Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
Nominada al Globo de Oro al mejor actor (Tony Randall).
Laurel de Oro a la mejor comedia y a la mejor actriz de comedia (Doris Day).
Curiosidades:
El final original tenía a la pareja protagonista emborrachándose y entrando en un hotel. Doris Day insistió en que se cambiara, casándose borrachos antes de irse a la cama.
Doris Day explicaba así la elegancia de las comedias que protagonizó con Rock Hudson: “Me he convertido en una nueva clase de ‘sex symbol‘, la mujer con la que los hombres querrían acostarse, pero no antes de casarse con ella. Sexy, pero pura. Algo que cuidé en estas películas fue evitar la vulgaridad, que me repugna de verdad. Me gustaban estos guiones sobre el juego hombre-mujer mientras se hacían con estilo, ingenio e imaginación. En mi vocabulario, la vulgaridad empieza cuando la imaginación sucumbe a lo explícito.”
El título en español responde al nombre de un postre de moda en aquellos momentos, el pijama, cuyos ingredientes eran melocotón en almíbar, rodajas de piña en conserva, nata, flan, helado de vainilla y guindas. Se decía que su ingestión provocaba sueño, por lo que era aconsejable ponerse el pijama para dormir la siesta.
La película pretende ser una sátira sobre el negocio de la publicidad en Madison Avenue, que era donde estaban las principales agencias de Nueva York.
Según el director: «A veces teníamos que hacer 10 o 12 tomas, porque Rock y Doris rompían a carcajadas».
Para muchos esta es, la mejor de las tres comedias románticas que protagonizaron Doris Day y Rock Hudson, y que refleja de forma inequívoca la realidad de la clase media americana de finales de los 50.
Sin duda una pareja que consigue, por méritos propios, entrar en el Libro de Oro de las mejores parejas de la historia del cine. Grandes amigos en la vida real, Rock Hudson y Doris Day se convirtieron en la pareja más divertida del momento.
Enamoraron al público tanto masculino como femenino, sin olvidar la ayuda del inolvidable Tony Randall, que fue el tercer integrante de un trío que enganchó con enorme éxito al público mundial.
Yo he disfrutado rememorando algunas de sus escenas más divertidas.
Pues se termina Junio y yo quería cerrar el mes en el blog con esta entrada tan especial para mí.
Mi proyecto fotográfico en El Objetivo Mágico, en el que tenemos que replicar cada mes la obra de un gran maestro de la fotografía, tenía por protagonista a Toni Catany. Es mi maestro preferido. Yo lo había elegido y ahora tenía que profundizar en su obra e intentar reproducirla. Este es mi mes y Toni Catany ha cambiado mi manera de ver la naturaleza muerta y mi forma de fotografiar. No creo que por el momento haya otro maestro que me haya llegado tan adentro…
Artista mallorquín afincado en el Barrio del Raval de Barcelona, desde 1960, Tony Catany fue autodidacta, solo realizó un pequeño curso a distancia siendo muy joven. Publicó sus primeros reportajes en 1968 y fue a partir de 1978 cuando comenzó a ser conocido internacionalmente. Su dominio de las luces y las sombras es exquisito y la elegancia con la que trata el color es primorosa.
Su obra está cargada de sensibilidad, armonía y melancolía. Yo le descubrí hace apenas unos meses en un curso de Encandilarte, quedando a partir de entonces enamorada hasta la medula de toda su obra. Hasta el punto de ponerme como loca a buscar por internet obra suya, para ver si podría adquirir alguna de sus fotografías. Terminé con tres de ellas en mis manos gracias a Blanca de Berlín, galerista de Madrid que tiene a la venta alguna de las obras de este genial fotógrafo.
Su obra se centra fundamentalmente en el bodegón, el cuerpo humano desnudo y los paisajes.
Toni Catany realizó su primera exposición individual en 1972. Después de esa vinieron más de cien exposiciones individuales y otras tantas colectivas en todo el mundo.En el año 2001 recibió el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura y el Premio Nacional de Artes Plásticas (Catalunya). La revista Life le consideró uno de los 100 mejores fotógrafos del mundo
Tony experimentó a lo largo de su carrera con las más antiguas técnicas de revelado, terminando por pasarse a la fotografía digital, según sus palabras, porque le permitía tratar el color de la forma que él iba buscando. Utilizó muchos años una cámara semiprofesional, concretamente la Sony 828.
Su obra cautiva, emociona y deleita a la vista por su sensibilidad y elegancia.
Me declaro fan incondicional de toda su obra y de su manera de ver la belleza, y me quedo con esta frase suya que voy a acuñar como mía.
«Para mí la fotografía es una manera de expresar mis sentimientos, mi estado de ánimo y mis emociones. No hago fotografía para los demás, sino para mí, por el puro placer de fotografiar. Si además gusta, la satisfacción se amplía»
Toni Catany
He disfrutado este mes como no os lo podéis imaginar, siendo este el resultado de varias sesiones de Naturaleza Muerta intentado emular la obra de un gran visionario.
Una floristería que no solo ofrece flores. Un recoleto y elegante rincón en el casco antiguo de Madrid, con una historia detrás que merece ser escuchada en boca de sus dueños.
Un paseo matutino por el Barrio de las Letras en una mañana de domingo, me llevó a descubrir este inesperado lugar que anteriormente me había pasado casi desapercibido.
La historia se remonta demasiado atrás en el tiempo. Hace ya tres siglos, este pequeño rincón era el cementerio de la iglesia de San Sebastián. El camposanto existió hasta bien entrado el S.XIX. Fue en 1889 cuando la familia Martín, propietaria del solar, decidió arrendarlo a la parroquia para poner un vivero. Desde entonces, hasta hoy, muchas historias podrían contarnos las paredes de cristal de su coqueto invernadero.
Mencionada por Galdós en su novela «Misericordia», conserva la intimidad del antiguo camposanto y la esencia de su enorme pasado. Nunca cerró sus puertas, incluso durante los años de la guerra la floristería permaneció con sus puertas abiertas.
Hoy es un lugar de ensueño, un jardín cargado de encanto en el que no solo poder adquirir flores y disfrutar de su arquitectura. Es un pequeño remanso de paz, verdor y estilo en el corazón de uno de los barrios más ilustrados de la ciudad.
Estrenamos escaparate. Y como estamos en la época preferida para la mayoría de las parejas para celebrar su matrimonio, hemos decidido darle un aire de boda vintage, de boda con un aire retro años 50, a nuestro escaparate estrella.
Ha sido gracias a la generosidad de una gran amiga de la familia, Paula Vallejo Rey del Castillo, Sra. de Esteban, que podamos presumir de tener uno de los trajes de novia más exquisitos de los años 50 en nuestra tienda. La pedimos el favor de sacar a la luz no solo su traje, sino todos los recuerdos que conlleva rescatar una prenda así del armario. Y ella, por el cariño que nos tiene, hizo el esfuerzo que creo ha merecido la pena. Una prenda de alta costura de esta categoría merece estar a la vista de todos, y no guardada en un oscuro armario en una buhardilla.
¿No os parece?
La pieza se confeccionó en el año 1957, con encaje de chantilly y tul de seda, en el taller de Purificación Sepúlveda en la C/ Tirso de Molina de Madrid. Lo que más llama la atención es su espectacular cola de casi dos metros, toda montada con volantes de encaje de chantilly y tul, unos sobre otros, que hacen de ella una pieza tan espectacular en su movimiento, caída y tamaño que casi no nos cabe en el escaparate.
La verdad es que me ha costado hacer las fotos, porque materialmente no cabíamos la cámara, el traje y yo en el escaparate de la tienda, que no es que sea pequeño, es que el vestido es espectacular.
Si te animas a pasar a verlo en persona, ya sabes que nos encuentras todos los días de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 en la C/ Claudio Coello, 60 de Madrid, y que nos encantará enseñarte esta pieza de museo personalmente.
Si tú también tienes un traje antiguo que te gustaría poder presentar en sociedad, no dudes en contactar con nosotras. Estaremos encantadas de lucirlo en la tienda, si participas de nuestra idea.
Intentar reproducir la obra de Isabel Muñoz ha sido, con diferencia, el más inquietante de los trabajos a los que me he enfrentado desde que en enero de 2014 comencé con mis compañeras de “El Objetivo Mágico” la labor de copiar, durante 2014, el trabajo de 12 grandes maestros de la fotografía.
Isabel Muñoz ha sido la fotógrafa escogida por Sara Lagunas, y he de deciros que la sensación que me ha producido reproducir a uno de los más grandes talentos que ha dado la fotografía nacional, para mí ha sido un motivo de bastante inquietud.
De su biografía os voy a contar poquito porque hay en la red escrito muchísimo sobre ella; sus premios, sus viajes y su obra dan para una película. Sus series en Cuba sobre las danzas más populares y tradicionales, sus series en Camboya, Turquía y Kenia. La maravillosa serie con el ballet de Victor Ullate o los niños de la escuela del circo de Beijing, son solamente algunos de los ejemplos que a mí, desde luego, me cortan la respiración.
Me siento enfrente de su obra y se me forma un nudo en el estómago. La leo o la oigo hablar y que quedo ensimismada. No son solo la luz, las texturas, el tratamiento de las pieles, su maravillosa manera de tratar el blanco y negro o la perfección de cada una de sus fotografías lo que me atrapa. Es su valentía y arrojo a la hora de plasmar lo que siente lo que hace que me sienta muy pequeña…
Y ahora se supone que tengo que coger con mis inexpertas manos mi Nikon, para intentar emular una de estas obras tan enormes, tan grandiosas, con tanta pasión … Y yo me pregunto, si no estaré haciendo el más enorme de los ridículos intentando emularla.
Me puse a estudiar su obra, sus ediciones, su luz y a buscar modelos para la sesión.
Nada más ver su serie “Oriental” pensé en mi amiga Malén: Ella baila desde que yo la recuerdo… ¡y ya hace mucho! Malén es farmacéutica, pero no hay minuto del día que la quede libre y no lo aproveche ensayando y ensayando. Su pasión por el baile, dedicación y perfeccionismo son envidiables. Baila tango, claqué, danza del vientre, bailes de salón… No hay disciplina en el amplio espectro de la danza que se la resista. No es profesional, aunque tiene una compañera de baile con la que actúa en un grupo llamado “Sweet Twins STW”. Estaba convencida de que no iba a encontrar mejor modelo y más entregada para este fin que mi amiga Malén y no me equivoqué. De una tarde entera metidas en un garaje, como todos los grandes descubrimientos de la vida, salió esta serie. Espero que os guste.
Con Mapy tengo una relación profesional desde hace ya muchos años, ella es nuestra directora creativa, la cabeza que materializa todas mis ideas on y off line, y con la que ya me une una gran amistad después de tantos años.
Me encantó charlar con ella de los principios de sus tatuajes, cómo se escondía en casa para que no se los vieran y cómo pasó un verano en la playa con una chaqueta, hasta que finalmente, por cosas del día a día no tuvo mas remedio que confesarle lo que llevaba en su piel a su madre.
Mapy D.H. es diseñadora gráfica, ilustradora y artista. Su cuerpo es un reflejo de su sensibilidad por el arte. Puedes leer en su piel todo lo que siente por el dibujo, y parte las cosas que le gustan, los maestros a los que admira y los grandes a los que sigue.
Colecciona tatuajes para ella dice: «son dibujos en la piel, una obra de arte que llevas contigo a todas partes hasta el final». Lleva tatuajes de tres artistas y uno realizado por ella misma.
Eneko realizó su primer tatuaje, una herradura con la mano con los dedos cruzados y dos rosas. Simboliza la buena suerte.
El segundo se lo hizo ella misma, con ayuda de Jota (su maestro en el arte del tatuaje y su pareja): es un pequeño trébol de cuatro hojas.
El tercero, Jota. Es un tatuaje inacabado en proceso de creación aun. De momento tiene una flor, un bote de perfume, un zapato de tacón y un cupcake con una calavera. Todas obras de arte relacionadas con las cosas que le gustan, la feminidad, las calaveras, el amor…
El cuarto tatuaje es de El Chanok, artista mexicano. Una Calavera de Azúcar Mexicana/Santa Muerte. Este tatuaje es fruto de una promesa que hizo y quería que se lo hiciera un tatuador méxicano. Simboliza lo dulce y lo duro de la vida y de la muerte. Algo muy relacionado con la cultura y tradición mexicanas. Mapy adora México y todo lo relacionado con este país.
Por eso pensé en ella cuando vi la serie de Isabel Muñoz sobre los Maras. Siempre me habían llamado la atención sus tatuajes y el hecho de que llevara su propio amor por el arte, tatuado en su cuerpo.
Me parecía increíblemente valiente y bello…
De una tarde en casa con ella salió esta serie.
Quiero recalcar que estas dos series están hechas, desde el más profundo respeto al trabajo de una gran profesional de la fotografía, por una aficionada que solamente pretende aprender algo en este arte fijándose en los más grandes.
Mil gracias a las dos, sin vosotras este trabajo no habría sido posible.
También os incluyo un enlace a su web oficial en la que podréis ver todo su trabajo y una entrevista que la realizaron en RTVE
Os dejo también dos vídeos que he encontrado en la red para que escuchéis a Isabel Muñoz hablar sobre su obra. Hay que escucharla para entender su pasión por lo que hace.
Joya de vitrina o exposición que fabricó principalmente el joyero ruso Carl Fabergé. Los huevos estaban hechos de oro, esmalte y piedras preciosas.
Se realizaron 69 Huevos de Pascua entre los años 1885 a 1917, 61 de ellos se conservan.
Para la Pascua de 1883, el zar Alejandro III le encargó al orfebre Peter Carl Fabergé la construcción de un huevo para regalarle a su mujer, la zarina María. El regalo consistió en un huevo con cáscara de platino que contenía dentro uno más pequeño de oro. Al abrirse este último, se encontraba una gallina de oro en miniatura que tenía sobre su cabeza una réplica de la corona imperial rusa. Este particular Huevo de Pascua le gustó tanto a la emperatriz que el zar le ordenó a Fabergé que realizara uno nuevo para cada Pascua.
Once fueron en total los huevos que Alejandro III le regaló a su mujer. Luego, su hijo Nicolás II continuó con esta tradición y mandó realizar otros para regalarles a su mujer y a su madre. Los 57 huevos que confeccionó la casa Fabergé tenían en su interior algún obsequio, réplica en miniatura de una de las pertenencias de los zares.
Recientemente un huevo fabricado por Fabergé para la familia de banqueros Rothschild, alcanzó en una subasta de la casa Christie’s de Londres. el precio récord de 18 millones de dólares.
Pero la más sorprendente de las noticias sobre este tema es la de un chatarrero americano que compro sin saberlo uno de dichos huevos una joya labrada en oro y decorada con diamantes y zafiros fue creada por el joyero como regalo del zar Alejandro III para la zarina Maria Feodorovna en 1887. El chatarrero la adquirió en un mercadillo con la intención de vender el oro al peso, hecho que por fortuna no realizó ya que no le pagaban más de lo que había él pagado por ella.
Pasados los años, y gracias a internet dio con el origen de la pieza en cuestión y viajo a Londres para realizar la venta de la joya por la que ha conseguido la increíble cantidad de 20 millones de libras ( 23,8 millones de euros aproximadamente).
Os dejo el link a la noticia completa porque es increíble.
Nosotras en la tienda tenemos replicas en miniatura de estas joyas y la verdad que es una de las piezas que más admiradores tiene.
Nominada al Oscar al mejor guión, mejor fotografía, mejor director y mejor sonido.
La película contó con innumerables premios que podéis ver aquí: imdb
Curiosidades:
La película se rodó en un solo set (Set: lugar donde se filma). Se construyó todo el patio de vecinos, así como los apartamentos, que tenían agua y electricidad. Algunos de ellos incluso estaban amueblados. Llevó meses construirlos.
Excepto las tres primeras tomas de la película, donde suena una orquesta, el resto del audio es totalmente natural. La música de la calle, las conversaciones y los diferentes sonidos.
Es la única película en la que Grace Kelly aparece con un cigarro.
Alfred Hitchcock filmó toda la película desde el apartamento. Las órdenes a los otros actores las daba por radio.
La actriz que hizo el papel de «Miss Torso» estuvo viviendo en apartamento durante todo el mes de rodaje.
Se utilizaron mil focos para simular la luz de día.
En los ’60, la película estuvo a punto de perderse debido a un deterioro del pigmento que la coloreaba. Hubo que restaurarla completamente.
La cámara que James Stewart muestra en la película es una cámara de 35 mm. de fabricación alemana. La productora, Paramount Pictures, tapó intencionadamente la etiqueta de la marca.
Alfred Hitchcock aparece en el apartamento del compositor musical dando cuerda a un reloj. El compositor musical es Ross Bagdasarian, creador de «Alvin y las ardillas».
Un patio de vecinos y un apartamento. Eso es todo lo que Hitchcock necesitó para hacer la que para muchos es la obra maestra del realizador británico. No sólo eso, sino que el actor protagonista está con una pierna escayolada y prácticamente no se mueve en toda la película.
Grace Kelly está bellísima, con aquel vestido negro que se convirtió en una de sus imágenes más famosas. Y, aunque su papel es poco menos que prescindible, la luz que irradia su presencia, su manera de moverse y la maravillosa escena en la que se acerca, mirando a la cámara, mirando al espectador, cuando va a besar a James Stewart, se ha convertido, sin duda, en la marca personal que la catapultó al «Olimpo de las diosas» del cine.
Alfred Hitchcock estaba perdidamente enamorado de ella, y se nota. La cámara la adora y ella disfruta con ello.
Por otro lado, James Stewart, con una cámara y sentado en una silla de ruedas, mantiene al espectador igual de inmóvil, esperando al desenlace que, como no podía ser de otra manera, el maestro «Hitch» resuelve con el arte que siempre le caracterizó.
Una película imprescindible que esta semana nos sirve para abrir nuestra exposición de joyas históricas, con algunas de las piezas inspiradas en la bellísima Grace Kelly.
Este mes la protagonista ha sido Sylvia Parés, de El Objetivo Mágico. Ella eligió a Philippe Halsman como nuestro maestro a replicar en el proyecto fotográfico de abril. Y yo he vuelto a contar con la inestimable ayuda de Mónica Giannini como modelo. La verdad es que si no hubiera sido por ella este reto no habría sido igual. Su implicación este mes ha sido tan entusiasta o más que el mes pasado con Sarah Moon.
Tampoco puedo dejar de mencionar la colaboración del restaurador Gustavo Santano, que nos preparó, con todo el cariño del mundo, el pájaro de cartón que nos sirvió de atrezzo en la foto de Tipi Hedren, así como la de Rodrigo que se prestó a posar para mí al estilo de Marlon Brandon en sus mejores años.
Os cuento un poquito más sobre Philippe Halsman, nuestro maestro protagonista de este mes, comenzó su carrera fotográfica en el París de los años 30, usando una innovadora cámara reflex de doble lente que él mismo había diseñado, abriendo su primer estudio en el año 1934.
La caída de Francia en 1940 le obligó a abandonar el país, consiguiendo llegar a los Estados Unidos gracias a la ayuda de Albert Einstein. Allí comenzó una carrera meteórica que le llevo no solo a protagonizar 101 portadas para la prestigiosa revista Life, sino a fotografiar a los más relevantes personajes políticos y sociales de la época. Marylin Monroe, Audrey Hepburn, Grace Kelly, la saga de los Kennedy, … fueron solo algunos de los personajes que posaron para su cámara.
Halsman colaboró durante treinta y siete años con Salvador Dalí. Este binomio dio como resultado una oleada de inusuales fotografías, como la serie «Dalí Atomicus» o «Dalí’s Mustache» . Tuve la suerte de ver algunas de ellas en una exposición el verano pasado en Madrid.
A principios de los 50, Halsman empezó a pedir a sus modelos que en el último momento de la sesión saltaran para su cámara. Estas imágenes exclusivas, agudas y llenas de energía se han convertido en una parte importante de su legado fotográfico.
La decisión de hacer todas las componentes de El Objetivo Mágico una fotografía de un salto, replicando las que realizara Halsman en su estudio, llegó a mitad de mes, y la verdad que ha sido una de las experiencias más divertidas de estos últimos meses.
¡Si tenéis cámara de fotos os animo a que probéis a hacerlo en familia o con amigos!
Os aseguro que las carcajadas están garantizadas…
Os dejo también aquí el link a nuestro blog común en el que vais a ver el increible trabajo de todas mis compañeras de aventura: El Objetivo Mágico
Fue la primera película emitida en formato «Superscope», formato predecesor del «Super 35».
A veces se conoce a esta película como «el pimer spaghetti western» debido a la influencia de directores italianos, como Sergio Leone.
Clark Gable avisó a Gary Cooper de que no trabajara con Burt Lancaster. «Ese chico te eclipsará en pantalla». Irónicamente, Gable trabajó más tarde con Lancaster en otra película.
Ernest Borgnine y Charles Bronson decidieron ir a comprar tabaco, lo que significaba ensillar el caballo y con todo el vestuario, armas incluidas, ir a la ciudad más cercana. De camino la pareja fue abordada por un camión lleno de federales armados que les confundieron con bandidos, reteniéndoles a punta de pistola.
El equipo de efectos especiales utilizó demasiados explosivos para volar un puente y algunos fragmentos golpearon a Gary Cooper, que resultó dañado.
Aunque retratado en la película con 54 años, en la realidad el emperador Maximiliano murió con 34 años de edad.
Pues no soy yo nada de películas del oeste, pero cuando me propuse preparar una lista que aglutinara un poco lo mejor de la época dorada del cine de Hollywood, y en la que se encontraran presentes todos los que forman parte de mi lista de iconos vintage de la temporada pasada, no podía dejarme fuera a la más internacional de nuestras actrices hasta la llegada de Penélope Cruz al panorama cinéfilo.
Sara Montiel está bellísima, bordando su papel de una joven mejicana que vive de pequeños hurtos. Sin duda, Sara consigue eclipsar a todas las demás actrices de la película, convirtiéndose en la verdadera protagonista femenina de Vera Cruz.
La película me ha resultado muy entretenida, sorprendiéndome que Gary Cooper no haga de bueno buenísimo, aunque hace de malo a medias. La verdad que está mucho más atractivo que Lancaster y hace una pareja perfecta con Sara Montiel.
Lancaster, en su habitual estilo cínico y socarrón, hace un papel muy típico de matón del oeste.
Fue en su época una película más violenta de lo habitual. Estoy segura que es un icono para todos los amantes del genero del oeste.
TRAILER OFICIAL:
Yo me he ido comprando todas las películas sobre las que he hablado, incluso ésta, aunque la he encontrado entera en Youtube, que os dejo por si alguno se anima a ver a esta jovencísima Sara Montiel.
Gemelo: pasador formado por dos piezas unidas por un pequeño vástago o por una cadenita, que se usa para cerrar el puño de la camisa.
Los gemelos están diseñados solo para usarse con camisas con ojales a ambos lados, y que por tanto no llevan botones. Estos puños pueden ser sencillos o dobles, pudiéndose llevar ya sean «besándose» (enfrentados) o solapándose uno con el otro. Sin embargo, se suelen preferir los puños «besándose».
Una pieza de joyería eminentemente masculina, pero que las mujeres hemos adoptado en los últimos años, y que según la National Cuffling Society ya se encontraron evidencias de su uso en jeroglíficos antiguos en la tumba de rey Tut. No obstante, los gemelos tal y como los conocemos hoy en día fueron usados por primera vez durante el siglo XVIII.
No fue hasta mediados de este siglo con la invención de la máquina de estampación a vapor, la electro-metalurgia y la máquina de torneado a Guilloché, que se pudieron fabricar gemelos un poco menos artesanales, ya que hasta ese momento todo el proceso se hacía manualmente.
A medidos del S.XIX se popularizó su uso al ponerse de moda lo que conocemos ahora como el puño francés o camisa de doble puño -moda que se ha mantenido desde entonces- y por la que siguen siendo tan populares este tipo de joyas masculinas. Es esta época se popularizó mucho la costumbre de guardar un pequeño mechón de pelo, de un amor perdido, debajo del cristal del gemelo de un hombre como signo de pena y de nostalgia.
Durante 1880 en América, George Krementz patentó un dispositivo basado en una máquina de fabricación de vainas para la guerra civil, que podía producir en masa botones y gemelos. De repente, todos los negocios estadounidenses estaban encargando gemelos para publicidad o como regalos para incentivar a sus clientes
Ya en el siglo XX se popularizaron los gemelos de esmalte. Los artesanos de la casa Fabergé, que con la revolución comunista se vieron forzados a emigrar de su país, viajaron hasta América y Europa popularizando el uso de este tipo de técnica en la fabricación de joyas para hombre.
Si os interesa la historia de los gemelos y su evolución a lo largo del tiempo, no podéis dejar de visitar el Cufflink Museum (Museo del Gemelo) en Conway, New Hampshire, que exhibe orgulloso más de 70.000 pares. No he sido capaz de encontrar el link a su página Web, no sé si es que no tienen o se encuentra registrada por otro nombre, pero me quedo con ello pendiente y si la localizo la incluiré aquí más adelante.
Una de las colecciones más completas y exclusivas de las que he podido tener referencia, ha sido la de la familia real inglesa. Tres generaciones de reyes en una colección de gemelos. La colección incluye gemelos que cubren los reinados de Eduardo VII y sus sucesores, Jorge V y Eduardo VIII, y sigue siendo ampliada por el actual Príncipe de Gales.
Son un regalo elegante, discreto y duradero. Un recuerdo para toda la vida. Una joya que pasa de padres a hijos y que perdura en las familias, más allá del tiempo.
