LOS BLOOMER: Una prenda para todas las mujeres con sentido común

Desde hace varias temporadas los pantalones balineses o anudados al tobillo, sobre todo en verano, se llevan muchísimo. Esta prenda de corte oriental que vemos por la calle y que ahora lucimos con tantísima naturalidad, tuvo serios problemas de aceptación cuando fue introducida en el vestuario femenino a mediados del siglo XIX.  Aquí va su historia.

Todo empezó en la primavera de 1851 cuando una mujer estadounidense, llamada Elizabeth Smit Miller, hija del abolicionista y congresista Gerrit Smith, harta de no poder hacer con comodidad sus tareas de jardinería a causa de su abultada falda larga, tomó la resolución de acabar con el problema y, recordando  los amplios  pantalones de las mujeres turcas que había visto un viaje por Europa, ideó una nueva y cómoda forma de vestir para las mujeres.

El nuevo modelo consistía en unas enaguas largas y anchas que se estrechaban en los tobillos a modo de bombachos y, sobre ellas, iba una falda más corta que las habituales faldas victorianas. El nuevo look entusiasmó a su prima Elizabeth Cady Staton, quien lo adoptó de inmediato. Cady era amiga de la por entonces famosa sufragista Amelia Bloomer, que al verlo quedó fascinada y no tardó en ser portadora de uno de estos revolucionarios trajes.

Amelia Bloomer en esa época dirigía su propio periódico: “The LilY”, una publicación dedicada a la mujer donde se trataban los temas femeninos – educación, moda, sufragio, etc. – desde el punto de vista reformista, reclamando la igualdad de la mujer en la sociedad. Amelia aprovechó la ventaja que supone tener su propio medio de comunicación y publicitó la nueva prenda femenina. Concretamente, en el número de mayo de 1951, recomendaba su uso y escribía: “para todas las mujeres con sentido común”. Fue tal el escándalo y la repercusión que tuvo la prenda que terminaron adoptando el nombre de la citada periodista.

La nueva prenda de vestir y su publicidad en el periódico de Amelia provocaron una oleada de indignación entre la sociedad e insultos en la prensa, pero esto solo hizo que se multiplicaran los artículos relacionados – algunos de la propia Elizabeth Cady Staton, que escribía bajo el seudónimo de “Girasol”- con la propuesta del uso de este nuevo atuendo reformista.

Pronto a estos pantalones se les conocieron con el nombre “The Bloomers”.

Fueron muchas las mujeres que se atrevieron a usarlos a  pesar de ser ridiculizadas. Algunas lo usaban  convencidas de la gran comodidad que aportaban, otras lo hicieron por reivindicación usando los bloomers como símbolo de la igualdad de derechos de la mujer.  Pero, con el paso del tiempo, fueron las propias feministas las primeras en dejar de usarlos, al pensar que la popularidad  de los bloomers estaba desviando la atención de sus reivindicaciones y temiendo no ser tomadas en serio.

Al final los bloomers no desaparecieron siendo usados en gimnasios y sanatorios. Elizabeth Miller y Amelia no se rindieron tan fácilmente y mantuvieron su uso hasta finales de las década de 1850, incluso presentándose con ellos en recepciones y eventos sociales.

La desaparición de los bloomers fue solo momentánea, volviendo a aparecer su uso en 1890 para la realización de deportes a los que la mujer se estaba incorporando, como el ciclismo, el tenis o los baños de mar. Eso sí, su renacimiento trajo consigo alguna variación, como el uso de tejido más adecuados y la eliminación de la falda superpuesta.

BIBLIOGRAFIA:

Victoriana.com

La casa victoriana.com

WIKIPEDIA

Oro y Dioses: Las joyas de la Antigua Nubia

Durante siglos, la joyería ha estado relacionada con las creencias populares, los dioses y, sobre todo, la suerte. Y en esto, la civilización de la Antigua Nubia (ubicada en lo que hoy es Sudán) fueron auténticos maestros.

Su pasión por el oro era admirable. Sus joyas, exóticas obras de arte consideradas como las más espectaculares de toda la historia de la Antigüedad. Pero lo que más llama la atención de las colecciones de joyas recuperadas de esta época es el simbolismo que le otorgaban, llegando a considerarlas sagradas.

La exposición que hoy recomendamos “Gold and the Gods. Jewels of Ancient Nubia”, nos acerca a los siglos que abarcaron desde el año 1700 AC hasta el 300 DC, gracias a las excavaciones llevadas a cabo por el Museum of Fine Arts en Boston y la Universidad de Harvard, en las que se hallaron tanto piezas únicas de la Antigua Nubia como otras importadas e influenciadas por el vecino Egipto. Tras cada una de ellas, elaboradas a mano con oro, se esconde una mágica historia.

Joyas de la Antigua Nubia 1

Nubia, oro y dioses

El descubrimiento de estos yacimientos en 1907 ha permitido a los historiadores conocer, a través de las joyas halladas, cómo era la vida diaria de los ciudadanos de Nubia, una región que llegó a conquistar Egipto e imponer su cultura y arte popular. Algunos de los descubrimientos incluyeron las preferencias estéticas de sus habitantes, sus creencias religiosas, los inventos tecnológicos que llevaron a cabo o su relación con las tierras vecinas.

La pasión por el oro era común en ambos territorios, aunque Egipto, antes de ser conquistado, tenía siempre en el punto de mira a Nubia por su riqueza en marfil, ébano, piel de animales, huevos de avestruz y, sobre todo, oro. Este preciado material era utilizado para fabricar artículos de lujo muy especiales, ya que era una sustancia sagrada tanto para los habitantes de Egipto como de Nubia. Amen-Re era el poderoso dios del sol encargado de la custodia del oro. Como curiosidad, existen teorías que relacionan el nombre de Nubia con la palabra egipcia para “oro”: nbw (sí, imposible de pronunciar para los parlantes de Occidente).

Joyas de la Antigua Nubia 2

Tras la conquista de Egipto hacia mediados del siglo VIII antes de Cristo, Nubia comenzó a gobernar sobre todo el Valle del Nilo, manteniendo parte de la cultura egipcia, como el lenguaje escrito o algunos aspectos de su arquitectura, arte, religión e incluso la forma de enterrar a sus fallecidos. Aun así, Nubia mantuvo su exquisitez en la creación de joyería.

Muchas de sus piezas, únicas en la historia, representaban a mujeres desnudas, con pecho, abdomen y muslos voluptuosos, símbolo de fertilidad, del renacer del cuerpo y alma y la resurrección, todas creencias de la civilización de Nubia.

Joyas de la Antigua Nubia 3

La exposición puede visitarse en el Museum of Fine Arts de Boston hasta el 14 de mayo. Y en su web mfa.org podéis encontrar más información sobre esta impresionante y mágica colección.

 

La colección de Linda y Steven Plochocki en el FIDM

Este mes de octubre vamos a viajar hasta la ciudad de Los Angeles para hacer un pequeño recorrido por una exposición que se inauguró el 6 de junio, pero que podríamos visitar hasta finales de este año.

La exposición cuenta con una increíble selección de piezas de moda antiguas donadas por Linda y Steven Plochocki. Un recorrido por la historia de la moda de la mano de una de las parejas que más amor ha demostrado a lo largo de los años por preservar y conservar la moda de siglos pasados.

Linda estudio costura en una pequeña escuela privada siendo joven, y fue allí donde nació su pasión por la moda. Luego, a comienzos de la década de los 80, comenzaría a comprar piezas especiales y a restaurarlas con sus propias manos para conservarlas.

Linda siempre ha tenido un gran interés en la historia de la moda, junto con la historia mundial, los textiles y la vestimenta étnica. Aunque su época favorita es la de principios del siglo XX., las formas cambiantes y el movimiento de las telas en los vestidos siempre han sido sus favoritos.

La pareja haría su primera donación al museo en el año 2008, fue un traje a rayas de Jean Paul Gaultier, después vendrían multitud de complementos. El primero de ellos fue un sombrero de paja fechado en 1895-1905.

La exposición cuenta con dos de las piezas favoritas de Linda en manos del museo: una bata pintada a mano, perteneciente a la Helen Larson Historic Fashion Collection, y un vestido de novia c.1878 de Pingat.

Antes de decidir si donar o no una pieza al Museo FIDM, hay que contar con la aprobación del equipo directivo y, por supuesto, tener muy en cuenta que la pieza sea especial y diferente. También es importante que, a ser  posible, la pieza se encuentre en las mejores condiciones, ya que los museos muchas veces tampoco tienen un elevado presupuesto para restauración.

Es importante educar al público sobre la historia de la moda. La historia de la moda está íntegramente ligada a la historia de la humanidad, y esto es algo que el Fidm nos recuerda en cada una de sus exposiciones.

Aunque Linda y Steven Plochocki no son los únicos que han contribuido a hacer grande esta colección, del Museo Fidm sí son, diríamos, los más importantes benefactores, por lo que merecen que el FIDM les haga este gran honor.

Ya sé que la mayoría de vosotros no vais a poder iros hasta Los Angeles, pero el Museo tiene una preciosa web en la que se puede ver parte de su colección.

Internet es lo que tiene, nos permite viajar a los lugares más remotos casi con un solo clic. Por eso os he dejado aquí debajo los enlaces a su web, para que la echéis un vistazo.

Web del Museo Fidm: FIDM MUSEO

Imágenes y Bibliográfica:

Fidmmuseum.org

Wikipedia

 

 

 

Miriam Haskell – La historia de una emprendedora incansable

Hoy os traigo el último video que grabé en nuestro emblemático espacio de la calle de Claudio Coello, 60. Fue justo unos días antes de marcharme de vacaciones y de cerrar para siempre.

Pero ya sabéis que ahora tengo una preciosa tienda online, en la que paso la mayor parte de mi tiempo y que, la verdad, me está dando muchísimas satisfacciones.

Mientras editaba el video, me ha entrado cierta nostalgia al recordar la cantidad de gratos momentos que he pasado durante los casi 30 años entre esas paredes, pero ya sabéis que los tiempos cambian y que hay que saber adaptarse y aprovechar las nuevas oportunidades que nos llegan en la vida, o que nosotros mismos debemos provocar.

Bueno, no me enrollo más… Este mes he venido a hablaros de una de mis diseñadoras de bisutería favoritas, se trata de Miriam Haskell.

Me chifla su trabajo, y la verdad es que he disfrutado muchísimo metiéndome en su vida para conocerla mejor y poder contárosla a vosotros. Lo he disfrutado de lo lindo.

Os dejo el video con toda su historia, y al final os enseño algunas de las piezas que tengo suyas en mi pequeña colección de bisutería antigua.

¡Ya me contareis qué os ha parecido su estilo y si os ha gustado su trabajo!

 

El Granate

EL GRANATE

 La palabra granate viene del latín “granatum”, que significa “con granos”.

 El granate es un grupo de minerales que incluye seis variedades importantes de piedras preciosas, tan similares alguna de ellas que es difícil distinguirlas. El granate se da en todos los colores, menos en azul, siendo el color rojo-granate y el verde los más conocidos.

La transparencia, la trasmisión de la luz y su dureza son algunas de las características que le hacen ser una piedra muy apreciada en joyería, desde tiempos inmemorables.

Los yacimientos de este mineral se encuentran repartidos por todo el planeta, siempre junto a las altas cordilleras montañosas.

El granate ha sido una piedra muy utilizada por el hombre desde la Edad de Bronce. Por ejemplo, se han encontrado joyas con granate en Egipto, en Grecia y en el Imperio Persa, los cuales le llamaban “león Granate” y, entre otras aplicaciones, la usaban contra la fiebre.

En la Edad Media era una de las piedras más usadas para adornar joyas. Los cruzados llevaban granate engarzado en sus armaduras y escudos militares como símbolo de protección. Los bizantinos y visigodos han dejado una numerosa muestra de objetos adornadas con esta piedra.

En la época Victoriana y art Decó, el granate sigue siendo una piedra imprescindible en la joyería. La talla que se empleaba hasta entonces, la de cabujón, deja paso a la talla escalonada, en facetas o mixta, que le da un brillo y una luz mucho más espectacular.

Yo este mes se lo voy a dedicar a  esta piedra, y hasta aquí os traigo algunos ejemplos de piezas que podéis encontrar en la web realizados con ellas.

Ya me diréis qué os parecen y si soléis usar joyas realizadas con esta piedra. A mí, personalmente, siempre ha sido una piedra que me ha resultado muy favorecedora y fácil de combinar. Eso sí, no me gusta que sea demasiado oscura que ya, casi, parezca negra.

Os dejo el link a una pequeñas selección de joyas con granate de nustra web:

EL GRANATE EN VINTAGE BY LOPEZ-LINARES

 

“Espectaculares gemas y joyas”

El Museo Hillwood es uno de esos hermosos lugares a los que yo no dejaría de ir nunca si me encontrara en la ciudad de Washington.

El Museo Hillwood fue el hogar de Marjorie Merriweather Post, ya os he hablado de ella en  “70 años de moda a través del estilo de Marjorie Merriweather” y  “Cartier: La deslumbrante Joyería Histórica de Marjorie Merriweather”.

Marjorie heredó a la temprana edad de 27 años el imperio de los cereales Post de su padre, que en ese momento estaba valorado en más de 20 millones de dólares.

Mujer carismática y visionaria, desarrolló un gusto por el arte francés del siglo XVIII y posteriormente por el imperio ruso. Gran coleccionista de piezas de arte de valor único, su mansión terminó convertida en un grandísimo museo en el que sé con certeza que podría pasarme horas.

Este mes os vuelvo a hablar de ella, después de casi dos años, ya que el pasado 10 de junio se inauguraba otra preciosa exposición sobre sus joyas.

“Espectaculares gemas y joyas”

Una exposición que nos deslumbra con exquisitos ejemplos de joyas históricas y con algunas de las joyas más bellas del siglo XX.

Durante siglos, las piedras preciosas han sido las piezas centrales de la joyería hecha para adornar a la realeza, la aristocracia, la alta sociedad y las estrellas de Hollywood.

Después de la Primera Guerra Mundial, muchas de las más increíbles joyas de la historia pasaron a manos nuevas, y los cambios revolucionarios en la moda llevaron a la innovación en el diseño de las mismas.

Marjorie Post se encontraba entre esta élite de nuevos ricos, y adquirió joyas y las rediseñó con algunos de los más afamados joyeros de la época. Marjorie no sólo estaba interesada en usar las joyas, ella era una gran experta en gemología y también gustaba de conocer la historia de cada una de las piezas que adquiría. El resultado de su colección es una de las mejores de la historia americana del S.XX.

En esta magnífica exposición podréis disfrutar de más de cincuenta piezas que alguna vez pertenecieron a Marjorie Merriweather Post, y podréis conocer la historia detrás de cada una de ellas.

Entre sus piezas más emblemáticas destacan diseños de Cartier, Van Cleef y Arpels, Harry Winston y Verdura, entre muchos otros.

La muestra “Espectaculares gemas y joyas” muestra los mejores ejemplos de la colección de Hillwood. Piezas legadas por Marjorie para el disfrute de generaciones futuras que, junto con préstamos importantes de piezas que ella misma legó a otros museos y colecciones privadas, han regresado a su hogar por un tiempo para completar la muestra.

La exposición ofrecerá la oportunidad de examinar la gran calidad y belleza de las gemas en la colección, su significado histórico y la evolución del diseño en la joyería del siglo XX, desde los años 1900 hasta los años sesenta.

Una de las joyas más significativas y conocidas de la colección de Marjorie, que sigue en la colección privada del museo Hillwood, es un broche colgante de esmeralda y diamante hecho por la rama londinense de Cartier en la década de 1920. Esta pieza icónica, cuenta con más de 250 quilates de esmeraldas indias talladas del período mogol, incluyendo una esmeralda del siglo XVII tallada en forma de una flor con una inscripción persa en un lado.

Otro ejemplo es la gran joya de diamantes y rubíes que supuestamente se hizo a principios del siglo XIX para la duquesa de Oldenburg, hija de la gran duquesa María Nikolaevna.

En contraste, la exposición también cuenta con importantes piezas modernas, como un elegante broche floral de rubí y diamantes de Van Cleef & Arpels, que Marjorie compró en 1969.

Otros ejemplos son: un precioso alfiler de bailarina Van Cleef & Arpels inspirado en una pintura de Marie Camargo; un broche de peridoto, oro y diamante de David Webb y un anillo de amatista en forma de pera Verdura, todos ellos audaces en el diseño.

Estos son algunos ejemplos.

Yo, para los que estéis interesados, os dejo el link a la web con todos los detalles, y os animo a acercaros a ver tanto la casa como las joyas, si tenéis la gran suerte de viajar a Washington antes del 7 de Enero de 2018.

Hillwood Museum

Imágenes: Hillwood Museum

Melvin Sokolsky, soñó que volaba en una burbuja

Melvin Sokolsky, un genio que jamás estudió fotografía, pero que comenzó a disparar con apenas 10 años con una vieja máquina de su padre.

Inspirado por un sueño en el que se vio flotando dentro de una burbuja a través de paisajes exóticos, creó la serie “Bubble”.

La serie vio la luz en la revista Harper´s Bazar en 1963 en ella una mujer sobrevuela la ciudad de París dentro de una burbuja transparente;  fue tal el éxito de las serie que un año después se rehízo con más modelos y en lugares más variados.

La burbuja, se fabricó en diez días en plexiglás y sus bisagras eran de aluminio.

Esta serie revoluciono la historia de la fotografía de moda. Melvin Sokolsky había encendido el mundo de la fotografía de moda con su estilo innovado.

 

Fotografías de @Melvin Sokolsky.

Cerramos Claudio Coello 60, estrenamos tienda online y nos vamos unos días de vacaciones

Queríamos contaros que después de más de 30 años de trabajo en pleno barrio de salamanca, hemos decidido apostar por el comercio online y cerramos nuestra emblemática tienda de Claudio Coello, 60.

Aunque nos da mucha pena abandonar este local que ha sido nuestro hogar y el vuestro durante tantísimo tiempo, estamos muy ilusionada con la idea de poder trabajar desde casa y con más libertad horaria.

Yo por mi parte, durante este verano, voy a planificar esta nueva etapa que ahora comienza, y para hacerlo lo mejor posible, voy a trabajar mano a mano con Barrio Digital, una innovadora empresa dedicada al marketing digital que acaba de aterrizar en España.

Ellos me van a ayudar a que todo resulte sencillo, y sobre todo, que vosotros casi ni notéis la falta de la tienda en Madrid.

Quiero desde aquí agradecer de todo corazón a mis padres la oportunidad que me dieron en su día de entrar a formar parte de este precioso negocio que ha sido López-Linares Anticuarios y Vintage By López-Linares. Ellos me han permitido tener un trabajo durante más de 30 años que me ha llenado totalmente tanto a nivel profesional como personal.

Y sobre todo dar las gracias a todos los clientes que a lo largo de estos años han confiado en nosotros y nos han permitido ayudarles a elegir aquella pieza que mejor se adaptaba a sus necesidades y gustos.

¡¡Gracias de corazón a todos por confiar en nosotros!!

Para contároslo todo hemos  grabar un video que tenéis colgado en YouTube,

Me ha costado lo suyo convencer a mi madre para que me acompañe en este último video desde la tienda, pero al final lo he conseguido!!!

Aquí tenéis nuestra despedida, cargada de sentimientos, nervios y sin guion. Un poco caótica, pero somos nosotras mismas al natural.

Ya sabéis que sigo conectada por redes y que podréis encontrarme siempre en:

www.lopezlinares.com  y  info@lopezlinares.com

¡¡ OS MANDO UN BESO ENORME A TODOS !!

 

Inspiración y artesanía, en los bolsos de Judith Leiber

Judith Leiber dedicó sesenta y cinco años de su vida a la industria de la marquetería, desde su Budapest natal hasta las calles de Nueva York, donde vendería bolsos a la élite con su marca de renombre internacional.

Aunque es más conocida por sus bolsos-joyas con cristales de Swarovski, Leiber abarcó durante su dilatada carrera muchos tipos de piezas. Desde bolsos de cuero finalmente labrados, hasta maletas y bolsas hechas con textiles.    

Su inusual talento para realizar bolsos de principio a fin, le valió un doble prestigio, como diseñadora y como artesana de gran calidad, revolucionando una industria con gran demanda entre el público que la hizo famosa, el estadounidense.

Así se convirtió en una gran empresaria, dejando huella a nivel creativo y empresarial en la ciudad que le dió la fama. Poseer una de sus piezas se convirtió (y todavía lo hace) en símbolo de prestigio.

Inspiración y artesanía, las características de Judith Leiber

Su inspiración provenía principalmente del mundo del arte, pero también de los viajes y del mundo de la ópera. En sus bolsos encontrarás referencias a pintores como Mondrian, Braque o Delaunay, pero también a óperas famosas o lugares exóticos.

Sus materiales variaron mucho a lo largo de su carrera, pues a medida que su fama se consolidaba, nuevos fabricantes acudían a ella para ofrecerle sus tejidos, ya que la utilización de una de sus telas suponía poner de moda un patrón o un estampado, algo a lo que aspiraban muchos fabricantes de telas.

Así, muchos de sus bolsos se construyeron con obis de Japón (fajas que sujetan los kimonos), cintas de Parsi de la India, y con telas de Irán y África.

¿Sabías que fué ella la primera en diseñar los populares clutch con forma de frutas y verduras?

Sí, gracias a esta gran artesana y artista, aficionada a buscar temas sorprendentes para sus creaciones, hoy sabemos que es posible aunar la sofisticación y el sentido del humor.

Judith Leiber: historia de Nueva York

La exposición del mes, que se celebra en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York hasta el 7 de agosto, cuenta la historia de esta ilustre artesana, diseñadora y empresaria.

La muestra incluye bolsos que abarcan la historia de su empresa homónima, que Leiber fundó en 1963 a la edad de cuarenta y dos años, hasta el 2004, cuando diseñó su último bolso.

La exposición también explora el significado de los bolsos de mano en la cultura occidental del siglo XX, y la historia de los empresarios inmigrante y el tejido de Nueva York.

Sus creaciones han sido imitadas y copiadas en multitud de ocasiones, y su sombra es todavía alargada, algo que no dudarás al ver algunas de las imágenes que he seleccionado para ilustrar esta entrada.

Personalmente, me quedo con sus bolsos-joya hechos con cristales, sobre todo los que utilizan formas sorprendentes, pues se adivina una mujer atrevida, valiente y sofisticada con la que me siento muy identificada.

Si te animas a visitar la exposición este verano, podrás disfrutar de sus joyas más conocidas, así como un paseo por la historia de la marquetería y la historia de las telas del siglo XX.

Las Tres Bodas de Ava Gardner

Fue una de los más grandes mitos de Hollywood del siglo  XX,  conocida mundialmente por su exuberante belleza como “el animal más bello del mundo”. Su vida sentimental estuvo plagada de infortunios a pesar de contraer matrimonio en tres ocasiones.

Su primera boda fue con el entonces popularísimo Mikey Rooney. se conocieron el día que Ava, recién contratada por la MGM, paseaba por primer día por los estudios para conocerlos.

Mikey apareció disfrazado de Carmen Miranda, quedando prendado de su belleza. Se casaron en enero de 1942 en la iglesia presbiteriana de Ballard, en California. No hubo traje blanco de novia. Los novios, con unos sencillos trajes sastres adornados con una gran orquídea blanca ella y un clavel blanco él, se dieron el “Sí quiero”. El matrimonio fue un fracaso absoluto, debido a la inmadurez de los dos, y al año siguiente se divorciaron.

El clarinetista de jazz Artie Shaw se convertiría en su segundo marido en el otoño de 1945. Para esta segunda boda, Ava elige otro traje sastre muy parecido al de su primer matrimonio. Incluso podríamos asegurar que llevaba la misma gran orquídea blanca sobre su pecho. Artie resultó ser un snob que detestaba todo lo referente a la vida profesional de Ava. Parece que la reprochaba su falta de cultura, y pretendió culturizarla. Incluso la obligó a matricularse en la universidad a distancia de California, llevándola  a reuniones culturales para que aprendiera. Pero lo único que consiguió es que Ava perdiera la confianza en sí misma y tuviera verdaderos problemas de autoestima, hasta el punto de tener que ponerse en tratamiento psiquiátrico. Ava comenzó a abusar del alcohol en esta época de su vida. “Me emborrachaba porque me sentía insegura”, decía.

El matrimonio tampoco aguantó, durando escasamente un año.

Parece que la orquídea y el traje de chaqueta no la dieron mucha suerte a la actriz. Para su tercer matrimonio la actriz decidió cambiar el look por completo, eligiendo un precioso y sencillo vestido de novia muy al estilo de los años 50, con un escote halter adornado con picos de tela muy sensual, y una falda de cintura alta confeccionado en una tela semitransparente . También decidió cambiar las orquídeas por un llamativo bouquet de flores blancas.

La boda se celebraría en Filadelphia en noviembre de 1951 convirtiéndose en todo un acontecimiento social, ya que el novio era ni más ni menos que el famosísimo cantante Frank Sinatra.

Podía parecer que con este matrimonio Ava iba a conseguir encontrar la estabilidad emocional, pero no sería así. La carrera de Frank, que estaba en declive en esa época, los celos tanto profesionales como personales, las peleas continuas y el alcohol, hicieron demasiados estragos en la pareja. El matrimonio se separa dos años después y se divorcian en 1957. Que hubo amor entre ellos no hay duda. Un amor mal entendido, pero se querían: La prueba de ello es que Frank siempre estuvo cerca de Ava en los momentos más difíciles de la actriz, y cuidó económicamente de ella hasta su muerte.

Bibliografia:

El pais.com

Entreelcaosyelorden.com

Wikipedia.org

El mundo.es

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mujeres valientes que viajan solas

Ya no recuerdo bien dónde conocí a Ros Vima, lo que si tengo grabado en mi retina es lo que me atrajo su arrolladora personalidad desde el principio, sus ganas de hacer cosas nuevas y la solidaridad que pone de manifiesto en cada una de sus acciones

Con ella he pasado un par de ratos increíbles, oyéndola hablar de sus planes de futuro, de sus inquietudes y de sus ganas de vivir.

Viajo Sola es Ros Vima. Ella es la responsable de una iniciativa con la que aunque no me siento identificada me atrae sobremanera.

Siempre he pensado en si sería capaz de hacer un viaje totalmente sola, y creo que sería un reto muy grande para mí. Soy una persona tremendamente miedosa, aunque no lo parezca, y llevo muy malamente viajar en avión.

Creo que es una de esas asignaturas que tengo pendientes en la vida y de la que algún día me tendré que examinar. Lo que no sé es cuándo me atreveré con ello.

Viajo Sola es una comunidad de mujeres viajeras que no esperan a tener acompañante, que se mueven por el mundo con independencia y libertad, viajando solas y viviendo aventuras.

Sobre todo, esta comunidad cumple el objetivo de motivar a las que no se atreven a dar ese paso, compartiendo todo tipo de vivencias.

Ros ha creado un lugar de encuentro para las mujeres que han decidido emprender una aventura en solitario, ya sea por un par de días o por un periodo largo de tiempo, y os aseguro que su comunidad tiene muchísima vida y que merece la pena dedicar un rato leyendo las entrevistas que ha realizado a varias mujeres contando sus experiencias.

Esta comunidad realiza encuentros en los que los asistentes comparten sus experiencias, iniciativas y vivencias. Yo os invito a seguirla en sus redes sociales y, si tenéis la oportunidad, no dejéis de apuntaros a alguno de sus encuentros, seguro que se os abren las ganas de coger el coche, un avión o el tren y perderos por el mundo.

¡Gracias por la visita Ros y mil gracias por tu amistad!

Os dejo aquí debajo los links a todos sus perfiles Online, por si os animáis a seguir este increible proyecto

Viajosola.com

Facebook de Viajo Sola

Twitter Ros Vima

 

 

El Topacio

Decía Plinio el Viejo de ella que su nombre procedía del nombre que llevaba una isla del Mar Rojo llamada “Topazos”, actual Zarbargad, en la cual los romanos extraían unas piedras muy apreciadas de color amarillento (que parece ser no eran topacios, sino peridotos).

Es una de las piedras preciosas por excelencia, usada en la alta joyería debido a su belleza. Se presenta en la naturaleza dentro de cavidades y filones de rocas graníticas, en forma de cristales prismáticos transparentes. Su dureza en la escala de Mohs es de ocho, lo cual hace que sea una piedra delicada de tallar y difícil de trabajar, debido a su fragilidad.

El topacio se encuentra en varias tonalidades y colores. En alguna variedad el color llega a desaparecer por completo, y tallado es muy fácil confundirlo con el diamante.

Este es el caso del llamando durante años “Diamante Bragança”, topacio incoloro que está insertado en la corona portuguesa.

El color más común del topacio es el amarillento con un cierto tono rojizo.

Su uso viene de tiempos remotos. En el Antiguo Egipto se usaba  como amuleto contra el dolor, y se creía que su color dorado procedía del dios Ra, rey de la luz solar.

Los romanos también asociaban al topacio con Júpiter, dios de la luz, llamándola “Piedra del Sol”. Sin embargo, los griegos la usaban como amuleto para aumentar la fuerza y como protección en situaciones de peligro.

Durante el Medievo fue una gema muy demandada, porque se la  asociada con la fortaleza y el vigor de la mente.

En el siglo XIX los yacimientos más importantes de Topacio se encontraban en los Montes Urales (Rusia), de estos yacimientos se podía extraer una de las variedades de topacio más apreciadas, el topacio rosa, también llamado Topacio Imperial por ser el preferido del Zar.

Los yacimientos se agotaron, siendo hoy en Brasil donde se encuentran los mayores yacimientos de topacio del mundo.

Aquí tenéis gran parte de la colección de piezas realizadas con topacio:

EL TOPACIO EN VINTAGE BY LOPEZ LINARES

 

Cierre de Clip

Pues sigo con estas entradas que están tenido tantísimo éxito, y hoy os vengo a hablar del cierre de Clip.

Este tipo de cierre es utilizado por las mujeres que no tienen perforados los lóbulos de las orejas o que ya lo tienen muy deteriorado.

Dentro de este tipo de cierre podemos encontrar el clip normal y el clip de rosca.

El cierre de clip normal consta de una placa dividida por dos cortes que actúan como resorte, para presionar el pendiente contra el lóbulo de la oreja. Esta placa está unida a una base por medio de una articulación. Como es evidente, es muy importante que el material sea lo más elástico y resistente al desgaste como sea posible.

El clip de rosca o  tornillo

Este último es bastante difícil de hallar, siendo muy utilizado en los años 60. Consta de un alambre en forma de U, el cual tiene por un lado la unión al pendiente y por el otro un pequeño tubo de rosca, en el cual se inserta un vástago roscado con dos placas en sus extremos. Una de ellas sirve para manipular el tornillo y la otra para presionar la joya contra el lóbulo. La sujeción del pendiente está por tanto garantizada contra el lóbulo, por la presión que la cabeza del vástago roscado ejerce sobre el lóbulo de la oreja.

He de deciros que es uno de los cierres más cómodos que yo he probado. Es un clip más mullidito en el que tú misma puedes ajustar la presión que quieres que haga el pendiente sobre tu oreja. Pero desgraciadamente creo que el sistema es bastante costoso de fabricar y ya no se encuentra más que en contadísimas ocasiones.

De Vroomen: Armonía de colores y formas

No es común encontrar matrimonios de artistas que se complementen. Normalmente, uno de los dos tiene más talento, algo que no sucede en la pareja de la que te voy a hablar hoy.

Leo y Ginnie de Vroomen se conocieron en la década de los 60, cuando él se trasladó a Londres desde su Holanda natal para ofrecer una conferencia en la Escuela Central de Arte y Diseño, donde conoció a la que sería su mujer y socia artística, Ginnie.

Juntos formaron una pareja de diseñadores y orfebres prolífica y original. Sus creaciones fueron fundamentales para la historia del diseño de los años 60 y 70. A medio camino entre la orfebrería y la escultura, sus piezas son pequeñas esculturas de oro, piedras preciosas y semipreciosas combinadas con su material fetiche, el esmalte.

A menudo combinado con el oro, el matrimonio De Vroomen se salió de la línea establecida dando a este material la oportunidad de completar piezas enormemente sofisticadas, sin miedo a introducir color o combinarlo con los mismísimos diamantes, como puedes ver en las imágenes de esta entrada.

Piezas únicas, poco convencionales, para un tipo de público moderno y arriesgado, pero que apostó por ellos y les dio gran reconocimiento internacional.

El estilo original del matrimonio De Vroomen

En lo que se refiere al estilo, Ginnie fue la responsable de dotar a las piezas de ese aire orgánico tan característico, a menudo similares a plumas, hojas y flores directamente reflejados de la naturaleza.

Sin embargo, el trabajo de Leo fue fundamental para llevar esas ideas hasta el nivel que les hizo famosos. Cuando el mundo de la joyería se limitaba a un catálogo de piedras, Leo abrió las puertas a otros materiales menos sofisticados, pero cuyo tratamiento poco convencional, conquistó al público de la época.

Probablemente su pieza más conocida sea este broche de oro y diamantes de estilo orgánico. Una delicada pieza que refleja su amor por el detalle (como buenos orfebres) y su arriesgada concepción de la joyería moderna.

Exposición homenaje

Desde el mes de abril hasta el 26 de julio de este año puedes disfrutar de una amplia selección de piezas de este matrimonio en la Compañía Goldsmith, organización londinense dedicada a la protección y fomento de la artesanía.

En ella se recogen piezas de esta pareja de diseñadores y orfebres pertenecientes a colecciones privadas y aportaciones de museos e instituciones, hasta reunir cinco décadas de armonía de colores y formas poco convencionales.

Además de las piezas más destacadas de su dilatada carrera, en esta exposición que se celebra en Londres, podrás disfrutar de bocetos realizados por Ginnie, inspirados en la naturaleza y el paisaje urbano.

Un total de 100 piezas únicas que se ofrecen ahora al público internacional en la sede de la Compañía Goldsmith, situada en el centro de Londres.

La entrada es gratuita, por lo que si tienes oportunidad de pasar unos días en la capital británica, te recomiendo que no pierdas la oportunidad de visitar esta exposición original.

La Historia de un perfume Icono: Chanel nº 5

Cuando hablamos del “Nº 5” no solo hablamos de un perfume, hablamos de historia y de una de las fragancias femeninas por excelencia.

En 1921, Coco Chanel era ya una diseñadora de moda con fama mundial. Contaba con boutiques en Paris, Deauville y Biarritz; poseía una de las villas más maravillosas del sur de Francia; conducía su propio Rolls Royce azul y había conseguido cambiar la imagen de la mujer con sus novedosos modelos.

Una imagen de mujer elegante, femenina y moderna, pero aún no había creado una fragancia que representara y materializara las inquietudes de esta nueva fémina.

Los perfumes que había en el mercado no eran de su agrado. En su mayoría eran perfumes monoflorales que no expresaban para nada la personalidad de la mujer Chanel.

Fue entonces cuando decidió crear su perfume. Un perfume sofisticado, a la vez que fresco, suave y limpio como el olor a jabón que recordaba de su niñez.

Durante  unas vacaciones de verano en la Costa Azul, escuchó hablar de un perfumista  llamado Ernest Beaux que había trabajado para la familia real rusa y vivía cerca, en Grasse, el centro de la industria de la perfumería.

Coco se presentó a verle con su proyecto en las manos, y Beaux aceptó el desafío. Le tomó varios meses dar con la nueva fragancia, pero logró diez muestras y se las presentó a Chanel.

Ella eligió el nº 5 porque contenía esencias de naranjo, jazmín, rosa, madera de sándalo, y vainilla, … entre otros, y porque la fragancia le recordaban a los campos del sur de Francia donde trascurrió su infancia.

A este nº 5, Beaux le había añadido un componente orgánico desconocido (entonces) llamado aldehído, que fijaba e intensificaba las notas olfativas florales sin necesidad de añadir más esencias. Oliendo su perfume dijo: ”Era lo que estaba esperando. Un perfume único. Un perfume de mujer con esencia de mujer”.

Este perfume requería de un envase especial, único, elegante y de líneas sencillas, totalmente opuesto a los envases barrocos de la época. Para ello se creó el frasco de perfume perfecto, que se convirtió en una de las características e imagen del mismo perfume. El primer modelo tenía los bordes redondeados, y en 1924 se cambió para hacerlo más resistente, minimalista y sencillo.

Chanel se puso manos a la obra para promocionar su perfume. En los inicios regaló algunos frascos a sus mejores clientas, y rociaba con él alguno de los salones de la Casa Chanel. El perfume fue tan exitoso que pasó a ser un perfume exclusivo para las clientas de Chanel.

En abril de 1924 se fundó la sociedad “Les Parfums Chanel”. A partir de ese momento comenzaría a comercializarse el perfume por todo el mundo. El  Nº 5 se convirtió en el perfume del siglo XX. Algunos especialistas coinciden en afirmar que existe un antes y un después del Nº 5 en la historia de la perfumería.

Chanel Nº 5 se identificó con el lujo y la elegancia, con la delicadeza de la mujer, con la seducción conquistadora, hasta tal punto que al final de la II Guerra Mundial los soldados americanos hacían interminables colas en la boutique de París, para comprar un frasco del Nº 5 para sus novias y esposas.

Sus aires de modernidad serían reconocidos por todas las mujeres de la época. Tanto es así, que la estrella de cine Marilyn Monroe tras preguntarle un periodista que se ponía para dormir, respondería: “Unas gotas de Nº5…”

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