Gemas y joyas de los Medici

Florencia y la familia Medici se encuentran unidos desde el Renacimiento de tal forma que no se puede hablar de la una sin mencionar a la otra.  Para los que leéis este blog vintage con asiduidad, sabréis que me apasiona hablar de esta familia, contar la apasionante historia de cada uno de sus miembros, y descubrir la extensa colección de joyas que poseían.

En los talleres de nuestro espacio vintage de Madrid nos hemos inspirado ya más de una vez en las joyas que vestían los Medici para realizar nuestras piezas de estilo renacentista, siempre observando con minuciosidad los retratos que el maestro pintor renacentista Bronzino realizaba para la familia. Los pendientes inspirados en los que luciera la pequeña Bia di Medici o con los que años más tarde fuera retratada su hermana María Lucrecia di Medici son un ejemplo de estas piezas que hemos traído hasta nuestra colección de joyas históricas.

Es por esta razón que me complace especialmente presentaros la exposición “Gemas y joyas de los Medici”, que tiene lugar en el Museo Metropolitano de Arte Teien en Tokio desde el 22 de abril y que permanecerá abierta al público hasta el 5 de julio. Pero como muy probablemente asistir en persona se torna complicado, voy a intentar acercaros la muestra todo lo posible.

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El tesoro de los Medici

Durante décadas, y desde el primer Gran Duque de la Tuscany, Cosme di Medici, la familia fue reuniendo una inmensa colección de riquezas de todo tipo, en su mayoría hoy celosamente guardada en el Museo de Plata del Palazzo Pitti.

Por primera vez en la historia reciente de Japón, las piezas más destacadas de esta colección son expuestas para el gran público en el Museo Metropolitano de Tokio. Entre ellas, retratos de algunos de los más venerados pintores de la época, como el mencionado Bronzino, y las piezas de joyería más destacadas que muy elegantemente vestirían los miembros de la familia para mostrar su poder y riqueza.

De entre las piezas expuestas no podemos dejar de mencionar la colección de cameos medievales que cautivaron a Lorenzo el Magnífico durante toda su vida. Fue el precursor de la “edad de oro” de la familia di Medici. Sobre él se decía que tenía “el carácter de un artista y el alma de un monarca”. Cabe mencionar la influencia griega y romana en las piezas renacentistas, como bien se observa en la muestra.

En total, la exposición reúne 60 piezas de joyería y 20 retratos, todos ellos clave para entender la trágica y a la vez, romántica, historia de esta familia.

Pero no sólo esta colección es merecedora de nuestra atención. El Museo, construido en 1933 como residencia del Príncipe Asaka, es en sí una obra de arte de estilo Art-Decó.

Algo que me ha llamado la atención es una oferta que hacen a la entrada del Museo. A los visitantes que luzcan perlas se les realiza un descuento de 100 yenes. ¡A tenerlo en cuenta si decidimos ir a verla!

Podéis encontrar más información en la página web del museo.

Imágenes: Pinterest

Las joyas coloniales de Latinoamérica

Además de la oficial misión evangelizadora que sirvió como excusa para la colonización de América, otros motivos oficiosos movieron a aquellos primeros colonizadores españoles: el oro y la plata que abundaba en la vasta región. La mayoría fue tallado a mano y convertido en preciosas joyas coloniales que posteriormente embellecían con una amplia variedad de piedras preciosas encontradas también en la zona.

Esmeraldas procedentes de Colombia, coral encontrado en Méjico o perlas extraídas de la recién colonizada Venezuela sirvieron para adornar las joyas expuestas en la exposición recomendada de este mes: Glitterati. Portraits & Jewelry from Colonial Latin America, que permanecerá abierta en Museo de Arte de Denver hasta el 27 de noviembre de 2016.

2016 - mayo - Mujer joven con un organo, Mexico 1735-1750

El propósito de tan deseadas joyas no era otro que mostrar el estatus y grandiosidad de aquellos españoles que habían decidido trasladar sus hogares a Latinoamérica, en busca de aumentar su riqueza. La vida en el Nuevo Mundo habría de ser lujosa, o al menos, mostrarlo así.

Tanto mujeres como hombres posaban una y otra vez para famosos pintores de la época engalanados con sus mejores galas y luciendo sus piezas de joyería más llamativas, como elaboradas tiaras, collares con ostentosos colgantes o voluminosos pendientes cargados de oro. Pero el mostrar la riqueza – que muchos realmente no habían conseguido – no sólo era potestad de las mujeres. Los hombres lucían también orgullosos sus engalanados sombreros, anillos o cierres de cinturones con piedras preciosas incrustadas.

2016 - mayo - Cruz santa - Colombia or Ecuador, 1600 - Oro, esmeraldas y perlas

Y aunque su misión encomendada era predicar el Evangelio y convertir a cuantos más habitantes de la zona al Cristianismo mejor, los sacerdotes enviados a las colonias fueron también retratados con cruces y rosarios de oro macizo, así como las monjas posaron con broches de plata u oro labrados a mano con miniaturas de la Virgen María y otros Santos.

Y lujosa era también la forma en la que guardaban estas valiosas piezas: cajas con decoraciones incrustadas y lacadas a mano servían para salvaguardar sus riquezas… y su recién alcanzado estatus.

La exposición, que muestra todas estas joyas así como muebles y retratos cedidos por la Colección Colonial Española, puede visitarse de martes a domingo en el Denver Art Museum hasta noviembre de este año. Podéis consultar más información en la web del museo.

«Festina lente»

Sextilis es el mes que el emperador romano Octavio Cesar Augusto eligió para que llevara su nombre. El mes originalmente tenía 30 días, pero fue aumentado a 31 para “no ser menos” que Julio.

En su reinado se vivió uno de los periodos más refinados y brillantes de la cultura romana, en el que sobresalieron los grandes poetas Horacio y Virgilio.

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Consagrado igualmente a la diosa Diana, hay varios acontecimientos que han influido en los objetos que he seleccionado en esta ocasión. El día 12 estaba consagrado a Hércules y en ese día se sacrificaba un toro en su honor, pudiendo ser el origen de todas las tradiciones de tauromaquia que aparecieron posteriormente.

El día 13, que estaba considerado el más caluroso del año, se celebraba un ritual en honor a la diosa Diana portándose al bosque guirnaldas de flores y una gran antorcha. Siguiendo con este ritual el día 15 se purificaba con agua y se realizaba un gran banquete con vino, tortas húmedas y fruta.

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El día 19 se hacía un ritual en honor a Júpiter y se celebraba una gran fiesta para proteger las viñas.

Todas estas celebraciones, y la propia vida del emperador, me han servido de inspiración a la hora de componer el bodegón correspondiente al mes de Agosto.

Quiero dar las gracias a Zings por prestarme la escultura de bronce del toro, para la realización de mi fotografía de este mes.

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Imagenes @María López-Linares 

Gran Duquesa Maria Nikolaevna, hija de Zar Nicolás II y la Emperatriz Alejandra Feodorovna

Joven de buen carácter, vivaz y coqueta, era considerada la segunda más bella de las hijas del zar. Decían que su hermana Tatiana era aún más bella.

Poseía unos expresivos ojos azules, tan grandes que en la familia eran conocidos como «los platillos de María». Vivía en una de las 100 habitaciones del palacio de Alejandro, a  20 km al sur de San Petersburgo, con su hermana la Gran Duquesa Anastasia, formando lo que en palacio se conocía como «la pequeña pareja».

Su tutor francés Pierre Gilliard dijo de ella que era “alta y bien estructurada, con mejillas sonrosadas”. Tatiana Botkina decía que la expresión de los ojos de Maria era «suave y gentil». Durante su infancia su apariencia física era comparada con la de los ángeles de Botticelli. El Gran Duque Vladimir Alexandrovich de Rusia la llamaba «El bebé amigable», por su naturaleza buena.

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Al estallar la revolución rusa, fue confinada junto a su familia en el Palacio Alejandro de Tsárskoye Seló. En agosto de 1917 fue trasladada con ellos a Tobolsk (Siberia) y posteriormente, en la primavera de 1918, a Ekaterimburgo. En la madrugada del 17 de julio de ese mismo año murió asesinada por los bolcheviques, junto a su familia y varios sirvientes.

Retrato de la retratista Christina Robertson (1796-1854), en la que podemos apreciar su sutil y melancólica belleza.

Fotografías: @María López-Linares

Flor Charo Agruña 

 

La masterpiece de Wendy Ramshaw: Un sueño hecho realidad

Pasear por los pasillos del Museum & Art Gallery de Birmingham, en Inglaterra, supone sensaciones encontradas. Por un lado, la modernidad de sus formas en cada esquina contrasta con las joyas vintage que decoran sus paredes. Para disfrutar de esta exposición, es necesario verlo todo como un solo elemento; decoración, recinto y la exposición en sí. Todo junto evoca un sueño. No en vano es llamada “La habitación de los sueños”.

La exposición que hoy hemos destacado es la mejor exhibición de una de las maestras joyeras más afamadas de Inglarerra: Wendy Ramshaw. Si no te suena el nombre, me encantará presentarte su trabajo en estas líneas, y estoy segura de que acabarás prendada de su forma de pensar y de inculcar sus deseos de belleza a todas sus piezas.

La Habitación de los Sueños (The Room of Dreams) es una retrospectiva de toda la carrera de Wendy Ramshaw, su masterpiece. En ella se mezclan exquisitamente el vivo color rojo sobre el inmaculado blanco de las paredes, que ostentan un total de 80 joyas. Cada una de estas piezas están inspiradas a su vez a un sueño, historias que nos recuerdan deseos que han sido recogidos en más de una obra en las últimas décadas, como en Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll, a quien la artista dedica una de sus piezas.

Wendy Ramshaw nació con el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Cuando la contienda finalizó ella, con tan sólo seis años, ya disfrutaba mezclando piezas de tela para formar preciosos diseños.

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Inglaterra volvía vencedora, y como tal, su pueblo era merecedor de una gran fiesta que celebrara los logros conseguidos en numerosos campos como la ciencia, la agricultura, la literatura y la industria: el Festival of Britain, al que también fueron invitados artistas y diseñadores noveles, como Wendy, que entonces contaba con 12 años. A partir de este festival, su vida cambió.

Tras contraer matrimonio con David Watkins en 1961, la pareja comenzó a trabajar en numerosos proyectos juntos, no solo en la vida al no separarse prácticamente nunca y mantener un taller conjunto durante 35 años, sino también laboralmente. Ambos han hecho una gran contribución al arte y el diseño. Juntos. Siempre juntos.

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Ramshaw se ha convertido por derecho propio en la principal diseñadora de joyería moderna de Inglaterra, llegando a ser una de las dos únicas mujeres admitidas en la Worshipful Company of Goldsmiths. Numerosos premios y condecoraciones la avalan, pero lo que mejor puede hablar de su triunfo es su trabajo, que os dejamos en imágenes en este artículo y que esperamos os guste tanto como a nosotras.

La exposición puede visitarse hasta el 22 de mayo de este año.

Más información en Birmingham Museum & Art Gallery

La magia de la joyería india en Londres

¿Nos acompañáis hoy a adentrarnos en la lejana India y la magia de su joyería? El 7 vuelve a sorprendernos con una colección temporal difícil de superar, que revive la enigmática fuerza de los sultanes indios, con especial hincapié en principios del siglo XX, cuando se produjo un dramático cambio en su tradicional joyería, como veremos a lo largo de este artículo.

A través de espectaculares objetos, la muestra, que abrió sus puertas el pasado 21 de noviembre y permanecerá abierta hasta Marzo de 2016, recorre desde la más tradicional de las joyas ornamentales de la cultura india hasta las más actuales, pasando por un momento que resultó crucial en la joyería india: el cambio total del diseño de las piezas, que supusieron una gran influencia para la Europa de principios de siglo, con especial mención al Art Decó desarrollado por Cartier y otros maestros joyeros.

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Las piezas con más magia de la colección

Entre las joyas expuestas destaca, por ejemplo, esta cuenta de esmeralda esculpida, del siglo XVIII, perteneciente al Imperio Mogol de la India (siglos XVI a XIX), un poderoso estado turco islámico que llegó a abarcar lo que hoy forman India, Pakistán y Bangladesh.

O este collar de la misma época, de spinels (imitación de gemas en tonos rojizos) y perlas.

Avanzando un poco en la historia y situándonos a finales del siglo XVIII podremos admirar piezas como este pináculo de oro perteneciente al trono del sultán Tipu, gobernador de la región de Mysore entre 1790 y 1800.

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Al estilo Art Decó indio pertenecen este majestuoso ornamento para turbantes, que influyó parte de la vestimenta tradicional de los Años 20 o este broche engarzado con diamantes, zafiros y esmeraldas, creado por Cartier en 1922.

Esta exposición se enmarca dentro de una serie de exposiciones en torno a la rica y variada cultura del sur de Asia, expuestas en el Victorian & Albert Museum. Este Festival Indio conmemora el 25 aniversario de la inauguración del Museum’s Nehru Gallery en Londres, que muestra las piezas más importantes de esta cultura entre los siglos XVI y XIX.

Imágenes e información sobre la exposición en este enlace: The Al Thani Collection.

El collar de diamantes de la reina Nazli de Van Cleef & Arpels

Hoy se subasta subastaba en la casa Sotheby´s de Nueva York una de las joyas más espectaculares de la antigua monarquía egipcia. La joya sale a subasta con un  precio estimado de venta de 4,6 millones de dólares, y yo estoy expectante por saber el precio del remate final.

La espectacular pieza, junto con una igualmente exquisita tiara, fue hecha a mano en 1939 por Van Cleef & Arpels para la Reina Nazli de Egipto, con ocasión de la boda de su hija la Princesa Fawzia con el futuro Shah de Irán Mohammad Reza Pahlevi.

La novia también llevaba un collar realizado por la casa Van Cleef & Arpels para la ocasión.  Sólo la tiara estaba adornada con 54 diamantes en forma de pera que pesaban 92 quilates y 520 diamantes en corte baguette que pesaban 72 quilates.

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Siguiendo una tradicional costumbre musulmana, la novia no estaba presente en el momento de la ceremonia. Simplemente se producía la firma del contrato matrimonial en el que estaban presentes el novio, el príncipe heredero de 19 años Reza Pahlevi de Irán, y el hermano de la novia, el Rey Farouk.

La novia esperaba en una habitación contigua, y al finalizar el acto descendía las escaleras de palacio flanqueada por su hermano y su ya marido. La princesa Fawzia elegiría para la ceremonia un precioso vestido de satén adquirido en París. Les siguió una suntuosa cena real seguida por una espléndida recepción, donde la corte real egipcia resplandecía en joyas.

La Reina Nazli poseía una de las colecciones de joyas más magníficas y numerosas del mundo, de la que ya estoy preparando un completo artículo.

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La colección terminaría repartida por el mundo para mantener el elevado tren de vida que la Reina llevaría junto a su hija en su exilio americano. Una parte se vendería el año 1975 en Sotheby Parke Bernet, pero no sería suficiente, y en septiembre de 1976 las dos tendrían que comparecer ante el tribunal de cuentas de Los Angeles por una deuda de otros 500.000 dólares.

Su vida al final fue un auténtico drama. Tuvo que enterrar a su hija que fue asesinada a tiros por su ex marido, y fallecería apenas un año después en la miseria más absoluta.

Imágenes y Bibliografía:

Wikipedia

Pinterest

Jewelsdujour.com/

Louis Icart el gran ilustrador de moda en los años 20.

Louis Icart, artista autodidacta, no tuvo formación académica alguna.  Comenzó a dibujar a edad muy temprana. En 1907 se traslada a Paris para dedicarse al dibujo y a la pintura. En esta época realizó hermosos grabados que muy pronto le dieron fama.

Icart fue uno de los mayores y más considerados ilustradores de los talleres de moda de la época, todos los grandes nombres de la moda de los años 20 y los 30 querian trabajar con él. Querian sus ilustraciones como soporte de venta para sus ultimas creaciones de moda.

Icart, que había nacido en Toulouse en el seno de una modesta famila, pero de gran inquietud cultural y artística, sería el mayor exponente de la pintura, el grabado y la ilustración de moda de estos años.

Icart participaría en la primera guerra mundial, hecho que le llegó a traumatizar y con el que solamente encontraba consuelo dibujando en el primer soporte que tenía entre sus manos. Al terminar la guerra todos esos dibujos, la mayor parte aguatintas, fueron convertidos en grabados que comercializaría en Europa y los EEUU.

Su gran musa fue su esposa Fanny Volmers, ella aparece en la mayoría de sus dibujos y grabados.

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En 1925 en pleno Art Decó, Icart se convirtió en todo un símbolo de esta época.

Icart en sus dibujos representa a las mujeres de forma sensual y elegante, pero siempre con un matiz delicado y a veces con un toque de humor. Fue un símbolo de la época Art Decó y aun hoy sus dibujos y grabados originales son altamente cotizados en los mercados de segunda mano mundiales

Murió en Paris en 1950.

Hoy os traigo dos de sus grabados que, por casualidades de la vida, cayeron en mis manos hace apenas unos días. No pude resistirme a fotografiarlos y, por supuesto, decido acompañarlos de dos de mis piezas más queridas de la colección Arte Decó.

¿Conocíais a este ilustrador y pintor francés?

¿Qué os parece su obra?

Yo había visto alguna de sus obras, pero al escribir estas líneas y buscar toda la información necesaria, me he quedado totalmente prendada de su delicadeza y su elegancia.

Espero que a vosotros también os guste este pequeño hallazgo que os traigo hoy.

Ayer encontré este vídeo en YouTube que me ha parecido precioso

¡Tu Quoque, Brute, Fili Mi!

El mes de Julio debe su nombre a Julio Cesar, y en él se ha basado mi trabajo de investigación para este proyecto que ya ha pasado su ecuador.

El mes debe su nombre al insigne romano Cayo Julio Cesar, siendo su sucesor Octavio Cesar Augusto el que decidiera cambiar su nombre hasta entonces, Quintilis,​ por el de Julio, en honor al líder militar y político romano nacido en dicho mes.

Este ha sido el motivo por lo que este mes mi trabajo se haya basado en la vida y obra de Julio Cesar, y por lo que su pieza central sea un corazón apuñalado de una forma bastante sangrienta. Julio Cesar fue apuñalado 23 veces hasta darle muerte en la misma sede del Senado romano.

Todas las piezas que componen este bodegón tienen algo que ver con su infancia, su vida y su muerte. Un merecido tributo a la persona que dio nombre al mes.

Cada fotografía es única y, como veis, lleva un meticuloso proceso de estudio y elaboración. No me gusta dejar nada al azar.

Me encantará poder contaros de dónde salieron cada uno de los elementos que completan mis bodegones, si es que alguna vez alguien tuviera la curiosidad por saberlo.

Espero que os guste mi particular visión del mes de Julio

Os dejo con “¡TU QUOQUE, BRUTE, FILI MI!”

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Imágenes @ María López-Linares Vintage Photography 

Los secretos mejor guardados de los diseñadores de moda

Curiosísima la exposición que os recomendamos este mes para visitar: Inside out: revealing clothing’s hidden secrets. Piezas extraídas de los siglos XVIII, XIX y XX que rebelan los secretos mejor guardados de sus maestros diseñadores. Una muestra que podrás visitar en el Kent State University Museum (UK) hasta el 14 de febrero de 2016.

Lo realmente curioso y digno de admiración es que estas prendas que se muestran, tanto de mujer como de hombre, no han sido remodeladas ni alteradas con el paso del tiempo, sino que han mantenido su originaria y genuina integridad. Como bien dicen en la presentación del museo, y si tenéis la suerte de poder visitar esta muestra, veréis que en muchos casos el interior es casi tan bello como el exterior.

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A lo largo de la historia se han registrado un sinfín de estilos que han pasado desde el siglo XVIII al XX, período que muestra esta exposición, y así, los creadores y diseñadores se han visto en la obligación de resolver nuevos problemas a los que se enfrentaban con cada cambio de moda: cómo otorgarle dimension a las prendas (o restársela, según la época), cómo terminar los bordes o cómo debe encajar el material en la forma masculina o femenina del momento… Para cada proceso, grandes maestros idearon grandes y originales soluciones que se revelan en esta original muestra.

Por supuesto, la revolución industrial y la paulatina incorporación de tecnología a los procesos de costura introdujeron nuevas formas de tratar la tela y los acabados, como, por ejemplo, la creación de las cremalleras en comparación con el antiguo uso del broche. Ingeniosas ideas que facilitaban la labor de producción y utilización de las prendas. Uno de estos pasos de gigante hacia la modernidad fue la invención de la máquina de coser.

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Como ejemplo del siglo XVIII la exposición muestra algunos trajes masculinos de raso con preciosos botones bordados a mano de 1770 o 1780, entre otras prendas también femeninas, como un vestido acolchado también de 1780, muy típico de la época.

Del siglo XIX destacan siete características y originales piezas, en las que se ve claramente los cambios que sufrió la moda a lo largo de este siglo, que fue especialmente activo.

Por último, del siglo XX destacan dos piezas que representan la fina costura de principios y mediados de siglo, como el traje de Chanel de lana amarilla de 1960.

En la web del Kent State University Museum podéis ver otros detalles de más piezas expuestas en la muestra, así como todo lo necesario para que podáis asistir a visitarla.

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