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Sombrero de Copa

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Año: 1935.

Director: Mark Sandrich

Reparto: Fred Astaire (Jerry Travers), Ginger Rogers (Dale Tremont), Edward Everett Horton (Horace Hardwick), Helen Broderick ( Magde)

abqjournal.com

No podía faltar en nuestros “Miércoles de cine” una de las películas de Fred Asteir. Considerado el rey de los musicales de todos los tiempos y el mejor bailarín de claqué de la historia.

De entre todas las interpretaciones de la película, yo destacaría la de Helen Broderick en su papel de Magde. Me encanta la elegancia y simpatía con la que interpreta su divertido personaje de cincuentona ricachona y desenfadada. Y la distinción y buen gusto con el que luce cada uno de los precioso modelos de los años 20 que luce a lo largo de toda la película, son todos exquisitos.

Aunque con un guión quizás un pelín flojito, merece la pena ver la película por los fantásticos números de baile de la pareja más glamorosa, elegante y romántica de las pistas de baile de Hollywood: Fred Asteir y Ginger Roger. La pareja sé come la pantalla literalmente. Inigualables en estilo, elegancia y clase interpretan magistralmente las pegadizas y sonoras canciones que Irving Berlin compuso especialmente para este film. Ésta sería la primera colaboración del compositor con la pareja, luego llegarían otras cinco.

Pero  hablar de “Sombrero de copa”, sobre todo, es hablar de una canción y de un vestido «Cheek to Cheek», vestido de plumas que ya es un icono en la historia del cine. Un vestido tan vaporoso que parece cobrar vida propia cuando Ginger Roger comienza a deslizarse por la pista de baile.

Si os gusta el claqué y  la buena música, os aseguro que solo por ver ese número ya merece la pena ver la película entera.

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Premios:

  • Nominado a los Oscar de: Mejor dirección artística, Mejor coreografía, Mejor canción original y Mejor película. Sería la primera película de la historia en conseguir cuatro nominaciones. Aunque no consiguió ninguno de ellos.
  • Premio del National Film Preservation en 1990.
  • Premio Satellite al mejor DVD clásico de 2005 y 2006.

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Curiosidades:

Para el número de «Cheek to Cheek», Ginger Rogers quería llevar un elaborado vestido azul pesadamente adornado con plumas de avestruz. Cuando el director Mark Sandrich y Fred Astaire vieron el vestido, pensaron que sería muy poco práctico para bailar.  Pero Ginger se salió con la suya y bailó con el sofisticado vestido.

Como no había tiempo para ensayos Ginger Rogers llevó el vestido emplumado azul por primera vez durante la filmación y, como Astaire y  Sandrich se temían, las plumas empezaron a desprenderse del vestido. Más tarde Astaire comentó que era lo más parecido a «un pollo siendo atacado por un coyote». En la películ se pueden ver algunas plumas cayéndose. Este fue el origen del apodo de Rogers: «Feathers (Plumas)». El episodio de las plumas se recreó con hilarantes resultados en una escena de «Desfile de Pascua». en la que Fred Astaire bailaba con una torpe y cómica bailarina interpretada por Judy Garland.

Fred Astaire y Ginger Rogers bailaron juntos cinco veces. Es la película en la que bailan más veces.

El baile de dos minutos «The Piccolino» está filmado en una sola toma.

Fue una de las producciones que salvó a la RKO de la quiebra (la otra fue «King Kong»).

Es la primera vez que Fred Astaire y Ginger Rogers tuvieron un guión específico para ellos.

La caracterización italiana de Erik Rhodes (el personaje de Alberto) ofendió tanto al Gobierno Italiano (y a Mussolini en particular), que la película fue prohibida en Italia. El año anterior sucedió lo mismo con «La alegre divorciada».

El plató del canal de Venecia era tan grande, que requirió dos fases de sonido adicionales en el estudio de RKO. Tenía 100 metro de largo. Hasta el momento fue el plató más grande que se había construido.

Fred Astaire gastó 13 bastones para la filmación de la película. Durante la filmación, un siempre perfeccionista y frustrado por los errores Astaire, los rompió todos.

El vestido que Ginger Rogers usó para la filmación de la escena «Piccolino» está expuesto en el Smithsonian’s National Museum of American History, en Washington D.C. Os dejo el enlace a la página del museo donde se ve el traje, me ha costado lo suyo encontrarla pero al final conseguí dar con ella.

El Vestido de «Piccolino»

Escenas destacadas:

Y por último el Trailer oficial:

¡Espero que disfrutéis de uno de los musicales más elegantes de la época!

Imágenes: sqsmaravillosa.wordpress.com,Wikipedia, pretty-clever-films2.com,

Las cuatro hermanitas

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-Año de estreno: 1933

-Director: George Cukor

-Actores: Katharine Hepburn (Jo), Joan Bennett (Amy), Paul Lukas(Profesor Bhaer), Jean Parker (Beth), Frances Dee (Meg), Douglas Montgomery (Laurie).

-Fotografía  de Henry Gerrard.

Las peripecias, proyectos, deseos, aspiraciones y amoríos de cuatro hermanas y su madre, que luchan para mantener el ánimo a pesar de su pobreza y la ausencia de su padre que se encuentra en el frente luchando con el Ejército de la Unión.

La presumida pero algo egoísta Amy; la tímida y sensible Beth; la envidiosa Meg y la animosa, descarada y atrevida Jo; forman, junto a su madre y su arisca y adinerada tía March, una familia ejemplar.

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George Cukor adapta magistralmente la obra de la novelista Louisa May Alcott. En mi opinión la mejor adaptación de todas las que se han realizado hasta el momento. Una película que nos habla de amor, generosidad, convivencia, respeto, sufrimiento… Pero, sobre todo, nos habla de la familia,  de la niñez y de la importancia que tienen  valores como la honradez, la generosidad y la tolerancia. Valores que si recibes desde pequeño darás y compartirás de la forma más natural y te harán ser más feliz cuando llegues a adulto. Valores que en nuestros días creo se están perdiendo cada vez más.

Una historia entrañable en la que cabe destacar la soberbia interpretación de una jovencísima Katharine Hepburn. Solamente por verla a ella ya merece la pena la película entera. Ella es el alma conductora de la historia y, casi me atrevería a decir, representa su propia personalidad. Está clavada en el papel de Jo. Como diría su amado profesor Bhaer: “Un espíritu libre”. Una mujer luchadora, divertida, soñadora y, por encima de todo, valiente, capaz de romper las estrictas reglas de la sociedad americana de la época.

George Cukor consigue crear un film de gran belleza visual, con una ambientación impecable. La fotografía es de Henry Gerrard y sería uno de sus últimos trabajos antes de morir.

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“Las cuatro hermanitas” es una película que consigue tocar nuestra fibra más sensible. Te hará reír y, si eres tan emotiva como yo, también te hará llorar.

Annex - Hepburn, Katharine (Little Women)_NRFPT_04

Premios:

Oscar al mejor guión adaptado (1934). También estuvo nominada

al mejor director y mejor película (1934).

Una de las  diez mejores películas de 1933 (National Board of Review).

Premios Photoplay de 1933: Medalla de honor para David O. Selznick, Merian C. Cooper y Kenneth MacGowan por la producción.

Los premios Photoplay eran unos premios que daba la revista Photoplay. Sólo tenían premio a la mejor película del año y era por votación de sus lectores. La medalla era de oro y estaba diseñada y fabricada por Tiffany. Tuvo una enorme influencia en la decisión de los premios Oscar, hasta el año 1934 donde el interés empezó a decaer. En 1939 desapareció.

Festival de cine de Venecia: Medalla de Oro a la mejor actriz en 1934 para Katharine Hepburn.

Nominada a la Copa Mussolini al mejor director: George Cukor.

Annex - Hepburn, Katharine (Little Women)_NRFPT_03

Curiosidades:

  • Joan Bennett estaba embarazada cuando se empezó a rodar la película. El diseñador de vestuario tuvo que rehacerle todos los vestidos, porque Cukor, el director, no sabía nada.
  • Katharine Hepburn escribió en su autobiografía: «Era como estar en el cielo. George Cukor estuvo perfecto, captó la atmósfera al instante».
  • Katharine Hepburn le pidió al diseñador de vestuario, Walter Plunkett que copiara un vestido que su abuela materna llevaba en un ferrotipo que conservaba.
  • David O. Selznick, que, aunque no aparece en los créditos, produjo la película, fue el artífice de que el proyecto se llevara a cabo. Le costó mucho, ya que en aquella época en Hollywood se pensaba que una película de mujeres ambientada en la Guerra Civil no funcionaría. Fue un éxito y, gracias a esto, Selznick se lanzó pocos años después a la que sería su gran obra: «Lo que el viento se llevó».
  • Fue la tercera adaptación de la novela después de dos versiones mudas en 1917 y 1918. Le seguirían dos más, una en 1949 y otra en 1994.
  • El interior de la casa de los March está copiado de una casa auténtica de Louise May Alcott, autora de la novela, en Massachusetts.

Annex - Hepburn, Katharine (Little Women)_01

Meteduras de pata:

  • Jo se quita la capucha dos veces cuando entra a tomar el té.
  • ¿La frase más famosa?: cuando Jo dice varias veces en la película «Christopher Columbus!», que se tradujo como «¡Por Cristóbal Colón!»

¿Os animáis a verla conmigo?

Os dejo con:

Los mejores momentos:

El Trailer original de la película:

http://www.imdb.com/video/imdb/vi2643656985/

Pruebas de cámara:

http://www.tcm.com/mediaroom/video/64354/Little-Women-screen-tests.html

Imágenes: Wikipedia, The Greatkh Blogspot, Vogue Gasm Blogspost,

Anna Karenina

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Año: 1935

Director: Clarence Brown

Reparto:

Anna Karenina (Greta Garbo)

Fredric March (Conde Vronsky)

Freddie Bartholomew (Sergei)

Maureen O´Sullivan (Kitty) Sí, es la Jane de Tarzán.

May Robson (CondesaVronsky)

Basil Rathbone (Karenin)

Fotografía: William H. Daniels

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Adaptación de la novela de Leon Tolstoi, la más aplaudida de todas las versiones que sobre esta obra se han realizado, en la que nos encontramos con una Greta Garbo sublime en el papel de adultera.

Una tragedia en la que Anna Arkadyevna Karénina, esposa del alto funcionario de San Petersburgo Alexei Alexandrovitch Karenin, cae en desgracia al osar romper las estrictas reglas de la época para enamorarse de un oficial de la Guardia Imperial, el Conde Vronsky.

Anna decide romper con la rutina y la monotonía de un matrimonio falto de amor y se encuentra con que debe elegir entre su hijo, al que adora, y su joven y apuesto amante. Termina cayendo  en la más absoluta marginación social al repudiarla su marido y negarse a concederla el divorcio, sobre todo, para no ver salpicado su intachable historial. Anna se convierte en la comidilla de toda la sociedad moscovita.

Una historia de amor, infidelidad, celos y, sobre todo, de hipocresía. La hipocresía de una sociedad que mantiene a las mujeres atadas a matrimonios de conveniencia simplemente por el qué dirán.

Anna termina sola, abandonada y envuelta en la más absoluta de las tristezas al encontrarse injustamente tratada, y esta desesperación la lleva a perder el amor por el que había abandonado todo.

Me he encontrado con una Garbo sublime, bellísima, elegante y seductora, pero sobre todo soberbia en el papel de resignada esposa, encantadora hermana y cuñada, desconsolada madre y apasionada amante. Creo que borda todos los papeles y nos hace entender muy bien lo que sentían las mujeres en esa época, atadas a una marginación social que las impedía vivir libremente sus sentimientos.

Hay dos escenas que me han entusiasmado: la  llegada de Anna a la estación de tren de Moscú, descubriéndonos su serena belleza al bajar del tren envuelta en humo, y aquella en la que abandona la casa conyugal, después de despedirse de su hijo para siempre, soportando las maldiciones de su marido. Esta última, sin lugar a dudas, mi preferida.

La película nos toca el alma y nos cautiva. Anna tiene que pagar un precio demasiado alto por amar a un hombre que no es su marido, haciéndonos sentir verdadera ternura por ello.

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Premios:

Uno de las diez mejores películas de 1935 según el National Boardor Review.

Premio a Greta Garbo a la mejor actriz por el New York Film Critics Circle Awards (1935). Fundado ese mismo año, está considerado uno de los precursores más importantes de los posteriores Premios de la Academia de Cine (Oscars). También da Premios a personas y/o organizaciones que consideran han hecho significativas contribuciones al arte cinematográfico, e incluye críticos de cine, restauradores, historiadores y otras organizaciones.

Festival de Venecia de 1935: Nominada a mejor película extranjera.

Premio al mejor director para Clarence Brown (copa Mussolini).

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Curiosidades:

Avisada de que el coprotagonista Frederic March era famoso por seducir a las actrices con las que trabajaba, Greta Garbo llevaba ajo bajo la ropa y supuestamente también tenía aliento a ajo para espantarle.

Meteduras de pata:

Durante el juego de la bebida, el oficial que está frente a Vronsky desaparece.

Cuando Anna llega a la habitación de Dolly se cogen las manos, cambiándose las manos en la siguiente toma.

La forma en que Vronsky sujeta su sombrero cambia mientras habla con Anna en el jardín.

En la carrera de caballos, cuando el Conde Vronsky cae del caballo viste una chaqueta oscura, mientras que antes y después del incidente lleva una chaqueta clara.

Os dejo con el tráiler original de la película

http://www.tcm.com/mediaroom/video/34461/Anna-Karenina-Original-Trailer-.html

Anna Karenina, en nuestro “Miércoles de Película”

Imágenes: El pais.com, Dr. Macro. com, Carteles Mix.es, Flicriver.com

Gran Hotel

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– Año de estreno: 1932

– Director: Edmund Goulding

– Actores: Greta Garbo (Madame  Grusinskaya), John Barrymore (El Barón), Joan Crawford ( Flaemmchen), Wallace Beery (Preysing), Lionen Barrymore (Kringelein), Fotografía: William Daniels

Edmund Goulding, William H Daniels, Wallace Beery and Joan Crawford- filmfoodie.blogspot.com

La vida en el hotel más caro de Berlín, el ir y venir de sus huéspedes y de sus empleados. Adaptación de la novela «Menschen im Hotel» escrita por la autora teatral Vicky Baumm. La escritora se basó en  hechos reales ocurridos en un hotel en el que ella trabajaba entre una taquígrafa y un magnate industrial, y en sus propias experiencias como ayuda de cámara en dos conocidos hoteles de Berlín para escribir su novela.

“La gente va y viene. Nunca pasa nada” es una de las frases de la película que mejor la describen. Un barón, un viejo doctor herido de guerra, un humilde trabajador a punto de morir, un agresivo industrial, una bellísima bailarina rusa, una secretaria bastante liberal y un sinfín de personajes se mezclan para crear y contar varias historias. Los clientes se registran, comparten sus vidas y después se van.

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Sus vidas se mezclan de manera que nos recuerdan a muchas películas y series actuales. En un principio, cuando comenzamos a verla, puede parecer que nos encontramos ante una comedia de esas que tratan la vida de manera ligera y optimista. Pero en seguida nos damos cuenta de que nos encontramos ante un drama. Una película que nos habla de honestidad, generosidad, amistad, ambición, orgullo, respeto, amor y desamor.

24vecesxsegundo.blog

No os voy a contar la trama de la película, ya que es de esas demasiado complicadas que es mejor ver que contarla. La puesta en escena me parece impresionante: el hall del hotel, las escaleras, los pasillos y las habitaciones. Todos los decorados son extraordinarios. Las escenas en que Greta Garbo cruza el hall del hotel como una autentica diva, seguida por una corte de botones cargados de flores son exquisitas.

Historias entrecruzadas, una fórmula que se ha utilizado muchísimo con posterioridad y que se ha quedado con el nombre de «fórmula Gran Hotel”

Yo personalmente me quedo con Joan Crawford y Lionel Barrymore. Ella, en su papel de secretaria, está espléndida: elegante, pícara, coqueta. Y él, representando al viejo contable tierno y honesto. Para mí Greta Garbo está demasiado distante, fría y, aunque bellísima y súper elegante, no llega a atrapar al espectador.

La película, en blanco y negro, opino que tiene una gran fotografía, los claroscuros son atrapantes. Hay una escena de Greta Garbo, sentada en el suelo con la luz entrando por las espalda de su trasparente vestido, que me ha parecido bellísima.

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Premios:

La película recibió el Oscar a la mejor película en 1932 y en el año 2007 el

National Film Preservation (ya os he explicado aquí lo que representa este premio).

Curiosidades y anécdotas:

  • La película cuenta con un sin fin de anécdotas, curiosidades y leyendas como la lucha entre la Garbo y la Crawford, no sé si real o alimentada en la época para promocionar la película antes de su estreno. Este tipo de cosas se siguen haciendo y suelen dar buenos resultados a la hora de vender entradas. La cuestión es que las dos divas no aparecen nunca juntas, dicen que para no eclipsarse la una a la otra.
  • Es la única película con Oscar a la mejor película que no consiguió ninguna otra nominación.
  • Wallace Beery rechazó inicialmente el papel, para posteriormente aceptarlo con la condición de que él fuera el único actor con acento alemán.
  • Greta Garbo pidió que se decorara el escenario con luces rojas, para dar a los ensayos una atmósfera más romántica.
  • La frase de Greta Garbo «I want to be alone» (Quiero estar sola) está en el puesto 30 de las 100 mejores frases de películas americanas, según la AFI (American Film Institute), y fue utilizada por Groucho Marx en «Una noche en la ópera» y Hércules Poirot en «Asesinato en el Orient Express» decía: «Alguno de nosotros, en palabras de la divina Greta Garbo, quiere estar solo».
  • En las escenas del vestíbulo del hotel donde había tanta gente moviéndose, se encargó a todos los figurantes y actores que llevaran calcetines sobre los zapatos para no hacer tanto ruido. Se gastaron 200 pares de calcetines de lana cada día.
  • Las entradas del estreno costaban 1,50 dólares, una cantidad enorme en la época para una entrada de cine.

Meteduras de pata:

  • En una de las escenas de la Garbo al teléfono, éste cambia de manos entre las diferentes tomas.
  • Aparecen manchas de sudor en el vestido de la Garbo. Es una de las escenas con más pasión de la película.
  • Los volantes de todos los coches están a la derecha. En Alemania se conducía (y se conduce) por la derecha, por lo que los volantes deberían estar a la izquierda.
  • Cuando Mr Kringeley, borracho, golpea la puerta de su habitación, el muro tiembla.

Os dejo un tráiler de la película que parece es posterior, ya que el original según Imdb.com se ha perdido.

Tráiler de la película (según www.imdb.com este tráiler es posterior, el original de 1932 está perdido):

Un clásico que ocupa el segundo lugar en nuestra lista de Películas Icónicas.

Imágenes:

Wikipedia, 24 veces por segundo blog, Tcm.com y los ojos de cain scoom.com.

Tiempos Modernos de Charles Chaplin

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Año de estreno: 1936

Director, guionista, productor, editor y compositor de la banda musical de la película el mismo Charles Chaplin

Actriz secundaria: Paulette Goddard en el papel de huérfana, golfilla y compañera de Charlot.

«Tiempos Modernos» fue el último film mudo de Chaplin con efectos de sonido, voces… aún cuando todo el mundo ya estaba haciendo cine sonoro.

Una crítica desesperada sobre el empleo y las condiciones de trabajo de muchas personas durante la Gran Depresión.

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La película narra la vida de un trabajador oprimido en una fábrica de montaje en cadena. En una de las escenas más divertidas de la película, el trabajador es utilizado como conejillo de indias para probar una maquina de avance automático. Los problemas de la máquina vuelven casi loco al trabajador que, en un nervioso frenesí, se pasea alocadamente por la fábrica aceitándolo todo. Conducido a un hospital psiquiátrico es dado de alta en unos meses, pero es arrestado al confundirlo con un líder radical.

La vida en prisión es cómoda, por lo que acepta la libertad condicional de mala gana después de evitar un motín. Fuera descubre un desempleo masivo y, a pesar de una brillante carta de recomendación, no consigue encontrar trabajo. Impaciente por volver a prisión acepta galantemente hacerse responsable del robo de una hogaza de pan por parte de una joven y bella huerfanita, una vagabunda que mal vive en las calles de la ciudad. El resultado es que ambos son arrestados, pero se las arreglan para escapar de la policía.

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A partir de este momento los dos protagonistas comienzan una  vida juntos, intentando estabilizar su vida. Podemos vivir sus aventuras, sus sueños, todo ello con un toque de humor motivado por la malísima suerte de Charlot en cada uno de sus empleos.

Hay algunas escenas con una carga humorística impresionante, que si no habéis visto estoy segura de que os harán reír a carcajadas.  La escena en la que Charlot trabaja como camarero e intenta desesperadamente llevar una bandeja a un cliente mientras todos bailan sin parar, o su éxito con una improvisada canción cuando consigue un trabajo como cantante de variedades en un café, para mí son de lo más divertido de la película.

El personaje de Charlot  tiene una carga de ternura incuestionable, consiguiendo hacerte reír y llorar casi en la misma escena.

La película fue un éxito de taquilla.

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Algunas anécdotas que rodean la película:

Fue la película que convenció al Comité de Actividades Anti-Americanas de que Chaplin era comunista, cosa que él siempre negó.

The American Film Institute colocó esta película en el puesto número 78 de las mejores películas de todos los tiempos.

Una de las cosas que inspiraron a Chaplin a hacer la película fue una conversación con Ghandi sobre cómo la industrialización estaba sustituyendo la mano de obra.

La película se filmó a 18 fotogramas por segundo y, luego, se proyectó a 24, dándole así un resultado más frenético.

La voz de Chaplin se oye por primera vez cuando canta la canción sin sentido de la que hablo en la sinopsis.

Charles Chaplin y Paulette Goddard eran pareja sentimental en el momento de filmarse la película, permaneciendo juntos durante cuatro años más y rodando también como pareja “El Gran Dictador”.

Sorprende que Chaplin se atreviera a rodar una escena en la que se hablara tan claramente del tráfico de cocaína en las cárceles.

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Premios:

Premio Jussi al mejor cineasta extranjero (1974). Los premios Jussi son unos galardones que reconocen la excelencia de profesionales en la industria finlandesa del cine, incluyendo directores, actores y guionistas.

Premio a una de las diez mejores películas del año por The National Board or Review (1936). The National Board of Review (Consejo Nacional de Crítica de Cine), conocido también como NBR, fue fundado en 1909, en Nueva York como protesta dirigida al alcalde de la ciudad, George B. McClellan Jr., por su revocación a las licencias de exhibición de películas en diciembre de 1908. El alcalde opinaba que el nuevo espectáculo degradaba la moral de la comunidad. El propósito principal del Consejo era apoyar las películas de mérito y abogar por el nuevo arte del pueblo, que estaba transformando la vida cultural de Estados Unidos. De esta manera, y para evitar la censura gubernamental de las películas, el NBR llegó a ser la institución garante no oficial ante el gobierno y los distintos representantes del mundo cinematográfico, para las nuevas películas que iban apareciendo. Aún existe.

Premio de The National Film Preservation Board (1989). The National Film Preservation Board es un consejo estadounidense dedicado a la conservación de las mejores películas de la historia. Fundada en 1988, su objeto es el de preservar hasta 25 películas cada año que por su «significado cultural, histórico o estético merecen ser conservados». Para ser elegida, la película debe tener al menos 10 años.

Nominada en 2004 en los «Satellite Awards» por el mejor lanzamiento de cine clásico en DVD.

Os dejo un link de Youtube en el que puede verse la película completa, y otro a un curioso homenaje que se le hizo en el año 2011 en los Estados Unidos.

SCVTV.com 2/15/2011 SCV Historical Society: Charlie Chaplin: An SCV Connection from SCVTV Santa Clarita on Vimeo.

Imágenes:

Wikipedia,Diadeltrabajocaritasecuador.blog,forocine.mforos.com, virtual.history.com,torrente2.files.wordpress.com.

Miércoles de película

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Estrenamos sección para los miércoles, serán nuestros “Miércoles de película”.

Un día a la semana, durante toda esta temporada, estará marcado por una obra maestra del cine.  Serán comedias, musicales, obras de fantasía, historias llenas de romanticismo y alguna que otra película de suspense las que nos acompañarán a lo largo de estas 52 semanas de cine.

Actores, directores,  fotógrafos, grandes maestros ganadores y candidatos de los premios Oscar que han hecho inolvidables estos títulos para la mayoría de los amantes del buen cine clásico. Películas que nos inspiran y que hemos seleccionado entre lo mejor de la cinematografía clásica mundial.

Son nuestras 52 obras maestras del cine, esas que no nos cansamos de ver y que nos siguen cautivando…

Nos encantará que te sumes a nosotros en este increíble recorrido por todo lo mejor del cine clásico.

¿Te animas?

Imagen: Youwall.com

Paul Newman

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Martes de Icono. Martes de ojazos azules… Martes de Paul Newman.

Seductor, con un destello en sus ojos azules difícilmente inigualable en todo Hollywood y una sonrisa sincera. Uno de los grandes… Supo envejecer con clase e inteligencia.

Se gana por méritos propios ser nuestro último Icono de la temporada.

¡Volvemos en septiembre con una gran sorpresa para los martes!

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Carol Lombard

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Martes de Icono. Martes de energía… Martes de Carol Lombard.

Su físico, menudo pero sutilmente atractivo, junto a su alegría y sus grandes dotes para la comedia consiguieron que dejara una huella imborrable, a pesar de su corta vida, entre los amantes del cine clásico.

Murió en una accidente aéreo con solo treinta y cuatro años.

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Imágenes:

Wikipedia

Doctor Macro

Rock Hudson

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Martes de Icono. Martes de fragilidad… Martes de Rock Hudson

Su físico seductor y poderoso ocultó casi toda su vida una sensible fragilidad. Una estrella con luz propia en el firmamento de las grandes estrellas, no solamente por sus éxitos profesionales sino por su atormentada vida personal.

Su soberbio papel en “Gigante”, junto a Liz Taylor, le valieron su única nominación a los Oscar de Hollywood.

Yo, personalmente, me quedo con sus inolvidables comedias junto a Doris Day…

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Rock-Hudson-and-Lauren-Bacall-13Imágenes: Wikipedia

“Once Upon a Time”

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Nuestro viernes en Blanco y Negro nos lleva a principios del S.XX

Chanel presentó el pasado 8 de mayo el nuevo corto de Lagerfeld, “Once Upon a Time”.

Protagonizada por Keira Knightley en el papel de Coco son 18 minutos que nos trasportan a la apertura de la primera boutique de Chanel en Deauville, Francia, en 1913.

Un corto en blanco  con una calidad de ensueño, en el que Lagerfeld incorporado de forma clásica y elegante cada una de las piezas de su nueva colección.

Yo literalmente me he enamorado…

Imágenes: www.chanel.com