Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
No hace mucho que estaba viendo a Antonio Banderas protagonizar el famoso personaje de “El Zorro”, y ha sido recordando esta última versión de la película, y por supuesto porque no podía faltar entre nuestro protagonistas Tyron Power, por lo que me he decidido a incluir en nuestro “Miércoles de Película” una versión clásica de esta aventura.
Esta, junto con la de Banderas, es una de las versiones que más me gusta de esta historia de aventuras por antonomasia.
Junto a los piratas, los aventureros africanos y los bandidos justicieros, el Zorro ha sido de los héroes preferidos del público hasta la llegada de los súper-héroes modernos. Robin Hood, La Pimpinela Escarlata, El Tulipán Negro, El Zorro o La Flecha Negra, todos ellos hombres de gran belleza, aventureros, íntegros, educados, elegantes y seductores…. El hombre perfecto para las jóvenes de la época.
Tyrone Power, un actor de gran carisma, le marca un gol al héroe de la época: Errol Flynn. Ruben Mamoulian, experto director de coreografías, convierte la película, gracias a su magnífica banda sonora, casi en un musical. Las escenas de «baile», los duelos, son excepcionales.
Considerada por muchos la mejor versión de todas, «El signo del zorro» es una película amena, entretenida y divertida. Basil Rathbone, uno de los mejores «malos» del cine, está estupendo -para mí el mejor de todos- y Tyrone Power borda el papel, una de sus mejores interpretaciones de a lo largo de su carrera.
¿Con qué versión te quedas tú?
Premios:
Nominada al Oscar a la mejor película y al mejor guión original en 1941.
Premio en 2009 del National Film Preservation Board.
Curiosidades:
Basil Rathbone era un experto en esgrima. No así Tyrone Power, que tuvo que ser doblado por un especialista. Las escenas más rápidas fueron rodadas a 18/20 fotogramas por segundo (lo usual son 24) y luego los efectos de sonido sincronizados.
Los soldados que apuestan al principio de la película usan los pesos mexicanos, cuando en realidad deberían usar la peseta.
Aunque El Zorro es un personaje de ficción, a menudo se le confunde con Joaquín Murrieta, un bandido mexicano (que Hollywood se encargó de confundir aún más al darle protagonismo en la última versión de Antonio Banderas, cuyo nombre real en la película «La máscara del Zorro» es Joaquín Murrieta). Asimismo, El Zorro ha inspirado a otros personajes como Batman y El Llanero Solitario.
Se han hecho 16 películas de el Zorro en EEUU, dos series de TV y otras 40 entre México, España, Italia, Francia y Bélgica. Los «Zorros» más famosos han sido: Douglas Fairbanks, Tyrone Power, Anthony Hopkins y Antonio Banderas.
Esta semana se ha cumplido el aniversario de la grabación de los primeros registros de Louis Armstrong y su banda de jazz los “ Hot Five”, corría noviembre de 1925. Hoy nuestro “Viernes en Blanco y Negro” rinde un homenaje al indiscutible rey del Jazz.
Un regalo de dios, como dicen algunos… Louis Armtrong marcaría las pautas por las que se desarrollaría el jazz en las siguientes décadas.
Los “Hot Five” serían la primera banda con la que Armstrong grabaría un disco, y el 12 de noviembre de 1925 la fecha elegida para crear los primeros registros que llevaban su nombre como director de orquesta. Considerada por muchos críticos como una de las mejores grabaciones de la historia del jazz.
«My Heart» y “Cornet Chop Suey” fueron las primeras canciones grabadas. La banda estaba compuesta por Johnny Dodds en el clarinete, Kid Ory en el trombón, Johnny St. Cyr en el banjo y la esposa de Louis, Lil Hardin-Armstrong en el piano.
• Director/es: Victor Fleming y (sin aparecer en los créditos) George Cukor y Sam Wood.
• Productor: David O. Selznick. En este caso es importante, puesto que Selznick es el creador, el «alma mater» de esta película. Sólo él tuvo la fe suficiente en pelear para que esta película saliese al mercado.
Reparto:
• VivienLeigh (Escarlata O´Hara)
• Clark Gable (Rett Butler)
• Olivia De Havilland (Melanie Hamilton)
• Leslie Howard (Ashley)
Sentarte una tarde de noviembre a ver «Lo que el viento se llevó», así como quien no quiere la cosa, convierte un día cualquiera en un día inolvidable. Casi cinco horas junto a mi hija, a la que conseguí convencer de que viera la película conmigo ocultándola que duraba casi cinco horas, y que no despegó los ojos de a pantalla ni un solo instante. Está claro que Cark Gable y Vivian Leigh siguen atrapando a las mujeres de todas las edades y generaciones.
“Lo que el viento se llevó” podría ser clasificada como «La PELÍCULA», con mayúsculas. Aventura, amor, conflictos, suspense, comedia… Todo está aquí. La obra maestra de David O. Selznick, que, a pesar de haber realizado muchas otras grandes películas, será siempre recordado por ésta.
Escenas memorables e infinitas, casi cinco horas de película que dan para mucho. Yo me quedo con la de Escarlata vistiéndose con Mami, apretándole el corsé. La interpretación de la criada negra es para mí uno de los pilares del éxito de la película, no en vano fue la primera mujer de color en recibir un Óscar de la academia de Hollywood, que considero con todo merecimiento.
La soberbia interpretación de Vivian leigh, sus expresiones de superioridad, envidia, avaricia, dolor, desesperación, picardía… Una interpretación magistral.
Su entrada con ese llamativo vestido escarlata en la fiesta, donde las jóvenes van vestidas de una manera mucho más pura, más casta es un guiño descarado a «Jezabel» y una escena cautivadora.
Los encuentros, con mezcla de amor/odio, entre una Escarlata totalmente ajena a los encantos de un desesperadamente enamorado Rett Buttler. Gark Gable está impresionante y no te cansas de mirarle.
Las interminables, enormes y maravillosas escaleras de toda la película. Las escenas casi «Hitchckonianas» (de hecho, Selznick pidió consejo al maestro del suspense en alguna ocasión), lentas, con el martilleante tic-tac de un reloj, donde las mujeres esperan paciente y desesperadamente, inmersas en un absurdo e inútil entretenimiento a que sus maridos salgan airosos del asalto a los bandidos…
“Lo que el viento se llevó” será siempre la película más famosas de la historia del cine, porque en ella se amalgama, seguramente sin quererlo, toda la grandiosidad de la época dorada de Hollywood. Una película sencillamente irrepetible y un icono para los amantes del cine clásico.
Premios:
Placa de Honor a William Cameron Menzies por el uso del color, reforzando la carga dramática de la película.
Oscar a la mejor actriz a Vivien Leigh; a la mejor actriz secundaria a Hattie MacDaniel (Mami), siendo la primera mujer negra en ser nominada y recibir un Oscar; a la mejor dirección artística a Lyle R. Wheeler; a la mejor cinematografía en color; al mejor director (Victor Fleming); al mejor montaje; a la mejor película; al mejor guión adaptado y premio especial a la mejor innovación técnica.
Nominada al mejor actor (Clark Gable), a la mejor actriz secundaria (Olivia de Havilland), a los mejores efectos especiales, a la mejor banda sonora y al mejor sonido.
Curiosidades:
• Se entrevistaron a 1400 actrices para hacer el papel de Escarlata.
• A muy pocos actores les gustó el papel que les tocó hacer. Entre otros, destacaba Clark Gable que aceptó el papel a condición del extra económico que recibió para poder arreglar su divorcio con Carole Lombard. A Leslie Howard le parecía que era demasiado mayor para el papel de Ashley.
• Gary Cooper rechazó el papel convencido de que sería un completo fracaso («estoy encantado de que sea a Clark Gable al que le va a reventar el fracaso en la cara y no a mí dijo Cooper).
• La frase «Francamente querida, me importa un bledo» (Frankly my dear, I don´t give a damn) está calificada en el primer puesto de las 100 mejores frases de cine.
• Fue la primera película en color en ganar un Oscar.
• Los cuatro protagonistas sólo aparecen juntos en una escena (tras el ataque a Shatytown).
• Judy Garland iba a hacer el papel de una de las hermanas de Escarlata, pero optó por hacer otra película: «El mago de Oz».
• En principio la película se pensaba hacer en dos partes dada la longitud inicial (cerca de cinco horas).
• Se usaron todas la cámaras que había de Technicolor para la escena del incendio de Atlanta. Los bomberos estaban listos para actuar en caso de que descontrolara, y había una reserva de 5000 galones (cerca de 20.000 litros) de agua para la eventualidad (después de la filmación había que apagarlo).
• Clark Gable fue enormemente reacio a filmar una escena en la que tenía que llorar. Olivia De Havilland fue la que le convenció.
• Si se ajustara la recaudación de la película a la inflación actual, «Lo que el viento se llevó» seguiría siendo la película más taquillera de la historia (a fecha de 2005 habría recaudado más de 3.700 millones de dólares y 200 millones de entradas de cine), siendo «La Guerra de las Galaxias» la segunda.
• En ninguna de las escenas de interior se rodó con tejado.
• La actriz que hace de madre de Escarlata tenía 28 años, mientras Vivien Leigh, cuyo papel era el de una chica de 16 años, tenía 25.
• Es la película más larga que ha ganado un Oscar.
• En encuestas populares para elegir quién haría el papel de Escarlata, Vivien Leigh obtuvo un solo voto.
• Olivia de Havilland estuvo en un hospital de maternidad para saber cómo era un parto real, para poder hacer la escena del nacimiento de su hija lo más real posible.
• A Clark Gable nunca le gustó la película, calificándola como «una película de mujeres».
Os dejo con el tráiler de la película y algunas escenas memorables:
Director: Oficialmente Victor Fleming, aunque hubo más: George Cukor, Mervy Le Roy, Norman Taurog y King Vidor que hizo las escenas del principio en Kansas, en blanco y negro.
Reparto:
Judy Garland (Dorothy)
Frank Morgan (El mago de Oz)
Ray Bolger (El espantapájaros).
Bet Lahr (El león cobarde).
Jack Haley (El hombre de hojalata).
Pues aunque parezca mentira recordaba poquísimo de esta película. Creo que la vi de muy pequeñita, pasándome lo mismo que a mi hermano que me contó el otro día que cuando la vio de pequeño se tuvo que salir del cine, al no soportar el miedo que le produjeron las escenas de la bruja. Apenas recordaba alguna escena como el detalle de los zapatos rojos de Doroyhy y por supuesto la famosa canción “»Over the rainbow».
La semana pasada le propuse a mi hija de 22 años que me acompañara a verla una tarde en casa. Voy comprando todas la películas de los “Miércoles de cine” en Amazón, y esta sección se ha convertido en una excusa perfecta para pasar alguna que otra tarde en familia disfrutando del muy buen cine clásico.
Bueno, que me enrollo con otra cosa, la cuestión es que os comento esto porque me resultó curioso que tanto ella con sus 22 años como yo con mis 50 no despegamos los ojos de la pantalla ni un segundo, y las dos disfrutamos de lo lindo con las aventuras de Dorothy y sus amigos.
Me impresionó la excelente caracterización de los personajes: el hombre de paja, el hombre de hojalata y el león cobarde ¡Qué tres personajes tan encantadores y tan atemporales! Estoy segura de que todos los niños se enamorarían de ellos si hoy vieran este clásico del cine infantil, y por supuesto todos querrían tener un “Totó” en casa.
Judy Garland está en su mejor momento. Su maravillosa voz casi te hace llorar cuando nada más empezar la película canta «Over the rainbow»
El uso de ese blanco y negro sepia tan cálido en las escenas en las que Dorothy vive la realidad, ese color tan contrastado en las escenas de fantasía, junto con las fantásticos efectos especiales en las escenas de la Ciudad Esmeralda, la música y la propia simpleza del cuento, hacen del “Mago de Oz” un clásico inmortal del cine infantil.
Aunque calificada por muchos de cursi, no se puede negar la carga emocional de una película pensada por y para un público infantil, donde el adulto se mete en la película con las mismas ganas que el más pequeño de los seres humanos.
Pocas veces, por no decir nunca, una película pensada para los más pequeños se ha mantenido viva y nos sigue dejando pegados al asiento.
A los que tenéis niños os propongo una tarde de cine clásico con los más pequeños de la casa. Luego me encantaría que me contarías si les ha dado un poco de miedo o los niños de esta generación ya no se asustan tan fácilmente como nosotros lo hacíamos.
Premios:
Oscar a la mejor canción original (Over the rainbow) para Harold Arlen y E. Y. Harburg (música y letra). Oscar a la mejor banda sonora original.
Nominada al Oscar a la mejor película, mejor fotografía, mejor dirección artística y mejores efectos especiales.
Nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes al mejor director (Victor Fleming) en 1939.
Curiosidades:
Muchas de las escenas de Margaret Hamilton (la bruja) fueron borradas del montaje final, debido a que resultaban muy aterradoras y, al fin y al cabo, se trataba de una película infantil.
A Judy Garland le tuvieron que poner un apretadísimo corsé para reducirle el tamaño del pecho, para darle un aspecto más infantil. Tenía 17 años.
Mientras los enanos recibieron un sueldo de 50 dólares por semana de trabajo, el perro cobró 125 dólares por el mismo periodo.
La canción «Over the rainbow» estuvo a punto de ser excluida del rodaje por ser demasiado larga. En una ocasión, Judy Garland se puso a llorar en una escena, junto con todo el personal de rodaje, por lo triste que es la canción.
Esta misma canción está en la lista de las 100 mejores canciones de Hollywood de todo los tiempos, según el American Film Institute.
La chaqueta que viste Frank Morgan (El mago de Oz) tiene una historia muy curiosa. Buscando una chaqueta que se adaptara al carácter del personaje, la encontraron en una tienda de segunda mano. Más tarde, una etiqueta que tenía la chaqueta confirmó que perteneció a L. Frank Baum, el autor de los libros originales de «El mago de Oz». Al terminar la filmación de la película la chaqueta le fue entregada a su viuda.
Judy Garland quiso quedarse con el perro (Totó) después de dos semanas de convivencia en los rodajes, pero lamentablemente su dueño se negó.
A pesar de que Judy Garland fue la favorita para el papel de Dorothy, Shirley Temple y Deanna Durbin estuvieron cerca de conseguir el papel.
En 2007 The American Film Institute la calificó en el puesto número 10 de las mejores películas de todos los tiempos.
El traje de león pesaba cerca de 50 kilos y estaba hecho de piel auténtica de león.
Walt Disney llegó tarde a obtener los derechos de la película. Louis B. Mayer se ocupó de conseguirlo antes, con objeto de mejorar el enorme éxito de «Blancanieves y los siete enanitos».
MGM pagó 75.000 dólares por los derechos de la película, una suma enorme para la época.
La película se ha reeditado en 2013 en 3D, siendo la película más antigua en la que se ha hecho tal cosa.
Director: Ernst Lubistch, con guión de Billy Wilder
Reparto:
Greta Garbo (Ninotchka)
Melvyn Douglas (León)
Ina Claire (Swana)
Bela Lugosi (Razinin)
Ninotchka es quizá la mejor película de Greta Garbo. Se pasó la vida haciendo papeles dramáticos. Hasta en esta película parece que han pensado que tarde en reírse, ya que pasa un buen rato hasta que la vemos reír a carcajadas en la escena de la caída de Melvyn Douglas de la silla. Puedo imaginarme la que se organizaría el día del estreno, la escena debió causar una estrepitosa carcajada en todos los cines de la época.
La Garbo demostró en esa escena que no solamente estaba preparada para interpretar escenas dramáticas, demostró, como sólo una actriz de su categoría podía, que era más que capaz de hacer reír a carcajadas.
Crítica mordaz al sistema comunista en los arranques de la revolución bolchevique, sólo Ernst Lubitsch y Billy Wilder, ambos exiliados de la barbarie nazi y enormemente belicosos con las doctrinas totalitarias, eran capaces de hacer una película con tal carga de cinismo, picardía y elegancia en una época en la que la Unión Soviética estaba gobernada por Stalin.
Greta Garbo, una de las grandes, con esta interpretación de la “Camarada Ninotchka” nos demuestra que es capaz de pasar de una gélida e inexpresiva afiliada al partido comunista, a la más tierna, picara y divertida de las mujeres del más genuino y excitante París.
Una actriz única de la que disfrutamos en su más puro estado en esta intensa y crítica obra.
Premios:
Nominada al Oscar a la mejor película, mejor actriz (Greta Garbo), mejor guión original y mejor guión adaptado.
Premio NBR del National Board of Review en 1939 a una de las mejores 10 películas del año.
Premio del National Film Preservation Board en 1990.
Segundo premio del New York Film Critics Circle Awards al mejor director y a la mejor actriz.
Curiosidades:
La película utilizó para su promoción el eslogan «¡Garbo se ríe!», en referencia a su primera película sonora donde el eslogan fue «¡Garbo habla! Además, hasta entonces casi no había hecho comedias.
Greta Garbo rodó sin maquillaje durante toda la película.
Se consideró seriamente contratar a Spencer Tracy para el papel de León. También fueron firmes candidatos Cary Grant, William Powell y Robert Montgomery.
Greta Garbo estaba muy nerviosa por hacer una comedia y especialmente en la escena donde aparece borracha, por considerarla excesivamente vulgar.
La película fue prohibida en la Unión Soviética y sus estados satélites.
Arnold Schwarzenegger estuvo estudiando la actuación de Greta Garbo para prepararse el personaje de Iván Danko para la película «Danko: calor rojo».
El sombrero que lleva Greta Garbo, aunque realizado por su sastre habitual, fue diseñado por ella.
Diálogos para recordar:
Ninotchka: No tenemos hombres como usted en mi país.
León: Gracias.
Ninotchka: Por esa razón creo en el futuro de mi país.
Ninotchka: ¿Por qué tiene que llevar el equipaje de otro?
Botones: Es mi trabajo, señora.
Ninotchka: Eso no es un trabajo. Es injusticia social.
Botones: Eso depende de la propina.
Ninotchka: El último juicio en masa fue un gran éxito. Quedaron menos rusos, aunque mejores.
León: Ninotchka, es medianoche. Medio Paris está haciéndole el amor al otro medio.
Ninotchka: Básicamente, no es usted mala persona, pero es el desgraciado resultado de una cultura condenada. Lo siento mucho por usted.
Camarero: ¿Qué va a ser?
Ninotchka: Remolacha cruda y zanahorias.
Camarero: Madame, esto es un restaurante no un huerto
Los primeros minutos de la cinta con los tropezones, las palabras tartamudeadas, los disfraces, los disparatados diálogos y las increíbles situaciones, ya nos indican que estamos ante una de las comedias más agradables de la historia del cine clásico.
Por un lado Katharine Hepburn esplendida, en el papel de caprichosa, atolondrada y quizás algo hiperactiva rica heredera. Y por otro un despistado, elegante y atractivo Cary Grant
Una película cargada de vitalidad y optimismo, de esas que te suben el ánimo en una triste tarde de domingo, y te saca más de una carcajada de esas que te hacen disfrutar de verdad.
Me quedo con tres escenas:
La escena del vestido roto: una Katharine alocada que no deja hablar a un atontado, despistado e inocente Cary Grant, que cae como un pánfilo en las garras de una Hepburn que le maneja a su antojo.
La escena de la bata, cuando la tía de Katharine se presenta de improviso en la casa y descubre a un Cary Grant envuelto en plumas y gasas.
Y la escena de la cárcel, que casi recuerda a una de las escenas de alguna de las famosas películas de los hermanos Marx.
Una comedia en la que todo se complica hasta niveles insospechados, romántica, de puro enredo y tan absurda que te hacer reír por tonterías. Todo esto, unido a una fotografía espléndida, una ambientación increíble y, sobre todo, una interpretación magistral por parte de los dos protagonistas, hacen de ella una película inolvidable que aún hoy nos sigue provocando la carcajada.
Premios:
Premio en 1990 del National Film Preservation Board.
Según Entertainment Weekly está en el puesto 24 de las mejores películas de todos los tiempos.
La revista Premiere la votó como «Una de las mejores 50 comedias de todos los tiempos».
En 2007 el American Film Institute la colocó en el puesto 88 de las mejores películas de la historia.
Curiosidades:
Katharine Hepburn nunca había hecho comedia hasta entonces. Tuvo que ser enseñada por varios especialistas del vodevil, así como por Howard Hawks. No así con Cary Grant, que ya era un especialista en la comedia.
Katharine no tuvo problema en hacer las escenas con el leopardo, mientras que Cary Grant fue siempre sustituido por un doble.
En muchas escenas se usó un cachorro de leopardo, mientras que en otras se utilizó la técnica de la escena partida y, más tarde, unida en el montaje. Una proeza para la época.
Fue un fracaso de taquilla. Howard Hawks fue despedido y a Katharine Hepburn se le puso el apodo de «Box office poison» (Veneno de taquilla).
Howard Hawks se basó en el actor Harold Lloyd para modelar el personaje de Cary Grant, incluso le puso gafas.
El personaje de Cary Grant hace referencias al Pato Donald y a Mickey Mouse. RKO era la distribuidora de Disney en aquella época.
La película no tiene banda sonora.
La escena en la que a Katharine Hepburn se le rompe el vestido y Cary Grant le ayuda a taparse, está basada en una situación real que le ocurrió a Grant: en un teatro se le enganchó la cremallera al vestido de una mujer e, impulsivamente, se fue detrás de ella. A Howard Hawks le hizo tanta gracia que decidió incluirla en la película.
Cary Grant estaba tan asustado del leopardo que Kathatine Hepburn, para torturarle, le puso un leopardo de peluche en una de las tomas de ventilación. «Salió de allí como un relámpago», escribió en sus memorias.
Las escenas en las que el leopardo se mueve libremente (especialmente las del apartamento de Susan) se rodaron en una jaula en la que las cámaras estaban estratégicamente colocadas.
Es la segunda de cuatro películas que unieron a Grant y a la Hepburn.
Aunque muchos consideran ahora que fue la mejor película de Hawks, en su día, y probablemente debido al fracaso en taquilla, su director alegó que no era buena porque sus personajes eran demasiado «irracionales».
Una de las más ácidas, chispeantes y brillantes sátiras de la alta sociedad americana jamás filmada. Quizás un tanto exagerada para mi gusto y con una interpretación sobreactuada en exceso.
Un atractivo vagabundo es contratado por una familia adinerada para trabajar como mayordomo en su lujosa mansión de la elegante Quinta avenida neoyorquina.
La película está salpicada de magistrales gags dignos del mejor y más clásico teatro de variedades americano. Una «screwball» que encantaría a Groucho Marx.
Nos encontramos ante una divertida comedia en la que los personajes rozan lo esperpéntico, reflejando, si cabe con más intensidad, la superficialidad y banalidad con que vivían las clases más adineradas en la época de la Gran Depresión americana.
Alegre, deliciosa, inteligente y elegante. Ua joya del cine clásico. Las toneladas de glamour en el vestuario y en la decoración de los salones, junto con las situaciones absurdas que viven sus personales y los disparates que les suceden, hacen de ella una de las comedias más recordadas del cine en Blanco y Negro.
Premios:
Seis nominaciones a los Oscar (aunque no recibió ninguno):
-Mejor actor (William Powell)
-Mejor actriz (Carole Lombard)
-Mejor actor secundario (Misha Auer -el protegido-)
-Mejor actriz secundaria (Alice Brady)
-Mejor director (Gregory La Cava)
-Mejor guión adaptado.
Premio del National Film Preservation en 1999.
Curiosidades:
William Powell fue sustituido en la escena en la que éste lleva a hombros a Carole Lombard.
La revista Premiere la votó como «una de las mejores 50 películas de la historia del cine» en 2006.
Aunque los dos actores principales estaban divorciados, Powell declaró que Carole Lombard era la única mujer que podía hacer el papel de Irene.
La película está basada el el libro «1101 Park Avenue», de Eric Hatch.
Jane Wyman (Ángela Channing de «Falcon Crest») aparece en la película, aunque no en los créditos.
En 2002 la película se remasterizó y coloreó.
Carole Lombard tenía el hábito de decir tacos en los diálogos, lo que hizo repetir multitud de escenas.
Fue William Powell el que sugirió que Lombard hiciera el papel de Irene ya que, decía, tenía muchas cosas en común con el personaje.
El hotel «Waldorf-Ritz» no existe. Es una amalgama de dos hoteles de Nueva York, El Waldorf-Astoria y el Ritz-Carlton.
Debido a un error en los derechos de copia originales, la película ha sido de dominio público, lo que significa que cualquiera podía hacer una copia y venderla.
Meteduras de pata:
La puerta de la habitación de Godfrey, que da a la cocina, se abre en ambas direcciones.
Cuando llega la policía a resolver el asunto del collar, aparecen tres oficiales. Al marcharse, aparentemente sólo se van dos.
William Wyler convierte a Bette Davis en la protagonista indiscutida de este melodrama sureño.
Bette borda el papel de mujer autoritaria, impulsiva y caprichosa. Su personaje es el de una jovencita desobediente que se negó a seguir las estrictas normas de la sociedad sureña de los EEUU de la segunda mitad del siglo XIX. Julie es astuta, orgullosa, inteligente, pero sobre todo provocadora y manipuladora. Todo esto la convierte en una inmadura y caprichosa joven, dispuesta a hacer cualquier cosa por conseguir sus propósitos.
Necesitada de ser siempre el centro de atención disfruta llevando las situaciones al límite, lo que provoca que su prometido, Preston Dillard, protagonizado por un frío, calculador y adicto al trabajo Henry Fonda, no consiga dominar a semejante huracán, decidiéndose a abandonar la ciudad y a ella.
Hay escenas que rozan la perfección interpretativa. Por supuesto, siempre con la Davis de protagonista. Yo me quedo con estas:
La escena del baile, cuando ella decide acudir con un vestido rojo en lugar del blanco exigido por la etiqueta.
Las entradas espectaculares donde se adueña de la pantalla, y sus bajadas de escaleras, alegre y elegante…
Cuando su antiguo amor le presenta a su esposa, no tengo palabras para describir la cara de Bette Davis: asombro, frialdad, desesperación, odio… toda una mezcla de sentimientos mostrados en pocos segundos en la pantalla.
La expresión de Bette Davis vestida de blanco, cantando a los pies de una escalera rodeada de niños, rota por el dolor e intentando disimular es sencillamente inolvidable.
No sólo es una historia de amor imposible en la vida de una mujer rebelde y manipuladora, sino también una crítica a las costumbres arcaicas, estrictas y casi medievales de la época, donde Julie es despreciada por vestir inadecuadamente, mientras que ella se enfrenta a los convencionalismos sin importarle el rechazo social que provoca. Una mujer rebelde y valiente, en definitiva.
Bette está enorme en cada plano. Y esos enormes vestidos, en un marco de refinado estilo burgés la convierten en la verdadera reina de la película, eclipsando a todo aquel que se pone a su lado. Bette llena cada rincón de la pantalla con una interpretación sublime que vale la pena ver solamente por disfrutar de su mirada.
Premios:
Oscars:
Premio a la mejor actriz (Bette Davis)
Premio a la mejor actriz secundaria (Fay Bainter -La tía Belle-).
Nominaciones: Mejor película, mejor banda sonora y mejor fotografía.
Una de las diez mejores películas de 1938, según el National Board of Review.
Premio en 2009 del National Film Preservation.
Premio especial a William Wyler en el Festival de Venecia de 1938 por su carrera. Nominado a la Copa Mussolini el mismo año.
Curiosidades:
El rumor de que a Bette Davis se le ofreció el papel de Jezabel al haber perdido la oportunidad de protagonizar «Lo que el viento se llevó» es falso. Jezabel se comenzó a rodar antes de que se decidiera quién iba a ser Escarlata.
Según Robert Osborne, el vestido «rojo» es en realidad de color bronce, porque se veía mejor en blanco y negro.
Henry Fonda fue una incorporación de última hora. El papel lo iba a hacer Jeffrey Lynn.
El Oscar que ganó Bette Davis se subastó en Christie´s por 57.800 dólares en 2001. Lo compró Steven Spielberg que inmediatamente lo devolvió a la Academia de Cine.
Bette Davis hizo 45 tomas de la escena en la que se levanta la falda de equitación con la fusta. Una toma inolvidable que no os pasará desapercibida.
Una de las causas de los retrasos de la película fue el nacimiento de la hija de Henry Fonda, Jane.
Warner Bros compró los derechos de la película a un precio muy bajo, porque la obra teatral de Broadway fue un fracaso.
Os dejo un video Tributo a Jezabel.
Y un Trailer de la película:
Imágenes: Cine patas, wikipedia, lorenagil.com, unapizcadecmha, retornoamanderleyblogspot,
Reparto: Fred Astaire (Jerry Travers), Ginger Rogers (Dale Tremont), Edward Everett Horton (Horace Hardwick), Helen Broderick ( Magde)
No podía faltar en nuestros “Miércoles de cine” una de las películas de Fred Asteir. Considerado el rey de los musicales de todos los tiempos y el mejor bailarín de claqué de la historia.
De entre todas las interpretaciones de la película, yo destacaría la de Helen Broderick en su papel de Magde. Me encanta la elegancia y simpatía con la que interpreta su divertido personaje de cincuentona ricachona y desenfadada. Y la distinción y buen gusto con el que luce cada uno de los precioso modelos de los años 20 que luce a lo largo de toda la película, son todos exquisitos.
Aunque con un guión quizás un pelín flojito, merece la pena ver la película por los fantásticos números de baile de la pareja más glamorosa, elegante y romántica de las pistas de baile de Hollywood: Fred Asteir y Ginger Roger. La pareja sé come la pantalla literalmente. Inigualables en estilo, elegancia y clase interpretan magistralmente las pegadizas y sonoras canciones que Irving Berlin compuso especialmente para este film. Ésta sería la primera colaboración del compositor con la pareja, luego llegarían otras cinco.
Pero hablar de “Sombrero de copa”, sobre todo, es hablar de una canción y de un vestido «Cheek to Cheek», vestido de plumas que ya es un icono en la historia del cine. Un vestido tan vaporoso que parece cobrar vida propia cuando Ginger Roger comienza a deslizarse por la pista de baile.
Si os gusta el claqué y la buena música, os aseguro que solo por ver ese número ya merece la pena ver la película entera.
Premios:
Nominado a los Oscar de: Mejor dirección artística, Mejor coreografía, Mejor canción original y Mejor película. Sería la primera película de la historia en conseguir cuatro nominaciones. Aunque no consiguió ninguno de ellos.
Premio del National Film Preservation en 1990.
Premio Satellite al mejor DVD clásico de 2005 y 2006.
Curiosidades:
Para el número de «Cheek to Cheek», Ginger Rogers quería llevar un elaborado vestido azul pesadamente adornado con plumas de avestruz. Cuando el director Mark Sandrich y Fred Astaire vieron el vestido, pensaron que sería muy poco práctico para bailar. Pero Ginger se salió con la suya y bailó con el sofisticado vestido.
Como no había tiempo para ensayos Ginger Rogers llevó el vestido emplumado azul por primera vez durante la filmación y, como Astaire y Sandrich se temían, las plumas empezaron a desprenderse del vestido. Más tarde Astaire comentó que era lo más parecido a «un pollo siendo atacado por un coyote». En la películ se pueden ver algunas plumas cayéndose. Este fue el origen del apodo de Rogers: «Feathers (Plumas)». El episodio de las plumas se recreó con hilarantes resultados en una escena de «Desfile de Pascua». en la que Fred Astaire bailaba con una torpe y cómica bailarina interpretada por Judy Garland.
Fred Astaire y Ginger Rogers bailaron juntos cinco veces. Es la película en la que bailan más veces.
El baile de dos minutos «The Piccolino» está filmado en una sola toma.
Fue una de las producciones que salvó a la RKO de la quiebra (la otra fue «King Kong»).
Es la primera vez que Fred Astaire y Ginger Rogers tuvieron un guión específico para ellos.
La caracterización italiana de Erik Rhodes (el personaje de Alberto) ofendió tanto al Gobierno Italiano (y a Mussolini en particular), que la película fue prohibida en Italia. El año anterior sucedió lo mismo con «La alegre divorciada».
El plató del canal de Venecia era tan grande, que requirió dos fases de sonido adicionales en el estudio de RKO. Tenía 100 metro de largo. Hasta el momento fue el plató más grande que se había construido.
Fred Astaire gastó 13 bastones para la filmación de la película. Durante la filmación, un siempre perfeccionista y frustrado por los errores Astaire, los rompió todos.
El vestido que Ginger Rogers usó para la filmación de la escena «Piccolino» está expuesto en el Smithsonian’s National Museum of American History, en Washington D.C. Os dejo el enlace a la página del museo donde se ve el traje, me ha costado lo suyo encontrarla pero al final conseguí dar con ella.
-Actores: Katharine Hepburn (Jo), Joan Bennett (Amy), Paul Lukas(Profesor Bhaer), Jean Parker (Beth), Frances Dee (Meg), Douglas Montgomery (Laurie).
-Fotografía de Henry Gerrard.
Las peripecias, proyectos, deseos, aspiraciones y amoríos de cuatro hermanas y su madre, que luchan para mantener el ánimo a pesar de su pobreza y la ausencia de su padre que se encuentra en el frente luchando con el Ejército de la Unión.
La presumida pero algo egoísta Amy; la tímida y sensible Beth; la envidiosa Meg y la animosa, descarada y atrevida Jo; forman, junto a su madre y su arisca y adinerada tía March, una familia ejemplar.
George Cukor adapta magistralmente la obra de la novelista Louisa May Alcott. En mi opinión la mejor adaptación de todas las que se han realizado hasta el momento. Una película que nos habla de amor, generosidad, convivencia, respeto, sufrimiento… Pero, sobre todo, nos habla de la familia, de la niñez y de la importancia que tienen valores como la honradez, la generosidad y la tolerancia. Valores que si recibes desde pequeño darás y compartirás de la forma más natural y te harán ser más feliz cuando llegues a adulto. Valores que en nuestros días creo se están perdiendo cada vez más.
Una historia entrañable en la que cabe destacar la soberbia interpretación de una jovencísima Katharine Hepburn. Solamente por verla a ella ya merece la pena la película entera. Ella es el alma conductora de la historia y, casi me atrevería a decir, representa su propia personalidad. Está clavada en el papel de Jo. Como diría su amado profesor Bhaer: “Un espíritu libre”. Una mujer luchadora, divertida, soñadora y, por encima de todo, valiente, capaz de romper las estrictas reglas de la sociedad americana de la época.
George Cukor consigue crear un film de gran belleza visual, con una ambientación impecable. La fotografía es de Henry Gerrard y sería uno de sus últimos trabajos antes de morir.
“Las cuatro hermanitas” es una película que consigue tocar nuestra fibra más sensible. Te hará reír y, si eres tan emotiva como yo, también te hará llorar.
Premios:
Oscar al mejor guión adaptado (1934). También estuvo nominada
al mejor director y mejor película (1934).
Una de las diez mejores películas de 1933 (National Board of Review).
Premios Photoplay de 1933: Medalla de honor para David O. Selznick, Merian C. Cooper y Kenneth MacGowan por la producción.
Los premios Photoplay eran unos premios que daba la revista Photoplay. Sólo tenían premio a la mejor película del año y era por votación de sus lectores. La medalla era de oro y estaba diseñada y fabricada por Tiffany. Tuvo una enorme influencia en la decisión de los premios Oscar, hasta el año 1934 donde el interés empezó a decaer. En 1939 desapareció.
Festival de cine de Venecia: Medalla de Oro a la mejor actriz en 1934 para Katharine Hepburn.
Nominada a la Copa Mussolini al mejor director: George Cukor.
Curiosidades:
Joan Bennett estaba embarazada cuando se empezó a rodar la película. El diseñador de vestuario tuvo que rehacerle todos los vestidos, porque Cukor, el director, no sabía nada.
Katharine Hepburn escribió en su autobiografía: «Era como estar en el cielo. George Cukor estuvo perfecto, captó la atmósfera al instante».
Katharine Hepburn le pidió al diseñador de vestuario, Walter Plunkett que copiara un vestido que su abuela materna llevaba en un ferrotipo que conservaba.
David O. Selznick, que, aunque no aparece en los créditos, produjo la película, fue el artífice de que el proyecto se llevara a cabo. Le costó mucho, ya que en aquella época en Hollywood se pensaba que una película de mujeres ambientada en la Guerra Civil no funcionaría. Fue un éxito y, gracias a esto, Selznick se lanzó pocos años después a la que sería su gran obra: «Lo que el viento se llevó».
Fue la tercera adaptación de la novela después de dos versiones mudas en 1917 y 1918. Le seguirían dos más, una en 1949 y otra en 1994.
El interior de la casa de los March está copiado de una casa auténtica de Louise May Alcott, autora de la novela, en Massachusetts.
Meteduras de pata:
Jo se quita la capucha dos veces cuando entra a tomar el té.
¿La frase más famosa?: cuando Jo dice varias veces en la película «Christopher Columbus!», que se tradujo como «¡Por Cristóbal Colón!»
