Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
Seguramente la mayoría de vosotros no sabéis que el cabello se ha usado a lo largo de la historia para realizar pequeñas joyas que servían de recuerdo, entre personas que se tenían un aprecio especial.
Guardar un mechón de cabello de una persona querida, es algo que el ser humano ha hecho siempre desde que el mundo es mundo. Unas veces como muestra cariño y otras, como en caso de fallecimiento, para mitigar el dolor de la separación.
El cabello humano tiene la peculiaridad de ser imperecedero, por eso se ha utilizado para realizar relicarios pero también, como os voy a contar ahora, para hacer piezas de joyería de adorno
Del Antiguo Egipto se han encontrado pinturas donde se representan a faraones y reinas egipcias intercambiándose bolas hechas con cabello como signo de amor y afecto. También se ha encontrado en la tumba del faraón Tutankamón unos sarcófagos en miniatura, que contenían cabello de su querida abuela la esposa del faraón Amenofis III.
En el Renacimiento, la costumbre de llevar relicarios con cabellos está bastante documentada. Lo más común era llevar el cabello guardado en la parte posterior de colgantes o escondidos bajo la tapa lujosa de una sortija.
Pero, ¿dónde nace la artesanía del cabello en joyería y de qué época data?
Parece que tuvo su comienzo en un pueblecito agricultor de Suecia llamado Vamhus. Una mujer del pueblo, para compensar un poco la pobre economía que le daba el campo, comenzó a tejer cabellos y a transformarlos en bonitas piezas de adorno personal. Al principio, estas piezas las vendía a los vecinos del pueblo, pero tal fue el éxito que pronto la venta se extendió a las localidades cercanas.
La mujer enseñó este arte a sus vecinos, y al cabo de muy poco tiempo en el pueblo había 300 artesanos produciendo este tipo de piezas. Los jóvenes se encargaron de buscar nuevos mercados, ampliando la zona de ventas a los países del norte de Europa, a Rusia, a centro Europa, cruzando el Mar del Norte y llegando a las islas británicas.
En Londres este tipo de joyas causó furor. La novedad fue acogida con entusiasmo, marcando tendencia. La reina Victoria regaló a su hija la emperatriz Eugenia una pulsera hecha con su propio cabello.
Esta joyería realizada con cabello no era exclusivamente usada como joya de luto, sino también como detalle de afecto o expresión de amor, ya que los cabellos solían ser de las personas que regalaban la joya para que tuvieran un recuerdo cercano de ellos. Era un regalo muy común entre padres e hijos y, por supuesto, entre enamorados.
La artesanía del cabello llegó a convertirse en una actividad de ocio entre las mujeres victorianas, que reunidas en sus salones mientras charlaban tejían cabellos ayudándose de unas mesitas específicas para este fin, como si fuera una labor de ganchillo o bordado.
Durante toda la época romántica, victoriana y georgiana la artesanía del cabello fue muy importante. En Francia se creó el primer gremio de los artesanos del cabello. Estos artesanos debían de tener una cualidad muy especial: una gran sensibilidad, unas manos muy delicadas, así como habilidad y mucho control pues los cabellos se manipulaban casi uno a uno, cortándose, pegándolos o trenzándolos sobre unas mesitas especiales donde se realizaban verdaderas obras de arte, tejiendo, como si fuera una labor de encaje o cordelería de seda, los cabellos.
La moda llegó a los Estados Unidos. Allí la ”Victorian Hairwork Society” en su página web exhibe una variada colección de piezas hechas con cabello humano. Incluyendo obras de nuevos diseñadores, como la última colección de Kery Howley llamada “Attaction-Adversion”, compuesta por cinco collares con motivos vegetales realizados todos ellos con cabello.
¿Habíais oído hablar de este tipo de joyas?
¿Qué os parecería llevar una pieza de joyería realizada con el cabello de alguna persona especial para vosotros?
A mí la verdad es que, si el cabello es de un ser querido, sí que me gustaría llevarlo. Pero solo en caso de sentir algo especial por el dueño de esos cabellos.
La semana pasada recibíamos la visita de un pequeño grupo de amantes del arte, acompañados por María De Cuenca.
Maria es guía cultural, licenciada en Historia del Arte y museóloga, tiene más de quince años de experiencia en museos como el Thyssen Bornemisza, el Museo municipal de Arte Contemporáneo, Museo del Prado, Museo Arqueológico Nacional y Caixa fórum. Autora de los catálogos “El Museo de la Biblioteca Nacional” y “La Aventura de las Vanguardias”. Entusiasta del arte en todas sus manifestaciones y amante del teatro, la música y demás placeres culturales.
La última novedad que ha lanzado en su oferta de visitas, es una llamada “Madrid Señorial del Ensanche”. Una visita al ensanche de Carlos María de Castro con visita guiada al Jardín de Serrano, la Iglesia de la Concepción, el colegio neo mudéjar de Loreto en Principe de Vergara y, como último enclave, vienen a Vintage By Lopez Linares.
Aquí, en nuestro espacio, ofrecemos un oporto y un dulce, y entre María y yo misma ofrecemos a los visitantes una pequeña introducción al mundo de las joyas antiguas. Solemos presentar algunas de nuestras piezas más emblemáticas, aprovechando siempre para sacar de mi pequeño cajón secreto alguna de las piezas que atesoro y que no están a la venta. Pertenecen a mi colección personal de complementos antiguos.
Fue de verdad un placer recibiros una vez más, y esperamos impacientes a que Maria organice su siguiente escapada.
Si queréis seguir sus novedades y visitas más de cerca, os recomiendo seguirla en cualquiera de sus perfiles públicos.
Nace en Mayfair (Reino Unido) en 1885. La paternidad de Clementine es incierta, no sabiéndose con seguridad quien fue su auténtico padre. Lo cierto es que está registrada como hija de lady Blanche Hozier y de Sir Henry Montague Hozier. A pesar de la separación de sus padres, recibió una buena educación en Alemania y Francia.
Clementine conoció a Winston Churchill en un baile de sociedad cuando contaba 19 años de edad, pero fue cuatro años después en una cena donde surgiría el flechazo. La pareja compartía mesa y esto les serviría para conocerse un poco mejor. Churchil, que ya era presidente de la Cámara de Comercio de Inglaterra, quedó prendado de la belleza, inteligencia y distinción de Clementine.
A pesar de estar casi comprometido con Violet Asquith, hija del primer ministro, Winston decide escribir a Lady Blanche para pedir la mano de Clementine. La boda se celebró en septiembre de 1908 y tuvo 5 hijos.
Clementine, poseedora de una gran inteligencia política, supo ser el punto de apoyo en la carrera política de su marido. Proporcionó a Winston la seguridad, la protección y el ánimo que este necesitaba en cada momento, sabiendo cómo hacer frente con maestría al carácter depresivo y malhumorado de su marido. Se dice de ella que era la única persona que podía influir en sus decisiones, y que lo corregía sin ninguna clase de miedo exponiéndole sus puntos de vista. También le ayudó a corregir un leve “ceceo” en sus exposiciones orales y le dio el visto bueno a sus discursos en más de una ocasión. Clementine lo era todo para Winston Churchill.
Clementine ocupó numerosos cargos de responsabilidad durante la carrera política de su esposo. Fue, entre otras muchas cosas, la Presidenta del Fondo de Ayuda de la Cruz Roja para Rusia, organizó los comedores para los trabajadores de las municiones en Londres durante la primera Guerra Mundial, fue Presidenta de la Asociación Cristiana de Mujeres Jóvenes. En 1946 fue nombrada Dama de la gran Cruz del Imperio Británico y Doctora Honoris Causa de las universidades de Glasgow y Bristol. Años más tarde, en 1965, fue nombrada Baronesa Spencer-Churchill en el condado de Kent.
En enero de 1965 enviudó. En los últimos años de su vida tuvo que enfrentarse a problemas económicos, teniendo que subastar cinco pinturas de su marido. La venta resolvió los problemas y pudo vivir en paz y tranquilidad hasta que su corazón dejó de latir a la edad de 92 años.
Es una bonita gema azul verdosa procedente del berilo, como también lo es la esmeralda.
Su nombre procede del latín “Aqua Marina” que significa “agua de mar”, debido a su color azul verdoso. Antiguamente la llamaban “la piedra del marinero” porque estos la llevaban como amuleto para que les protegiera en las tempestades.
Las aguamarinas han sido siempre muy apreciadas a lo largo de la historia, a causa de su presentación natural en grandes y transparentes cristales, con un colorido puro y delicado.
En el Antiguo Egipto era costumbre introducir entre las vendas de las momias cuentas de aguamarinas, para proteger a los difuntos en su viaje al más allá. Existe un bello ejemplar de aguamarina tallada del periodo carolingio (siglo IX): es una aguamarina engarzada sobre un chatón de oro perfectamente tallada con la imagen de Flavia Julia, hija del emperador Tito, de una trasparencia perfecta y rodeada de zafiros y perlas. Es una joya que perteneció al emperador Carlomagno.
En la Edad Media y en el Renacimiento, las aguamarinas eran símbolo de pureza y salud, por eso se acostumbraba a regalar un anillo de aguamarinas a las novias el día de su boda. La aguamarina siempre ha sido una piedra semipreciosa muy querida por las mujeres, a causa de su color suave y delicado muy favorecedor a cualquier fisonomía femenina.
Es una gema muy apreciada en joyería por su dureza, ya que no se raya con facilidad, y permite una gran variedad de cortes, como el corte esmeralda o el corte de brillante que le aporta tanta luminosidad.
Su tono azul se debe a la presencia de borato de hierro, y el tono verdoso al óxido de hierro. Se suele encontrar en yacimientos hidrotermales. Hay yacimientos en Italia, Sri Lanka, India, Estados Unidos, en algunos países de África, en los montes Urales (Rusia) y en Brasil. Los yacimientos más cotizados son los procedentes de los Urales, pero las minas más numerosas y el primer productor y exportador de aguamarinas es Brasil.
La más famosa es la llamada “Don Pedro”, la aguamarina tallada más grande del mundo. Fue descubierta en Brasil por tres mineros que la dejaron caer por accidente, partiéndose en tres pedazos. El más largo de ellos fue tallado y pulido por el gemólogo Bernd Munsteiner, quien aseguró que al ver la piedra se enamoró de ella, queriendo sacar de ella toda su belleza. Estuvo estudiando el cristal durante cuatro meses y otros seis más puliéndola y tallándola. Hoy la gema Don Pedro está expuesta en el Museo Nacional de Washington.
En nuestra tienda online podéis ver una pequeña selección de piezas realizadas con esta preciosa piedra, que tengo que reconoceros es una de mis preferidas.
Nace en Barcelona el 28 de diciembre de 1910, hijo y nieto de orfebres. Su padre, Joaquín Capdevila y Meya, tiene un taller donde a los 16 años de edad Manuel empieza a trabajar en el oficio, combinándolo con los estudios en el Ateneo Politécnico de Barcelona de su otra vocación, la pintura.
A los 19 años pasa una temporada en Paris trabajando en el taller de un joyero parisino. Este periodo de tiempo para Manuel fue muy importante, quedando impactado con el vanguardismo y entusiasmado por la libertad de expresión y la indiscriminada manera de plasmar el color, sobre todo en la pintura. Vuelve a Barcelona con nuevas energías, y lleno de ilusión reanuda su trabajo en el taller familiar.
Entre los años 1935 y 1936 ya tiene obra suficiente para exponer en “A Mesa Puesta” y en la VI Trienal de Milán. En esta época recibe el encargo del Tribunal de Casación de Cataluña para diseñar y realizar la medalla pectoral de oro, símbolo del Tribunal. Pero la carrera de Manuel se ve truncada por la guerra civil española. Se va de España y vuelve de nuevo a París, donde permanecerá tres fructíferos años en los que realizó una bonita colección de broches de plata y laca japonesa de estilo muy surrealista, exponiendo en el importante Salón de Otoño de París.
Acabada la guerra en 1939, vuelve a Barcelona y se pone al mando del taller familiar dañado durante la contienda. Al mismo tiempo se dedica a la enseñanza dando clases en la Escuela Massana, centro municipal de las artes y el diseño de Barcelona.
En 1947, con motivo de la entronización de la Virgen de Montserrat, se encarga al taller de Capdevila la Lámpara del Sardanísimo, así como las puertas del Camarín de la Virgen. Ya no pararían los encargos para el Monasterio: cooperando en el altar mayor, construyendo la Corona Baldaquino que cuelga sobre el altar mayor de la nave central, el sagrario de la capilla del Santísimo…
Capdevila quiere innovar en la joyería, necesita cambiar el estilo de sus obras, y en 1950 incorpora a sus diseños elementos de la naturaleza: guijarros, maderas, conchas, fósiles, … Tomando estos elementos como base sobre los que construye sus broches y joyas y creando unas piezas originales y vanguardistas que fascinan a todo el mundo.
Sus diseños son conocidos internacionalmente y expone en todo el mundo. Su fama sigue hoy siendo internacional, siendo elegido por la Santa Sede como joyero para realizar el anillo pastoral del Papa Francisco: un anillo de plata que luce en todas sus audiencias públicas. Es un anillo austero y sencillo, cuyo diseño cumple con todos los requisitos que el Vaticano demandó al encargarlo.
En 1970 Capdevila cede la dirección del taller de joyería a su hijo Joaquim Capdevila i Gaya, para dedicarse de una manera más constante a la pintura. Aun así continúa trabajando con las joyas.
Las obras de Capdevile se exponen en el Museo de las Artes Decorativas de Barcelona, parte en el Museo de la Joyería de Pforzheim (Alemania), en los monasterios de Monserrat y Poblet y en el Palacio de la Generalidad de Barcelona.
Sea reproduciendo piezas antiguas o buscando inspiración para crear algo nuevo, la joyería siempre se ha inspirado en el pasado. Esta práctica, que tuvo su máxima afluencia en el siglo XIX con diseñadores como Castellani, Giacinto Melillo y Eugene Fontenay, recibió un gran impulso con los descubrimientos arqueológicos de la época.
Bajo este prisma de convertir el pasado en presente y repasar los 4.000 años de historia de la joyería, se celebra en Boston la exposición Past is present: revival jewelry.
La muestra cuenta con más de 70 objetos agrupados en cuatro grandes categorías: arqueológicas, del antiguo Egipto, Clasicismo y Renacimiento.
Entre las más destacadas se encuentra un broche firmado por Cartier, datado de 1924 que se presenta junto a una pieza egipcia que incluye un escarabajo con un diseño similar.
La firma Tiffany ha cedido varias piezas, entre las que destaca un collar datado entre 1900 y 1904, inspirado en el Renacimiento.
Más recientes son otras piezas, como la adornada con monedas macedonias, diseñada y fabricada por Bulgari en 1980. Un impecable ejemplo de cómo aunar lo mejor de la historia con un diseño moderno y minimalista.
Akelo (Andrea Cagnetti) firma piezas más recientes, de 2002, inspirados en las técnicas etruscas de granulación, caracterizadas por pequeños puntos y grabados.
La exposición, que se podrá visitar desde el mes de febrero hasta el 19 de agosto en el Museum of Fine Arts, en Boston, ha contado con la colaboración de 17 propietarios privados y el mismo museo.
Como no podía ser de otra manera, me quedo con la parte de la muestra que se centra en la joyería victoriana.
Muchas de las piezas expuestas pertenecen a esta época, donde el romanticismo del pasado (a veces idealizado) hacía soñar a las mujeres, y especialmente, a los artistas que se inspiraban en él.
Destacar por último lo extraordinaria que es esta exposición como muestra de pasado y presente. Hoy en día, más que nunca, el pasado se convierte en presente gracias a la inspiración de orfebres y diseñadores de joyas que han sabido recuperar lo mejor de los 4.000 años de historia de esta profesión.
¡Me quedo con muchas ganas de ir a verla!
Si te animas a viajar a Boston en los próximos meses, visita la web de la exposición, donde verás un aperitivo de las piezas más famosas.
La verdad es que la vida de un comerciante no es nada rutinaria. Aunque pueda parecer que todos los días son iguales, no deja de ser un subir y bajar el cierre de la tienda todos los días a la misma hora, hay días en los que suceden cosas que me sacan de esa aparente rutina y me ratifican el amor por mi profesión.
La semana pasada recibí la visita de la que para mí es la más grande bailaora de España en estos momentos, Sara Baras. He ido a verla bailar en Madrid dos veces y os he de decir que se me han saltado las lágrimas viendo su maravilloso espectáculo. No he visto nunca a nadie sentir el flamenco con la elegancia y la pasión con que ella lo hace.
Sara vino buscando una pieza especial para lucir en su próximo espectáculo en Madrid, se estrena el próximo 23 de febrero, y afortunadamente conseguimos encontrar esa pieza que necesitaba. Me hubiera frustrado enormemente no haber podido satisfacer sus deseos.
El problema es que la peineta que necesita llevar en sus espectáculo, tiene que ser de una forma especial para que los flecos del mantón, que ella mueve como nadie en el escenario, no se la enganchen en la cabeza durante el baile.
Vino con su madre, que nos contaba emocionada como ella había sido su gran maestra y lo orgullosa que se siente de su hija. No es para menos, Sara no ha dejado de recibir premios desde el año 1999, todos en reconocimiento a su magnífica labor como bailaora.
Sara tiene su propia compañía y, como os comentaba, estrena espectáculo “VOCES” el 23 de febrero en Madrid. Será en el Teatro Nuevo Apolo y yo cuento con estar allí ese mismo día para disfrutar de ella y de su arte.
Os dejo el link a la web que vende las entradas por si os animases a ir a verla. Estoy segura de que no os vais a arrepentir. Vuelve, como dice ella, mejor que nunca después de haber sido madre.
Parece por las fotos que Rose era mucho más coqueta y quizá más tímida que su hermana mayor Louisa Uphoff, de la que os hablé hace unos meses.
Su postura tímida ante la cámara en la fotografía de recuerdo de su boda, con una sonrisa bastante burlona, nos lo demuestra. Rose contraía matrimonio el 11 de junio de 1879 con Frank Hackmann (nacido alrededor de 1852), y elegiría el, «decididamente de moda», corte princesa para su vestido.
Según The Godey’s Lady’s Book, este corte sólo se ajustaba a una figura bien proporcionada, algo que por la foto de Rose Uphoff podemos comprobar que en su caso es perfecto. El vestido de satén blanco tiene un leve tinte rosado, que también se menciona en la Lady’s magazine como la última tendencia del momento.
El vestido de novia de Rose Uphoff, quizás en cierta forma, es un símbolo de los adornos exagerados que algunos escritores de etiqueta norteamericana mencionaban en sus escritos.
Algunos se quejaron diciendo: «El traje de novia francés es simple, en Inglaterra es más elaborado, mientras que en este país es muy probable que sea una ocasión de extravagancia ostentosa, dolorosamente absurda”.
Llamar absurdo al vestido de Rose puede ir demasiado lejos, aunque yo también le encuentro quizás demasiado exagerado en la cantidad de pliegues. Aunque quizás lo que más recargado encuentro es el uso excesivo de flores de cera en las mangas, escote y alrededor de la falda. El traje tiene una prestancia y una caída soberbia y se nota que la seda que se usó era de un gran telar.
Tal vez Rose había visto alguna ilustración de este tipo de adornos: el número de enero de 1872 de Godey’s Lady’s Book describe una corona de novia, cargada de flores de color naranja, con largos colgantes y zarcillos flotando con gracia sobre los hombros y la frente de la novia.
Parece que el esposo de Rose Uphoff, Frank Hackmann, podía haberse ganado la vida como mayorista, pero poco más parece saberse sobre ellos.
Lo que sí nos deja claro su vestido, y el que haya llegado hasta nuestros días, es que ella debía ser una mujer muy cuidadosa y coqueta.
En este breve vídeo que tengo colgado en el canal de Youtube de Vintage By López-Linares, os explico un poco mejor en lo que van a consistir los vídeos que voy a comenzar a compartir.
Mi idea es grabar un vídeo a la semana más o menos y compartirlo en redes sociales, por lo que vais a poder seguirme desde Intagram, Facebok, Google+ y el mismo canal de Youtube.
Espero que os guste esta nueva iniciativa y me encantaría que me dejarais vuestras sugerencias y comentarios para ir mejorando y añadiendo joyas que de verdad os interesen.
Muchas gracias a todos por vuestro apoyo constante y vuestros ánimos.
No se sabe exactamente el año en que fue pintado este retrato de Beatriz Sforza, pero debió ser alrededor de 1490, ya estando casada con Ludovico Sforza.
Es un retrato de una mujer muy joven de la alta aristocracia vestida a la usanza del Renacimiento italiano. Lleva un rico vestido de color verde oscuro con adornos rojos y dorados, colores muy usados en el Renacimiento.
Como dama de alta posición, completa el vestuario con dos espectaculares colgantes, uno que cuelga de la diadema que lleva en la cabeza, muy a la moda de ese momento, y que lo remata una gran perla en forma de lágrima; y otro que apoya sobre su pecho, insertado en una bonita gargantilla de perlas. Este último tiene un diseño que nos recuerda bastante al que luciera Eleonora de Toledo en el cuadro de Broncino, broche del que ya os hable hace meses.
Otra nota curiosa que nos dice claramente de qué época es la dama del retrato, es el peinado. Durante toda la Edad Media, la mujer ha escondido el pelo dentro de numerosos y variados tocados, y es a finales del siglo XIV, sobre todo en el XV y en Italia, cuando se está empezando a gestar un cambio en la manera de vestir. Los nuevos aires humanistas llegan también a la moda del vestir y el peinado. Las damas italianas son las primeras en mostrar el cabello, que lo sujetan y adornan con el llamado “tocado trenzado”.
Este tocado consistía en una cofia calada hecha de hilos de oro o plata, a veces adornada con perlas, que se sujetaba en la parte posterior de la cabeza, y se unía en la nuca con el pelo recogido en forma de trenza. La trenza se cubría con una funda hecha de maya de hilos dorados o plateados. La raya en medio dejaba caer por los laterales de la cara el pelo recogido, para recogerlo más tarde cubriendo las orejas y unido detrás de la nuca, terminándolo con una hermosa trenza.
En este retrato Beatriz Sforza cumple todos los requisitos de la moda italiana, tanto en el peinado como en el vestido y las joyas. No hay ninguna duda de ubicar el tiempo y el lugar en el que vivió esta bellísima princesa del renacimiento.
Beatrice fue una de las más bellas y cautivadoras princesas de la época. Nació en la cultural ciudad de Ferrara el 29 de junio de 1475, y a la edad de 5 años, con el fin de fortalecer la casa de los Ferrara de Este y la casa de los Sforza, es prometida a Ludovico Sforza.
En 1491 Milán se engalana para el acontecimiento del año. Va a celebrarse una doble boda: el enlace de Beatriz de Este con Ludovico Sforza y el enlace de Alfonso de Este -hermano de la novia- con Gian Galeazzo -sobrino de Ludovico-. Leonardo Da Vinci, que por esos años trabajaba como ingeniero de Ludovico Sforza, se encarga de organizar la fiesta y la decoración del palacio, inventando tramoyas que fueron la admiración de los invitados.
La gran personalidad y la dulzura de Beatriz hicieron que desde el primer momento fuese querida y admirada por toda la corte milanesa. Su amor por la música y la poesía y su pasión por el arte le hizo rodearse de los artistas más prestigiosos de Italia, y pronto la ciudad de Milán se convirtió en el centro cultural con más esplendor de Italia.
Era una mujer llena de atractivo, alegre y divertida. Su forma de vestir marcó moda en la corte de Milán. Aunque sufrió como todas las mujeres de la época las infidelidades de su esposo, nunca perdió el ánimo ni el buen humor. Una de sus más famosas amantes fue Cecilia Gallerani, de la que también os he hablado en el blog hace meses y con la que tuvo un hijo.
Esta bella mujer supo acompañar y ser un gran apoyo en las cuestiones políticas de su marido, pues poseía una gran inteligencia y habilidad política. Así lo pudo demostrar en 1492, cuando su marido la envía a Venecia para intentar ganar el apoyo que necesitaba de los venecianos para que le reconocieran como Duque de Milán. Beatriz llegó a la sala del consejo veneciano espléndidamente vestida de brocado y joyas, deslumbrando a todos con sus palabras.
Pero su vida quedó precozmente truncada cuando a la edad de 22 años muere de parto, al dar a luz al tercero de sus hijos, niño que nació muerto.
Ese triste 3 de enero de 1497 todo Milán, nobles y plebeyos, lloraron su muerte. Su tumba, junto con la de su esposo, se encuentra en la Cartuja de Pavía en la provincia de Lombardía, al norte de Italia.
“No es necesario que brille para que sea hermoso”, leí recientemente en un artículo sobre una colección de joyas antiguas. Y es muy cierto. La exposición que hoy os traigo brilla, pero de otra forma, de la manera en la que el cristal puede llegar a cegarte por su belleza. Hoy he sucumbido a la impresionante colección de joyas de cristal de Linda MacNeil.
Esta es la primera muestra de joyería que acoge el Museo del Cristal de Tacoma, en Washington. La originalidad a la vez que delicadeza con la que la artista pionera en el estudio del cristal y la joyería Linda MacNeil realiza sus creaciones no ha pasado desapercibido para este museo, que expone en su principal sala las piezas más destacadas de los más de 40 años de trayectoria profesional de MacNeil.
A lo largo de su carrera, que inició cuando todavía era una adolescente, Linda MacNeil ha creado más de 700 piezas realizando combinaciones hermosas de cristal y metales, incluyendo en los últimos años piedras preciosas que han aportado aún más glamour a su maravillosa colección.
De familia de creativos (ambos, su padre y su madre eran diseñadores), fue mientras cursaba estudios superiores de Arte en la Universidad de Massachusetts cuando comenzó a interesarse por el cristal como elemento de arte y representación de la belleza. Pero no ha sido hasta los últimos años cuando MacNeil ha comenzado a aplicar a la joyería su peculiar visión en la creación de esculturas, combinando cristal con materiales tanto preciosos como comunes.
Su principal objetivo es que estas piezas puedan realmente lucirse como complemento a un lujoso vestido, algo que ha sido sin duda un reto, por la dificultad que conlleva el material con el que trabaja.
Pero el resultado es exquisito. Influenciada por la moda de principios del siglo XX, su trabajo se ha centrado en la forma y el color de las piezas que creaba. ¿Os imagináis un collar de cristal y latón dorado o plateado que forme una figura geométrica casi imposible?
Os dejo algunas imágenes de su impresionante trabajo, siempre presidido por su compromiso con la belleza y la elegancia.
Collar de la colección de 2010, elaborado en cobalto rojo y azul, y espejo laminado y collar de la colección de 2010, creado con cristal pulido con acido, espejo laminado y cristal amarillo sobre oro de 24 kilates.
Cristal pulido color ambar, azul y rosa sobre latón y oro de 24 kilates y cristal con efecto de MacNeil – Broche 2espejo pulido en color púrpura, rojo, azul y gris sobre cristal Vitrolite en crema y negro, y oro blanco de 14 kilates.
Hortensia de Beauhrnais, esta hermosa mujer nace en París en el año de 1783, hija del primer matrimonio formado por Josefina Beauharnais y Alejandro, vizconde de Beauharnais. El vizconde es guillotinado durante el periodo del terror y Josefina, su madre, contrae nuevas nupcias con Napoleón Bonaparte, convirtiéndose en la emperatriz de Francia. De esta manera Hortensia pasa a formar parte de la familia Bonaparte, hecho que marcará toda su vida.
Hortensia recibió de pequeña una educación exquisita en la afamada escuela de Madame Campan. Allí aprende, arte, música y canto especialidad en la cual Hortensia destaca como una gran compositora musical, así como en el juego del billar llegando a ser una gran competidora.
Por indicación de Napoleón se casa con su hermano menor, Luis Bonaparte, que inmediatamente después es nombrado por su hermano rey de Holanda.
No fueron nunca un matrimonio feliz. Desde el principio hubo muchas infidelidades por parte de los dos y a pesar de tener tres hijos, Napoleón Carlos, Luis Napoleón (futuro rey Luis II de Holanda) y Napoleón Luis (futuro Napoleón III), el matrimonio se separa en 1810.
Hortensia tuvo un cuarto hijo fruto de su relación con el Conde de Flahaut.
Dos años antes de la separación matrimonial Anne L. Girodet pinta este bello retrato de Hortensia, la cual tiene una mirada nostálgica y triste quizás reflejo de los duros momentos por los que estaba pasando. Lleva un vestido tipo imperio muy de la época y destaca su sugerente escote desabrochado, dándole ese puntito frívolo que sin duda caracterizaba a Hortensia. Casi no lleva joyas, solo los pendientes de perlas en forma de lágrima y la bonita tiara de perlas que recoge su pelo.
A pesar de su separación matrimonial con el hermano del emperador Bonaparte, Hortensia le apoyó incondicionalmente.
Hortensia compró el castillo de Arenenberg, en el cantón suizo de Turgovia, y residió allí con sus tres hijos hasta su muerte en 1837 a los 44 años de edad.
Esta web nos hace un recorrido por la zona en la que vivió nuestra protagonista sus últimos años:
Ante el reto de un nuevo año y ante la esperanza de poder llegar a cumplir todos nuestros proyectos e ilusiones, la naturaleza nos ofrece un gran aliado:” la piedra de los nuevos comienzos” o “Piedra Luna”. Que va a ser la piedra protagonista de todo este mes de enero en nuestro espacio Vintage.
Piedra semipreciosa conocida también por los nombres de Selenita y Adularia. Selenita viene de la palabra griega “Selene” que significa “luna” y el término Adularia es el nombre de una variedad de Piedra Luna originaria del macizo Adula enclavado en los Alpes suizos; lugar donde fue encontrada por primera vez.
De Adularia deriva el nombre que se le da al efecto óptico de adularescencia que posee esta gema. La piedra Luna emite desde su interior un resplandor brillante azul plateado hacía su superficie envolviéndola y recordando el resplandor de la luna llena. La luz a través de unas partículas es proyectada hacia las diferentes capas de cristales que forman el interior del mineral causando este efecto óptico tan extraordinario.
Para potenciar este efecto la piedra luna siempre se corta en cabujón, siendo la altura de la piedra fundamental para la reflexión de la luz. A mayor altura, mayor luminosidad.
Es una piedra de escasa dureza, por lo cual se ha de tener mucho cuidado porque se raya con facilidad.
Su color suele ser blanco-plateado-lechoso, aunque también se presenta en otros colores como: el marrón, el incoloro, verde, gris, rosa, arco iris y amarillo. Las más apreciadas son las blancas e incoloras y son más valiosas cuanto más intenso sea el brillo y más trasparente sea la piedra. En los yacimientos de Sri Lanka se encuentras piedras lunas con estas características, siendo muy apreciadas en el mercado de las gemas. Los mejores yacimientos de piedra luna se encuentran en Brasil, Birmania, los Alpes Suizos, la india, Sri Lanka, Usa, Madagascar y recientemente se ha incorporado al ranking Tanzania.
La piedra luna ha sido muy apreciada por todas las culturas del mundo, es considerada como una piedra capaz de atrapar la energía lunar aportando muchos beneficios físicos y psíquicos para al ser humano.
Ya en la antigua Grecia se la consideraba favorecedora de la fertilidad y en la cultura romana se tenía la convicción de que esta piedra guardaba en su interior los rayos y la energía de la luna, pudiendo llegar a ver en su interior a la diosa Diana. En la india se creía que la piedra luna aumentaba la pasión de quien la portaba, era la piedra del amor y la fertilidad. Los novios el día de la boda regalaban una joya de piedra luna a la novia
Siempre se ha usado como joya-amuleto de la buena suerte y de crecimiento espiritual. En el siglo XIX, durante la época del Art Nouveau, se hizo muy popular su uso, en la joyería. El famoso orfebre francés René Lalique la puso de moda, siempre engarzadas sobre plata. Era típico que los caballeros lucieran hermosas piedras lunas en sus alfileres de corbata y gemelos (La piedra luna es beneficiosa para la apertura emocional del hombre).
Sus cualidades beneficiosas siguen siendo apreciadas en la actualidad. En ciertos lugares se suelen colgar amuletos de piedra luna de los árboles frutales para favorecer la cosecha. Desde siempre se le ha considerado una piedra femenina, ya que la protege durante sus cambios biológicos, suavizando los desarreglos hormonales femeninos. Es un buen detalle regalar una pieza de piedra luna en: el paso de la niñez a la pubertad, en los embarazos, en la lactancia y en la menopausia.
Se dice también de ella que es muy útil para armonizar las emociones, controlar el estrés, y los estados de ansiedad.
Algunos ejemplos de pendientes con piedra de la luna de nuestra web:
Corría el año 1810, cuando un joven joyero llamado Isaac Marquand decide marchar de la ciudad de Savannah (Georgia) a Nueva York, con el sueño de convertirse en un famoso e importante, empresario.
En poco tiempo estaba abriendo su pequeña joyería junto a Erasto Barton en una calle cercana a Broodway. La joyería llama la atención en seguida, ya que fue la primera que utilizaría escaparates de cristal para su fachada, haciendo las delicias de los transeúntes y convirtiéndose en un fantástico reclamo para los clientes.
Como era costumbre en esa época en la joyería se vendían, además de joyas, diversos artículos como lámparas, porcelanas, objetos de plata, … Ellos se especializan en objetos conmemorativos, teniendo como cliente a la academia militar de West Point, a la cual proporción los famosos anillos conmemorativos de la academia.
El año 1851 ellos fueron uno de los pocos joyeros estadounidenses invitados en la Exposición Universal de Londres. Esto les facilitó que el Príncipe de Gales se fijara en su trabajo y encargara varios regalos de plata a la citada joyería.
En 1876 dan el gran salto y se trasladan, con gran vista comercial, a un hermoso edificio de la Quinta Avenida con la calle 48. Es la primera joyería que se instala en esta gran zona comercial de Nueva York. En ese momento el inventario de la tienda se centra exclusivamente en joyas y objetos de plata.
El sueño de Isaac se está haciendo realidad, y la joyería es considerada una de las más importante de Nueva York. Es invitado a exposiciones donde expone sus joyas junto a joyeros de la categoría de Tiffany, Whiting o Gorham.
En 1911 la industria del cine de Hollywood se fija en Black Starr & Frost, y van pasando por su tienda todas las estrellas del celuloide como Marilyn Monroe o Peggy Hopkins Joyce, que adquirió el diamante azul facetado más grande del mundo. Tras ellos toda la alta sociedad americana, incluyendo presidentes, son clientes.
Black Starra Frost llega a tener treinta y tres establecimientos, que se irán perdiendo con los años hasta que en el año 2006 Alfred Molina, un joyero y experto gemólogo de origen cubano, compra la firma y decide volver a darle el esplendor que tuvo.
Abre una espléndida y elegante joyería con vistas al puerto de Newport Beach (California), y un poco más tarde en 2015 inaugura en Phoenix (Arizona) otra elegante y fantástica joyería Black Starr Frost.
El tiempo dirá si su nuevo dueño hace realidad su sueño , como le ocurrió a Isaac Marquand.
De acuerdo con las costumbres de su generación, Lydia Deterding siempre mantuvo la fecha exacta de su nacimiento celosamente guardada, incluso a su familia más inmediata. Se sabe que nació en Tashkent a finales del siglo XIX y que era hija de un académico, Paul Koudoyaroff. Sus orígenes rusos marcaron su vida y debieron influir en su pasión por los objetos hermosos, y especialmente las joyas.
A Lady Deterding nunca se la consideró una gran belleza, pero sí una mujer de magnética personalidad y encanto. Había una atractiva chispa en su mirada que los retratos de Laszlo parecen haber capturado. Era una de esas mujeres con sentido innato del estilo, que adoraba los caros adornos de joyería.
Henri Deterding, su segundo marido y fundador de la compañía petrolera Shell, estaba totalmente cautivado por ella y la obsequiaba generosamente con costosas joyas y ropa, sabiendo el gran placer que la proporcionaba. Ella adoraba la sociedad en la que se introdujo, y su vivacidad y animada conversación la convertían en la anfitriona ideal de los muchos amigos de Henri.
En línea con sus contemporáneos, Lydia estaba constantemente actualizando sus joyas y, en esta impresionante colección, pocas piezas mantuvieron su diseño original desde sus tiempos con Detering (se divorciaron, pero ella no se volvió a casar y mantuvo el título).
La colección incluía tres importantes joyas de procedencia rusa. En una foto de estudio tomada a principios de los años 30 por la fotógrafa Dorothy Wilding, ella luce un fantástico colgante de perla y diamante. Esta joya, fabricada en el siglo XIX, procedía del imperio ruso y era muy especial para ella.
En octubre de 1866, el Gran Duque Alexander Alexandrovich, que tras la muerte de su hermano mayor en 1865 se convirtió en heredero del trono ruso y Zar Alejandro III desde 1881, se casó con la novia de su hermano, la Princesa Louise Sophie Frederikke Dagmar, hija de Christian IX de Dinamarca. Como novia imperial rusa fue conocida como María Feodorovna, y en una fotografía tomada hacia 1899 se la ve mostrando este colgante mientras sostiene a su joven hijo, el futuro Zar Nicolas II, en sus brazos. La joya siempre permaneció en la colección privada de la zarina y tras su muerte en 1928 se lo dejó a su hija la Gran Duquesa Xenia.
En 1919 Xenia se las apañó para escaparse de Rusia junto con su madre y su marido. Lydia Deterding le compró esta joya a la Gran Duquesa, quien le envió una carta personal confirmando su procedencia y se convirtió en una de sus posesiones más preciadas. Casi todas las demás joyas de la colección privada de María Feodorovna, fueron vendidas por la Gran Duquesa Xenia y su hermana Olga al Rey Jorge V y la Reina Mary.
Otra pieza histórica de origen ruso vino de la colección del Príncipe Félix Youssoupoff, quien era el marido de la hija de Xenia, aunque sin duda es más conocido como el asesino de Rasputín. Antes de la Revolución los Youssoupoff habían sido una de las familias más ricas y poderosas de Rusia. Cuando el Príncipe Félix huyó de Rusia, se las apañó para llevarse con él algunas de las joyas más importantes de la colección familiar, algunas de las cuales le sirvieron para financiarse la vida en Europa Occidental.
A mediados de los años 20 Lady Deterding adquirió una de las joyas más destacadas de la colección, la «Estrella Polar». Este diamante antiguo en forma de almohadilla de las minas Hindúes de Golconda, con un peso de 41,285 quilates, debe su nombre por la estrella de cinco puntas que llevaba.
De las minas de Golconda han salido algunos de los diamantes más famosos de la historia, tales como el “Koh-i-Noor” y el diamante “Hope”
No se sabe nada de los inicios de la «Estrella Polar», pero a principios del siglo XIX era propiedad de José Bonaparte, el hermano mayor de Napoleón.
Fue después adquirida por la Princesa Tatiana Youssoupoff y, en su momento, heredada por el Príncipe Félix. En 1924 comenzaron las negociaciones con Cartier, que deseaba comprar la famosa piedra. Aunque se ha rumoreado que Lady Deterding no la adquirió hasta 1928, la información de los archivos de Cartier demuestra que ya se había incorporado a un sensacional collar diseñado por ellos en marzo de 1926.El diamante estaba engastado en un colgante, coronado por una gran esmeralda y sujetando con dos lágrimas de esmeraldas en forma de pera
Una foto de Lady Deterding de 1938 muestra este collar, pero con tres esmeraldas pendiendo juntas y la «Estrella Polar» colocada arriba. Este espectacular colgante de esmeralda fue inicialmente la borla del fantástico sautoir de esmeraldas y diamantes creado por Cartier para la Princesa Anastasia de Grecia en 1921, usando las piedras de dos de sus otras joyas. La Princesa fue inicialmente la viuda del magnate del estaño William Bateman Leeds, y se había casado con el Príncipe Cristóbal de Grecia, hermano del Rey Constantino I, en 1920. Nancy Leeds había heredado una vasta fortuna de su marido, y esto le había habilitado para adquirir una fabulosa colección de joyas.
Unos años más tarde Lady Deterding decidió, obviamente, crear un nuevo destino para la «Estrella Polar»; cuando se vendió en 1980 Boucheron lo había montado en un anillo extremadamente impresionante. Sin embargo, ella no descartó o vendió el collar de diamantes que una vez había llevado la «Estrella Polar», usándolo para proporcionar la montura para otra sensacional joya rusa. Comprada después de la Revolución por Lady Deterding, probablemente usando a Cartier como intermediario, ésta era la famosa «Perla Azra».
Esta perla negra en forma de pera era parte de un ornamento de diamantes, que también llevaba una perla negra en forma de botón que pendía de un collar con 110 perlas perfectamente hermanadas. Hasta 1783 la perla Azra estaba entre las Joyas de la Corona Rusa. La Emperatriz Catalina II se la dio a uno de sus validos preferidos, el Príncipe Potemkin, que la legó a su sobrina la Princesa Tatiana Youssoupoff, permaneciendo en la familia desde entonces. Se exhibió en Londres en 1935 junto con la muy admirada perla «Peregrina» y un par de pendientes de perlas, que también habían pertenecido a la familia Youssoupoff.
Cartier desmontó el collar de perlas original y re engastó la perla negra y el colgante de diamantes en un collar de diamantes. Lady Deterding tuvo la mala suerte de perder la perla Azra «en algún lugar de París», siendo por tanto solo el collar con la perla negra de botón y el colgante de diamantes, pero sin esta romántica perla, la que se incluyó en la venta de 1980.
Otras joyas que formaban parte de su colección fueron un brazalete de rubíes y diamantes, típico del periodo Art-Decó, engastado con cuatro hileras de rubíes en forma de almohadilla y con hebillas de diamantes. Era una creación de Cartier.
También diseñada y fabricada por su joyero favorito, Cartier, estaba un juego de rubíes y diamantes compuesto por un collar con cinco motivos desmontables, que también se podían llevar como broche. La pulsera y los pendientes a juego eran de diseño similar y se crearon todas en 1938.
Lydia visitaría a Cartier a menudo, tanto para intercambiar piezas como para rediseñarlas.
Es evidente que la mayoría de sus adquisiciones vinieron de Cartier. Allí compró un elegante broche en forma de canario amarillo y blanco de diamante rosa, un juego de turquesas y diamantes, un zafiro de 47 quilates que se montó en el centro de un llamativo broche de diamantes en forma de capullo, y otras joyas de diamantes y coloridas piedras igualmente atractivas.
A finales de los 20 añadió una de las joyas más sensacionales de la colección: un par de broches «Tutti Frutti» de rubíes, diamantes y esmeraldas talladas. Cada broche llevaba una gran hoja de esmeralda tallada, con bordes en baguette y cuentas de rubíes y diamantes en corte de brillante.
También adquirió varias de sus estilosas cajas de cigarros de oro y diamantes para completar su equipamiento, así como espléndidos bolsos decorados con gemas y coloridos esmaltes.
Estas son solo algunas de las imágenes que he podido encontrar en la red de esta soberbia colección de joyas, que terminó desperdigada por el mundo después de una subasta a mediados de los años 80.
