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Mi Desconfiada Esposa

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Año:  1957.

Director: Vincent Minelli.

Reparto:

Gregory Peck (Mike Hagen).

Lauren Bacall (Marilla Brown Hagen).

Dolores Gray (Lori Shannon).

Sam Leven (Ned Hammerstein).

Tom Helmore (Zachary Wilde).

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Premios:

Oscar: Mejor guión original

Premios Laurel (tercer premio) a Lauren Bacall a la mejor actriz de comedia.

Nominada al Premio Laurel a la mejor comedia.

Nominada al Premio WGA (Writer´s Guild of America) al mejor guión de comedia.

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Curiosidades:

  • Inicialmente se pensó en James Stewart y Grace Kelly como pareja protagonista, pero, al prometerse esta última a casarse con Rainiero, Stewart se negó a hacer el papel. Años más tarde se arrepintió de haberlo hecho.
  • La idea de esta película fue de Helen Rose, la diseñadora de vestuario de la MGM.
  • Fue la última película de Dolores Gray que, al estar más especializada en musicales, se centró más en el teatro y la televisión.
  • Lauren Bacall, en sus memorias, escribió que fue «una de las experiencias cinematográficas más felices de mi carrera».
  • Gregory Peck pidió personalmente que fuera Lauren Bacall la pareja protagonista, cosa que a Minelli le encantó.
  • Helen Rose diseñó el vestuario, que incluía 132 vestidos. Eso significa una media de más de un vestido por minuto para una película de 118 minutos.
  • Gregory Peck se basó en las muecas de Cary Grant para hacer el papel del periodista.

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Una sofisticada y elegante diseñadora de moda se casa con un cuasi paleto y simplón periodista deportivo, que tiene que lidiar entre su pasado no muy elegante y una panda de mafiosos que le buscan para darle una paliza.

Mientras Lauren Bacall, en un papel que le viene como anillo al dedo se rodea de buen gusto y personajes un tanto estrafalarios, Gregory Peck entra en ese entorno glamuroso con una pandilla de toscos y maleducados amigotes.

El choque social, servido en tono de comedia estaba servido. Divertidísimas situaciones, magníficamente bien dirigidas por Minelli, que la convierten en una comedia que no ha perdido fuerza a pesar del paso del tiempo.

Los secundarios no se quedan atrás, destacando sin duda el papel de Maxi, el boxeador medio bobo y el de Lori Shannon que maneja con gran elegancia las estupideces que llega a hacer su anterior pareja.

Si te gusta la moda de los años 50 no puedes perderte este continuo desfile de trajes de ensueño. La película con más de 100 trajes diseñados por Helen Rose, se convierten en una de las más elegantes y glamurosas de la MGM.

Trailer Oficial:

Imágenes:

Canaltcm

Moviemovie

Leolo-eloy.blogspot.com.es

Claqueta.es

El Principe y la Corista

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Año: 1957.

Director: Laurence Olivier.

Reparto:

Marilyn Monroe (Elsie).

Laurence Olivier (El príncipe).

Sybil Thorndike (La reina).

Richard Wattis (Northbrook).

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Premios:

Nominada a los premios BAFTA por mejor película, mejor actor principal, mejor actriz extranjera, mejor película extranjera y mejor guión.

Placa de Oro a Marilyn Monroe a la mejor actriz (Premios David di Donatello).

Laurel de Oro a Marilyn Monroe (Premios Laurel, cuarto lugar).

Premio NBR a la mejor actriz secundaria (Sybil Thorndike).

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Curiosidades:

  • Debido a sus muchos cambios de peso y a un aborto, a Marilyn le tuvieron que hacer varias tallas de todo el vestuario.
  • Laurence Olivier ya había hecho el papel en teatro con su mujer, VivienLeigh.
  • Marilyn recibió el 75% de las ganancias de la película.
  • Según dicen, a Laurence Olivier le conmocioné tanto el comportamiento de Marilyn durante el rodaje que no volvió a dirigir una película hasta 1970.
  • Es la única película que Marilyn hizo fuera de Estados Unidos.
  • La película iba a ser un musical, pero el marido de Marilyn, Arthur Miller, la persuadió para que no lo hiciera.
  • Vivien Leigh iba a hacer el papel protagonista, pero era demasiado mayor.

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Una vez más, el choque de clases sociales desencadena un guión genial, donde la corista enamora al frío e impenetrable príncipe. Marilyn, que ya empezaba a acusar los golpes que le estaba dando la vida, está maravillosa, adueñándose de cada escena en la que aparece. Laurence Olivier, un por otro lado magnífico actor y director, tuvo que lidiar con una actriz a la que admiraba y con la que acabó casi como el rosario de la aurora por sus constantes faltas de puntualidad, su negativa a seguir sus instrucciones, su falta de precisión en los diálogos (nunca repetía la misma frase dos veces).

A pesar de ello, o quizás gracias a ello, la película se desarrolla con una encantadora fluidez, no percibiéndose en ningún momento los difíciles momentos que supusieron  el rodaje.

Como muy bien diría Laurence Olivier años más tarde: «Nada se podía hacer con aquella luminosidad, era imposible… Tal vez entonces estaba demasiado ocupado con dirigir y no me di cuenta del enorme potencial que tuve a mi lado; hay momentos en que está maravillosa. Creo que Marilyn era única». Yo también lo creo, y para mí ésta, junto a “Con faldas y a lo loco”, es la mejor película de Marilyn.

Si alguno no la ha visto, cosa que dudo, no perdáis la oportunidad de disfrutar de uno de las películas más desenfadadas y divertidas de la historia del cine clásico.

Imágenes:

Paramountchannel.es

Grabandoentresdosuno.blogspot.com.es

Wikipedia

Alucine.es

Yonomeaburro.blogspot.com.es

 

El último Cuplé

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Año: 1957.

Director: Juan de Orduña.

Reparto:

Sara Montiel (María Luján).

Armando Calvo (Juan Contreras).

Enrique Vera (Pepe Molina).

Julia Martínez (Trini).

Matilde Muñoz Sampedro (Paca).

Premios:

Premio a la mejor actriz del Círculo de Escritores Cinematográficos.

Premio a la mejor película del Sindicato Nacional del Espectáculo.

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Curiosidades:

  • Uno de los personajes de la película es el Gran Duque Vladimir de Rusia (interpretado por Alfredo Mayo) que, según el guión, es un aristócrata borracho que persigue a María Luján. Resultó que había un auténtico Gran Duque de Rusia con ese nombre, y demandó a la productora por retratarle de manera tan poco favorecedora. El problema se resolvió cuando Cifesa, la distribuidora de la película, acordó pagar al indignado duque una no revelada pero importante cantidad de dinero, quitando del guión toda referencia a Vladimir de Rusia. Todo lo que se oye en la película son referencias al «Gran Duque», pero sin nombre.
  • El guion fue originalmente rechazado por la censura del régimen de Franco. Los censores consideraron la trama inmoral para un católico en la España de la época. Se realizaron varios cambión en el dialogo y al final la censura aceptó la película.
  •  Toni Fernández, la niña actriz que aparece en una breve escena al principio de la película, es en realidad la sobrina de Sara Montiel.
  • Originalmente se pensó en sincronizar los labios de Sara Montiel en las canciones para que las cantara otra cantante. Sin embargo, en el estudio de grabación, la cantante contratada exigió que se le pagase antes por su trabajo y el director se negó. Se solicitó a Sara su presencia en el estudio y grabó todas las canciones en una tarde. La voz de Sara y su estilo terminaron siendo la principal atracción de la película.
  • El último cuplé fue la reaparición de Sara Montiel en el cine español, tras una prolongada etapa fuera de nuestras fronteras. Etapa que culminó con tres películas en Hollywood: Veracruz, Serenade (Dos pasiones y un amor) y Run of the Arrow (titulada Yuma en España). Sara rodó «El último cuplé» en Barcelona durante unas vacaciones, y sin esperar al estreno regresó a Estados Unidos para rodar Yuma, por lo que el éxito del filme español la sorprendió en América.
  • El último cuplé se rodó en condiciones muy precarias por la falta de dinero. El proyecto tardó años en reunir financiación, teniendo que suplir con ingenio la escasez del presupuesto: había decorados construidos con cartón y algunos atuendos de la protagonista estaban confeccionados en papel. Sara Montiel, habituada a los generosos medios de los rodajes en México y Hollywood, se alarmó ante tales limitaciones, si bien siguió adelante con un sueldo de 100.000 pesetas. Su marido, el director Anthony Mann, consideró que el filme estaba condenado al fracaso.
  • En 38 semanas en cartel la recaudación ascendía a 15 millones de pesetas, cifra colosal en la época, convirtiéndose en todo un récord. Además batió algunos más: mayor recaudación en un fin de semana (479.737 Ptas.), mayor recaudación en un día festivo (100.000 Ptas.) y mayor recaudación en un día laborable (58.000 Ptas.). Solo en Madrid había recaudado 15 millones de pesetas.

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El último cuplé, un dramón de esos que tanto gustaban a las mujeres de la época. Se ha convertido en un inmortal del cine clásico español, gracias a canciones que han pasado a la historia de la música española. Preciosidades como «Fumando espero» o «El relicario» se han convertido en temas más que populares.

Gracias a esta película Sara Montiel hizo muchas más películas con una temática similar, convirtiéndose en cantante y publicando discos que la hicieron millonaria. A destacar, sin duda, el que fue el artífice del éxito de la voz de Sara Montiel: Juan Solano, joven pero ya experimentado compositor que se encargó, no sólo de la creación de las canciones sino de conseguir adaptarlas para la particular voz grave de Sara Montiel.

En una época en la que en los teatros se cantaba sin micrófono y era casi obligatorio tener una voz aguda para ser oído, Juan Solano; que compuso innumerables éxitos de la copla para Concha Piquer, Miguel de Molina y Lola Flores, entre otros; fue sin duda el maestro que logró llevar a Sara Montiel a convertirse en «Saritísima».

Una película para recordar un historia de España que se nos hace lejana, pero que en el fondo es increíblemente cercana.

Imágenes:

filmoteca.cat

abc.es/fotos-cine

rpp.com.pe

 

Gigante

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Año: 1956.

Director: George Stevens.

Reparto:

Rock Hudson (Jordan Benedict).

Elizabeth Taylor (Leslie Benedict).

James Dean (Jett Rink).

Carroll Baker (Luz Benedict).

Dennis Hopper (Jordan Benedict III).

GIGANTE (1)Premios:

Oscar al mejor director.

Nominada a mejor película, mejor actor secundario (James Dean), mejor actor (Rock Hudson), mejor actriz secundaria (Mercedes McCambridge), mejor guión adaptado, mejor dirección artística, mejor vestuario, mejor montaje y mejor banda sonora.

La película recibió innumerables nominaciones y premios que podéis conocer aquí: Premios

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Curiosidades:

  • Una noche, en mitad del rodaje, Elizabeth Taylor y Rock Hudson quedaron para beber. Al día siguiente, a las 5:30 de la mañana, tenían que rodar una escena de amor. Afortunadamente no había diálogo, porque los dos llevaban una cogorza de aúpa. Incluso durante la filmación hubo personas que rompieron a llorar emocionadas, pensando en lo intensamente que estaban rodando la escena.
  • Después de la muerte de James Dean, Nick Adams tuvo que doblarle en algunas escenas.
  • Carroll Baker, que hace de hija de Elizabeth Taylor, era en realidad mayor que ella. Dennis Hopper, el hijo, era 4 años más joven.
  • Irónicamente, James Dean hizo un anuncio sobre la seguridad al volante, aconsejando a los telespectadores: «Conduce con cuidado, porque la vida que salves podría ser la mía». Dos semanas después murió en un accidente de coche.
  • Se pensó en Grace Kelly y Audrey Hepburn como protagonistas de la película, pero Rock Hudson eligió a Elizabeth Taylor. En cuanto al protagonista masculino William Holden, John Wayne, Forrest Tucker y Sterling Hayden fueron los candidatos. Clark Gable fue rechazado por ser demasiado mayor.
  • Alan Ladd tuvo posibilidades de hacer el papel de Jett Rink, pero su mujer se lo prohibió. Robert Mitchum y Montgomery Clift también tuvieron posibilidades.
  • El personaje de Jett Rink está inspirado en la vida del magnate tejano del petróleo Glenn McCarthy.
  • La gigantesca pintura del rancho Benedict se encuentra actualmente en el Hotel Menger en San Antonio, Texas.
  • James Dean estaba tan metido en su personaje que iba siempre ataviado con la ropa de Jett Rink.
  • La película se pasó todo un año en los estudios de edición.
  • Presupuestada originalmente con dos millones de dólares, acabó costando cinco. A pesar de esto, la película fue el mayor éxito de taquilla de la Warner hasta la fecha.

James Dean

Llegaba la época de las grandes superproducciones. La industria del cine era millonaria y por fin, después de la crisis de la post-guerra, había dinero para todo.

Jack Warner se lanzó a producir una película épica sobre el poder, el dinero y el brutal cambio social que supuso el descubrimiento del petróleo en Texas. Del ranchero bruto, casi paleto, que pasaba el día cuidando reses en interminables parajes, se pasaba a magnates millonarios, igual de paletos, pero mucho más poderosos.

Llama poderosamente la atención la pareja protagonista. Rock Hudson, altísimo (1,93) y Elizabeth Taylor, bastante más bajita (1,60), forman una pareja inusual, aunque de gran magnetismo en la pantalla (eran grandes amigos y se conocían muy bien).

James Dean, en la que sería su última película, terminó de forjar su leyenda gracias a un papel en el que la chulería y la prepotencia eran su principal seña de identidad.

Lamentablemente, esta gran película llegaría unos cuantos años más tarde a seriales televisivos de dudoso gusto y peor calidad cinematográfica, que hicieron que «Gigante» no haya sido tan valorada actualmente como lo fue en su día.

Una de las superproducciones de Hollywood que no puedes perderte.

Trailer y escenas memorables:

IMÁGENES:

historiaycine.com

inalonelyplaceencounterswithfilm.wordpress.com

bubblemylicorice.blogspot.com.es

fanpop.com

doctormacro.com

 

Rebelde sin causa

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Año: 1955.

Director: Nicholas Ray.

Reparto:

James Dean (Jim Stark).

Natalie Wood (Judy).

Sal Mineo (John «Plato» Crawford).

Jim Backus (Frank Stark).

Rebelde sin causa

Premios:

Nominada al Oscar al mejor actor secundario (Sal Mineo), mejor actriz secundaria (Natalie Wood) y mejor guión.

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Curiosidades:

  • La venta de camisetas se disparó a raíz de que James Dean la llevaba en esta película.
  • Los tres actores principales murieron en trágicas circunstancias. James Dean en accidente de coche, Sal Mineo apuñalado y Natalie Wood ahogada. Además, Edward Platt, que hacía un papel menor, se suicidó en 1973.
  • En la escena de la pelea con navajas, estas son reales. Los actores llevaban cotas de malla bajo la ropa.
  • James Dean pudo hacer la película porque Elizabeth Taylor estaba embarazada y hubo que retrasar el rodaje de «Gigante».

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  • James Dean murió antes de que se estrenara la película.
  • Nicholas Ray estuvo paseando varias noches con bandas callejeras antes de filmar la película.
  • Se pensó en Paul Newman para el papel de Jim Stark, y Marlon Brando llegó a hacer una prueba de pantalla.
  • Aunque hacía de adolescente, James Dean ya tenía 24 años.
  • Cuando Jim, Judy y Plato están explorando la casa vacía, Plato lleva un candelabro con velas. Eran bombillas unidas a un cable que iba por dentro de la chaqueta de Sal Mineo.
  • El argumento de la película dura exactamente un día.
  • Se pretendió que el personaje de Sal Mineo fuera sutil pero claramente homosexual. Incluso el nombre (Plato) estaba inspirado en Platón, el filósofo griego, que era homosexual.
  • En la escena final, el que camina hacia la torre es Nicholas Ray. Parece ser que aparecía en todas sus películas, aunque esto es sólo un rumor.
  • La primera escena de la película era una banda que ataca a un padre y deja caer un juguete al suelo. Debido a que era muy violenta se eliminó, y en su lugar aparece James Dean con un juguete en la mano.
  • Inicialmente se pensó que Natalie Wood era demasiado ingenua e íntegra para el papel.
  • La película se empezó a rodar en blanco y negro.

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Sin ninguna duda algo estaba cambiando en el cine. Después de tantas películas románticas donde todo acaba feliz, y las de aventuras donde el héroe acaba con los malos, nadie había llegado tan lejos.

Nicholas Ray se dio cuenta de que había un nicho que nadie había tocado. Los jóvenes necesitaban verse reflejados en alguna película, estaban revolucionando la sociedad y necesitaban ser escuchados.

Ya no había finales felices. El amor, el sexo, las drogas, la música y, sobre todo, la durísima competencia entre los chicos tenían que verse reflejados en el cine,

Hubo padres que salieron escandalizados de las salas de cine porque desconocían lo que sus hijos hacían en la calle. La sociedad estaba a punto de dar un cambio, el rock and roll estaba en su nacimiento y la explosión de libertad sucedió poco tiempo después.

Una película imprescindible para entender los cambios sociales del siglo XX.

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Imágenes:

Cicus.us.es

agenda.granadaimedia.com

elrincondeloseruditos.blogspot.com.es

masterhalconcine.blogspot.com.es

Imágenes detrás de la cámara en:

enfilme.com

Grace de Mónaco. La pelicula

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Esta semana se estrena. Llevaba desde el año pasado esperando  este momento y por fin llega a las pantallas de todos los cines “Grace of Mónaco”.

La película, que ha abierto la 67ª edición del Festival de Cannes, se estrenará en unos días en España. La cinta dirigida por el francés Olivier Dahan y protagonizada por Nicole Kidman, Tim Roth y la española Paz Vega, entre otros, se centra en un año de la vida de la princesa. Corría el año 1962 y la situación política entre Francia y Mónaco era tremendamente delicada, el papel de la Princesa Grace fue fundamental en estos momentos.

El vestuario es una de las cosas que tengo más curiosidad por descubrir, su diseño ha corrido a cargo de Gigi Lepage, 49 ‘looks’ lucidos con la elegancia innata de Nicole Kidman a lo largo de la película. Para mi va a ser una de las piezas clave.

La película es una de las más esperadas del año para todos los amantes de la moda y el glamur, por lo que me puse manos a la obra en cuanto supe de este estreno. Comencé una minuciosa labor de investigación sobre las piezas de joyería más queridas por la princesa. Mi idea era rendirle un sincero homenaje en estos días en que se la va a recordar en todo el mundo.

Y así nació la colección “Gracia”, una serie de piezas de joyería en plata con circonitas compuesta por collar, pendientes, pulsera y tiara. Una colección que  presentamos mañana en nuestro espacio de Madrid y al que estás invitado a asistir.

Todos los detalles  de la exposición: “Exposición Joyas Históricas”

Grace Kelly se convertiría en una de las princesas reales más admiradas de la historia, por su elegancia, educación y belleza innata, habiendo sido para nosotras siempre una fuente de inspiración.

Yo no me pierdo el estreno. Ya me contaréis qué os ha parecido la película, y si os animáis a pasar por nuestro espacio podremos cambiar impresiones.

Imágenes:

elseptimoarte.net

 

 

La Condesa Descalza

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Año: 1954.

Director: Joseph L. Mankiewicz.

Reparto:

Ava Gardner (María Vargas).

Humphrey Bogart (Harry Dawes).

Edmond O´Brien (Oscar Muldoon).

Rossano Brazzi (Conde Vincenzo Torlato-Fabrini).

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Premios:

Oscar al mejor actor secundario (Edmond O´Brien) y Nominada al mejor guión.

La película fue nominada y ganó muchos otros premios que os invito a conocer en la página web de IDBM

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Curiosidades:

  • El personaje de María Vargas estaba basado en Rita Hayworth (a quien se le llegó a ofrecer el papel). Rita era de orígen latino (sus padres eran españoles) y se casó con un príncipe (Príncipe Aly Khan). Sin embargo, algunos elementos también están basados en la vida real de Ava Gardner. La relación de María con el productor de cine está basada en la relación real de Ava con el magnate Howard Hughes.
  • La historia está contada en retrospectiva, con la narración de los tres personajes principales.
  • Cuando Howard Hughes se enteró de que en la película el personaje de Warren Stevens estaba basado en él (originalmente su personaje era el de un magnate tejano) amenazó con demandarles. Hubo que cambiar el guión y convertir al personaje en un financiero neoyorquino.
  • Bogart, en una biografía, afirmaba que no le gustó trabajar con Ava Gardner, porque, según sus palabras, «no te daba nada con qué trabajar».
  • «La condesa descalza» fue el primer trabajo de Mankiewicz como guionista, director y productor, así como el primero de su propia productora, Figaro Inc.
  • Los exteriores se rodaron en los alrededores de Roma, así como en San Remo y Portofino, Italia.
  • Ava Gardner solía ir descalza incluso antes de rodar esta película.
  • El personaje de Edmund O´Brien, ha sido el único que ha ganado un Oscar llamándose el personaje Oscar.
  • La escena en la que Ava está bailando con los gitanos (Ava nunca había bailado en el cine) la estuvo ensayando durante tres semanas. Durante la filmación el equipo de sonido se rompió, pero Ava continuó bailando sin perder un paso.

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Casi con toda seguridad, Ava Gardner nunca ha estado más hermosa. Siendo el sex-symbol que era, sólo ella podía hacer la escena en la que se quita el albornoz y deja ver su cuerpo en bañador.

En una época en la que el desnudo estaba prohibido, Ava, en esta escena y en la del baile entre los gitanos, demuestra una vez más porqué era conocida como «el animal más bello del mundo».

Su enorme carga sexual, su magnetismo salvaje, no sólo en el personaje, sino también en la vida real (ella era así), hacen de esta película, sino la mejor de Ava, indudablemente, la que será más recordada por todos sus fans.

Bogart y Edmund O´Brien, que hacen de la voz de la conciencia de María Vargas, no hacen sino revolotear alrededor suyo. Y aunque eran mucho mejor actores que ella, sin duda, es una película pensada por y para la irrepetible actriz.

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Imágenes:

zinefilaz.blogspot.com.es

Wikipedia

 

Moda Masculina

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Saska de Brauw como protagonista de la campaña masculina de Saint Laurent S/S 2013, que el propio fotógrafo y diseñador de la marca Hedi Slimane eligió una mujer para su colección de ropa masculina, en este caso, en teoría, exclusivamente masculina.
Saska de Brauw como protagonista de la campaña masculina de Saint Laurent

 

Cada temporada nos dicen que tenemos como tendencia el estilo masculino y cada temporada vuelve a ser tendencia; llevamos leyendo, viendo y oyendo que es presentado como una novedad en tendencia cada año, como el año anterior..

Cuando sabemos que es un estilo que se sale de las tendencias, es un estilo que nunca se ha ido, que permanece, que nunca ha pasado de moda desde que apareció; eso sí, puede que se llegue a llevar hasta la exageración, verlo en una gran mayoría, en la calle, revistas, etc, etc. Así se podría considerar tendencia, y así también se puede conseguir aborrecerlo, aunque no creo que llegue a pasar.

La Mujer empezó a manifestarse con parte de la indumentaria masculina, como la chaqueta sastre o de influencia militar, eso sí sobre el corsé y falda con el polisón, en pleno paso anticorsé coincidiendo con la “Gran Depresión” entre 1873 y 1890.

Coincidiendo también con el atrevimiento de la mujer en participar en algunos deportes como montar a caballo e ir en bici con sus chaquetas sastres de inspiración masculina, aunque muy femeninas en su corte, llevadas también como trajes de calle. (El “Padre de la Costura”, el modista Charles Frederick Worth, también dio muestras de esta prenda)

Charles Frederick Worth, ca. 1890. The Metropolitan Museum of Art
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Madame Henriette Darras, con chaqueta cerrada inspiración militar Pierre Auguste Renoir (1873)

 

Pero como estilo andrógino apareció a principios de siglo XX, cuando la mujer inició su camino de libertad y emancipación social rechazando los corsés y encorsetamientos.

Lo hemos visto desde la innovadora y revolucionaria escuela de Viena con el movimiento de la Secesión, Secesión de Viena en 1897 gracias a Gustav Klimt y los movimientos liberales. Aunque comenzó a tener éxito a partir de 1908, su verdadero triunfo se manifestó durante los años 20, continuando en los 30, con grandes y excepcionales referencias (no todas iban con traje masculino incluyendo pantalones, la gran novedad, el pantalón, fundamental para completar el estilo masculino), como Coco Chanel, la primera, desde 1912.

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Coco Chanel en 1912, vestida con el curioso traje de un paje de bodas de provincias.
5-CC-28-Coco con su amiga Vera Bates en 1928, vestidas con los trajes completos del Duque de Westmiste
Coco con su amiga Vera Bates vestida con los trajes completos del Duque de Westmiste.

 

Louise Brooks en los años 20,

 

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Louise Brooks en los años 20.

 

Marlene Dietrich,desde 1928 hasta los 40

 

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Marlene Dietrich traje masculino con chorrera de encaje por Cecil Beaton
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Marlene Dietrich con «tuxedo» por Schiaparelli en 1928, fotografía Alfred Eisenstaedt para LIFE.

 

Katharine Hepburn desde los 30 y durante toda su vida:

 

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Katharine Hepburn en 1935, Foto Rue des Archives-BCA

 

Se ha dicho que Yves Saint Laurent fue el creador del smoking para la mujer en 1966:

 

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Pero es evidente que se le adelantó Elsa Schiaparelli en 1928 para vestir a Marlene Dietrich, eso sí, para una gran parte de las mujeres y como moda realmente, se puede decir que fue Yves Saint Laurent.

«Quiero encontrar para la mujer el equivalente del traje masculino» Yves Saint Laurent.

Esta «tendencia» continuó en los años 70, 80….hasta ahora, nunca ha desaparecido.

La seguimos viendo desde que empezó el siglo XXI, ejemplos como las colecciones presentadas para la primavera/verano de 2013, como el de Stella McCartney, muy ochentera, con enormes hombreras, y no es la primera vez que presenta esta línea de chaquetas tan 80´s.

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La nueva firma de Yves Saint Laurent convertida en “Saint Laurent”.

 

Artículo escrito por Mariló Mascuñán  diseñadora y profesora de diseño podéis seguir todo su trabajo en “Como Vestimos” su blog más personal.

Mil gracias por la colaboración de este mes en nuestra sección Vintage Blogger.

Sabrina

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Año: 1954.

Director: Billy Wilder.

Reparto:

Audrey Hepburn (Sabrina).

Humphrey Bogart (Linus Larrabee).

Wlliam Holden (David Larrabee).

John Wlliams (Thomas Fairchild).

Premios:

Oscar al mejor vestuario en blanco y negro.

Nominada al Oscar a la mejor actriz, mejor director, mejor guión, mejor fotografía y mejor dirección artística.

La película fue nominada y ganó muchos otros premios que os invito a conocer en la página web de IDBM

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Curiosidades:

  • Audrey Hepburn y William Holden tuvieron un romance durante el rodaje de la película.
  • Humphrey Bogart fue una última incorporación al rodaje en lugar de Cary Grant. Él y William Holden no se soportaban, Bogart no aprobaba el trabajo de Audrey Hepburn (quería a su mujer, Lauren Bacall en el papel). Cuando le preguntaron a Audrey por su trabajo con Bogart, contestó: «Está bien, siempre que no te importe hacer 20 tomas».
  • Aunque Edith Head ganó el Oscar al mejor vestuario, parte de la ropa que llevaba Audrey Hepburn estaba diseñada por Givenchy y a partir de ese momento fue su diseñador preferido durante casi toda su carrera.
  • Fue la segunda película de Audrey Hepburn en la que llevaba el pelo corto como símbolo de madurez. Así mismo, también fue la segunda película en la que tenía un romance con un hombre que podría ser su padre.
  • Cuando Linus lleva a Sabrina al teatro ven la obra «La tentación vive arriba», que era el siguiente proyecto de Billy Wilder. Se menciona dos veces en la película.
  • Givenchy pensaba que iba a diseñar la ropa para Katharine Hepburn, ya que nunca había oido hablar de Audrey.
  • La crítica se cebó con Bogart, argumentando que no era apropiado para el papel. Se consideró a William Holden más idóneo para el papel de Linus y otro actor más joven para el de David.
  • La hacienda donde se filmó la película era propiedad del Presidente de la Paramount.

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De nuevo el incansable cuento de La Cenicienta. Esta vez, con la incorporación de la jovencísima Audrey Hepburn en el papel de Sabrina. Después del éxito y el Oscar por «Vacaciones en Roma», llega otro taquillazo. La gloria y la fama estaban a su alcance y a pesar de las malas relaciones de los actores protagonista, Billy Wilder, ese Dios del cine, consiguió que la película quedara mucho mejor que bien.

El carácter arisco de Bogart venía como anillo al dedo a un personaje hecho a su medida. Ridículo en sus pretensiones de entretener a la joven que amenazaba la unión de las dos grandes empresas, frío como sólo él sabía ser, intentando seducir a la inocente y platónicamente enamorada de su vividor hermano David, Linus acaba perdidamente enamorado de la encantadora Sabrina.

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No puedo dejar de mencionar el maravilloso vestuario de la película, un Oscar más que merecido.

La comedia es perfecta y el final, como no podía ser de otra manera, nos deja ese buen sabor de boca que las cintas de Billy Wilder siempre nos dejan. Una comedia romántica eterna que nunca pasará de moda.

Escenas memorables:

Imágenes:

Fanpop.com

 

Cómo casarse con un millonario

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Año: 1953.

Director: Jean Negulesco.

Reparto:

Marilyn Monroe (PolaDebovoise).

Betty Grable (Loco Dempsey).

Lauren Bacall (Schatze Page).

David Wayne (Freddie Denmark).

RoryCalhun (Eben).

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Premios:

  • Nominada al Oscar al mejor vestuario.
  • Nominada al premio BAFTA a la mejor película extranjera (1955).
  • Nominada al premio WGA (Writers Guild Awards) a la mejor comedia.

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Curiosidades:

  • Cuando el personaje de Lauren Bacall dice: «Siempre me han gustado los hombres mayores, como ese de La reina de África», en realidad se está refiriendo a su marido en la vida real, Humphrey Bogart.
  • Es una de las primeras películas grabadas en estéreo.
  • Fue la primera película rodada en Cinemascope, aunque se estrenó «La túnica sagrada» antes que ésta.
  • La película tiene 254 tomas, que es un montón, incluso para la época en que se rodó.
  • Lauren Bacall, que había sido modelo antes que actriz, da una lección de «pase de modelos» a las otras dos actrices.
  • Es la tercera película en la que Betty Grable hace de modelo buscando un hombre rico para casarse.

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Una película perfecta para conseguir un gran éxito en taquilla. Tres actrices preciosas y una trama de lo más divertida.

Lujo, dinero, glamur y belleza todo ello, unido al Cinemascope, le daba a la película una «riqueza» que estaba no sólo en el poder económico de sus protagonistas masculinos.

El país era feliz en esos momentos y la película lo demuestra. Marylin Monroe está esplendida. Yo, de las tres protagonistas, me quedo con ella indiscutiblemente. Se come la pantalla con cada gesto, con cada movimiento. Sensual, picara, tímida, insegura y tremendamente cómica, demuestra una vez más que está hecha para la comedia, porque, aunque siempre haga de tonta, es la tonta más encantadora de la historia del cine.

Lauren Bacall, con su altura, su figura y sus conocimientos como modelo da credibilidad al trío. Y Betty Grable, «la chica de las piernas de un millón de dólares», pone la inteligencia y el buen humor en un trío perfecto.

No puedo dejar de mencionar el extraordinario vestuario, creo que me quedaría con todos y cada uno de los vestidos de fiesta que salen en la película. El responsable de este alarde de buen gusto es William Travilla, su trabajo recibió una nominación  a los Oscar de Hollywwod.

Una divertida comedia que consiguió un tremendo éxito en taquilla y que a mí me ha encantado.

Trailer oficial:

Imágenes de la Première de la película:

Escenas Memorables:

Imágenes:

sensacine.com

cianuroespumoso-alexandra.blogspot.com

vickielester.com

listal.com

rafaelcastillejo.com

Mogambo

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Año: 1953.

Director: John Ford.

Reparto:

Clark Gable (Victor Marswell).

Ava Gardner (Eloise Y. Kelly).

Grace Kelly (Linda Nordley).

Donald Sidney (Donald Nordley).

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Premios:

Nominada al Oscar a la mejor actriz (Ava Gardner y Grace Kelly).

Globo de Oro a la mejor actriz (Grace Kelly).

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Curiosidades:

  • Grace Kelly y Clark Gable tuvieron una pequeña aventura durante la filmación de la película.
  • Ava Gardner  abortó durante los meses del rodaje de un hijo con Frank Sinatra.
  • La censura española de la época, que no permitía el adulterio, presentó al matrimonio Kelly-Sidney como si fueran hermanos. Sin embargo, en una escena aparecen juntos en la cama.
  • Maureen O´Hara iba a hacer el papel de Ava Gardner, pero la Metro tenía comprometida una película con Ava y la metió en ésta. John Ford, molesto con esta decisión, trató fatal a la actriz.
  • Gran parte de la película se rodó en estudios de Hollywood.
  • Es una de las dos únicas películas de MGM que no tiene banda sonora.

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Amor, infidelidades, celos… La selva convierte al hombre en animal salvaje. Con un plantel de actores de primerísima fila, John Ford, maestro de los maestros, nos lleva a la selva africana en un frenesí de deseo, con un trío entre dos mujeres y un hombre.

Un ya bastante maduro Clark Gable, atractivo, valiente, pero sobre todo seductor,  rivaliza para mi gusto en protagonismo con una salvaje Ava Gardner. Ava, está magistral, rebosante de feminidad, simpatía, picardía y, sobre todo, cargada de fuerza sexual. Una bellísima gata salvaje que se convierte en protagonista indiscutible de toda la película, frente a una la insulsa, cándida y  mojigata Grace Kelly. El fuego helado, la llamaban en Hollywood. Ava, se hace con la película ella sola. Está soberbia.

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Estoy segura de que la fotografía de Robert Surtees debió ser sorprendente para la época. El recorrido que hace Robert por la selva Africana, debió dejar boquiabierto a más de uno en esos años 50.

Yo, desde luego, me quedo con Ava. Creo que habría merecido un Oscar por esta interpretación, pero ese año sería para Audrey Hepburn y sus “Vacaciones en Roma”.

Trailer oficial:

Escenas memorables:

Imágenes:

doctormacro.com

vanitatis.elconfidencial.com

josecarlosrincon.blogspot.com.es

www.elcriticon.es

amoviescrapbook.blogspot.com.es

Os dejo también algunas Imágenes de los protagonistas en la reserva de Kenia donde se filmo parte de la película, es muy interesante.

www.carrhartley.com

 

Sarah Moon

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Seguramente no os sonará nada este nombre, pero en cuanto os ponga en antecedentes y comencéis a ver sus imágenes, estoy segura de que la mayoría de los que seguís el blog os daréis cuenta de que ya admirabais su trabajo antes de que yo os explicara de quién se trata.

Sarah Moon es la fotógrafa que realizó la campaña de lanzamiento de Anais- Anais de Cacharel.  ¿Recordáis esas imágenes tan románticas que acompañaban a la colonia? ¿Esas imágenes que se convirtieron en un icono en los 80? Pues todas salieron de su cámara.

Sarah Moon es una autora con personalidad propia, sus imágenes son inconfundibles. Ha conseguido renombre internacional con su estilo rico, refinado, elegante y, casi diría, que único.

Su uso de películas Polaroid y un tratamiento muy personal de los negativos, dan como resultados unas fotografías que parecen salidas del pasado: fotografía en blanco y negro que no tienen blanco, viñetas, desenfoques, texturas, ojos cerrados, rostros borrosos, espacios cerrados; pero sobre todo elegancia, muchísima elegancia es lo que vais a encontrar en todas sus imágenes.

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«A menudo envidio aquellos que saben fotografiar la vida. Yo la rehúyo, empiezo de la nada, no testifico sobre nada, me invento una historia que no cuento, me imagino una situación que no existe, creo un lugar o borro otro, desplazo la luz, desrealizo y luego ensayo … Sarah Moon»

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Y ahora que ya sabéis quien es Sarah Moon, os cuento un poquito más mi experiencia con ella durante este mes de marzo.

Me enamoré en el segundo uno de su trabajo, de todas y cada una de sus fotografías, y me puse a recopilar en una carpeta todas las que quería reproducir. Carpeta que cada vez tenía más y más imágenes. El flechazo fue total. Necesitaba una modelo, alguien que me permitiera captar la esencia de Sarah, la belleza de sus imágenes, su serenidad, su delicadeza…y llamé a Monica Gianninni. La conté por encima el plan y no lo dudo un segundo… Me dijo sí.

Yo estaba entusiasmada y muy nerviosa, he de reconocerlo. Me presenté en su casa cargada con todos mis bártulos: telas, tocados, polveras, pañuelos… Fueron casi cuatro horas de sesión en su terraza. Mónica no solo es bellísima por fuera, como podéis comprobar en las imágenes, Monica es artista, pintora y, como tal, tiene una sensibilidad especial para plasmar la belleza. Eso me ayudó muchísimo a la hora de capturar las imágenes.

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Esta imagen no he podido comprobar si es de Sarah Moon

 

Siempre que nos juntamos nos reímos a carcajadas, pero esa tarde terminamos agotadas las dos. Dice Monica que el trabajo de modelo es durísimo, y tiene toda la razón. Menuda paliza la di a la pobre y qué bien se portó ella. Se metió en el papel de cada una de las modelos y estoy convencida de que ello se muestra en las imágenes. Mil gracias Mónica, sin ti este proyecto no habría sido igual.

La segunda parte de las fotos las hice con Carola en casa: una sábana blanca, un pequeño foco iluminando el fondo y mi flash de mano. Esta otra sesión me encanta por su estilo tan delicado. Son fotos que Sarah Moon hizo para el Vogue hace muy poco años.

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Luego han sido muchas horas de edición y mil vueltas con mis compañeras de aventura. El grupo de Facebook echa chispas desde hace quince días: consejos, sugerencias, risas… Hemos tenido de todo. Es impresionante el gran trabajo que han hecho todas mis compañeras. De verdad os lo digo, no dejéis de pasar a ver las fotos del resto porque os merecerá la pena sin duda alguna.

Os dejo el link al blog de Verónica, Araceli y Eva ; y al Flickr de Beatriz, Iratxe, Sylvia y Sara . Os invito a disfrutar de un buen rato con su trabajo, porque es increíble lo que han hecho todas.

Y, por supuesto, nuestro blog conjunto: El Objetivo Mágico.

Un mes increíble…

Quiero dar las gracias a Mima Molina, de no ser por ella no habría conocido en profundidad el trabajo de Sarah Moon. Ella es su fotógrafa, pero lamentablemente por motivos personales Mima no ha podido participar este mes.

Muchas gracias a todos los que sé seguís este proyecto de cerca.

 

Bodas Reales

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Año: 1951.

Director: Stanley Donen.

Reparto:

Fred Astaire (Tom Bowen).

Jane Powell (Ellen Bowen).

Peter Lawford (Lord John Brindale).

Sarah Churchill (Anne Ashmond).

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Premios: Nominada al Oscar en 1952 a la mejor canción original.

Curiosidades:

  • La canción que baila Fred Astaire en la habitación se hizo colocando en esta la cámara y el operador en una jaula giratoria de 10 metros de diámetro.
  • Según una entrevista, Fred Astaire intentó bailar con más de treinta percheros antes de que el Estudio decidiera fabricar el suyo propio, por un coste (al cambio actual) de 4000 dólares. El perchero desapareció poco después del estreno.
  • Fred Astaire y Jane Powell cantan la canción con el título más largo de la historia del cine: «How Could You Believe Me When I Said I Love You When You Know I’ve Been a Liar All My Life» (Cómo podrías creerme cuando te digo que te quiero cuando sabes que toda mi vida he sido un mentiroso).
  • June Allyson y Judy Garland fueron candidatas al papel protagonista.
  • En Inglaterra se cambió el título por «Wedding Bells» (Campanas de boda), para no confundirla con la reciente boda de la Princesa Isabel (La reina Isabel II).
  • La tienda «Harridge´s» es una mezcla de «Harrod´s» y «Claridge´s», unos conocidos grandes almacenes y un hotel de cinco estrellas en Londres, respectivamente.
  • La escena del baile en el tejado parece estar hecha en una sola toma, pero si os fijáis con atención hay tres, quizá cuatro, cortes muy sutiles.
  • La historia recuerda vagamente a lo sucedido realmente a la hermana de Fred Astaire, Adele, que se casó con Lord Charles Cavendish, hijo del Duque de Devonshire. Justo como Jane Powell, que hacía de hermana de Fred y que se casa con un Lord inglés al final de la película.

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Un musical de los de antes, con una puesta en escena bárbara y de lo más cuidada.

Probablemente en esta película está la escena que hizo a Fred Astaire famoso en todo el mundo, etiquetándole ya para siempre como el mejor bailarín de Hollywood de todos los tiempos. Realmente hubo gente que pensó que era capaz de volar.

La escena a la que me refiero es la ya mítica en la que Fred Astaire, que comienza bailando en el suelo y acaba recorriendo el techo de la habitación, como si de un mago se tratara.

La escena tiene una perfección técnica impresionante, y más teniendo en cuanta la época en la que fu rodada, en la que no se podían hacer los montajes digitales que se hacen ahora.

Con una cámara en la habitación, metida en una jaula, Fred Astaire demuestra por qué el cine de mediados del siglo pasado era el espectáculo que llevaba a todo el mundo a disfrutar de una buena película.

Fred Astaire, que vuelve a demostrar un gusto y elegancia exquisitos para el baile, no sólo por la susodicha escena sino también por otras como el baile de los protagonistas en el barco que les lleva hacia Inglaterra. O el de Fred Astaire con un perchero en el gimnasio, casi tan famosa como la de la habitación.

Si os gustan los musicales y el baile, solo por ver estas tres escenas merece la pena ver la película.

Con este video que he encontrado en Internet, se entiende bastante mejor como se montó la escena de la habitación:

Imágenes:

Cineclasic.com

Wikipedia.org/wiki/Fred_Astaire

 

 

 

 

Forajidos

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Año: 1946

Director: Robert Siodmack

Reparto:

Burt Lancaster (Ole ‘Swede’ Andreson)

Ava Gardner (Kitty Collins)

Edmon O´Brien (Jim Riordan)

Albert Decker (Big Jim Colfax)

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Premios:

Nominada a los Oscar en 1947 por mejor director, mejor guión adaptado, mejor montaje y mejor banda sonora. No obtuvo ninguno.

Premio Edgar Allan Poe a la mejor película en 1947.

Premio en 1946 del National Board of Review a la mejor película del año.

Premio del National Film Preservation Board en 2008.

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Curiosidades:

  • Primera película de Burt Lancaster, que venía de trabajar como acróbata en el circo.
  • Burt Lancaster estuvo dos meses practicando boxeo con un campeón de boxeo para hacer las escenas de combate, que las rodó con un boxeador real. Y lo hacía bastante bien.
  • Es la adaptación de una novela corta de Hemingway.

forajidos (11)Considerada por muchos la mejor película de cine negro de todos los tiempos, es indudable su calidad cinematográfica, especialmente los primeros diez minutos donde se relata el argumento de la novela de Hemingway, dejando el resto de la película para la investigación.

Con un argumento desarrollado en «flashbacks», el director nos lleva del pasado al presente descubriéndonos el hilo de la historia. Me ha gustado como está dirigida la película. Me encantan las películas policiacas y de investigación, y esta es una de las mejores que he visto en mi vida.

Si tuviera que quedarme con alguna escena, sin duda me quedo con la cara de alucinado de Burt Lancaster ante la visión casi celestial de una Ava Gardner bellísima. No se puede ser más guapa. Venus hecha mujer. Con esta, y algunas películas que la siguieron, se convierte en una de las «femme fatale» más famosas de la historia del cine.

A Burt Lancaster le he encontrado soberbio en su papel de boxeador y ladrón de altos vuelos. Por cierto, está mucho más guapo de joven de lo que yo le recordaba.

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¡No vamos a admirar solamente a las mujeres del cine clásico, algunas veces ellos las superan en belleza y atracción¡

Si os gusta el cine negro, de suspense, policiaco y de investigación este será uno de vuestros clásicos… seguro.

Trailer:

 

IMÁGENES:

http://elcollardehampstead.blogspot.com.es.

http://www.filmoteca.cat.

http://uraniaenberlin.com.

http://johannes-esculpiendoeltiempo.blogspot.com.es.

 

La costilla de Adán

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Año: 1949

Director: George Cukor

Reparto:

Spencer Tracy (Adam Bonner)

Katharine Hepburn (Amanda Bonner)

Judy Halliday (Doris Attinger)

Tom Ewell (Warren Attinger)

David Wayne (Kip Lurie)

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Premios:

Nominada al Oscar en 1951 al mejor guión.

Nominada a Globo de Oro en 1951 a la mejor actriz secundaria.

Premio en 1992 del National Film Preservation Board.

Nominada en 1950 y 1951 al Premio WGA (Writers Guild Awards) a la mejor comedia.

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¡Qué ganas tenía de volver a verla!

Es una de esas comedias que te deja como flotando después de verla, te quedas con un sabor de boca tan fantástico que te da pena que se termine. Al menos a mí me pasa siempre que me pongo frente a esta increíble pareja, y en esta película están sublimes los dos.

Divertidos, irónicos, jocosos, picantes y, sobre todo, ingeniosos.

La comedia, con un guion chispeante, aborda con ingenio la eterna «batalla de sexos». Quizá en ninguna otra película se haya representado de una forma tan elegante, tan divertida y la vez tan cruda, la lucha de las mujeres por conseguir un puesto en la sociedad igual al de sus maridos.

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Han pasado más de 50 años y se mantiene tan fresca y actual como entonces. Es posible que en su momento no recibiera los premios que yo creo que merecía, justamente por eso, por tocar un tema un poco delicado para la época.

La calidad del guion y la rabiosa actualidad del tema, hacen de ella una de esas películas para no cansarte de verla.

La pareja protagonista, quizá la más sólida, convincente y compenetrada de la historia del cine, te lleva de una a otra escena con deliciosa comodidad, deseando volver a verles actuando juntos, volver a verla, volver a disfrutar, casi cómplices de él o de ella.

Porque lo más bonito de esta película es, sin duda, el final de la batalla, en el que ninguno pierde y ambos ganan.

Una comedia magnífica…

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Curiosidades:

  • En una de las primeras escenas en las que Judy Halliday hace un monólogo junto a Katharine Hepburn, se la ve temblando. No estaba actuando, como inexperta y primeriza actriz estaba muy nerviosa por actuar junto a la gran Hepburn.
  • En 2008 el American Film Institute calificó «La costilla de Adán» como una de las 10 mejores comedias románticas de todos los tiempos.
  • Uno de los eslóganes de la película era: «Es la respuesta hilarante a quien lleva los pantalones».
  • Está basada en una historia real del divorcio de dos actores de cine: Raymond Massey y Adrianne Allen.
  • Spencer Tracy siempre insistía en aparecer en los créditos junto a Katharine Hepburn. El guionista Garson Kanin le planteó: «Ella es la dama, tú el caballero. ¿Las damas primero?» A lo que Tracy le respondió: «Esto es una película, ganso, no un bote salvavidas».
  • El guión se escribió específicamente pensando en la pareja protagonista.
  • La película se rodó en Nueva York y, como en el resto de las películas que rodaron juntos, Tracy y Hepburn dormían en domicilios separados para evitar escándalos.

Annex - Tracy, Spencer (Adam's Rib)_02

Trailer Oficial:

Escenas Memorables:

http://youtu.be/Jl1dBYC2oQs

Imágenes:

Doctor Macro, Movie Classics, Emelab.