliz que nunca pudo alcanzar.

De pequeña, al igual que sus hermanos, fue desatendida por su madre, lo que provocó en ella un carácter retraído y tímido. Se casó con su primo Felipe de Orleans, quien a la muerte del rey Luis XIV se convirtió en regente de Francia durante la minoría de edad de Luis XV.  Casi desde el principio de su matrimonio Felipe mantuvo relaciones con varias amantes, esto hizo que Françoise Marie se refugiara en su palacio de Bagnolet y que llevara una vida perezosa, rodeada de sus damas de compañía y apartada de la corte.

Mantuvo muy mala  relación con su hermana menor, la duquesa de Borbón a causa del casamiento de las hijas de ambas, con los delfines del  Luis XV, las dos rivalizaban y ansiaban estos casamientos para sus respectivas hijas. Pero La duquesa de Orleans  supo manejar bien la contienda y logró casar a dos de sus hijas mejor que su hermana. Luisa Isabel casaría con Luis I de España y Luisa Adelaida casaría con el Principe Francisco III de Módena.

Durante sus últimos años mantuvo unas relaciones muy conflictivas con su hija mayor, María Luisa de Orleans, a la que reprochaba continuamente la vida licenciosa y amoral que llevaba después de la muerte de su marido.

Yo he elegido para ella el Broche Francisca de nuestra colección Renacimiento

¿Qué os parece a vosotros?

La Elegancia y Esplendor del Art Decó en más de 30 piezas de Cartier

Hoy hemos visitado virtualmente otra de las exposiciones a la que nos habría encantado acudir en persona, pero Moscú de momento no está entre nuestras próximas escapadas. Así que hemos decidido traeros las piezas a vosotros, para que podáis disfrutar de la Elegancia y Esplendor del Art-Decó.

La muestra se aloja en Museo del Kremlin de Moscú, aunque las piezas proceden del Instituto del Traje de Kyoto. Esta es la primera vez que estas colecciones de alta costura Europea y la joyería de la época se muestran en Moscú. Pero no es de extrañar el interés que suscita. Los visitantes tienen la posibilidad de ver joyas de entre 1910 y 1930 de maestros como Cartier y Van Cleef & Arpels, junto con impresionantes trajes y fotografías de archivo de esas décadas.

Exposicion Elegancia y Esplendor del Art Deco - Tiara de Cartier

En total, la exposición muestra 34 creaciones de Cartier, seleccionados cuidadosamente de entre sus colecciones de la época. Impresionantes piezas que dejan a los visitantes boquiabiertos. Joyas que marcaron el inicio de un estilo muy particular, original, rompiendo totalmente con lo que se conocía hasta ese momento pero que aún hoy sigue utilizándose por su glamour y elegancia.

El Art-Decó es puramente un estilo decorativo, que simplemente se dejó guiar por los cambios de la época, con una Guerra Mundial todavía muy reciente, una segunda en ciernes y una gran depresión económica que ya se olfateaba en el ambiente.

Exposicion Elegancia y Esplendor del Art Deco - Collar de Van Cleef and Arpels - Paris - 1929

Sin embargo, durante los años previos al estallido del Art-Decó, el rol de la mujer ya estaba cambiando, siendo cada vez más significativo, y tuvo gran influencia en el estilismo característico de las décadas de 1910 a 1930. Una mujer que luchaba por conseguir que su voz se escuchara y que se le considerara independiente del hombre.  ¿Y cuál es la mejor forma de protestar cuando no puedes alzar la voz? Mostrándolo. Y ellas lo mostraron.

Es una de las épocas que más nos apasionan, ya lo sabéis. Y por eso nos encantaría poder visitar la exposición. Si alguien tiene la suerte de visitar Moscú antes del 11 de enero,  ¡no dudéis en ir a ver esta muestra! Y de paso, nos contáis un poco más sobre ella.

Tenéis toda la información en el Moscow Kremlin Museum.

Exposicion Elegancia y Esplendor del Art Deco - cajita de polvos de Van Cleef and Arpels - Paris - 1931

 

La Maison Bapst

Así se llamaba una importante generación de joyeros parisinos, que durante dos siglos atendieron las demandas de la corte y de la alta sociedad francesa.

Esta familia de joyeros era de origen alemán, procedentes de un precioso pueblo del sur de Alemania llamado Hall. De allí, en 1743, salió rumbo a Paris George Michel Bapst para trabajar de joyero junto a su tío Georges Frederic Strass, que le cedió parte del negocio. Poco a poco Georges Michel fue ganándose una buena clientela. Se casó, y su hijo George Frederick Bapst continuó con el negocio, llegando a ser nombrado joyero–orfebre oficial del rey de Francia Luis XVI. Uno de los primeros encargos que le encomendó fue la ejecución de una espada adornada con piedras preciosas, diseñada por un famoso joyero parisino.

BRAZALETE 1887

A partir de entonces los Bapst continuaron siendo joyeros de la Corte durante el Segundo Imperio, 1852 al 1870. Restauraron joyas de Napoleón para Luis XVIII, diseñaron y realizaron joyas para la coronación de Carlos X. Pero, sin duda, los encargos más numerosos fueron los de la emperatriz Eugenia de Montijo, esposa de Napoleón III. La emperatriz sentía predilección por las sutiles creaciones de Alfred Bapst, sobre todo le encantaban los diseños de follaje y ramas, encargándole numerosos broches, tiaras, prendedores de pelo y aderezos.

El hijo de Alfred, German Bapst, se asoció en 1853 con el joyero francés Lucien Falize. Los dos nuevos socios tuvieron un gran éxito y gozaron de gran prosperidad, hasta que en 1892 se disolvió la asociación. La Maison Bapst cerró sus puertas, desapareciendo del mundo de la joyería francesa esta importante dinastía de joyeros.

 

La boda de la Princesa Margarita de Connaughty el Principe Gustavo Adolfo VI de Suecia

Un vestido de novia que causaría sensación en la época, es el protagonista de este viernes en nuestra sección de “Ideas Vintage”. Se trata de la joya que luciría la Princesa Margarita de Connaught el día de su boda religiosa con el Principe Gustavo Adolfo VI de Suecia.

El vestido se realizó a partir de una preciosa tela de encaje y se acompañaba de un soberbio velo que había sido bordado por varias mujeres irlandesas, parece que como agradecimiento a los cuatro años que la familia ducal había vivido en dicho país.

El velo iba sujeto con una guirnalda de florecitas en tono naranjas que hacían juego con las flores que llevaba en el corpiño el traje. La princesa Margarita llegaría con los 15 minutos de retraso propios de toda novia que se precie, y del brazo de su padre. La acompañaron durante toda la ceremonia cuatro preciosas damas de honor: su hermana la princesa Patricia, la princesa Mary de Gales, la princesa Beatriz de Saxe-Coburg y Gotha y la princesa Victoria Eugenia de Battenberg, futura esposa de Alfonso XIII y reina de España.

La revista “The Lady”, publicación inglesa con base en Londres que lleva funcionando desde 1885, alabó el buen gusto de la princesa Margarita. La ceremonia fue muy sencilla y sobria, algo bastante distinto a la tradición de la corte inglesa.

Los novios recibieron como regalo de bodas el Castillo Sofiero de manos del rey Óscar II, su abuelo, en el cual tuvieron su residencia oficial de verano hasta la muerte del Rey Gustavo en 1973. Fecha en la que el soberano donaba en su testamento el castillo al municipio de Helsingborg.

Un precioso vestido de novia que estoy segura habrá inspirado a más de un diseñador del S.XX.

 

 

Diccionario Vintage: Con la «G» El Arte de la Glíptica.

 

Glíptica es el arte de realizar grabados en general y de tallar gemas en particular. La palabra glíptica viene del griego “Glifo”, que significa esculpir.

Para hacer este  trabajo se usan dos técnicas diferentes: una es el “intaglio” que se graba en hueco, profundizando en la piedra desde la superficie hacia el interior, y la otra es el “camafeo”, cuya talla es en relieve. Con esta técnica del camafeo, el resultado es una figura grabada en relieve sobre una piedra preciosa, cuyo fondo, casi siempre, es más oscuro que el motivo grabado.

Es una técnica antiquísima que han practicado casi todas las civilizaciones antiguas. Se tienen noticias de su uso en Babilonia 7000 a.C., encontrándose numerosos grabados en piedras blandas como la serpentina, lapislázuli o las turquesas.

anillo akenaton XIII aC

Los egipcios también usaron esta técnica en anillos y joyas, que al principio eran muy rudimentarias. Más tarde, a partir de 1500 a.C,  se perfeccionó la técnica gracias al uso de la  broca y el torno, comenzándose a  tallar en piedras más duras como el rubí o el zafiro.

A partir de 500 a.C., Grecia y Roma también utilizaron mucho esta técnica de tallado, apareciendo el camafeo jugando con las formas, los colores y las transparencias de las piedras. Los griegos buscaban la pureza de las formas y sus contrastes, y los romanos buscaban más hacer resaltar las transparencias y los tonos de las piedras.

Después del imperio romano este arte casi desaparece, y será  a partir del  siglo VIII cuando los carolingios volverán a emplear esta tecnica en sus anillos tipo sello, con el tallado de emblemas y escudos familiares, que luego se extenderá su uso durante toda la edad media.

anillo egipcio XVIII aC

Es en el Renacimiento, XV-XVII, cuando este arte alcanza su máximo eslendor, siendo Paris el centro y seguido por Italia.

Mas adelante, será en las épocas Victoriana y Eduardiana cuando el camafeo tenga su mayor florecimiento, combinándose con piedras preciosas, plata y oro, obteniéndose verdaderas obras de arte.

En la actualidad se utilizan para el tallado toda clase de piedras, predominando entre todas la ágata por su  variedad de tonos. Idar Oberstein ( Alemania), donde se encuentran grandes minas de ágata, se ha convertido en uno de los centros de tallado más importante de Europa.

Imágenes:

http://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/26.7.767/

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Juana de Habsburgo-Jagellón

Hoy os traigo hasta nuestra sección de joyas históricas unos originales pendientes, inspirados esta vez en una de las obras que se encuentran expuestas en el Museo Pitti de Florencia.  El retrato que llamó mi atención es una obra firmada por Alessandro Allori en 1570 y pintado durante los años en que Allori gozaba de más popularidad, siendo el pintor oficial de la familia más poderosa de Florencia, en este caso del Gran Duque Francisco I de Medici, 2º Gran Duque de Toscana.

El retrato es de Juana de Austria, esposa de Francisco I de Médici y Archiduquesa de Austria.  Es posible que en su rostro apreciemos, en cierta medida, la desesperada situación que vivía la joven

La corte florentina no acogió demasiado bien a Juana a causa de su linaje austriaco, y ella tampoco se sintió encajada en la Corte. El desprecio hacia ella era patente, y el vacío que le hacía la corte italiana la hace añorar constantemente su patria. El Gran Duque Francisco tampoco entiende el carácter reservado y serio de su mujer, y se comporta con total frialdad hacia ella.

Para más inri, la joven no era capaz de dar a luz el deseado varón que tanto anhelaba su esposo. En aquellos años se pensaba que la mujer era la única responsable del sexo de los niños, y todas las damas casadas con influyentes nobles sufrían una gran presión por esta causa. Juana tuvo seis partos casi seguidos y todas fueron niñas, de las cuales solo dos sobrevivieron a la niñez.

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Por otro lado, como era frecuente en la época, su esposo no cesaba en sus ansias de mantener relación con otras mujeres. Francisco llevaba una vida promiscua.

Hasta el punto que en 1576 la situación de Juana se vuelve bastante incierta. Francisco tenía una amante llamada Bianca Capelo, a la cual exhibía públicamente con todo descaro, cubría de joyas y lujosos vestidos, e incluso compró una casa cerca del Palacio Vecchio para que viviera próximo a él. Con ella tuvo un hijo varón ilegítimo, siendo este otro motivo más para que la corte florentina no dejara de conspirar y menospreciar a la pobre Juana.

En 1577 las plegarias de Juana fueron oídas, dando a luz al ansiado varón al que pusieron de nombre Felipe Cosme. El nacimiento del heredero fue recibido por toda la corte con gran alegría y, sobre todo, Juana al fin se sintió feliz. Pero su felicidad duró muy poco porque el heredero muere a los cuatro años de una hidrocefalia.

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El final de Juana es tan triste como su propia vida. Quedando embarazada de nuevo al poco tiempo de fallecer su hijo, reza para que sea otro varón, pero en el octavo embarazo ya no se encuentra demasiado bien, y bajando las escaleras del Palacio Ducal tropieza y cae de mala manera, provocándose el parto y naciendo prematuramente el hijo que llevaba en su seno. El niño muere y Juana, no pudiéndolo superar, muere al día siguiente.

Aparte de su mirada triste y perdida, en el cuadro descubrimos una bella joven de delicados rasgos físicos cien por cien centroeuropeos.

Su vestimenta también nos dice mucho de ella: es muy sobria de colores, pero elegantes, y de ricos tejidos muy a la moda de la época de Carlos I, y bastante alejada de los cánones de la moda italiana del Renacimiento.

En el cuadro destacan las joyas que acompañan a Juana. En primer lugar el colgante de oro con dos piedras preciosas, una de ellas un rubí y la otra, que me es difícil de reconocer y que hace juego con los bonitos pendientes de forma de jarrón muy propios del Renacimiento italiano, que es la joya que hoy os traigo hasta el blog.

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Juana luce también unas preciosas perlas grises, tanto en la diadema de la cabeza como en el largo collar de seis vueltas.

Hay muy pocos retratos de Juana de Austria, lo que nos afirma el carácter introvertido de esta mujer. La corta vida de Juana de Austria está llena de infelicidad. Fue una mujer que solo vivió para dar un heredero al Gran Ducado y que nunca logró adaptarse a la corte Florentina.

Espero que os gusten los pendientes que os traigo este mes. En este caso la reproducción la hemos hecho con turquesas, una piedra que realza las teces claras y da luz a las oscuras, y que nos ha parecido muy apropiada para esta joya.

Os dejo el link a la ficha de los pendientes en la Tienda online por si queréis verlos con más detalle.

Pendientes Juana de Austria

El Maletín de la belleza de Eva, un recorrido por el ideal de belleza desde la Prehistoria

Esa fascinación especial por la joyería no es algo novedoso, ni tan siquiera de los últimos siglos… Esa atracción, a menudo seductora, ha sido una constante desde las culturas y civilizaciones de la Antigüedad. La exposición que hoy os traemos hace un recorrido por cada una de estas etapas y su simbología a través de los siglos.

Si sigues a menudo este blog, sabrás que en López-Linares sentimos una especial predilección por la joyería medieval que lucían las grandes damas del Medievo. Así que rodearnos de broces de disco de oro, por ejemplo, nos ha parecido de lo más interesante para este mes de octubre. Y es que el museo LVR-Landes de Bonn, en Alemania, ha conseguido recopilar una de las colecciones más grandes e importantes de la joyería romana y medieval.

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El maletín de la belleza de Eva

El nombre de la muestra no podía ser más acertado. Eva, como símbolo de los inicios y ejemplo de mujer de ayer y hoy, con un deseo claro, más exacerbado si cabe en los siglos de la Edad Media: mostrar un estatus que en ocasiones no era tal.

Y el maletín, como el bolso que la mujer ha portado consigo desde los inicios, para guardar todo lo que pudiera serle útil para conseguir esa ansiada belleza exterior.

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Desde la Edad de Piedra hasta nuestros días

La búsqueda de la belleza no tiene un principio concreto. Sin embargo, hay constancia de que ya en la Edad de Piedra ya existían bolsos y maletines hechos de piel de animal con el objetivo de conservar medicinas, hierbas o joyas elaboradas con materiales naturales, como el marfil o las conchas de moluscos.

No fue hasta la Edad de Bronze cuando se comenzaron a utilizar diferentes metales para elaborar adornos personales, y las piezas eran cada vez más trabajadas y complejas.

Las civilizaciones egipcia y griega también dejaron numerosos ejemplos de piezas de joyería a las que, en su mayoría, se les otorgaba la magia de los amuletos. Collares y pulseras eran los preferidos por los coetáneos de Nefertitis. Con ella, los colores de las piedras que adornaban las joyas adquirieron también significados muy especiales. El color turquesa, por ejemplo, era símbolo de regeneración.

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Celtas y romanos aportaron también su propia visión de la belleza, y a partir de este momento, el oro y el cristal comenzaron a utilizarse en joyería. Los romanos introdujeron además los grabados en pequeñas joyas. Una de las piezas que se muestran en la exposición es un anillo en el que se puede leer “Te amo”.

En definitiva, un pedacito de cada era que muestra cómo el ideal de belleza ha ido cambiando con los siglos, deteniéndose especialmente en nuestra querida Edad Media, de la que solemos hablar a menudo en este blog vintage. Una exposición que os animamos a visitar, si tenéis la suerte de poder viajar a Alemania en los próximos meses.

La muestra permanecerá abierta hasta el 22 de enero de 2017. Para más información, podéis visitar la web aquí.

Imágenes: Landes Museum

 

 

Joaquin Cabot Y Robira

Nació en Mataró (Barcelona) en 1861. Hijo del platero Francisco Cabot y Ferrer, dirigió desde muy joven el taller familiar. Muy joven se decide a abrir su propia joyería y para ello elige uno de los barrios con más tradición en el arte de la platería de Barcelona, el número 35 de la calle Platerías.

En 1899, y dado que el negocio no le iba nada mal, decide trasladarse al número 21 de la misma calle, un local más grande y espacioso que le permite seguir creciendo e incorporar a sus hijos Francisco, Emilio y Joaquín al negocio familiar.

Juntos crearon importantes piezas de joyería, de orfebrería civil y religiosa. Para algunas de las piezas de orfebrería contaron con la colaboración de escultores del momento. Entre las obras de orfebrería civil están: la copa de Challenguer, un vaso de plata repujado, y las mazas y el toisón de plata de los maceros del ayuntamiento de Barcelona.

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En 1905 abrió otra nueva sucursal, esta vez en plaza de Cataluña. En estos años Joaquín ya era considerado uno de los más eminentes hombres de la ciudad de Barcelona. Además de joyero y orfebre se convirtió en financiero, escultor, escritor y político, llegando a ser, entre otros muchos cargos, Presidente de la Cámara de Comercio y Navegación, Presidente de la Feria de Muestras de Barcelona, Presidente del Orfeo Catalán, Director y fundador del Banco de Comercio, Diputado provincial y Director fundador del periódico la Voz de Cataluña.

En 1931 la firma participó en diferentes exposiciones, obteniendo diversos galardones como el Gran Diploma de Honor y la Medalla de Oro del arte litúrgico. Gran parte de la producción de Joaquín Cabot era de carácter litúrgico y religioso, encargados mayoritariamente para el Monasterio de Montserrat: corona y cetro de la Virgen, cáliz y candelabros. También hizo la corona  de la Virgen de Queralt y el báculo del obispo de Gerona.

En el año 1946, Joaquín se retira del negocio y muere en 1951.

Imágenes:

Labarcelonadeantes

Casallotja.com

 

 

Idea Vintage – Gargantillas de encaje

Este mes os traigo una idea Vintage muy de moda en esta temporada, que nos  demuestra que todo vuelve y que los grandes modistos encuentran su máxima inspiración en el pasado.

El vulgarmente conocido como “collar de perro” o “choker”,  una gargantilla pegada al cuello que los grandes modistos han presentado en muchos de los desfiles de esta última temporada, tiene su inspiración en la moda francesa del S.XVIII.

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Hay muchas anécdotas y leyendas que rodean la aparición de este favorecedor complemento. He leído que las mujeres francesas se colocaban una pequeña cinta roja, algunas veces haciendo forma de cruz en el cuello, en recuerdo de sus familiares y amigos muertos en la guillotina. También fue costumbre que las prostitutas llevaran una pequeña cinta de terciopelo negra al cuello, para distinguirlas de las mujeres de buena vida.

Lo que es seguro es que la gran Maria Antonieta, todo un icono de la moda de ese siglo, ya las lucía en algunos de sus más famosos retratos.

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Terminado el S.XVIII, las mujeres  de la época Victoriana comienzan a usarlas como símbolo de riqueza, adornando estas cintas con llamativos broches de perlas y piedras preciosas.

Yo hoy os traigo parte de la colección de collares de encaje que tenemos este invierno en la tienda. Muchos de ellos llevan pequeños camafeos, muy de moda en la estética victoriana, desde que la  siempre elegante Reina Victoria recuperara esta tradición y comenzara a lucirlos en muchas de sus joyas.

Aunque las novias no suelen lucir collares y yo, la verdad, no soy muy partidaria de ellos para el vestido de boda, sí son un complemento perfecto para las invitadas.

A mí me gusta mezclarlos mucho con prendas menos vestidas para darle un toque un poco más informal.

¿Soléis usar collares en las bodas?

¿Qué os parecería llevar uno de estos de encaje?

Os dejo el link a la web con parte de nustra colección de collares de encaje 

Charlotte Von Hagn, la gran dama de la escena.

Desde muy jovencita, Charlotte plantea a sus padres que quiere ser actriz, algo a lo que ellos se oponen por completo. De una joven de clase alta, era hija de un acaudalado empresario alemán, lo que se esperaba era que se casara con un hombre con clase y poder y llevara una vida recatada y convencional. Lo normal en la alta burguesía alemana de la época.

Su primera aparición en público fue en el magnífico teatro de Múnich, resultando todo un éxito. A partir de ese momento, la fama de Charlotte se extiende por todas las ciudades de Europa. Era una mujer que poseía un encanto natural que atraía a todo el que la conocía. En 1848 se casa y se retira por un tiempo de los escenarios. Desafortunadamente tres años más tarde se divorcia, volviendo de nuevo a su profesión.

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Tuvo una intensa aventura amorosa con Franz Liszt, el cual la llamaba amistosamente “La concubina de dos reyes”, ya que también tuvo un romance con el rey bávaro Luis I.

El retrato que hoy os traigo fue pintado por J. Stieler en 1827, y nos muestra a Charlotte cuando tenía apenas 18 años. Lleva un precioso vestido de seda blanco con amplio escote y un precioso remate de armiño. Este detalle le proporciona al traje un toque majestuoso. La bella joven acompaña el arreglo con un fantástico aderezo de perlas y oro, que completan este grandioso look.

Está claro que la joven quería mostrar no solo su belleza al mundo, también quería que se viera que era una mujer rica y exitosa.

La actriz, todo un carácter en la época,  murió en Múnich  a la edad de 82 años.

El Cierre Omega

Este tipo de cierre es uno de los más utilizado por su comodidad y por ser un tipo de cierre que sienta bien a todo el mundo. Es especialmente conocido por su seguridad y comodidad, aunque es un tipo de cierre que se suele usarse en pendientes de más peso o de mayor tamaño, ya que es un cierre que nos asegura una mejor sujeción. Su nombre viene del parecido de su forma con la letra del alfabeto griego.

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Nosotras en la tienda, lo recomendamos especialmente para aquellas personas que tiene los orificios un poco desgarrados o deformados, recomendamos colocar unos discos de silicona trasparente, que se suelen conocer como “magic discs”. Esto impide que el pendiente se descuelgue hacia abajo y consigue que quede muy pegadito a la oreja y recto. Son una auténtica maravilla.

Os dejo una selección de algunos de nuestros pendientes con este cómodo y popular cierre:

Pendientes Jade

Pendientes Valles

Pendientes Lucina

Pendientes Lancelot

 

Diccionario Vintage: Con la «P» Perlas Barrocas

Así es como se llama en Portugal a esta clase de perla de forma irregular. En España se las llama “Barruecas”.

Precisamente de esta palabra portuguesa viene el término “Barroco”, con el que se designó al estilo artístico posterior al Renacimiento al que se consideró un arte exagerado, recargado y caprichoso.

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Estas perlas se forman de la misma manera que todas las perlas naturales. El proceso comienza cuando en el interior de un molusco se introduce una partícula extraña; entonces el animal reacciona produciendo y cubriendo al intruso con una sustancia compuesta de cristales de carbonato cálcico y una proteína llamada conchiolina, que es lo que vulgarmente llamamos nácar o madreperla. La naturaleza crea las perlas con una forma perfectamente redonda, pero también a veces es caprichosa y las perlas presentan en su forma algunas irregularidades. Estas son las perlas barrocas. Menos apreciadas que las redondas, pero algunas de ellas tan curiosas y peculiares que llegan a tener un valor incalculable.

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Las perlas barrocas tienen algo que no poseen las perlas convencionales, y es que no hay dos perlas barrocas iguales. Llevar una joya con estas perlas supone llevar algo totalmente exclusivo y único. A mí personalmente, las perlas barrocas me gustan muchísimo, las encuentro mucho más originales, desenfadadas y divertidas. Parece que tengan vida.

A lo largo del tiempo se han encontrado ejemplares de perlas barrocas impresionantes y de un valor incalculable; como por ejemplo: la perla Gogibus (siglo XVII), la perla de Asia (siglo XVI), la perla Hope y otras muchas, a cual más bonita.