Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
¿Nos acompañáis hoy a adentrarnos en la lejana India y la magia de su joyería? El 7 vuelve a sorprendernos con una colección temporal difícil de superar, que revive la enigmática fuerza de los sultanes indios, con especial hincapié en principios del siglo XX, cuando se produjo un dramático cambio en su tradicional joyería, como veremos a lo largo de este artículo.
A través de espectaculares objetos, la muestra, que abrió sus puertas el pasado 21 de noviembre y permanecerá abierta hasta Marzo de 2016, recorre desde la más tradicional de las joyas ornamentales de la cultura india hasta las más actuales, pasando por un momento que resultó crucial en la joyería india: el cambio total del diseño de las piezas, que supusieron una gran influencia para la Europa de principios de siglo, con especial mención al Art Decó desarrollado por Cartier y otros maestros joyeros.
Las piezas con más magia de la colección
Entre las joyas expuestas destaca, por ejemplo, esta cuenta de esmeralda esculpida, del siglo XVIII, perteneciente al Imperio Mogol de la India (siglos XVI a XIX), un poderoso estado turco islámico que llegó a abarcar lo que hoy forman India, Pakistán y Bangladesh.
O este collar de la misma época, de spinels (imitación de gemas en tonos rojizos) y perlas.
Avanzando un poco en la historia y situándonos a finales del siglo XVIII podremos admirar piezas como este pináculo de oro perteneciente al trono del sultán Tipu, gobernador de la región de Mysore entre 1790 y 1800.
Al estilo Art Decó indio pertenecen este majestuoso ornamento para turbantes, que influyó parte de la vestimenta tradicional de los Años 20 o este broche engarzado con diamantes, zafiros y esmeraldas, creado por Cartier en 1922.
Esta exposición se enmarca dentro de una serie de exposiciones en torno a la rica y variada cultura del sur de Asia, expuestas en el Victorian & Albert Museum. Este Festival Indio conmemora el 25 aniversario de la inauguración del Museum’s Nehru Gallery en Londres, que muestra las piezas más importantes de esta cultura entre los siglos XVI y XIX.
Hoy se subasta subastaba en la casa Sotheby´s de Nueva York una de las joyas más espectaculares de la antigua monarquía egipcia. La joya sale a subasta con un precio estimado de venta de 4,6 millones de dólares, y yo estoy expectante por saber el precio del remate final.
La espectacular pieza, junto con una igualmente exquisita tiara, fue hecha a mano en 1939 por Van Cleef & Arpels para la Reina Nazli de Egipto, con ocasión de la boda de su hija la Princesa Fawzia con el futuro Shah de Irán Mohammad Reza Pahlevi.
La novia también llevaba un collar realizado por la casa Van Cleef & Arpels para la ocasión. Sólo la tiara estaba adornada con 54 diamantes en forma de pera que pesaban 92 quilates y 520 diamantes en corte baguette que pesaban 72 quilates.
Siguiendo una tradicional costumbre musulmana, la novia no estaba presente en el momento de la ceremonia. Simplemente se producía la firma del contrato matrimonial en el que estaban presentes el novio, el príncipe heredero de 19 años Reza Pahlevi de Irán, y el hermano de la novia, el Rey Farouk.
La novia esperaba en una habitación contigua, y al finalizar el acto descendía las escaleras de palacio flanqueada por su hermano y su ya marido. La princesa Fawzia elegiría para la ceremonia un precioso vestido de satén adquirido en París. Les siguió una suntuosa cena real seguida por una espléndida recepción, donde la corte real egipcia resplandecía en joyas.
La Reina Nazli poseía una de las colecciones de joyas más magníficas y numerosas del mundo, de la que ya estoy preparando un completo artículo.
La colección terminaría repartida por el mundo para mantener el elevado tren de vida que la Reina llevaría junto a su hija en su exilio americano. Una parte se vendería el año 1975 en Sotheby Parke Bernet, pero no sería suficiente, y en septiembre de 1976 las dos tendrían que comparecer ante el tribunal de cuentas de Los Angeles por una deuda de otros 500.000 dólares.
Su vida al final fue un auténtico drama. Tuvo que enterrar a su hija que fue asesinada a tiros por su ex marido, y fallecería apenas un año después en la miseria más absoluta.
Louis Icart, artista autodidacta, no tuvo formación académica alguna. Comenzó a dibujar a edad muy temprana. En 1907 se traslada a Paris para dedicarse al dibujo y a la pintura. En esta época realizó hermosos grabados que muy pronto le dieron fama.
Icart fue uno de los mayores y más considerados ilustradores de los talleres de moda de la época, todos los grandes nombres de la moda de los años 20 y los 30 querian trabajar con él. Querian sus ilustraciones como soporte de venta para sus ultimas creaciones de moda.
Icart, que había nacido en Toulouse en el seno de una modesta famila, pero de gran inquietud cultural y artística, sería el mayor exponente de la pintura, el grabado y la ilustración de moda de estos años.
Icart participaría en la primera guerra mundial, hecho que le llegó a traumatizar y con el que solamente encontraba consuelo dibujando en el primer soporte que tenía entre sus manos. Al terminar la guerra todos esos dibujos, la mayor parte aguatintas, fueron convertidos en grabados que comercializaría en Europa y los EEUU.
Su gran musa fue su esposa Fanny Volmers, ella aparece en la mayoría de sus dibujos y grabados.
En 1925 en pleno Art Decó, Icart se convirtió en todo un símbolo de esta época.
Icart en sus dibujos representa a las mujeres de forma sensual y elegante, pero siempre con un matiz delicado y a veces con un toque de humor. Fue un símbolo de la época Art Decó y aun hoy sus dibujos y grabados originales son altamente cotizados en los mercados de segunda mano mundiales
Murió en Paris en 1950.
Hoy os traigo dos de sus grabados que, por casualidades de la vida, cayeron en mis manos hace apenas unos días. No pude resistirme a fotografiarlos y, por supuesto, decido acompañarlos de dos de mis piezas más queridas de la colección Arte Decó.
¿Conocíais a este ilustrador y pintor francés?
¿Qué os parece su obra?
Yo había visto alguna de sus obras, pero al escribir estas líneas y buscar toda la información necesaria, me he quedado totalmente prendada de su delicadeza y su elegancia.
Espero que a vosotros también os guste este pequeño hallazgo que os traigo hoy.
Ayer encontré este vídeo en YouTube que me ha parecido precioso
El mes de Julio debe su nombre a Julio Cesar, y en él se ha basado mi trabajo de investigación para este proyecto que ya ha pasado su ecuador.
El mes debe su nombre al insigne romano Cayo Julio Cesar, siendo su sucesor Octavio Cesar Augusto el que decidiera cambiar su nombre hasta entonces, Quintilis, por el de Julio, en honor al líder militar y político romano nacido en dicho mes.
Este ha sido el motivo por lo que este mes mi trabajo se haya basado en la vida y obra de Julio Cesar, y por lo que su pieza central sea un corazón apuñalado de una forma bastante sangrienta. Julio Cesar fue apuñalado 23 veces hasta darle muerte en la misma sede del Senado romano.
Todas las piezas que componen este bodegón tienen algo que ver con su infancia, su vida y su muerte. Un merecido tributo a la persona que dio nombre al mes.
Cada fotografía es única y, como veis, lleva un meticuloso proceso de estudio y elaboración. No me gusta dejar nada al azar.
Me encantará poder contaros de dónde salieron cada uno de los elementos que completan mis bodegones, si es que alguna vez alguien tuviera la curiosidad por saberlo.
Espero que os guste mi particular visión del mes de Julio
Curiosísima la exposición que os recomendamos este mes para visitar: Inside out: revealing clothing’s hidden secrets. Piezas extraídas de los siglos XVIII, XIX y XX que rebelan los secretos mejor guardados de sus maestros diseñadores. Una muestra que podrás visitar en el Kent State University Museum (UK) hasta el 14 de febrero de 2016.
Lo realmente curioso y digno de admiración es que estas prendas que se muestran, tanto de mujer como de hombre, no han sido remodeladas ni alteradas con el paso del tiempo, sino que han mantenido su originaria y genuina integridad. Como bien dicen en la presentación del museo, y si tenéis la suerte de poder visitar esta muestra, veréis que en muchos casos el interior es casi tan bello como el exterior.
A lo largo de la historia se han registrado un sinfín de estilos que han pasado desde el siglo XVIII al XX, período que muestra esta exposición, y así, los creadores y diseñadores se han visto en la obligación de resolver nuevos problemas a los que se enfrentaban con cada cambio de moda: cómo otorgarle dimension a las prendas (o restársela, según la época), cómo terminar los bordes o cómo debe encajar el material en la forma masculina o femenina del momento… Para cada proceso, grandes maestros idearon grandes y originales soluciones que se revelan en esta original muestra.
Por supuesto, la revolución industrial y la paulatina incorporación de tecnología a los procesos de costura introdujeron nuevas formas de tratar la tela y los acabados, como, por ejemplo, la creación de las cremalleras en comparación con el antiguo uso del broche. Ingeniosas ideas que facilitaban la labor de producción y utilización de las prendas. Uno de estos pasos de gigante hacia la modernidad fue la invención de la máquina de coser.
Como ejemplo del siglo XVIII la exposición muestra algunos trajes masculinos de raso con preciosos botones bordados a mano de 1770 o 1780, entre otras prendas también femeninas, como un vestido acolchado también de 1780, muy típico de la época.
Del siglo XIX destacan siete características y originales piezas, en las que se ve claramente los cambios que sufrió la moda a lo largo de este siglo, que fue especialmente activo.
Por último, del siglo XX destacan dos piezas que representan la fina costura de principios y mediados de siglo, como el traje de Chanel de lana amarilla de 1960.
En la web del Kent State University Museum podéis ver otros detalles de más piezas expuestas en la muestra, así como todo lo necesario para que podáis asistir a visitarla.
Estoy segura de que los que seguís con frecuencia nuestro blog vintage sabréis que Audrey Hepburn es una de nuestras musas más queridas. Entre nuestras joyas más admiradas por quienes os animáis a visitar nuestro espacio vintage en Madrid se encuentra la reproducción del collar de perlas que luciera esta actriz durante el rodaje de “Desayuno con diamantes”. Y no sólo es de nuestras piezas favoritas, sino que también parece ser la vuestra.
Es por esta razón que hoy nos hemos animado a escribir sobre esta preciosa exposición en Londres que mantendrá sus puertas abiertas hasta el 18 de octubre… ¡Aún estás a tiempo de organizar un viajecito de fin de semana a la isla de Shakespeare!
La National Portrait Gallery alberga en esta muestra más de 70 fotografías sobre la vida completa de Audrey, comenzando desde sus primeros años en un coro del teatro West End de Londres, hasta sus últimos días dedicados a la beneficiencia, inclyendo sus viajes a Sudán.
Portadas de las revistas más glamurosas de los 50 y material cinematográfico que nunca llegó a salir a a luz son algunas de las sorpresas que nos depara esta exhibición, además de las imágenes que son inéditas, como por ejemplo las fotografías tomadas por algunos de los fotógrafos más aclamados del siglo XX, como Richard Avedon, Cecil Beaton, Terry O’Neill, Norman Parkinson o Irving Penn.
Especialmente curiosa nos ha parecido la iniciativa de The Gallery, que pone a disposición de los visitantes a su especialista Helen Trompeter, con quien puedes realizar un tour muy especial recorriendo toda la historia de Hepburn, a través de las imágenes y las explicaciones ofrecidas por esta experta en Twitter (visita desde aquí su perfil).
En agosto, la exposición ya consiguió el premio a la Exhibición del mes, un galardón otorgado por la prensa londinense.
La National Portrait Gallery fue fundada en 1856 con el objetivo de recoger y mostrar las colecciones más famosas de retratos de Británicos de reconocimiento mundial. La exhibición de Audrey Hepburn corresponde a su muestra privada y que estará expuesta sólo hasta el 18 de octubre, pero si te decides a visitar la isla y esta exposición, no dudes en ver también la colección permanente con más de 200.000 retratos desde el siglo XVI hasta nuestros días.
Este mes Boston es la capital protagonista de nuestra exposición recomendada. Restoring a Legacy: Los tesoros de la familia Rothschild nos trae hasta el 5 de julio al Museum of Fine Arts de Boston una magnífica muestra europea saqueada durante la época nazi y que fue devuelta recientemente a sus dueños originarios, los descendientes del barón y la baronesa Rothschild de Viena.
La muestra, compuesta de 186 objetos de arte, entre los que se incluyen joyas, objetos decorativos, muebles, miniaturas y hasta libros de la conocida familia vienesa. Lo que a nosotros nos ha llamado especialmente la atención es la colección personal de 80 objetos de la baronesa, en la que se incluye una impresionante y bella joyería de la época.
Destacamos entre todas las joyas expuestas una tiara también usada como collar de 1920 compuesta de 9 diamantes en forma de pera y un broche con dos esmeraldas y de estilo Art-Decó de 1937. No obstante, todas las piezas merecen ser ensalzadas y admiradas, ya que son un excelente y delicado trabajo de orfebrería en cuantiosas formas y utilizando los más variados materiales preciosos, como el oro, cuarzo de ágata o piedras preciosas, barnizadas con preciosos esmaltes.
La familia Rothschild
Los Rothschild eran descendientes de un banquero judío de Frankfurt que estableció su próspero negocio bancario en 1760. Pero su mayor triunfo fue establecer un sistema bancario internacional a través de sus cinco hijos, que finalmente entraron a formar parte de los nobles austríacos. Entre ellos, el barón de Habsburgo.
Llegaron a tener tanto poder e influencia que en Francia y Austria los Rothschild presionaron para construir y financiar las redes ferroviarias, y en general, todos estuvieron involucrados en la orfebrería con metals preciosos, con especial predilección por el oro, llegando a poseer, se dice, la mayor fortuna privada de la historia reciente.
En 1938 los Rothschild perdieron todos sus intereses en Austria a manos de los nazis, lo que supuso el fin de más de un siglo de permanecer en el corazón de la banca en Europa central. Tras esto, la familia se dispersó.
Hoy día, aunque siguen siendo igual o más conocidos que entonces, su patrimonio y dedicación ha cambiado de sector, siendo el sector bancario y de inversión su apuesta más feroz.
Gracias a los esfuerzos de familias como ésta por recuperar su patrimonio, así como la ayuda de algunos movimientos como “Monuments Men” y “Woman in Gold”, que han sacado a la luz el espolio llevado a cabo por los nazis durante la II Guerra Mundial, estas joyas parte de la historia han podido ver la luz y retornar a sus dueños.
Si Las Vegas es ya de por sí uno de los destinos de preferencia de la mayoría del turismo de entretenimiento y juego, ahora cada vez más lo está siendo también para el turismo cultural gracias a sus muchas exposiciones y actividades culturales que cada uno de los hoteles regenta.
En esta ocasión queremos recomendaros una en concreto cuyas puertas permanecerán abiertas hasta el 25 de mayo, por si estáis pensando en una visita por el oeste Americano este mes: Fabergé Revealed. Esta exposición muestra 238 artefactos original que el diseñador realizó para sus distinguidos clientes, la mayoría de la realeza de la época, lo que supone la colección de Fabergé más grande jamás mostrada fuera de Rusia. La historia que sus piezas esconden tras ellas ha revelado muchísimos detalles sobre la familia imperial rusa de los siglos XIX y XX.
La denominada Casa de Fabergé produjo en torno a 150.000 objetos de arte, joyas y artículos hechos en plata. Muchos de ellos eran únicos y raros, elaborados exclusivamente para un determinado y distinguido cliente. Los más famosos y cuyo valor y fama ha llegado hasta nuestros días fueron los Huevos de Pascua, de los que ya hemos hablado en nuestro Diccionario Vintage.
Sus joyas de lujo y un refinado arte de diseño y montaje es lo que llevó a Fabergé hasta la familia imperial rusa de finales del siglo XIX. En esta muestra, entre otras maravillas, se pueden observar más de 200 piezas que el célebre joyero realize para el Zar ruso Alexander III, así como para su sucesor Nicolás II, incluyendo los cuatro Huevos de Pascua Imperiales, únicos en el mundo.
Tarissa Tiberti, Directora Ejecutiva de la galería donde se encuentra ubicada la exposición – que por cierto, está enclavada dentro de uno de los hoteles-casino más lujosos de todo Las Vegas, el hotel Bellagio – comentó para una entrevista publicada en el periódico LA Times que “estos objetos no sólo engrandecen la belleza del arte histórico, sino que también nos cuentan uno de los momentos más importantes de la historia: la caída de la familia imperial rusa”.
La muestra, cuyas piezas en su gran mayoría, proceden del Virginia Museum of Fine Arts, permanecerá abierta en el hotel Bellagio hasta el 25 de mayo. Si os decides a hacer esta visita Americana tan especial, no dudéis en dedicarle una mañana.
Podéis encontrar más información y adquirir los tickets en: http://newsroom.bellagio.com/
Hasta el 19 de abril os queda solamente para poder disfrutar de una de las más completas e interesantes exposiciones sobre la historia de los retratos reales de España.
La exposición hace un recorrido desde Juan de Flandes a Antonio López y ofrece una visión general del retrato de corte en España, desde el siglo XV al XXI.
Un itinerario para disfrutar de obras maestras de la pintura, con los mejores ejemplos conservados en las colecciones de Patrimonio Nacional. El recorrido, a lo largo de 12 salas por la planta baja del Palacio Real de Madrid, se complementa con una visita al propio Palacio. En total no invertiréis más de una mañana en visitar las dos cosas y, verdaderamente, merece la pena. Yo saqué la entrada por internet y me resultó de lo más agradable la doble visita.
La exposición en sí esta estructurada en dos grandes secciones: Casa de Austria y Casa de Borbón, y un recorrido en orden cronológico que nos hace entender un poco mejor la historia de España a través de sus familias reales.
La muestra se abre con la dinastía de los Habsburgo, con diversos retratos entre los que destaca el de la reina Isabel la Católica, de la Casa de los Trastámara, de Juan de Flandes.
Destacable de esta sección son también los retratos de Carlos V de Jakob Seisenegger y de Felipe II de Antonio Moro, y esta sección podréis encontrar una de las joyas de la exposición: una pequeña miniatura del conde-duque de Olivares de Diego Velázquez.
En la segunda sección dedicada a la Casa de Borbón desde el siglo XVIII hasta el presente, se exponen los mejores ejemplos del retrato borbónico del Patrimonio Nacional: Felipe V, Carlos III o la maravillosa obra de Francisco de Goya con María Luisa de Parma como modelo. Obras de Vicente López, Federico de Madrazo o Franz Xaver Winterhalter, Joaquín Sorolla y Ramón casas, entre otros.
La muestra se cierra con dos obras emblemáticas una de Salvador Dalí y la otra de Antonio López de la familia real de Juan Carlos I.
Una selección de obras que merece la pena visitar y para la que ya os quedan muy poquitos días.
Os dejo el link a la web de Patrimonio por si os decidís a visitarla en estos días.
Iván es madrileño y hace ya 12 años que se dedica profesionalmente al mundo de la fotografía, leer su CV es darte cuenta de la increíble experiencia que lleva a sus espaldas realizando reportajes, tanto en el campo del retrato como de producto y de cómo ha sido capaz de fusionar la fotografía con su otra pasión, la música.
A Iván le he conocido por pura casualidad y gracias a un precioso proyecto solidario que tienen entre manos Carmen Hache y Rosa Martínez. Se trata de un proyecto sin ánimo de lucro que nace en el año 2013. Una iniciativa que desde la fotografía y el arte en general intenta concienciar y ayudar contra los malos tratos. «Mujer mariposa» colabora directamente con la Fundación Ana Bella, una entidad en la cual mujeres supervivientes de malos tratos ayudan a otras. “Mujer mariposa» es un movimiento de mujeres que se crecen ante la adversidad, que se caen y se levantan. Y que despliegan las alas”.
Asistí a la inauguración este año de su exposición y entre todas las obras expuestas los ojos se me fueron en el primer momento a la fotografía de Iván. Luego después de comprarla, para colaborar con esta causa, fue cuando descubrí su trabajo y el porqué de esta fotografía.
Iván sufrió un accidente en bicicleta en Madrid en el año 2014, del que salió vivo de milagro y se ve obligado a parar su actividad durante 4 meses. Tiempo en que se plantea su rumbo en la fotografía. Quiere desarrollar una faceta más personal y no tan profesional en este terreno. Para ello, tras la recuperación, realiza varios cursos para reforzar conocimientos, y coger más confianza y mejorar el criterio sobre su propia obra. Revisando su colección de fotos, se da cuenta de su gusto por las fotografías nocturnas, de viajes y de personas, y es en este momento cuando se plantea salir un poco de la vorágine comercial y pensar en dar a conocer su parte más artística. Dar a conocer su fotografía más personal.
Su primera participación en una exposición ha sido en Mujer Mariposa. Y ahora ya se encuentra súper ilusionado para plantearse reunir más fotografías para realizar alguna otra.
Todas las fotos que acompañan este texto están realizadas por Ivan y pertenecen a su portfolio más personal. Su fotografía para Mujer Mariposa ya estará decorando la nueva pared de mi casa dedicada a la fotografía emergente cuando vosotros estéis leyendo estas líneas. Te deseo mucha suerte y espero poder asistir pronto a esa exposición que imagino ya tendrás entre manos.
Os dejo los links a la obra de Ivan y al proyecto Mujer Mariposa gracias al cual le descubrí.
Siempre me gusta cerrar el mes con algo especial, y este año el broche de oro mensual lo va a poner mi proyecto “Bodegones Barrocos o Still Even”
Ya os conté el mes pasado en lo que consistía el proyecto y cómo mi inspiración vendría de la pintura de “vanidad”, en las que suntuosos arreglos de fruta y flores se entremezclan con libros, jarras, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales o científicos. Objetos, a su vez, acompañados por piezas con significados simbólicos.
Cada fotografía es única y lleva un proceso meticuloso de estudio.
Febrero es el mes del agua, de la purificación de las almas y del dios Neptuno. Es el mes de las amatistas y de los lilos.
Después de algunas tardes de estudio, de consultar libros de arte, páginas en Internet y de apuntar alguna que otra idea en ese pequeño cuaderno de inspiración que me regalara MapyDh hace ahora un año, nacía un soleada mañana de sábado “Neptunus deus maris”
Uno de mis pintores barrocos favoritos es el que da nombre al esquema sobre el que nos toca trabajar este mes: la luz Rembrandt, una iluminación en la que las sombras son las protagonistas absolutas del retrato.
Aunque Rembrandt siempre utilizara luz natural, yo voy a dejar pendiente intentarlo más adelante, para el proyecto que nos ocupa la idea es conseguirla utilizando luz artificial. Después de varias pruebas, con diferentes modificadores, mi decisión fue utilizar una cabeza de flash con paraguas y un reflector negro para absorber la luz que podría perderse.
El esquema de iluminación puede parecer sencillo, pero en cuanto te pones a trabajar en él te das cuenta de que en la práctica no lo es tanto. Conseguir que la iluminación tenga sentido y nos revele el carácter del modelo es lo más complicado.
Mi primera idea al empezar a estudiar este esquema fue inspírame en una de las obras del genial maestro, y estas fueron las obras elegidas. El siguiente pasó consistió en buscar modelos y algo de atrezzo. Mi idea era intentar emular la atmosfera barroca que caracteriza los retratos de Rembrandt, la intensidad de sus luces y sus sombras
La luz principal es clave, y ha de estar por encima de los ojos del retratado en un ángulo aproximado de 45º grados a la cámara. La idea es que esa luz principal deje una sombra sobre la parte oscura, en la que nos quede un pequeño triangulo de luz justo debajo del ojo no iluminado. Esta sombra está provocada por la nariz del modelo.
Se pueden colocar opcionalmente reflectores (dorados, plateados o blancos) o luces de relleno para suavizar el efecto de las zonas menos iluminadas, pero hay que tener cuidado ya que puede llegar a hacer desaparecer el efecto de la iluminación que estamos buscando.
Conseguir la iluminación de tipo Rembrandt no es complicado del todo, lo que resulta difícil es que el resultado revele gestos y dé sentido a la fotografía.
Este es el resultado de la sesión con Claudia,a la que estoy eternamente agradecida por dejarse liar para semejante aventura, espero que os guste.
Un esquema al que estoy segura le voy a sacar mucho partido en el futuro.
Espero que os guste y si queréis ver la sesión completa podéis pasar a visitar mi blog de fotografía: @María Vintage Photography
Os invito igualmente a visitar los trabajos de mis compañeras de proyecto:
El Museo Victorian & Albert en Londres acoge este año exposiciones muy interesantes que, desde López-Linares Vintage Jewelry os animamos a visitar. Entre ellas, una en particular que hará las delicias de los amantes de la moda y los complementos, tanto vintage como actuales. Hablamos de la muestra Shoes: Pleasure and Pain (Zapatos: Placer y Dolor), que se inaugura el 13 de junio.
A través de más de 250 pares de zapatos, esta exhibición mostrará el estilo que a lo largo de la historia ha marcado cada época, desde el Antiguo Egipto hasta nuestra era. Y es que vestir nuestros pies ha sido siempre símbolo de status, gusto, identidad y preferencia sexual. Esta exposición se adentrará en esta obsesión e investigará cómo y en qué medida los zapatos han sido poderosos indicadores de la personalidad de quien los lucía, durante cada época de la historia.
Sin embargo, la muestra no estará expuesta de forma cronológica. Como dicen sus organizadores “no es una enciclopedia de diseñadores de zapatos (…) sino que trata de entender el por qué el ser humano ha intentado desde siempre vestir calzado que, en la mayoría de las ocasiones, llegaba a resultar especialmente incómodo y doloroso.
La sandalia más antigua que presenta la exposición es la que se muestra en la imagen, datada en el Egipto Faraónico (principios del Imperio Romano). La plantilla está fabricada casi por completo en oro puro, y muestra signos de haber sido utilizada, aparentemente por alguien con un alto poder adquisitivo y social.
Los zapatos medievales serán también una de las partes más aclamadas de la exhibición, como estos que os incluímos en la imagen, elaborados en piel de cabrito sobre pino tallado, que datan de 1600.
De los siglos XVIII y XIX son estos zapatos de novia. Los primeros, creados en plata y oro sobre madera india, son de la década de 1800, mientras que los segundos, en color azul pálido, fueron realizados en seda y raso con un lazo en plata y datan de la década de 1750.
Shoes: Pleasure and Pain estará organizada en torno a tres pilares:
Transformación: zapatos considerados leyenda gracias al folklore regional y dominante en la época en la que se vistieron, como las varias versions del zapato de la Cenicienta.
Posición social: en este apartado se analizará la relación entre la impracticabilidad y el escaso confort de unos zapatos cuyo único objetivo era mostrar el status de quien los vistiera, y la necesidad de utilizarlos.
Seducción: El último de los objetivos que pueden llevar a alguien a sufrir dolor en pro de la atracción sexual. En esta parte de la exposición se mostrarán zapatos que durante siglos han sido vestidos con el único propósito del cortejo.
Esta es sin duda una exposición para no perderse, especialmente si planeas una escapade a Londres a partir de junio y hasta 2016. Os dejo los enlaces a la exposición por si os interesa conocer más sobre ella:
Bodegón, también conocido como naturaleza muerta y, más recientemente, como Still Lifes: obra de arte que representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas, rocas, conchas, …) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, …) en un espacio determinado. Esta rama del arte se sirve de la composición, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.
Y esto es, justamente, lo que me he propuesto estudiar durante 2015.
Históricamente los bodegones ya adornaban el interior de algunas tumbas del antiguo Egipto. Se creía que los objetos relacionados con la comida y la vida doméstica se harían reales en el más allá. Más tarde ya, Plinio el Viejo nos hablaba de Peiraikos, que pintó tenderetes de zapateros y barberías, asnos, plantas y cosas semejantes, y por esa razón le llamaron el «pintor de los objetos vulgares».
También se han encontrado representaciones decorativas de bodegones en murales de la antigua Roma, en mosaicos de Pompeya y en la villa de Herculano. En esa época existía la tradición de usar cráneos en las pinturas como símbolo de mortalidad y de fugacidad, a menudo acompañada por la frase «Omnia mors aequat» (La muerte iguala a todos).
A partir de 1300, comenzando por Giotto y sus seguidores, la pintura de bodegón revivió en las pinturas de tema religioso en forma de objetos de la vida cotidiana que acompañaban a las figuras protagonistas. Este tipo de representación pictórica fue considerado menor hasta el Renacimiento
Pero no sería hasta la llegada de Leonardo da Vinci cuando los bodegones comenzarían a liberarse de su significado religioso. Leonardo creó estudios a la acuarela como parte de su incansable examen de la naturaleza, y Alberto Durero, también realizó dibujos detallados de la flora y la fauna.
Jacopo de’ Barbari dio un paso más allá con su «Bodegón con perdiz», guanteletes y flechas de ballesta (1504), uno de los primeros bodegones trampantojo firmados y datados con un contenido religioso reducido al mínimo.
El siglo XVI vio una explosión de interés en el mundo natural y la creación de lujosas enciclopedias botánicas, que documentaban los descubrimientos del Nuevo Mundo. Además, comenzaron a popularizarse las colecciones de especies animales y minerales, conchas, insectos, frutas exóticas todo ello sirvió como modelo para los pintores que buscaban realismo y novedad.
Durante el S.XVII destaca la obra de Caravaggio, que fue uno de los primeros artistas que representó naturalezas muertas con conciencia de obra pictórica. Aplicó su influyente forma de naturalismo al bodegón. Su «Cesto con frutas» es uno de los primeros ejemplos de bodegón puro y, a partir de esta época, cuando va a comenzar mi estudio del Bodegón. La decisión de emular este género pictórico e intentar emularlo en fotografía digital me llevaba rondando la cabeza hace meses.
Mi inspiración serán los grandes maestros del bodegón a partir de Caravaggio. Nombres como Frans Snyders, Osias Beert, Clara Peeters, Jacob van Es, Willem Heda y Pieter Claesz, Samuel van Hoogstraten, Cornelis Norbertus Gysbrechts, Georg Flegel, Juan Sánchez Cotán, Zurbarán, Blas de Prado, Mateo Cerezo o Antonio de Pereda, Juan van der Hamen, Juan de Espinosa, Antonio Ponce, Francisco Barrera o Ignacio Arias, Francisco de Burgos Mantilla, relacionado con Velázquez; Pedro de Camprobín y Pedro de Medina, Alejandro Loarte, Juan van der Hamen, Valbuena, Tomás Yepes o Juan Fernández.
Maestros también del bodegón floral como Jan Brueghel el Viejo y Daniel Seghers en Flandes, Mario Nuzzi o Margarita Caffi en Italia y, en España, Pedro de Camprobín, Gabriel de la Corte, Juan de Arellano y su yerno Bartolomé Pérez de la Dehesa me acompañarán durante todo 2015.
Artistas que se inspiraron en los antiguos trampantojos griegos y que voy a estudiar con detalle y minuciosidad para intentar emular su obra con mi Nikon, mi equipo de iluminación y los numerosos objetos antiguos que, a lo largo de todos estos años, hemos ido guardando en casa.
Yo me inspiraré en la pintura de “vanidad”, en las que suntuosos arreglos de fruta y flores se entremezclan con libros, jarras, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales o científicos. Objetos a su vez acompañados por piezas con significados simbólicos. Así, un cráneo, un reloj de arena o de bolsillo, una vela consumiéndose o un libro con las páginas vueltas, servirán de mensaje. Utilizaré variedades de frutas y flores que se mostrarán no solo frescas y jóvenes sino comenzando a pudrirse o decaer para transmitir decadencia. Recurriré al simbolismo de las flores y de las piedras. Cada mes será único y diferente, pero siempre con el mismo estilo de fondo y con un hilo conductor que dejaré de incógnita, para ver si a final de año sois capaces de descubrirlo.
12 bodegones barrocos, 12 Still Even, o naturaleza tranquila como la llamaban en el S.XVII en los Países Bajos. Me quedo con este nombre mejor que con el de naturaleza muerta. Me sugiere mucho más y se identifica mejor con los que voy buscando.
Tardes de estudio, de lectura sosegada y de componer cada fotografía paso a paso. Trabajar las luces y las sombras. Estudiar a los grandes maestros de la pintura y, sobre todo, adentrarme en un estilo de fotografía que me hace especial ilusión experimentar.
Con ella estreno esta nueva iniciativa. Fue por un post que leí en su blog por lo que me decidí a comenzar esta aventura de llenar mi casa de fotografía emergente e invitar a su autor a pasar por mi blog.
Leila Amat es filóloga de hispánicas y profesora de lengua y literatura, pero hace dos años que decidió dedicarse de lleno a la fotografía creativa.
Su carrera como fotógrafa no comenzó produciendo fotografías, sino contemplándolas. Tendría unos 11 años cuando su casa de Sevilla se incendió, con toda su infancia dentro. El fuego no lo consumió todo, pero lo poco que quedaba se había impregnado de humo. Todas las paredes, todos los objetos, absolutamente todo, quedó como un tizón. Fue limpiando de humo, con un trapito húmedo, una a una todas las fotografías que su padre tenía en una caja, cuando tuvo su primera experiencia fotográfica, y para ella una de las más profundas.
A disparar no comenzó hasta los 17 años, con una analógica. Desde entonces todo ha sido siempre una evolución, tanto estética como técnica. Desde sus comienzos quiso que cada imagen fuera en sí misma un universo, un mundo paralelo en el que vivir e interpretar un personaje que no era en la vida real. En la mayoría de las fotos aparece ella. Leila concibe la fotografía como un lenguaje que la permite vivir, expandirse o analizarse. Una herramienta con la que, con un poco de imaginación, poder soñar y hacer soñar a los demás.
Me cuenta que nunca pensó en dedicarse exclusivamente a la fotografía, pero de repente se dio cuenta de que era lo único, junto al amor, que le daba la vida.
Fue entonces cuando decidió (mal)vivir de sus imágenes, tanto económica como espiritualmente. Comenzó vendiendo en las calles, hiciera frío o calor. Las calles del Arenal, Preciados o Fuencarral fueron los lugares donde Leila pasó horas y horas sentada, exponiendo y vendiendo su trabajo. Es muy duro porque la obra, expuesta a lo “top manta”, se devalúa muchísimo, y para la policía no eres menos ilegal que los que venden carcasas de móviles o bolsos falsificados.
En la actualidad Leila vive de la venta online en algunas webs de arte como Myweb’art o a través de las galerías Lumas (alemana) y Sophie Lanoë (francesa).
Leila vino hasta la tienda a traerme mi pequeña gran adquisición “Sueño de Bambú”, y su sola presencia llenó mi espacio de un halo de magnetismo, muy difícil de explicar. Leila transmite con su mirada una dulzura y una sensibilidad que te llevan a quererla, casi desde el primer momento.
Me siento afortunada de tener ya un testimonio de su creatividad decorando mi casa.
Estoy segura de que os va a encantar su obra. No dejéis de pasar a visitar su trabajo en:
