Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
En esta película la Princesa Alejandra es cortejada por el Príncipe Albert. Poco después a su primer hijo le llamaría Alberto ¿Casualidad?
Jessie Roy Landis hace de madre de Grace Kelly. Lo mismo que en «Atrapa un ladrón».
Se pensó en Rex Harrison y en Joseph Cotten para el papel del Príncipe Albert.
MGM estrenó la película el día de la boda de Grace Kelly con Rainiero de Mónaco.
Fue la primera película americana de Alec Guinness.
Fue la penúltima película de Grace Kelly antes de casarse con Rainiero (la última fue «Alta sociedad.
Grace Kelly aprendió esgrima y se negó a ser sustituida por un doble.
Helen Rose diseñó todo el vestuario de la película. Ella diseñaría meses más tarde el traje con el que Grace Kelly llegaría hasta el altar.
La película se estrenó dos días después de la boda civil de los príncipes de Mónaco, se trataba de aprovechar el tirón de la ceremonia para convertirla en un éxito de taquilla.
Como si de un cuento de hadas se tratara, la MGM coloca con esta película a la futura Princesa de Mónaco en el lugar que le correspondería un año después.
Con todo lujo de detalles, presenta a Grace Kelly al mundo como si fuera la Princesa de América. Grace Kelly, que acababa de ganar un Oscar, es presentada al mundo por la productora americana como su niña mimada de la que se siente orgullosa.
Resuelta en clave de comedia romántica, la película narra los intentos de la Reina María Dominica por unir a su bellísima hija (Grace Kelly) con el futuro rey Alberto (Alec Guinnes).
Yo me he reído a carcajada limpia, sobre todo en la primera parte de la película, con las divertidísimas salidas de la Princesa Beatriz. Su papel de adorable tía solterona, despistada y cariñosa es de lo más entrañable y chistoso. Tiene unos golpes geniales.
Por supuesto Grace Kelly está grandiosa en su papel de futura princesa jovial, educada, dulce y refinada. Pero, sobre todo, elegante y exquisita.
Os dejo algunas de las escenas más divertidas e inolvidables de la película y una imagen tomada por el fotógrafo Charles Vidor que, para mí, resume perfectamente la elegancia que irradia Grace en cada una de las escenas de la película en la que aparece.
Nominada en 1947 al mejor actor secundario (Claude Rains) y al mejor guión original.
Premio Bambi en 1952 a la mejor actriz (Ingrid Bergman).
Nominado en 1946 al Gran Premio del Festival de Cannes a Alfred Hitchcock.
Premio en 2006 del National Film Preservation Board.
Curiosidades:
La escenas donde Cary Grant e Ingrid Bergman se-besan-no-se-besan se diseñaron así para saltarse el código Hayes, que decía que un beso no debía durar más de tres segundos.
Hitchcock dijo que estuvo siendo vigilado durante tres meses después del estreno porque en la película se comerciaba con uranio.
La actriz que hacía de madre de Claude Rains sólo tenía 3 años más que el actor francés.
La escena del balcón entre Cary Grant e Ingrid Bergman es casi toda improvisada.
En el guión original Alicia (Ingrid Bergman) es una prostituta.
David O. Selznick (el productor) quería a Vivien Leigh como Alicia (la verdad es que habría estado muy bien).
Alfred Hitchcock le preguntó al Premio Nobel de Física cómo hacer una bomba atómica, a lo que éste se negó a responderle. Sí le confirmó que se podría guardar en una botella.
Claude Rains filmó muchas escenas con Bergman subido en un cajón, para dar la sensación de que él y CaryGrant eran igual de altos. Nada más lejos de la realidad. Claude Rains medía 1,69, Ingrid Bergman 1,75 y CaryGrant 1,87.
Fue el único papel en una película americana de Leopoldine Konstantine (Mme. Sebastian).
El cameo de Hitchcock (siempre apareció en todas sus películas) en este caso es en la casa, en una fiesta cogiendo una copa de champán.
Esta semana me ha tocado “Encadenados” de Hitchcock, he de reconoceros que tenía ganas de volver a ver a Ingrid Bergman y Cary Grant juntos, los dos me chiflan.
Sin duda una de las mejores películas de Hitchcock, si no la mejor, de toda su espléndida carrera cinematográfica como el director maldito de Hollywood (nunca recibió un Oscar), a pesar de que quizá haya sido el mejor director de suspense de la historia del cine.
Una historia donde se mezcla el amor y el suspense, con un Cary Grant más que esplendido en el papel de espía americano. El actor sabe contener sus ansias de deseo hacia una sacrificada Ingrid Bergman, casi una prostituta, que acepta el semichantaje del que es objeto para desenmascarar al espía alemán, magistralmente interpretado por Claude Rains.
Grant está elegante, atractivo e irresistible. Esas tomas que hace el director de la espalda del actor me parecen impresionantes, su elegancia y porte al caminar invaden la pantalla completamente. Para mí es de las pocas películas, de entre todas las que he visto en mis “Miércoles de cine”, en la que es el protagonista masculino el que canibaliza las distintas escenas de forma generalizada. Casi diría que hay escenas en las que consigue eclipsar a la Bergman.
Ingrid Bergman me ha cautivado en la segunda parte de la película. Su papel como sumisa esposa y espía es magistral.
El maestro del suspense demuestra, una vez más, cómo mantener al espectador pegado al asiento. Desde luego conmigo lo consiguió, manteniendo mi atención fijada a la pantalla esperando ver el desenlace sin moverme. Reconozco que hubo momentos en los que casi me puse nerviosa pensando qué pasaría.
“Gilda” es Rita Hayworth y Rita Hayworth es ”Gilda”. Independientemente de la trama de la película, más o menos atractiva, Rita Hayworth la absorbe completamente y se adueña del papel protagonista. Toda la película gira en torno a ella, su capacidad para cautivar a los hombre en la película traspasa la gran pantalla, y nos deja a todos enamorados con su belleza, su sensualidad y su carácter.
«Gilda» es un melodrama con una construcción magistral. Con unos diálogos ásperos, cínicos y geniales que la convierte en una obra pieza indispensable del cine negro.
Una obra que no ha perdido nada con los años, que nos habla de la soledad, de la amistad, la avaricia, el amor y la violencia.
Glenn Ford; que nos tenía acostumbrados a papeles de hombre íntegro, bueno y honrado; se convierte en un animal salvaje absorbido por los celos.
Sin duda, la escena más famosa de la película es el «strip-tease», sin «strip-tease», la escena en la que la Hayworth se quita un guante mientras interpreta la inolvidable canción «Puttheblameon Mame», que por cierto no cantaba ella. Una escena que nos recuerda una vez más cómo Hollywood sabía crear erotismo y sexo, simplemente enseñando un brazo desnudo.
Aunque quizá no sea una de las mejores películas de la historia «Gilda» es, sin duda, una obra imprescindible en la historia del cine y Rita Hayworth, en ella, una de las mujeres más bellas y seductoras de la historia.
Premio del National Film Preservation Board en 2013.
Curiosidades:
Cuando Rita Hayworth abofetea a Glenn Ford, le rompió dos dientes. Verídico. Glenn Ford no se movió hasta que terminó la escena.
La foto de Johnny Farrell de niño es, en realidad, la foto del hijo de Glenn Ford.
Rita Hayworth tuvo que llevar un corsé durante la filmación de «Puttheblameon Mame», ya que acababa de dar a luz a su primera hija.
Las canciones de Rita Hayworth están dobladas. Lamentablemente, su voz resultaba demasiado débil, cosa que amargó a la actriz toda su vida.
El vestido sin tirantes que lleva Rita Hayworth, diseñado por Jean Louis, está basado en un vestido de una pintura de «Madame X» (famoso personaje parisino del siglo XIX), pintado en 1884 por John Singer Sargent. Costó 60.000 dólares, una barbaridad de dinero en la época. En abril de 2009 se puso en subasta, pero se retiró por falta de pujas. Misteriosamente, apareció en ebay en septiembre de ese mismo año a un precio de salida de 30.000 dólares. No puedo deciros lo que pasó con él.
La famosa escena del guante ha sido parodiada en multitud de películas, destacando sobre todo la de Jessica Rabbit en «¿Quién engañó a Roger Rabbit?».
La película participó en la primera edición del Festival de Cannes junto con «Encadenados», de Hitchcock, que, curiosamente, comparte mucho del argumento (Sudamérica, nazis, una mujer entre dos hombres.
Junto con «El gran dictador» de Chaplin, nadie se había atrevido a parodiar al dictador más despiadado de la historia de la humanidad. En este caso Lubitsch, con su habitual elegancia, ridiculiza al hombre que tanto daño hizo a la humanidad, haciendo que una compañía de teatro se meta en la boca del lobo, y colaborando con la resistencia para ayudar a luchar contra el nazismo.
Carole Lombard, como siempre, hace un papel que le viene como anillo al dedo. Divertidísimas situaciones, especialmente la que se repite al inicio y al final de la película, cuando Robert Stack se levanta de su asiento cuando comienza el monólogo de Shakespeare. Una escena memorable que espero poder encontraros en Youtube.
Una comedia muy atrevida para la época que se estrenada en febrero de 1942, en plena Segunda Guerra Mundial, con gran éxito de crítica y público.
Fue la última película de Carol Lombard que fallecería el 16 de enero de 1942, cuando regresaba de su estado natal, Indiana, a donde había acudido para apoyar las acciones bélicas contra el ejército nazi y vender bonos de guerra. Carole perdió la vida tras un accidente aéreo junto con su madre, su apoderado y 20 personas más.
Tenía 33 años y dejaba viudo a un desolado Clark Gable que se uniría al poco a las tropas estadounidenses desplegadas en Europa.
El presidente Roosevelt declaró que fue la primera mujer que cayó en la Segunda Guerra Mundial, y le premiaron con la medalla de la libertad. Este hecho hizo que se modificaran algunos diálogos de la película, en post producción, como cuando ella preguntaba: ¿Qué te puede pasar en un avión?
Os aseguro que pasaréis un buen rato con ella.
Premios:
Nominada al Oscar a la mejor banda sonora (1942).
Primer premio en 1996 del National Film Preservation Board.
Primer premio en 1971 de los Premios San Jordi a Ernst Lubitsch
Nominada a los premios Satellite en 2014 al mejor DVD blu-ray.
Curiosidades:
Fue la última película de Carole Lombard. Como murió en un accidente de avión, la frase «¿Qué pasó en el avión?» fue eliminada.
Miriam Hopkins fue elegida para el papel de María Tura, pero lo rechazó porque pensaba que su papel no era gracioso.
La revista Premiere la calificó en 2006 como una de las mejores 50 comedias de todos los tiempos.
Clark Gable no quería que su mujer hiciera el papel de María Tura. Carole Lombard dijo que nunca en su vida se había sentido tan feliz.
Barbara Stanwyck, la mejor actriz que nunca ganó un Oscar, como ella misma se definió, aparte de un Premio Honorífico de la Academia en 1982.
La Stanwyck demuestra, una vez más, su camaleónica capacidad para hacer absolutamente todo tipo de papeles, desde el más dramático hasta, en este caso, la comedia más alocada.
Gary Cooper, en su papel de buena persona que tantos éxitos le dio, demuestra una vez más que es un seguro para cualquier película que se le ponga por delante. Ambos están magníficos. Ella en el papel de maleducada, ordinaria y sexualmente liberada corista, en manos de un mafioso que cree tenerla en propiedad y él como el tímido profesor Potts, totalmente absorbido por los encantos vulgares de Sugarpuss, dispuesto a seguirla hasta el fin del mundo.
Una película preciosa, en línea con las alocadas comedias del maestro Hawks. La escena del «yum, yum», en la que Stanwyck se tiene que subir a un taburete (Barbara Stanwyck medía 1,65, mientras Cooper llegaba hasta metro noventa) es absolutamente encantadora.
El papel de todo el equipo de obsoletos y encantadores profesores que acompañan a Gary Cooper en la realización de la enciclopedia es magistral.
Una película perfecta para pasar una tarde de domingo en casa…
Premios:
Nominada a los premios Oscar de 1942 por:
Mejor actriz
Mejor guión original.
Mejor sonido.
Mejor banda sonora.
Curiosidades:
El puñetazo que Barbara Stanwyck le dio a Kathleen Howard fue real. Barbara Stanwyck le rompió la mandibula.
Es un guión de Billy Wilder que escribió en Alemania. Cuando emigró a Estados Unidos se lo vendió a Samuel Goldwyn, que le prometió un cheque de 10.000 dólares si la película tenía éxito. Suceció así y Goldwyn se negó a darle esa suma de dinero («¡Nunca dije tal cosa!). Más tarde reconoció su error y le dio a Wilder un cheque de… 5.000 dólares.
Aparte de Gary Cooper, el guión de los siete profesores está inspirado en los siete enanitos de Walt Disney.
Ginger Rogers y Carole Lombard rechazaron el papel de Sugarpuss. LucilleBall quiso hacerlo, pero Goldwyn prefirió a Barbara Stanwyck.
Peliculón, creo que junto con “Jezabel” de la que ya os hable hace unas semanas, la que más me ha sorprendido hasta ahora. La había visto hace mucho tiempo, pero la verdad no me acordaba prácticamente de nada.
Está claro que a mí esto del cine clásico cada día me está enganchando más, y es que nunca pensé que lo pasaría tan bien con este proyecto.
Dice mi hermano Ángel, ya sabéis que es relojero y un entendido y gran aficionado al cine clásico, que para él es la mejor película de Hitchcock, incluso mejor que «Psicosis» y creo que tiene razón.
Es fantástico ver cómo como el director mueve a Joan Fontaine, la pobre se «mal desenvuelve» en una descomunal mansión donde todo le viene grande. Impresionante morada para la que se realizó una maqueta, ya que no encontraron una ubicación adecuada para realizarla en todo estados Unidos. Creo que si hubieran rodado la película en Inglaterra, les habría sido mucho más sencillo encontrar un paraje natural para realizarla. Allí he visto mansiones que podrían haber sido perfectamente “Manderley”, ese lugar que te hipnotiza en las primeras escenas de la película y que tantas desgracias trae a nuestra protagonista.
Joan Fontaine realiza un papel impecable de la apocada, temerosa y casi aterrorizada Mrs. De Winter. Su casi pavor, diría yo, a tener que enfrentarse a la espantosa Sra. Danvers convierten a este binomio en la clave del éxito de la película.
La Sra. Winter, una mujer que vive en el pasado donde el esplendor de la anterior Sra. De Winter llenaba de luz y optimismo la gigantesca casa. La nueva Sra. de Winter vive acosada por el odio, la maldad y la envidia. Rebeca se convierte en la tercera protagonista de la película, consiguiendo, sin estar presente, quitar el sueño a la dulce Sra. De Winter.
Una obra maestra del cine, imbuida en la tenebrosa atmósfera Hitchconiana donde cada escena es una sorpresa. Magnífica la actuación de las dos protagonistas, Joan Fontaine y la malvada Judith Anderson, y sorprendente final.
¡Os invito a pasar una tarde de cine clásico con Rebeca, y a que me contéis después que os ha parecido!
Premios:
Premio del National Board of Review a una de las mejores diez películas del año.
Tercer premio del National Film Critics Circle Awards a Joan Fontaine.
Oscar a la mejor película, mejor fotografía en blanco y negro, mejor actor (Laurence Olivier), mejor actriz (Joan Fontaine), mejor actriz secundaria (Judith Anderson) y mejor director (Alfred Hitchcock). En total seis oscars y 11 nominaciones.
Nominada al Oscar al mejor guión adaptado, a la mejor dirección artística, al mejor montaje, a los mejores efectos especiales y a la mejor banda sonora original.
Curiosidades:
Gracias al enorme éxito que tuvo esta película en España, la chaqueta que lleva Joan Fontaine pasó a ser conocida como «rebeca», llamándose así desde entonces.
Según instrucciones de Hitchcock, Judith Anderson no debía parpadear los ojos en ningún momento.
Fue la primera película que hizo Hitchcock en Hollywood, y la primera y única en ganar un Oscar a la mejor película.
A Mrs. Danvers casi no se la ve caminar. Hitchcock quiso potenciar el carácter nervioso de Joan Fontaine, y procuró que Judith Anderson apenas se moviera.
Una de las candidatas a conseguir el papel protagonista fue Vivien Leigh. También, según sus memorias, Maureen O´Hara, Anne Baxter, Olivia De Havilland (que se negó a hacerlo porque su hermana, Joan Fontaine, era candidata) Anita Lousie, Loretta Young y Carole Lombard, a la sazón esposa de Laurence Olivier que intentó infructuosamente que lo consiguiera. Por este motivo, trató fatal a Joan Fontaine. Hitchcock, aprovechándose de ello, hizo que todo el mundo en el plató intentara ponerla nerviosa, consiguiendo así un personaje aún más creíble.
Es la segunda película de Hitchcock basada en una novela de Daphne Du Maurier. Por eso quiso que la película se llamara «Daphne» y no «Rebeca», pero Selznick se negó.
Como Selznick no encontró un lugar apropiado para hacer la película en todo EEUU, Manderley se tuvo que hacer con una maqueta en miniatura.
Entre los papeles masculinos los candidatos fueron William Powell, Robert Donat, Ronald Colman y Leslie Howard.
Con objeto de mantener la oscura atmósfera del libro, Hitchcock insistió en filmarla en blanco y negro.
Como en todas sus películas, Hitchcock aparece en algún momento. Es este caso, mientras Favell está haciendo una llamada desde una cabina.
La semana pasada la casa de subastas de Beverly Hills, Julien’s Auctions sacó a subasta parte de la colección de vestidos y bocetos del diseñador de moda William Travilla, amigo íntimo de Marilyn Monroe. Entre las piezas subastadas destaca, el famosísimo vestido plisado color marfil que volaba sobre la rejilla del metro en “La tentación vive arriba” dejando a la luz las increíbles piernas de Marylin. Una escena y un vestido que se han convertido en icono a lo largo de los años.
William Travilla trabajo con Marylin en «Los caballeros las prefieren rubias», «Cómo casarse con un millonario» y «Luces de candilejas», aparte de la anteriormente mencionada.
Nacido en 1920 en Los Ángeles, fue descubierto por la actriz Ann Sheridan, quien admiraba y coleccionaba sus bocetos. Al poco tiempo fue contratado en el departamento de diseño en la Warner Brothers, con él que ganó un Oscar por «El burlador de Castilla» y trabajo en la Twentieth Century-Fox, donde vistió a estrellas como Ginger Rogers, Lana Turner y Marylin Monroe. Poco antes de su muerte en 1990, trabajo en los lujosos diseños de los seriales «Dallas» y «California”.
El famosísimo vestido salió a subasta con una estimación de venta entre 20.000 y 30.000 dolares, y junto con algunos bocetos firmados por el diseñador, muebles y recuerdos garantizan el éxito seguro de la subasta.
Estoy buscando los precios de remate de las piezas más significativas, si llego a encontrar los datos los añadiré en esta entrada.
Toda la información de este artículo pertenece a la casa de subastas Julien’s Auctions.
No hace mucho que estaba viendo a Antonio Banderas protagonizar el famoso personaje de “El Zorro”, y ha sido recordando esta última versión de la película, y por supuesto porque no podía faltar entre nuestro protagonistas Tyron Power, por lo que me he decidido a incluir en nuestro “Miércoles de Película” una versión clásica de esta aventura.
Esta, junto con la de Banderas, es una de las versiones que más me gusta de esta historia de aventuras por antonomasia.
Junto a los piratas, los aventureros africanos y los bandidos justicieros, el Zorro ha sido de los héroes preferidos del público hasta la llegada de los súper-héroes modernos. Robin Hood, La Pimpinela Escarlata, El Tulipán Negro, El Zorro o La Flecha Negra, todos ellos hombres de gran belleza, aventureros, íntegros, educados, elegantes y seductores…. El hombre perfecto para las jóvenes de la época.
Tyrone Power, un actor de gran carisma, le marca un gol al héroe de la época: Errol Flynn. Ruben Mamoulian, experto director de coreografías, convierte la película, gracias a su magnífica banda sonora, casi en un musical. Las escenas de «baile», los duelos, son excepcionales.
Considerada por muchos la mejor versión de todas, «El signo del zorro» es una película amena, entretenida y divertida. Basil Rathbone, uno de los mejores «malos» del cine, está estupendo -para mí el mejor de todos- y Tyrone Power borda el papel, una de sus mejores interpretaciones de a lo largo de su carrera.
¿Con qué versión te quedas tú?
Premios:
Nominada al Oscar a la mejor película y al mejor guión original en 1941.
Premio en 2009 del National Film Preservation Board.
Curiosidades:
Basil Rathbone era un experto en esgrima. No así Tyrone Power, que tuvo que ser doblado por un especialista. Las escenas más rápidas fueron rodadas a 18/20 fotogramas por segundo (lo usual son 24) y luego los efectos de sonido sincronizados.
Los soldados que apuestan al principio de la película usan los pesos mexicanos, cuando en realidad deberían usar la peseta.
Aunque El Zorro es un personaje de ficción, a menudo se le confunde con Joaquín Murrieta, un bandido mexicano (que Hollywood se encargó de confundir aún más al darle protagonismo en la última versión de Antonio Banderas, cuyo nombre real en la película «La máscara del Zorro» es Joaquín Murrieta). Asimismo, El Zorro ha inspirado a otros personajes como Batman y El Llanero Solitario.
Se han hecho 16 películas de el Zorro en EEUU, dos series de TV y otras 40 entre México, España, Italia, Francia y Bélgica. Los «Zorros» más famosos han sido: Douglas Fairbanks, Tyrone Power, Anthony Hopkins y Antonio Banderas.
Esta semana se ha cumplido el aniversario de la grabación de los primeros registros de Louis Armstrong y su banda de jazz los “ Hot Five”, corría noviembre de 1925. Hoy nuestro “Viernes en Blanco y Negro” rinde un homenaje al indiscutible rey del Jazz.
Un regalo de dios, como dicen algunos… Louis Armtrong marcaría las pautas por las que se desarrollaría el jazz en las siguientes décadas.
Los “Hot Five” serían la primera banda con la que Armstrong grabaría un disco, y el 12 de noviembre de 1925 la fecha elegida para crear los primeros registros que llevaban su nombre como director de orquesta. Considerada por muchos críticos como una de las mejores grabaciones de la historia del jazz.
«My Heart» y “Cornet Chop Suey” fueron las primeras canciones grabadas. La banda estaba compuesta por Johnny Dodds en el clarinete, Kid Ory en el trombón, Johnny St. Cyr en el banjo y la esposa de Louis, Lil Hardin-Armstrong en el piano.
• Director/es: Victor Fleming y (sin aparecer en los créditos) George Cukor y Sam Wood.
• Productor: David O. Selznick. En este caso es importante, puesto que Selznick es el creador, el «alma mater» de esta película. Sólo él tuvo la fe suficiente en pelear para que esta película saliese al mercado.
Reparto:
• VivienLeigh (Escarlata O´Hara)
• Clark Gable (Rett Butler)
• Olivia De Havilland (Melanie Hamilton)
• Leslie Howard (Ashley)
Sentarte una tarde de noviembre a ver «Lo que el viento se llevó», así como quien no quiere la cosa, convierte un día cualquiera en un día inolvidable. Casi cinco horas junto a mi hija, a la que conseguí convencer de que viera la película conmigo ocultándola que duraba casi cinco horas, y que no despegó los ojos de a pantalla ni un solo instante. Está claro que Cark Gable y Vivian Leigh siguen atrapando a las mujeres de todas las edades y generaciones.
“Lo que el viento se llevó” podría ser clasificada como «La PELÍCULA», con mayúsculas. Aventura, amor, conflictos, suspense, comedia… Todo está aquí. La obra maestra de David O. Selznick, que, a pesar de haber realizado muchas otras grandes películas, será siempre recordado por ésta.
Escenas memorables e infinitas, casi cinco horas de película que dan para mucho. Yo me quedo con la de Escarlata vistiéndose con Mami, apretándole el corsé. La interpretación de la criada negra es para mí uno de los pilares del éxito de la película, no en vano fue la primera mujer de color en recibir un Óscar de la academia de Hollywood, que considero con todo merecimiento.
La soberbia interpretación de Vivian leigh, sus expresiones de superioridad, envidia, avaricia, dolor, desesperación, picardía… Una interpretación magistral.
Su entrada con ese llamativo vestido escarlata en la fiesta, donde las jóvenes van vestidas de una manera mucho más pura, más casta es un guiño descarado a «Jezabel» y una escena cautivadora.
Los encuentros, con mezcla de amor/odio, entre una Escarlata totalmente ajena a los encantos de un desesperadamente enamorado Rett Buttler. Gark Gable está impresionante y no te cansas de mirarle.
Las interminables, enormes y maravillosas escaleras de toda la película. Las escenas casi «Hitchckonianas» (de hecho, Selznick pidió consejo al maestro del suspense en alguna ocasión), lentas, con el martilleante tic-tac de un reloj, donde las mujeres esperan paciente y desesperadamente, inmersas en un absurdo e inútil entretenimiento a que sus maridos salgan airosos del asalto a los bandidos…
“Lo que el viento se llevó” será siempre la película más famosas de la historia del cine, porque en ella se amalgama, seguramente sin quererlo, toda la grandiosidad de la época dorada de Hollywood. Una película sencillamente irrepetible y un icono para los amantes del cine clásico.
Premios:
Placa de Honor a William Cameron Menzies por el uso del color, reforzando la carga dramática de la película.
Oscar a la mejor actriz a Vivien Leigh; a la mejor actriz secundaria a Hattie MacDaniel (Mami), siendo la primera mujer negra en ser nominada y recibir un Oscar; a la mejor dirección artística a Lyle R. Wheeler; a la mejor cinematografía en color; al mejor director (Victor Fleming); al mejor montaje; a la mejor película; al mejor guión adaptado y premio especial a la mejor innovación técnica.
Nominada al mejor actor (Clark Gable), a la mejor actriz secundaria (Olivia de Havilland), a los mejores efectos especiales, a la mejor banda sonora y al mejor sonido.
Curiosidades:
• Se entrevistaron a 1400 actrices para hacer el papel de Escarlata.
• A muy pocos actores les gustó el papel que les tocó hacer. Entre otros, destacaba Clark Gable que aceptó el papel a condición del extra económico que recibió para poder arreglar su divorcio con Carole Lombard. A Leslie Howard le parecía que era demasiado mayor para el papel de Ashley.
• Gary Cooper rechazó el papel convencido de que sería un completo fracaso («estoy encantado de que sea a Clark Gable al que le va a reventar el fracaso en la cara y no a mí dijo Cooper).
• La frase «Francamente querida, me importa un bledo» (Frankly my dear, I don´t give a damn) está calificada en el primer puesto de las 100 mejores frases de cine.
• Fue la primera película en color en ganar un Oscar.
• Los cuatro protagonistas sólo aparecen juntos en una escena (tras el ataque a Shatytown).
• Judy Garland iba a hacer el papel de una de las hermanas de Escarlata, pero optó por hacer otra película: «El mago de Oz».
• En principio la película se pensaba hacer en dos partes dada la longitud inicial (cerca de cinco horas).
• Se usaron todas la cámaras que había de Technicolor para la escena del incendio de Atlanta. Los bomberos estaban listos para actuar en caso de que descontrolara, y había una reserva de 5000 galones (cerca de 20.000 litros) de agua para la eventualidad (después de la filmación había que apagarlo).
• Clark Gable fue enormemente reacio a filmar una escena en la que tenía que llorar. Olivia De Havilland fue la que le convenció.
• Si se ajustara la recaudación de la película a la inflación actual, «Lo que el viento se llevó» seguiría siendo la película más taquillera de la historia (a fecha de 2005 habría recaudado más de 3.700 millones de dólares y 200 millones de entradas de cine), siendo «La Guerra de las Galaxias» la segunda.
• En ninguna de las escenas de interior se rodó con tejado.
• La actriz que hace de madre de Escarlata tenía 28 años, mientras Vivien Leigh, cuyo papel era el de una chica de 16 años, tenía 25.
• Es la película más larga que ha ganado un Oscar.
• En encuestas populares para elegir quién haría el papel de Escarlata, Vivien Leigh obtuvo un solo voto.
• Olivia de Havilland estuvo en un hospital de maternidad para saber cómo era un parto real, para poder hacer la escena del nacimiento de su hija lo más real posible.
• A Clark Gable nunca le gustó la película, calificándola como «una película de mujeres».
Os dejo con el tráiler de la película y algunas escenas memorables:
Director: Oficialmente Victor Fleming, aunque hubo más: George Cukor, Mervy Le Roy, Norman Taurog y King Vidor que hizo las escenas del principio en Kansas, en blanco y negro.
Reparto:
Judy Garland (Dorothy)
Frank Morgan (El mago de Oz)
Ray Bolger (El espantapájaros).
Bet Lahr (El león cobarde).
Jack Haley (El hombre de hojalata).
Pues aunque parezca mentira recordaba poquísimo de esta película. Creo que la vi de muy pequeñita, pasándome lo mismo que a mi hermano que me contó el otro día que cuando la vio de pequeño se tuvo que salir del cine, al no soportar el miedo que le produjeron las escenas de la bruja. Apenas recordaba alguna escena como el detalle de los zapatos rojos de Doroyhy y por supuesto la famosa canción “»Over the rainbow».
La semana pasada le propuse a mi hija de 22 años que me acompañara a verla una tarde en casa. Voy comprando todas la películas de los “Miércoles de cine” en Amazón, y esta sección se ha convertido en una excusa perfecta para pasar alguna que otra tarde en familia disfrutando del muy buen cine clásico.
Bueno, que me enrollo con otra cosa, la cuestión es que os comento esto porque me resultó curioso que tanto ella con sus 22 años como yo con mis 50 no despegamos los ojos de la pantalla ni un segundo, y las dos disfrutamos de lo lindo con las aventuras de Dorothy y sus amigos.
Me impresionó la excelente caracterización de los personajes: el hombre de paja, el hombre de hojalata y el león cobarde ¡Qué tres personajes tan encantadores y tan atemporales! Estoy segura de que todos los niños se enamorarían de ellos si hoy vieran este clásico del cine infantil, y por supuesto todos querrían tener un “Totó” en casa.
Judy Garland está en su mejor momento. Su maravillosa voz casi te hace llorar cuando nada más empezar la película canta «Over the rainbow»
El uso de ese blanco y negro sepia tan cálido en las escenas en las que Dorothy vive la realidad, ese color tan contrastado en las escenas de fantasía, junto con las fantásticos efectos especiales en las escenas de la Ciudad Esmeralda, la música y la propia simpleza del cuento, hacen del “Mago de Oz” un clásico inmortal del cine infantil.
Aunque calificada por muchos de cursi, no se puede negar la carga emocional de una película pensada por y para un público infantil, donde el adulto se mete en la película con las mismas ganas que el más pequeño de los seres humanos.
Pocas veces, por no decir nunca, una película pensada para los más pequeños se ha mantenido viva y nos sigue dejando pegados al asiento.
A los que tenéis niños os propongo una tarde de cine clásico con los más pequeños de la casa. Luego me encantaría que me contarías si les ha dado un poco de miedo o los niños de esta generación ya no se asustan tan fácilmente como nosotros lo hacíamos.
Premios:
Oscar a la mejor canción original (Over the rainbow) para Harold Arlen y E. Y. Harburg (música y letra). Oscar a la mejor banda sonora original.
Nominada al Oscar a la mejor película, mejor fotografía, mejor dirección artística y mejores efectos especiales.
Nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes al mejor director (Victor Fleming) en 1939.
Curiosidades:
Muchas de las escenas de Margaret Hamilton (la bruja) fueron borradas del montaje final, debido a que resultaban muy aterradoras y, al fin y al cabo, se trataba de una película infantil.
A Judy Garland le tuvieron que poner un apretadísimo corsé para reducirle el tamaño del pecho, para darle un aspecto más infantil. Tenía 17 años.
Mientras los enanos recibieron un sueldo de 50 dólares por semana de trabajo, el perro cobró 125 dólares por el mismo periodo.
La canción «Over the rainbow» estuvo a punto de ser excluida del rodaje por ser demasiado larga. En una ocasión, Judy Garland se puso a llorar en una escena, junto con todo el personal de rodaje, por lo triste que es la canción.
Esta misma canción está en la lista de las 100 mejores canciones de Hollywood de todo los tiempos, según el American Film Institute.
La chaqueta que viste Frank Morgan (El mago de Oz) tiene una historia muy curiosa. Buscando una chaqueta que se adaptara al carácter del personaje, la encontraron en una tienda de segunda mano. Más tarde, una etiqueta que tenía la chaqueta confirmó que perteneció a L. Frank Baum, el autor de los libros originales de «El mago de Oz». Al terminar la filmación de la película la chaqueta le fue entregada a su viuda.
Judy Garland quiso quedarse con el perro (Totó) después de dos semanas de convivencia en los rodajes, pero lamentablemente su dueño se negó.
A pesar de que Judy Garland fue la favorita para el papel de Dorothy, Shirley Temple y Deanna Durbin estuvieron cerca de conseguir el papel.
En 2007 The American Film Institute la calificó en el puesto número 10 de las mejores películas de todos los tiempos.
El traje de león pesaba cerca de 50 kilos y estaba hecho de piel auténtica de león.
Walt Disney llegó tarde a obtener los derechos de la película. Louis B. Mayer se ocupó de conseguirlo antes, con objeto de mejorar el enorme éxito de «Blancanieves y los siete enanitos».
MGM pagó 75.000 dólares por los derechos de la película, una suma enorme para la época.
La película se ha reeditado en 2013 en 3D, siendo la película más antigua en la que se ha hecho tal cosa.
Director: Ernst Lubistch, con guión de Billy Wilder
Reparto:
Greta Garbo (Ninotchka)
Melvyn Douglas (León)
Ina Claire (Swana)
Bela Lugosi (Razinin)
Ninotchka es quizá la mejor película de Greta Garbo. Se pasó la vida haciendo papeles dramáticos. Hasta en esta película parece que han pensado que tarde en reírse, ya que pasa un buen rato hasta que la vemos reír a carcajadas en la escena de la caída de Melvyn Douglas de la silla. Puedo imaginarme la que se organizaría el día del estreno, la escena debió causar una estrepitosa carcajada en todos los cines de la época.
La Garbo demostró en esa escena que no solamente estaba preparada para interpretar escenas dramáticas, demostró, como sólo una actriz de su categoría podía, que era más que capaz de hacer reír a carcajadas.
Crítica mordaz al sistema comunista en los arranques de la revolución bolchevique, sólo Ernst Lubitsch y Billy Wilder, ambos exiliados de la barbarie nazi y enormemente belicosos con las doctrinas totalitarias, eran capaces de hacer una película con tal carga de cinismo, picardía y elegancia en una época en la que la Unión Soviética estaba gobernada por Stalin.
Greta Garbo, una de las grandes, con esta interpretación de la “Camarada Ninotchka” nos demuestra que es capaz de pasar de una gélida e inexpresiva afiliada al partido comunista, a la más tierna, picara y divertida de las mujeres del más genuino y excitante París.
Una actriz única de la que disfrutamos en su más puro estado en esta intensa y crítica obra.
Premios:
Nominada al Oscar a la mejor película, mejor actriz (Greta Garbo), mejor guión original y mejor guión adaptado.
Premio NBR del National Board of Review en 1939 a una de las mejores 10 películas del año.
Premio del National Film Preservation Board en 1990.
Segundo premio del New York Film Critics Circle Awards al mejor director y a la mejor actriz.
Curiosidades:
La película utilizó para su promoción el eslogan «¡Garbo se ríe!», en referencia a su primera película sonora donde el eslogan fue «¡Garbo habla! Además, hasta entonces casi no había hecho comedias.
Greta Garbo rodó sin maquillaje durante toda la película.
Se consideró seriamente contratar a Spencer Tracy para el papel de León. También fueron firmes candidatos Cary Grant, William Powell y Robert Montgomery.
Greta Garbo estaba muy nerviosa por hacer una comedia y especialmente en la escena donde aparece borracha, por considerarla excesivamente vulgar.
La película fue prohibida en la Unión Soviética y sus estados satélites.
Arnold Schwarzenegger estuvo estudiando la actuación de Greta Garbo para prepararse el personaje de Iván Danko para la película «Danko: calor rojo».
El sombrero que lleva Greta Garbo, aunque realizado por su sastre habitual, fue diseñado por ella.
Diálogos para recordar:
Ninotchka: No tenemos hombres como usted en mi país.
León: Gracias.
Ninotchka: Por esa razón creo en el futuro de mi país.
Ninotchka: ¿Por qué tiene que llevar el equipaje de otro?
Botones: Es mi trabajo, señora.
Ninotchka: Eso no es un trabajo. Es injusticia social.
Botones: Eso depende de la propina.
Ninotchka: El último juicio en masa fue un gran éxito. Quedaron menos rusos, aunque mejores.
León: Ninotchka, es medianoche. Medio Paris está haciéndole el amor al otro medio.
Ninotchka: Básicamente, no es usted mala persona, pero es el desgraciado resultado de una cultura condenada. Lo siento mucho por usted.
Camarero: ¿Qué va a ser?
Ninotchka: Remolacha cruda y zanahorias.
Camarero: Madame, esto es un restaurante no un huerto
Los primeros minutos de la cinta con los tropezones, las palabras tartamudeadas, los disfraces, los disparatados diálogos y las increíbles situaciones, ya nos indican que estamos ante una de las comedias más agradables de la historia del cine clásico.
Por un lado Katharine Hepburn esplendida, en el papel de caprichosa, atolondrada y quizás algo hiperactiva rica heredera. Y por otro un despistado, elegante y atractivo Cary Grant
Una película cargada de vitalidad y optimismo, de esas que te suben el ánimo en una triste tarde de domingo, y te saca más de una carcajada de esas que te hacen disfrutar de verdad.
Me quedo con tres escenas:
La escena del vestido roto: una Katharine alocada que no deja hablar a un atontado, despistado e inocente Cary Grant, que cae como un pánfilo en las garras de una Hepburn que le maneja a su antojo.
La escena de la bata, cuando la tía de Katharine se presenta de improviso en la casa y descubre a un Cary Grant envuelto en plumas y gasas.
Y la escena de la cárcel, que casi recuerda a una de las escenas de alguna de las famosas películas de los hermanos Marx.
Una comedia en la que todo se complica hasta niveles insospechados, romántica, de puro enredo y tan absurda que te hacer reír por tonterías. Todo esto, unido a una fotografía espléndida, una ambientación increíble y, sobre todo, una interpretación magistral por parte de los dos protagonistas, hacen de ella una película inolvidable que aún hoy nos sigue provocando la carcajada.
Premios:
Premio en 1990 del National Film Preservation Board.
Según Entertainment Weekly está en el puesto 24 de las mejores películas de todos los tiempos.
La revista Premiere la votó como «Una de las mejores 50 comedias de todos los tiempos».
En 2007 el American Film Institute la colocó en el puesto 88 de las mejores películas de la historia.
Curiosidades:
Katharine Hepburn nunca había hecho comedia hasta entonces. Tuvo que ser enseñada por varios especialistas del vodevil, así como por Howard Hawks. No así con Cary Grant, que ya era un especialista en la comedia.
Katharine no tuvo problema en hacer las escenas con el leopardo, mientras que Cary Grant fue siempre sustituido por un doble.
En muchas escenas se usó un cachorro de leopardo, mientras que en otras se utilizó la técnica de la escena partida y, más tarde, unida en el montaje. Una proeza para la época.
Fue un fracaso de taquilla. Howard Hawks fue despedido y a Katharine Hepburn se le puso el apodo de «Box office poison» (Veneno de taquilla).
Howard Hawks se basó en el actor Harold Lloyd para modelar el personaje de Cary Grant, incluso le puso gafas.
El personaje de Cary Grant hace referencias al Pato Donald y a Mickey Mouse. RKO era la distribuidora de Disney en aquella época.
La película no tiene banda sonora.
La escena en la que a Katharine Hepburn se le rompe el vestido y Cary Grant le ayuda a taparse, está basada en una situación real que le ocurrió a Grant: en un teatro se le enganchó la cremallera al vestido de una mujer e, impulsivamente, se fue detrás de ella. A Howard Hawks le hizo tanta gracia que decidió incluirla en la película.
Cary Grant estaba tan asustado del leopardo que Kathatine Hepburn, para torturarle, le puso un leopardo de peluche en una de las tomas de ventilación. «Salió de allí como un relámpago», escribió en sus memorias.
Las escenas en las que el leopardo se mueve libremente (especialmente las del apartamento de Susan) se rodaron en una jaula en la que las cámaras estaban estratégicamente colocadas.
Es la segunda de cuatro películas que unieron a Grant y a la Hepburn.
Aunque muchos consideran ahora que fue la mejor película de Hawks, en su día, y probablemente debido al fracaso en taquilla, su director alegó que no era buena porque sus personajes eran demasiado «irracionales».
Una de las más ácidas, chispeantes y brillantes sátiras de la alta sociedad americana jamás filmada. Quizás un tanto exagerada para mi gusto y con una interpretación sobreactuada en exceso.
Un atractivo vagabundo es contratado por una familia adinerada para trabajar como mayordomo en su lujosa mansión de la elegante Quinta avenida neoyorquina.
La película está salpicada de magistrales gags dignos del mejor y más clásico teatro de variedades americano. Una «screwball» que encantaría a Groucho Marx.
Nos encontramos ante una divertida comedia en la que los personajes rozan lo esperpéntico, reflejando, si cabe con más intensidad, la superficialidad y banalidad con que vivían las clases más adineradas en la época de la Gran Depresión americana.
Alegre, deliciosa, inteligente y elegante. Ua joya del cine clásico. Las toneladas de glamour en el vestuario y en la decoración de los salones, junto con las situaciones absurdas que viven sus personales y los disparates que les suceden, hacen de ella una de las comedias más recordadas del cine en Blanco y Negro.
Premios:
Seis nominaciones a los Oscar (aunque no recibió ninguno):
-Mejor actor (William Powell)
-Mejor actriz (Carole Lombard)
-Mejor actor secundario (Misha Auer -el protegido-)
-Mejor actriz secundaria (Alice Brady)
-Mejor director (Gregory La Cava)
-Mejor guión adaptado.
Premio del National Film Preservation en 1999.
Curiosidades:
William Powell fue sustituido en la escena en la que éste lleva a hombros a Carole Lombard.
La revista Premiere la votó como «una de las mejores 50 películas de la historia del cine» en 2006.
Aunque los dos actores principales estaban divorciados, Powell declaró que Carole Lombard era la única mujer que podía hacer el papel de Irene.
La película está basada el el libro «1101 Park Avenue», de Eric Hatch.
Jane Wyman (Ángela Channing de «Falcon Crest») aparece en la película, aunque no en los créditos.
En 2002 la película se remasterizó y coloreó.
Carole Lombard tenía el hábito de decir tacos en los diálogos, lo que hizo repetir multitud de escenas.
Fue William Powell el que sugirió que Lombard hiciera el papel de Irene ya que, decía, tenía muchas cosas en común con el personaje.
El hotel «Waldorf-Ritz» no existe. Es una amalgama de dos hoteles de Nueva York, El Waldorf-Astoria y el Ritz-Carlton.
Debido a un error en los derechos de copia originales, la película ha sido de dominio público, lo que significa que cualquiera podía hacer una copia y venderla.
Meteduras de pata:
La puerta de la habitación de Godfrey, que da a la cocina, se abre en ambas direcciones.
Cuando llega la policía a resolver el asunto del collar, aparecen tres oficiales. Al marcharse, aparentemente sólo se van dos.
William Wyler convierte a Bette Davis en la protagonista indiscutida de este melodrama sureño.
Bette borda el papel de mujer autoritaria, impulsiva y caprichosa. Su personaje es el de una jovencita desobediente que se negó a seguir las estrictas normas de la sociedad sureña de los EEUU de la segunda mitad del siglo XIX. Julie es astuta, orgullosa, inteligente, pero sobre todo provocadora y manipuladora. Todo esto la convierte en una inmadura y caprichosa joven, dispuesta a hacer cualquier cosa por conseguir sus propósitos.
Necesitada de ser siempre el centro de atención disfruta llevando las situaciones al límite, lo que provoca que su prometido, Preston Dillard, protagonizado por un frío, calculador y adicto al trabajo Henry Fonda, no consiga dominar a semejante huracán, decidiéndose a abandonar la ciudad y a ella.
Hay escenas que rozan la perfección interpretativa. Por supuesto, siempre con la Davis de protagonista. Yo me quedo con estas:
La escena del baile, cuando ella decide acudir con un vestido rojo en lugar del blanco exigido por la etiqueta.
Las entradas espectaculares donde se adueña de la pantalla, y sus bajadas de escaleras, alegre y elegante…
Cuando su antiguo amor le presenta a su esposa, no tengo palabras para describir la cara de Bette Davis: asombro, frialdad, desesperación, odio… toda una mezcla de sentimientos mostrados en pocos segundos en la pantalla.
La expresión de Bette Davis vestida de blanco, cantando a los pies de una escalera rodeada de niños, rota por el dolor e intentando disimular es sencillamente inolvidable.
No sólo es una historia de amor imposible en la vida de una mujer rebelde y manipuladora, sino también una crítica a las costumbres arcaicas, estrictas y casi medievales de la época, donde Julie es despreciada por vestir inadecuadamente, mientras que ella se enfrenta a los convencionalismos sin importarle el rechazo social que provoca. Una mujer rebelde y valiente, en definitiva.
Bette está enorme en cada plano. Y esos enormes vestidos, en un marco de refinado estilo burgés la convierten en la verdadera reina de la película, eclipsando a todo aquel que se pone a su lado. Bette llena cada rincón de la pantalla con una interpretación sublime que vale la pena ver solamente por disfrutar de su mirada.
Premios:
Oscars:
Premio a la mejor actriz (Bette Davis)
Premio a la mejor actriz secundaria (Fay Bainter -La tía Belle-).
Nominaciones: Mejor película, mejor banda sonora y mejor fotografía.
Una de las diez mejores películas de 1938, según el National Board of Review.
Premio en 2009 del National Film Preservation.
Premio especial a William Wyler en el Festival de Venecia de 1938 por su carrera. Nominado a la Copa Mussolini el mismo año.
Curiosidades:
El rumor de que a Bette Davis se le ofreció el papel de Jezabel al haber perdido la oportunidad de protagonizar «Lo que el viento se llevó» es falso. Jezabel se comenzó a rodar antes de que se decidiera quién iba a ser Escarlata.
Según Robert Osborne, el vestido «rojo» es en realidad de color bronce, porque se veía mejor en blanco y negro.
Henry Fonda fue una incorporación de última hora. El papel lo iba a hacer Jeffrey Lynn.
El Oscar que ganó Bette Davis se subastó en Christie´s por 57.800 dólares en 2001. Lo compró Steven Spielberg que inmediatamente lo devolvió a la Academia de Cine.
Bette Davis hizo 45 tomas de la escena en la que se levanta la falda de equitación con la fusta. Una toma inolvidable que no os pasará desapercibida.
Una de las causas de los retrasos de la película fue el nacimiento de la hija de Henry Fonda, Jane.
Warner Bros compró los derechos de la película a un precio muy bajo, porque la obra teatral de Broadway fue un fracaso.
Os dejo un video Tributo a Jezabel.
Y un Trailer de la película:
Imágenes: Cine patas, wikipedia, lorenagil.com, unapizcadecmha, retornoamanderleyblogspot,
