Si eres de las que alguna vez soñaste con lucir unos pendientes pintados por Tintoretto, las famosas joyas de Desayuno con Diamantes o la tiara de Sissi Emperatriz, este es tu espacio igual que nuestro.
Fue la primera película emitida en formato «Superscope», formato predecesor del «Super 35».
A veces se conoce a esta película como «el pimer spaghetti western» debido a la influencia de directores italianos, como Sergio Leone.
Clark Gable avisó a Gary Cooper de que no trabajara con Burt Lancaster. «Ese chico te eclipsará en pantalla». Irónicamente, Gable trabajó más tarde con Lancaster en otra película.
Ernest Borgnine y Charles Bronson decidieron ir a comprar tabaco, lo que significaba ensillar el caballo y con todo el vestuario, armas incluidas, ir a la ciudad más cercana. De camino la pareja fue abordada por un camión lleno de federales armados que les confundieron con bandidos, reteniéndoles a punta de pistola.
El equipo de efectos especiales utilizó demasiados explosivos para volar un puente y algunos fragmentos golpearon a Gary Cooper, que resultó dañado.
Aunque retratado en la película con 54 años, en la realidad el emperador Maximiliano murió con 34 años de edad.
Pues no soy yo nada de películas del oeste, pero cuando me propuse preparar una lista que aglutinara un poco lo mejor de la época dorada del cine de Hollywood, y en la que se encontraran presentes todos los que forman parte de mi lista de iconos vintage de la temporada pasada, no podía dejarme fuera a la más internacional de nuestras actrices hasta la llegada de Penélope Cruz al panorama cinéfilo.
Sara Montiel está bellísima, bordando su papel de una joven mejicana que vive de pequeños hurtos. Sin duda, Sara consigue eclipsar a todas las demás actrices de la película, convirtiéndose en la verdadera protagonista femenina de Vera Cruz.
La película me ha resultado muy entretenida, sorprendiéndome que Gary Cooper no haga de bueno buenísimo, aunque hace de malo a medias. La verdad que está mucho más atractivo que Lancaster y hace una pareja perfecta con Sara Montiel.
Lancaster, en su habitual estilo cínico y socarrón, hace un papel muy típico de matón del oeste.
Fue en su época una película más violenta de lo habitual. Estoy segura que es un icono para todos los amantes del genero del oeste.
TRAILER OFICIAL:
Yo me he ido comprando todas las películas sobre las que he hablado, incluso ésta, aunque la he encontrado entera en Youtube, que os dejo por si alguno se anima a ver a esta jovencísima Sara Montiel.
Nominada al Oscar a la mejor actriz (Ava Gardner y Grace Kelly).
Globo de Oro a la mejor actriz (Grace Kelly).
Curiosidades:
Grace Kelly y Clark Gable tuvieron una pequeña aventura durante la filmación de la película.
Ava Gardner abortó durante los meses del rodaje de un hijo con Frank Sinatra.
La censura española de la época, que no permitía el adulterio, presentó al matrimonio Kelly-Sidney como si fueran hermanos. Sin embargo, en una escena aparecen juntos en la cama.
Maureen O´Hara iba a hacer el papel de Ava Gardner, pero la Metro tenía comprometida una película con Ava y la metió en ésta. John Ford, molesto con esta decisión, trató fatal a la actriz.
Gran parte de la película se rodó en estudios de Hollywood.
Es una de las dos únicas películas de MGM que no tiene banda sonora.
Amor, infidelidades, celos… La selva convierte al hombre en animal salvaje. Con un plantel de actores de primerísima fila, John Ford, maestro de los maestros, nos lleva a la selva africana en un frenesí de deseo, con un trío entre dos mujeres y un hombre.
Un ya bastante maduro Clark Gable, atractivo, valiente, pero sobre todo seductor, rivaliza para mi gusto en protagonismo con una salvaje Ava Gardner. Ava, está magistral, rebosante de feminidad, simpatía, picardía y, sobre todo, cargada de fuerza sexual. Una bellísima gata salvaje que se convierte en protagonista indiscutible de toda la película, frente a una la insulsa, cándida y mojigata Grace Kelly. El fuego helado, la llamaban en Hollywood. Ava, se hace con la película ella sola. Está soberbia.
Estoy segura de que la fotografía de Robert Surtees debió ser sorprendente para la época. El recorrido que hace Robert por la selva Africana, debió dejar boquiabierto a más de uno en esos años 50.
Yo, desde luego, me quedo con Ava. Creo que habría merecido un Oscar por esta interpretación, pero ese año sería para Audrey Hepburn y sus “Vacaciones en Roma”.
El debut de Marlon Brando en el mundo del celuloide no pudo empezar mejor. El actor está descomunal interpretando a un bruto y presuntuoso machista barriobajero, al que solo podemos asociar a la más brutal violencia de género. Retador, desobediente y con la única motivación de ser reconocido por su fuerza y su indiscutible atractivo sexual.
Una personalidad acentuada por el abuso del alcohol y al que comencé a odiar a los pocos minutos de comenzar la película. Su desprecio por la fragilidad y la vulnerabilidad tanto de su mujer como de su cuñada, son absolutamente despiadados.
Marlon se enfrenta a una Vivien Leigh desequilibrada, débil, frágil y mentirosa. Su interpretación de una mujer sureña, que vive anclada en un pasado feliz y que solo busca la amabilidad y las cosas bonitas de la vida es sobrecogedora. El miedo reflejado en sus ojos cada vez que se cruza con Brando es tan real, que no dejas de sentir una pena inmensa por ella a lo largo de toda la película.
La batalla entre los dos personajes se convierte en un duelo interpretativo de un magnetismo sinigual. Vivian Leigh se convierte en el complemento perfecto para Brando, formando una pareja interpretativa impactante. Ambos actores consiguieron una química brutal e irrepetible.
«Un tranvía llamado deseo» es dura, muy dura… Sus casi dos horas de duración no te dejaran indiferente.
Es imposible verla y no sentir un nudo en el estómago.
Curiosidades:
Vivien Leigh, que en la vida real sufría trastorno bipolar, tuvo dificultades en distinguir su vida de la de Blanche Dubois.
A medida que avanzaba la película el apartamento Kowalski se iba haciendo más pequeño, para acentuar la claustrofobia de Blanche.
La censura eliminó 68 frases y la Legión Católica de Decencia añadió varios cortes más, todos relacionados con la homosexualidad y la violación.
Antes de Vivien Leigh se le ofreció el papel a Jessica Tandy y a Olivia de Havilland.
La frase «I have always depended on the kindness of strangers» (siempre he dependido de la amabilidad de los extraños) está en el puesto 75 de las mejores frases de cine. Y la película está en el puesto 47 de las mejores de la historia.
Marlon Brando detestaba el personaje.
Vivien Leigh hacía de mujer mayor, aunque sólo tenía 36 años.
Se le ofreció el papel a Robert Mitchum y a John Garfield.
La película se rodó en 36 días laborables.
William Wyler quiso hacer la película con Bette Davis como protagonista.
Premios:
Oscar a la mejor actriz (Vivien Leigh)
Oscar al mejor actor secundario (Karl Malden)
Oscar a la mejor actriz secundario (Kim Hunter)
Oscar a la mejor dirección artística.
La película fue nominada y ganó muchos otros premios que os invito a conocer en la página web de IDBM.
Premios: Nominada al Oscar en 1952 a la mejor canción original.
Curiosidades:
La canción que baila Fred Astaire en la habitación se hizo colocando en esta la cámara y el operador en una jaula giratoria de 10 metros de diámetro.
Según una entrevista, Fred Astaire intentó bailar con más de treinta percheros antes de que el Estudio decidiera fabricar el suyo propio, por un coste (al cambio actual) de 4000 dólares. El perchero desapareció poco después del estreno.
Fred Astaire y Jane Powell cantan la canción con el título más largo de la historia del cine: «How Could You Believe Me When I Said I Love You When You Know I’ve Been a Liar All My Life» (Cómo podrías creerme cuando te digo que te quiero cuando sabes que toda mi vida he sido un mentiroso).
June Allyson y Judy Garland fueron candidatas al papel protagonista.
En Inglaterra se cambió el título por «Wedding Bells» (Campanas de boda), para no confundirla con la reciente boda de la Princesa Isabel (La reina Isabel II).
La tienda «Harridge´s» es una mezcla de «Harrod´s» y «Claridge´s», unos conocidos grandes almacenes y un hotel de cinco estrellas en Londres, respectivamente.
La escena del baile en el tejado parece estar hecha en una sola toma, pero si os fijáis con atención hay tres, quizá cuatro, cortes muy sutiles.
La historia recuerda vagamente a lo sucedido realmente a la hermana de Fred Astaire, Adele, que se casó con Lord Charles Cavendish, hijo del Duque de Devonshire. Justo como Jane Powell, que hacía de hermana de Fred y que se casa con un Lord inglés al final de la película.
Un musical de los de antes, con una puesta en escena bárbara y de lo más cuidada.
Probablemente en esta película está la escena que hizo a Fred Astaire famoso en todo el mundo, etiquetándole ya para siempre como el mejor bailarín de Hollywood de todos los tiempos. Realmente hubo gente que pensó que era capaz de volar.
La escena a la que me refiero es la ya mítica en la que Fred Astaire, que comienza bailando en el suelo y acaba recorriendo el techo de la habitación, como si de un mago se tratara.
La escena tiene una perfección técnica impresionante, y más teniendo en cuanta la época en la que fu rodada, en la que no se podían hacer los montajes digitales que se hacen ahora.
Con una cámara en la habitación, metida en una jaula, Fred Astaire demuestra por qué el cine de mediados del siglo pasado era el espectáculo que llevaba a todo el mundo a disfrutar de una buena película.
Fred Astaire, que vuelve a demostrar un gusto y elegancia exquisitos para el baile, no sólo por la susodicha escena sino también por otras como el baile de los protagonistas en el barco que les lleva hacia Inglaterra. O el de Fred Astaire con un perchero en el gimnasio, casi tan famosa como la de la habitación.
Si os gustan los musicales y el baile, solo por ver estas tres escenas merece la pena ver la película.
Con este video que he encontrado en Internet, se entiende bastante mejor como se montó la escena de la habitación:
Nominada en 1947 al mejor actor secundario (Claude Rains) y al mejor guión original.
Premio Bambi en 1952 a la mejor actriz (Ingrid Bergman).
Nominado en 1946 al Gran Premio del Festival de Cannes a Alfred Hitchcock.
Premio en 2006 del National Film Preservation Board.
Curiosidades:
La escenas donde Cary Grant e Ingrid Bergman se-besan-no-se-besan se diseñaron así para saltarse el código Hayes, que decía que un beso no debía durar más de tres segundos.
Hitchcock dijo que estuvo siendo vigilado durante tres meses después del estreno porque en la película se comerciaba con uranio.
La actriz que hacía de madre de Claude Rains sólo tenía 3 años más que el actor francés.
La escena del balcón entre Cary Grant e Ingrid Bergman es casi toda improvisada.
En el guión original Alicia (Ingrid Bergman) es una prostituta.
David O. Selznick (el productor) quería a Vivien Leigh como Alicia (la verdad es que habría estado muy bien).
Alfred Hitchcock le preguntó al Premio Nobel de Física cómo hacer una bomba atómica, a lo que éste se negó a responderle. Sí le confirmó que se podría guardar en una botella.
Claude Rains filmó muchas escenas con Bergman subido en un cajón, para dar la sensación de que él y CaryGrant eran igual de altos. Nada más lejos de la realidad. Claude Rains medía 1,69, Ingrid Bergman 1,75 y CaryGrant 1,87.
Fue el único papel en una película americana de Leopoldine Konstantine (Mme. Sebastian).
El cameo de Hitchcock (siempre apareció en todas sus películas) en este caso es en la casa, en una fiesta cogiendo una copa de champán.
Esta semana me ha tocado “Encadenados” de Hitchcock, he de reconoceros que tenía ganas de volver a ver a Ingrid Bergman y Cary Grant juntos, los dos me chiflan.
Sin duda una de las mejores películas de Hitchcock, si no la mejor, de toda su espléndida carrera cinematográfica como el director maldito de Hollywood (nunca recibió un Oscar), a pesar de que quizá haya sido el mejor director de suspense de la historia del cine.
Una historia donde se mezcla el amor y el suspense, con un Cary Grant más que esplendido en el papel de espía americano. El actor sabe contener sus ansias de deseo hacia una sacrificada Ingrid Bergman, casi una prostituta, que acepta el semichantaje del que es objeto para desenmascarar al espía alemán, magistralmente interpretado por Claude Rains.
Grant está elegante, atractivo e irresistible. Esas tomas que hace el director de la espalda del actor me parecen impresionantes, su elegancia y porte al caminar invaden la pantalla completamente. Para mí es de las pocas películas, de entre todas las que he visto en mis “Miércoles de cine”, en la que es el protagonista masculino el que canibaliza las distintas escenas de forma generalizada. Casi diría que hay escenas en las que consigue eclipsar a la Bergman.
Ingrid Bergman me ha cautivado en la segunda parte de la película. Su papel como sumisa esposa y espía es magistral.
El maestro del suspense demuestra, una vez más, cómo mantener al espectador pegado al asiento. Desde luego conmigo lo consiguió, manteniendo mi atención fijada a la pantalla esperando ver el desenlace sin moverme. Reconozco que hubo momentos en los que casi me puse nerviosa pensando qué pasaría.
Considerada por muchos como una de las mejores películas de todos los tiempos, a pesar de su guion un poco soso; una línea argumental poco creíble; una historia de amor lacrimógena, casi cursi, y unos personajes absolutamente corrompidos: el capitán francés que juega aunque es ilegal, el dueño del club que deja jugar y controla quién gana, el ambiente del club donde todos se compra y se vende al mejor postor…
Casablanca es, sin duda, una película donde los giros argumentales han logrado convertirla en un clásico, ya que se suceden vertiginosamente.
Cuando parece que no va a pasar nada más, sucede algo inesperado. No en vano, el guion se cambiaba cada día, se tardó un tiempo excesivamente largo y una suma de dinero que no paraba de crecer en una película que no se lograba terminar. Los actores llegaban y ni siquiera ellos sabían lo que iban a hacer ese día. Sin ninguna duda, Humphrey Bogart, el cínico Bogart, se convierte en el dueño absoluto de la película. Sólo él podía ser Rick, sólo él podía manejar la situación, resolver el problema y salir indemne del asunto. Sólo Humphrey Bogart podía dejar a la chica después de que ella le dejara tirado como una colilla y además quedar como un auténtico caballero.
Me ha sido muy complicado quedarme con una sola escena de la película, pero al final me he decidido por la secuencia más emocionante de todas, al menos para mí. Imposible no emocionarse cuando, frente a un grupo de oficiales de la Gestapo cantando el himno nazi en el “Café de Rick”, Laszlo y el resto de clientes franceses se ponen en pie y comienzan a cantar “La Marsellesa”, hasta conseguir que la voz de los alemanes quede reducida a un susurro. Nunca pensé que oír el himno francés me produciría tanta emoción, pero os tengo que reconocer que se me hizo un nudo en el estómago y se me saltó una lagrimita.
La cinta cuenta con un guión que mezcla a la perfección el suspense, el amor y el humor. El director Michael Curtiz no pierde el pulso ni por un segundo de una historia en la que la química de los protagonistas arrasa con todo. En más de cien años de cine, se puede decir que nadie ha mirado con la pasión que Ingrid Bergman demuestra cada vez que sus ojos se cruzan con los de ese tipo tan duro como vulnerable, llamado Humphrey Bogart.
La entrada de la Bergman en el “Café de Rick” vestida de blanco, con ese precioso broche de brillantes y unos destellantes pendientes a juego que la hacen brillar aún más si cabe es estelar, glamurosa y elegante… simplemente perfecta.
Inolvidable también el papel de Claude Rains como el ambiguo y cínico inspector de la policía Louis Renault.
Una película perfecta para compartir en una tranquila tarde de domingo, y si es en compañía… mejor que mejor.
Premios:
Oscars (1942): Mejor director, mejor película, mejor guión.
Nominaciones: Mejor actor (Bogart), mejor actor secundario (Claude Rains), mejor fotografía, mejor montaje, mejor banda sonora.
Nominada al mejor DVD clásico en 2003 (edición 60 aniversario) por los DVDX Exclusive Awards.
Premio Sierra al mejor DVD de 2008 de Las Vegas Film Critics Society Awards.
Premio a la mejor película de 1943 del National Board of Review.
Premio a la mejor película en 1989 del National Film Preservation Board.
Curiosidades:
En los 80, se envió el guión de la película a ciertos estudios y productoras bajo su primer nombre, «Everybody comes to Rick´s» (Todo el mundo va a Rick´s). Algunos la reconocieron, pero la mayoría no. Muchos alegaron que el guión «no era lo bastante bueno para hacer una película decente», que «estaba obsoleta», con «demasiado diálogo» y «con poco sexo».
Muchos de los actores que hicieron de nazis, eran en realidad judíos alemanes huidos del nazismo. A destacar el actor Conrad Veidt que, aunque no era judío, sí era alemán y lucho contra los nazis hasta que tuvo que huir de Alemania por sus actividades en contra del régimen (las SS enviaron un escuadrón para matarle).
Para maximizar las ventas en el extranjero, todos los personajes desagradables o «malos» pertenecían a países enemigos. Tal es el caso de «Ferrari» y «Ugarte» que eran italianos.
La escena del aeropuerto es falsa. Al estar en tiempos de guerra, por motivos de seguridad, los aeropuertos debían permanecer cerrados por la noche. El avión es una maqueta con enanos a su alrededor, para dar sensación de realismo.
Debido a los celos enfermizos de la mujer de Bogart, éste e Ingrid Bergman apenas se hablaron durante el rodaje, a pesar la evidente química existente entre ellos. Ambos estaban a disgusto con la película, pensando que era absurda y con diálogos ridículos. Preguntados más tarde, ambos reconocieron que les hubiera gustado que el final fuera distinto. «Habría estado mejor que nos hubiéramos unido a la resistencia» -comentaría Bogart-.
No existían salvoconductos en la Francia de Vichy. Es un invento de los guionistas.
En la escena en la que cantan «La Marsellesa», las lágrimas de algunos actores son reales.
Nunca se revela porqué Rick no puede volver a Estados Unidos. Los guionistas buscaron motivos, pero al final decidieron dejarlo.
Paul Henreid no quería hacer el papel de Victor Laszlo. Pensaba que hacer de secundario arruinaría su carrera de actor de películas románticas.
Dooley Wilson (Sam, el pianista) no sabía tocar el piano, era batería profesional. La canción, grabada en directo, la toca un pianista detrás de una cortina, mientras Dooley imitaba los movimientos.
En muchas escenas en las que Bogart siempre está más alto que Bergman, el primero está realmente subido en un escalón o llevaba alzas en los zapatos. Otras veces Ingrid Bergman está un poco agachada. Bogart medía 1,74. Bergman un centímetro más.
La escena de la estación de tren de París está «copiada» de «La extraña pasajera».
El café «Rick´s» fue la única construcción exclusiva para la película. Debido a restricciones por la guerra, el resto de decorados se cogieron del almacén.
Para prepararse para trabajar con Bogart, Bergman vio «El halcón maltés» varias veces.
Fue nombrada la mejor película de todos los tiempos por The American Writers Guild en 2009, y en 2007 The American Film Institute la colocó en el tercer puesto, el mismo que también pone Entertainment Weekly.
A pesar de la extraordinaria química existente entre los dos protagonistas, nunca volvieron a actuar juntos.
Durante el rodaje, un día llamaron a Bogart. Se metió en el Rick´s Café y le dijeron: «Ponte ahí y asiente». No tenía ni idea de para qué tenía que hacer eso. Más tarde, en la película, aparece esta escena cuando da permiso a la banda para que toquen «La Marsellesa».
A pesar de lo que se cuenta, jamás se pensó en otro actor que no fuera Bogart para hacer el papel de Rick (Ronald Reagan, decían).
En el primer guión de Casablanca (titulado «Everybody comes toRick´s»), Ilsa no era una mujer «virtuosa». Vivía ya casada con un hombre de negocios norteamericano. Era Rick el que la abandonaba y después encuentra. Y cuando ella y Victor llegan a Casablanca ella tampoco está casada con él.
El piano de Sam se subastó por más de 600.000 dólares en una subasta en Nueva York en diciembre de 2012.
La canción «As time goesby» (El tiempo pasa) no optó al premio Oscar porque estaba escrita hacia años.
Cuando el Capitán Renault tira la botella de agua de Vichy a la basura, está haciendo un acto simbólico contra la Francia controlada por los Alemanes de Vichy.
Barbara Stanwyck, la mejor actriz que nunca ganó un Oscar, como ella misma se definió, aparte de un Premio Honorífico de la Academia en 1982.
La Stanwyck demuestra, una vez más, su camaleónica capacidad para hacer absolutamente todo tipo de papeles, desde el más dramático hasta, en este caso, la comedia más alocada.
Gary Cooper, en su papel de buena persona que tantos éxitos le dio, demuestra una vez más que es un seguro para cualquier película que se le ponga por delante. Ambos están magníficos. Ella en el papel de maleducada, ordinaria y sexualmente liberada corista, en manos de un mafioso que cree tenerla en propiedad y él como el tímido profesor Potts, totalmente absorbido por los encantos vulgares de Sugarpuss, dispuesto a seguirla hasta el fin del mundo.
Una película preciosa, en línea con las alocadas comedias del maestro Hawks. La escena del «yum, yum», en la que Stanwyck se tiene que subir a un taburete (Barbara Stanwyck medía 1,65, mientras Cooper llegaba hasta metro noventa) es absolutamente encantadora.
El papel de todo el equipo de obsoletos y encantadores profesores que acompañan a Gary Cooper en la realización de la enciclopedia es magistral.
Una película perfecta para pasar una tarde de domingo en casa…
Premios:
Nominada a los premios Oscar de 1942 por:
Mejor actriz
Mejor guión original.
Mejor sonido.
Mejor banda sonora.
Curiosidades:
El puñetazo que Barbara Stanwyck le dio a Kathleen Howard fue real. Barbara Stanwyck le rompió la mandibula.
Es un guión de Billy Wilder que escribió en Alemania. Cuando emigró a Estados Unidos se lo vendió a Samuel Goldwyn, que le prometió un cheque de 10.000 dólares si la película tenía éxito. Suceció así y Goldwyn se negó a darle esa suma de dinero («¡Nunca dije tal cosa!). Más tarde reconoció su error y le dio a Wilder un cheque de… 5.000 dólares.
Aparte de Gary Cooper, el guión de los siete profesores está inspirado en los siete enanitos de Walt Disney.
Ginger Rogers y Carole Lombard rechazaron el papel de Sugarpuss. LucilleBall quiso hacerlo, pero Goldwyn prefirió a Barbara Stanwyck.
– Actores: Greta Garbo (Madame Grusinskaya), John Barrymore (El Barón), Joan Crawford ( Flaemmchen), Wallace Beery (Preysing), Lionen Barrymore (Kringelein), Fotografía: William Daniels
La vida en el hotel más caro de Berlín, el ir y venir de sus huéspedes y de sus empleados. Adaptación de la novela «Menschen im Hotel» escrita por la autora teatral Vicky Baumm. La escritora se basó en hechos reales ocurridos en un hotel en el que ella trabajaba entre una taquígrafa y un magnate industrial, y en sus propias experiencias como ayuda de cámara en dos conocidos hoteles de Berlín para escribir su novela.
“La gente va y viene. Nunca pasa nada” es una de las frases de la película que mejor la describen. Un barón, un viejo doctor herido de guerra, un humilde trabajador a punto de morir, un agresivo industrial, una bellísima bailarina rusa, una secretaria bastante liberal y un sinfín de personajes se mezclan para crear y contar varias historias. Los clientes se registran, comparten sus vidas y después se van.
Sus vidas se mezclan de manera que nos recuerdan a muchas películas y series actuales. En un principio, cuando comenzamos a verla, puede parecer que nos encontramos ante una comedia de esas que tratan la vida de manera ligera y optimista. Pero en seguida nos damos cuenta de que nos encontramos ante un drama. Una película que nos habla de honestidad, generosidad, amistad, ambición, orgullo, respeto, amor y desamor.
No os voy a contar la trama de la película, ya que es de esas demasiado complicadas que es mejor ver que contarla. La puesta en escena me parece impresionante: el hall del hotel, las escaleras, los pasillos y las habitaciones. Todos los decorados son extraordinarios. Las escenas en que Greta Garbo cruza el hall del hotel como una autentica diva, seguida por una corte de botones cargados de flores son exquisitas.
Historias entrecruzadas, una fórmula que se ha utilizado muchísimo con posterioridad y que se ha quedado con el nombre de «fórmula Gran Hotel”
Yo personalmente me quedo con Joan Crawford y Lionel Barrymore. Ella, en su papel de secretaria, está espléndida: elegante, pícara, coqueta. Y él, representando al viejo contable tierno y honesto. Para mí Greta Garbo está demasiado distante, fría y, aunque bellísima y súper elegante, no llega a atrapar al espectador.
La película, en blanco y negro, opino que tiene una gran fotografía, los claroscuros son atrapantes. Hay una escena de Greta Garbo, sentada en el suelo con la luz entrando por las espalda de su trasparente vestido, que me ha parecido bellísima.
Premios:
La película recibió el Oscar a la mejor película en 1932 y en el año 2007 el
National Film Preservation (ya os he explicado aquí lo que representa este premio).
Curiosidades y anécdotas:
La película cuenta con un sin fin de anécdotas, curiosidades y leyendas como la lucha entre la Garbo y la Crawford, no sé si real o alimentada en la época para promocionar la película antes de su estreno. Este tipo de cosas se siguen haciendo y suelen dar buenos resultados a la hora de vender entradas. La cuestión es que las dos divas no aparecen nunca juntas, dicen que para no eclipsarse la una a la otra.
Es la única película con Oscar a la mejor película que no consiguió ninguna otra nominación.
Wallace Beery rechazó inicialmente el papel, para posteriormente aceptarlo con la condición de que él fuera el único actor con acento alemán.
Greta Garbo pidió que se decorara el escenario con luces rojas, para dar a los ensayos una atmósfera más romántica.
La frase de Greta Garbo «I want to be alone» (Quiero estar sola) está en el puesto 30 de las 100 mejores frases de películas americanas, según la AFI (American Film Institute), y fue utilizada por Groucho Marx en «Una noche en la ópera» y Hércules Poirot en «Asesinato en el Orient Express» decía: «Alguno de nosotros, en palabras de la divina Greta Garbo, quiere estar solo».
En las escenas del vestíbulo del hotel donde había tanta gente moviéndose, se encargó a todos los figurantes y actores que llevaran calcetines sobre los zapatos para no hacer tanto ruido. Se gastaron 200 pares de calcetines de lana cada día.
Las entradas del estreno costaban 1,50 dólares, una cantidad enorme en la época para una entrada de cine.
Meteduras de pata:
En una de las escenas de la Garbo al teléfono, éste cambia de manos entre las diferentes tomas.
Aparecen manchas de sudor en el vestido de la Garbo. Es una de las escenas con más pasión de la película.
Los volantes de todos los coches están a la derecha. En Alemania se conducía (y se conduce) por la derecha, por lo que los volantes deberían estar a la izquierda.
Cuando Mr Kringeley, borracho, golpea la puerta de su habitación, el muro tiembla.
Os dejo un tráiler de la película que parece es posterior, ya que el original según Imdb.com se ha perdido.
Tráiler de la película (según www.imdb.com este tráiler es posterior, el original de 1932 está perdido):
Un clásico que ocupa el segundo lugar en nuestra lista de Películas Icónicas.
Imágenes:
Wikipedia, 24 veces por segundo blog, Tcm.com y los ojos de cain scoom.com.
Director, guionista, productor, editor y compositor de la banda musical de la película el mismo Charles Chaplin
Actriz secundaria: Paulette Goddard en el papel de huérfana, golfilla y compañera de Charlot.
«Tiempos Modernos» fue el último film mudo de Chaplin con efectos de sonido, voces… aún cuando todo el mundo ya estaba haciendo cine sonoro.
Una crítica desesperada sobre el empleo y las condiciones de trabajo de muchas personas durante la Gran Depresión.
La película narra la vida de un trabajador oprimido en una fábrica de montaje en cadena. En una de las escenas más divertidas de la película, el trabajador es utilizado como conejillo de indias para probar una maquina de avance automático. Los problemas de la máquina vuelven casi loco al trabajador que, en un nervioso frenesí, se pasea alocadamente por la fábrica aceitándolo todo. Conducido a un hospital psiquiátrico es dado de alta en unos meses, pero es arrestado al confundirlo con un líder radical.
La vida en prisión es cómoda, por lo que acepta la libertad condicional de mala gana después de evitar un motín. Fuera descubre un desempleo masivo y, a pesar de una brillante carta de recomendación, no consigue encontrar trabajo. Impaciente por volver a prisión acepta galantemente hacerse responsable del robo de una hogaza de pan por parte de una joven y bella huerfanita, una vagabunda que mal vive en las calles de la ciudad. El resultado es que ambos son arrestados, pero se las arreglan para escapar de la policía.
A partir de este momento los dos protagonistas comienzan una vida juntos, intentando estabilizar su vida. Podemos vivir sus aventuras, sus sueños, todo ello con un toque de humor motivado por la malísima suerte de Charlot en cada uno de sus empleos.
Hay algunas escenas con una carga humorística impresionante, que si no habéis visto estoy segura de que os harán reír a carcajadas. La escena en la que Charlot trabaja como camarero e intenta desesperadamente llevar una bandeja a un cliente mientras todos bailan sin parar, o su éxito con una improvisada canción cuando consigue un trabajo como cantante de variedades en un café, para mí son de lo más divertido de la película.
El personaje de Charlot tiene una carga de ternura incuestionable, consiguiendo hacerte reír y llorar casi en la misma escena.
La película fue un éxito de taquilla.
Algunas anécdotas que rodean la película:
Fue la película que convenció al Comité de Actividades Anti-Americanas de que Chaplin era comunista, cosa que él siempre negó.
The American Film Institute colocó esta película en el puesto número 78 de las mejores películas de todos los tiempos.
Una de las cosas que inspiraron a Chaplin a hacer la película fue una conversación con Ghandi sobre cómo la industrialización estaba sustituyendo la mano de obra.
La película se filmó a 18 fotogramas por segundo y, luego, se proyectó a 24, dándole así un resultado más frenético.
La voz de Chaplin se oye por primera vez cuando canta la canción sin sentido de la que hablo en la sinopsis.
Charles Chaplin y Paulette Goddard eran pareja sentimental en el momento de filmarse la película, permaneciendo juntos durante cuatro años más y rodando también como pareja “El Gran Dictador”.
Sorprende que Chaplin se atreviera a rodar una escena en la que se hablara tan claramente del tráfico de cocaína en las cárceles.
Premios:
Premio Jussi al mejor cineasta extranjero (1974). Los premios Jussi son unos galardones que reconocen la excelencia de profesionales en la industria finlandesa del cine, incluyendo directores, actores y guionistas.
Premio a una de las diez mejores películas del año por The National Board or Review (1936). The National Board of Review (Consejo Nacional de Crítica de Cine), conocido también como NBR, fue fundado en 1909, en Nueva York como protesta dirigida al alcalde de la ciudad, George B. McClellan Jr., por su revocación a las licencias de exhibición de películas en diciembre de 1908. El alcalde opinaba que el nuevo espectáculo degradaba la moral de la comunidad. El propósito principal del Consejo era apoyar las películas de mérito y abogar por el nuevo arte del pueblo, que estaba transformando la vida cultural de Estados Unidos. De esta manera, y para evitar la censura gubernamental de las películas, el NBR llegó a ser la institución garante no oficial ante el gobierno y los distintos representantes del mundo cinematográfico, para las nuevas películas que iban apareciendo. Aún existe.
Premio de The National Film Preservation Board (1989). The National Film Preservation Board es un consejo estadounidense dedicado a la conservación de las mejores películas de la historia. Fundada en 1988, su objeto es el de preservar hasta 25 películas cada año que por su «significado cultural, histórico o estético merecen ser conservados». Para ser elegida, la película debe tener al menos 10 años.
Nominada en 2004 en los «Satellite Awards» por el mejor lanzamiento de cine clásico en DVD.
Os dejo un link de Youtube en el que puede verse la película completa, y otro a un curioso homenaje que se le hizo en el año 2011 en los Estados Unidos.
Estrenamos sección para los miércoles, serán nuestros “Miércoles de película”.
Un día a la semana, durante toda esta temporada, estará marcado por una obra maestra del cine. Serán comedias, musicales, obras de fantasía, historias llenas de romanticismo y alguna que otra película de suspense las que nos acompañarán a lo largo de estas 52 semanas de cine.
Actores, directores, fotógrafos, grandes maestros ganadores y candidatos de los premios Oscar que han hecho inolvidables estos títulos para la mayoría de los amantes del buen cine clásico. Películas que nos inspiran y que hemos seleccionado entre lo mejor de la cinematografía clásica mundial.
Son nuestras 52 obras maestras del cine, esas que no nos cansamos de ver y que nos siguen cautivando…
Nos encantará que te sumes a nosotros en este increíble recorrido por todo lo mejor del cine clásico.
