Diccionario Vintage: Con la «R» Rubí

El rubí es una gema de color rojizo que pertenece a la familia de los corindones. El nombre de rubí  viene de la palabra latina “ruber” que significa “rojo”.

Este color rojo es debido a la cantidad de cromo y de hierro que la gema tenga en su composición. Por eso  el rubí tiene un amplio recorrido de colorido en la gama de los rojos, que va desde el rojo intenso “rojo  sangre de pichón” al color violeta (rubí Orissa), pasando por diversas tonalidades rosáceas (rubí de Madagascar).

Los mejores rubíes  llegan a ser más costosos que los diamantes  del mismo tamaño, superándolos solo  en valor las esmeraldas.

Actualmente los mejores yacimientos de  rubíes se encuentran en Mogok y Hong –Hsu (Myanmar, antigua Birmania).

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Hay una gran variedad de rubíes, pero yo destacaría los siguientes:

El Rubí Sangre de pichón                                           

Es la  más preciada variedad de rubí. Su color es rojo intenso con tonalidades púrpuras azulados. Este rubí adquiere una luminosidad especial en la noche con la luz  de las candelas. Por eso es muy valorado y admirado.

El rubí de Mogok (Birmania) Es un rubí de un rojo intenso, teñido de rosa con algunos reflejos azules.

El rubí de Tanzania (África central-costa este) Este rubí se ha convertido en la estrella del mercado del rubí. Es de un color rojo brillante, luminoso, con una increíble mezcla de tonos rosa brillante y anaranjado suave.

El rubí Malewi ( S.E de África) Es un rubí de rojo profundo con discretas tonalidades rosa-violeta.

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Luego están el rubí Rojo noche (Camboya), El rubí de Madagascar, El rubí  Sri Lanka ( isla golfo de Bengala), El rubí Balas (Afganistan) 

Y por último el Rubí  Estrella que es una variedad de rubí, que  cuando se talla en cabujón , muestra unos reflejos en forma de estrella de 6  y a veces de 12 rayos que parecen deslizarse sobre la superficie de la gema cuando esta se mueve.

Estos rubíes son escasos. De cada cien rubíes extraídos, solo tres pueden ser estrella con unos buenos y bonitos reflejos de color. Los rubíes estrella son traslúcidos y opacos, nunca se presentan transparentes.

Es un rubí estrella de color violeta con bellos reflejos rojos.

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Algunos rubíes famosos por su historia

Rubí de Timor

 Es el rubí más grande de tamaño después del rubí de la corona imperial rusa. Esta piedra pasó a  las  manos de Timur – conocido en Europa como Tamerlán – cuando este conquistó Delhi en 1398. En 1628  pasó  a poder del emperador de Delhi,  Shah Jahan, el cual construyó el famoso trono del Pavo Real y lo embelleció con numerosas piedras preciosas entre ella el rubí Timor. Más tarde con la invasión persa el rubí volvió de nuevo a Persia hasta que en 1949 la East India Company tomó posesión de la piedra y la envió a Inglaterra.

Esta piedra tiene la peculiaridad de tener unas inscripciones en su superficie con los nombres de todos los emperadores que la poseyeron.

El Príncipe Negro

Es una gran espinela de un color rojo espectacular, considerada durante algún tiempo como rubí. Esta famosa piedra que, se encuentra hoy engarzada en la corona real británica, estuvo en posesión de D. Pedro I “el cruel”, rey de Castilla, que pasó a su poder por medio Abu Said rey de Granada.

Pedro I  más tarde, la entregó como tributo y en pago de favores militares   al  príncipe  ingles Eduardo IV apodado “el Príncipe Negro”, hijo del rey de Inglaterra Eduardo III.  El hijo de Eduardo IV, Enrique V en 1415, montó la piedra en su corona de casco.

El rubí pasó más tarde a formar parte del tesoro de la corona de Inglaterra, hasta que Carlos II la montó en la corona real. Esta corona  fue varias veces modificada para las coronaciones de la reina Victoria en 1838 y la coronación de Jorge VI en 1937,  en  la cual  quedó tal y como la conocemos hoy en día.

El uso primitivo de esta piedra fue como colgante, por eso lleva en su parte superior un orificio que está  tapado con un diamante.

Imágenes @María López-Linares

 

La Gravida- Raffaello

 

La mujer encinta o simplemente “La gesta” es un óleo sobre madera retrato del artista italiano del Alto Renacimiento Raphael. Parece que en su mano llevara un pequeño pañuelo y porta varios anillos de una sencillez y elegancia increíble. Esas son las dos piezas que hoy os traigo hasta el blog. Una en lapislázuli y la otra en cuarzo amarronado.

El retrato representa a una mujer que está embarazada sentada con la mano izquierda apoyada en su estómago. Las pinturas de las mujeres embarazadas eran inusuales en la época del Renacimiento.

El retrato representa una mujer de tres cuartos contra un fondo oscuro, sentada, con una mano sobre su vientre redondo.

 

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Con un vestido de pronunciado escote en rojo y con las mangas desmontables, algo muy frecuente en la época. Los ropajes aunque de apariencia sencilla le dan un aire grandioso a la figura.

No es seguro que la dama representada estuviera realmente embarazada. Puede ser que la forma redonda del vestido se deba a la opulencia del cuerpo y a la posición sentada. La mano, con la presencia de muchos anillos probablemente quiere poner de relieve la situación social en lugar de aludir a una maternidad futura.

También hay controversia con la identidad de la modelo, podría ser un miembro de la familia Bufalini de Città di Castello, o Emilia Pia da Montefeltro, debido a las similitudes con el Retrato de Emilia Pia da Montefeltro, ahora en el Museo de Arte de Baltimore en los Estados Unidos.

El trabajo fue mencionado por primera vez en un inventario de principios del siglo XVIII de Palazzo Pitti. En el inventario de 1815 se atribuye a Innocenzo da Imola, mientras que en el de 1829 aparece de nuevo como por un pintor desconocido. Se atribuyó primero a Rafael en 1839 ahora es considerado casi unánimemente por el pintor de Umbría, con alguna excepción.

El retrato fue pintado entre 1505 y 1506, durante la estancia de Rafael en Florencia, Italia y se encuentra actualmente en el Palazzo Pitti en Florencia.

Imágenes @María López-Linares

Ada María Davis y el diario de su boda.

Era muy corriente a finales del S.XIX que las mujeres se dedicaran a la enseñanza. Normalmente debían abandonar ese trabajo al contraer matrimonio para hacerse cargo de su nueva casa y de su esposo. En el caso de Ada María trabajaba para mantenerse, ya que carente de padres necesitaba una ayuda económica para salir adelante.

Ada Maria Davis era huérfana de padre y madre y vivía como huésped en casa de George y Mary Hudson en Rutland, Massachussets, este hecho seguramente se debía a que en aquella época no estaba muy bien visto que una mujer trabajara y viviera sola. Seguramente Ada decidió vivir con el citado matrimonio para no levantar habladurías entre sus conocidos.

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En 1874, Ada se había trasladado a Worcester, Massachusetts, donde era profesora en la Escuela Adams Square, y allí muy probablemente habría conocido a su futuro esposo,  Timothy Sibley Heald. Timothy vivía en Hubbardston, donde su padre regentaba un aserradero de madera.

Ada Maria debía ser una mujer extremadamente organizada y previsora, comenzó a llevar la cuenta de gastos de su boda seis semanas antes de la fecha prevista, y aún se conserva el cuaderno en el que con todo detalle fue apuntándolo todos los gastos. La suma total asciende a $667.16 en los artículos relacionados específicamente con la boda.  Parece ser que ese dinero provenía de los ingresos por la venta de la madera vendida un tiempo atrás, que probablemente Ada habría heredado a la muerte de su padre, por lo que podemos pensar que quizás fueron las gestiones para la venta de esa madera lo que hizo que ella y Timothy se conocieran y comenzaran su noviazgo.

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Davis mantenía el diario con todos los detalles. Era meticulosa en la registro de todos los gastos de su boda y su ajuar. En él vemos anotado todo lo referente a gastos,  adquiriendo tela, encajes y otros suministros de costura, guantes de seda, medias, azahar y una falda de aro, entre otras cosas. Ella era consciente de cada centavo que gastaba.

El vestido de novia se realizó con  dieciocho yardas de satén blanco, que Davis compró a Miss. Aldrich por $45.

El corpiño se ajustaba un poco hacía abajo, siendo más largo que los que hemos visto hasta ahora. Algo que se puso de moda más o menos por esas fechas. El largo de Ada estaba un poco a caballo entre lo que empezaba a estar de moda y lo que ya no gustaba tanto, lo cual nos habla de su deseo de estar a la moda pero sin ser demasiado rompedora en sus gustos. Su falda también era algo menos abullonada que las que hemos visto hasta el momento. Al final, con todos estos cambios, la figura de la mujer comienza a ser más estilizada.

Ada Davis y T. Sibley Heald se casaron por la tarde en el moderno «Bay State House», un moderno hotel para la época construido en 1856 y situado en el corazón del distrito financiero de Worcester. De acuerdo con el diario de Davis, la pareja invitó a 239 personas, en su mayoría amigos y familiares de Worcester y sus alrededores, aunque algunos llegaron desde lugares tan lejanos como Chicago y Cincinnati.

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Fue todo un evento muy moderno, y un centenar de invitados disfrutaron de la obra hecha por la repostera local Hannah Hemenway, que era especialista en pasteles de boda.

Espero que os guste nuestra novia Vintage de febrero. A mí me ha resultado muy curiosa su historia.

Os dejo un par de fotos del hotel donde se celebró el banquete y del diario de Ada, que me han parecido muy curiosas.

Bibliografía:

Wedding Perfection- Two Centuries of wedding Gowns- Cynthia Amnèus.

Gran Duquesa Maria Nikolaevna, hija de Zar Nicolás II y la Emperatriz Alejandra Feodorovna

Joven de buen carácter, vivaz y coqueta, era considerada la segunda más bella de las hijas del zar. Decían que su hermana Tatiana era aún más bella.

Poseía unos expresivos ojos azules, tan grandes que en la familia eran conocidos como «los platillos de María». Vivía en una de las 100 habitaciones del palacio de Alejandro, a  20 km al sur de San Petersburgo, con su hermana la Gran Duquesa Anastasia, formando lo que en palacio se conocía como «la pequeña pareja».

Su tutor francés Pierre Gilliard dijo de ella que era “alta y bien estructurada, con mejillas sonrosadas”. Tatiana Botkina decía que la expresión de los ojos de Maria era «suave y gentil». Durante su infancia su apariencia física era comparada con la de los ángeles de Botticelli. El Gran Duque Vladimir Alexandrovich de Rusia la llamaba «El bebé amigable», por su naturaleza buena.

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Al estallar la revolución rusa, fue confinada junto a su familia en el Palacio Alejandro de Tsárskoye Seló. En agosto de 1917 fue trasladada con ellos a Tobolsk (Siberia) y posteriormente, en la primavera de 1918, a Ekaterimburgo. En la madrugada del 17 de julio de ese mismo año murió asesinada por los bolcheviques, junto a su familia y varios sirvientes.

Retrato de la retratista Christina Robertson (1796-1854), en la que podemos apreciar su sutil y melancólica belleza.

Fotografías: @María López-Linares

Flor Charo Agruña 

 

Diccionario Vintage: Con la «Z» Zafiro

Podemos buscar el origen de la palabra zafiro en el latín Sapphirús, el griego Sappeiros  o el  hebreo Sapir, todas ellas utilizadas para designar a las gemas de color azul.

El zafiro era conocido y muy usado desde la antigüedad, sobre todo se asocia a la cultura persa. Piedra preciosa de la familia del corindón. El zafiro es una variedad del corindón transparente por su tonalidad azul.

La gran diferencia entre el zafiro y el rubí es que el zafiro, al encontrarse en las zonas  superiores de la capa terrestre donde abunda el oxido de hierro y el titanio  adquiere ese color azul que le distingue de su hermano el rubí.

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Existe una gran variedad de gamas de colores de zafiros a los cuales se les denomina  “zafiros de fantasía” :   blanco, verde, amarillo, rosa, marón , transparente….

Los zafiros más cotizados son:

  • El de Cachemira con un color azul intenso aterciopelado.
  • El zafiro de Myanmar que posee un precioso color azul índigo
  • El zafiro de Sri-Lanka muy demandados por su color azul arándano intenso.

Zafiros famosos

  • La estrella de la India

Es el zafiro más grande, descubierto hace 300 años en Sri Lanka. Tiene 536 quilates. Y está expuesto en el Museo Americano de Historia Natural.

  • El Zafiro Logan

Es el zafiro facetado más grande conocido. Tiene 423 quilates y está expuesto en el Museo Smithsoniano de Historia Natural. Washington Dc.

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  • Zafiro Stuart

Es un zafiro de 104 quilates. Colocado en la corona real británica  debajo del rubí “Príncipe negro”  para la coronación de la reina Victoria en 1908. Más tarde, para la coronación de Jorge V el zafiro  fue desplazado a la parte posterior de la corona poniendo en su antiguo lugar a la  segunda “Estrella de África”.

  • Zafiro Ruspoli

Es un zafiro en forma de diamante de 135 quilates que perteneció a Luis XIV. Actualmente está expuesto en el  Museo de Historia Natural de Francia.

  • Zafiro Millenium

Es un zafiro de 61.500 quilates tallado por el italiano Alessio Boschi.  En la piedra están talladas las caras de algunos personajes de la humanidad como Beethoven o Shakespeare Este zafiro en bruto fue descubierto en Madagascar en 1995.

IMÁGENES:

Losmasraros.com

Millenniumsapphire.com

María López-Linares

 

La masterpiece de Wendy Ramshaw: Un sueño hecho realidad

Pasear por los pasillos del Museum & Art Gallery de Birmingham, en Inglaterra, supone sensaciones encontradas. Por un lado, la modernidad de sus formas en cada esquina contrasta con las joyas vintage que decoran sus paredes. Para disfrutar de esta exposición, es necesario verlo todo como un solo elemento; decoración, recinto y la exposición en sí. Todo junto evoca un sueño. No en vano es llamada “La habitación de los sueños”.

La exposición que hoy hemos destacado es la mejor exhibición de una de las maestras joyeras más afamadas de Inglarerra: Wendy Ramshaw. Si no te suena el nombre, me encantará presentarte su trabajo en estas líneas, y estoy segura de que acabarás prendada de su forma de pensar y de inculcar sus deseos de belleza a todas sus piezas.

La Habitación de los Sueños (The Room of Dreams) es una retrospectiva de toda la carrera de Wendy Ramshaw, su masterpiece. En ella se mezclan exquisitamente el vivo color rojo sobre el inmaculado blanco de las paredes, que ostentan un total de 80 joyas. Cada una de estas piezas están inspiradas a su vez a un sueño, historias que nos recuerdan deseos que han sido recogidos en más de una obra en las últimas décadas, como en Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll, a quien la artista dedica una de sus piezas.

Wendy Ramshaw nació con el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Cuando la contienda finalizó ella, con tan sólo seis años, ya disfrutaba mezclando piezas de tela para formar preciosos diseños.

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Inglaterra volvía vencedora, y como tal, su pueblo era merecedor de una gran fiesta que celebrara los logros conseguidos en numerosos campos como la ciencia, la agricultura, la literatura y la industria: el Festival of Britain, al que también fueron invitados artistas y diseñadores noveles, como Wendy, que entonces contaba con 12 años. A partir de este festival, su vida cambió.

Tras contraer matrimonio con David Watkins en 1961, la pareja comenzó a trabajar en numerosos proyectos juntos, no solo en la vida al no separarse prácticamente nunca y mantener un taller conjunto durante 35 años, sino también laboralmente. Ambos han hecho una gran contribución al arte y el diseño. Juntos. Siempre juntos.

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Ramshaw se ha convertido por derecho propio en la principal diseñadora de joyería moderna de Inglaterra, llegando a ser una de las dos únicas mujeres admitidas en la Worshipful Company of Goldsmiths. Numerosos premios y condecoraciones la avalan, pero lo que mejor puede hablar de su triunfo es su trabajo, que os dejamos en imágenes en este artículo y que esperamos os guste tanto como a nosotras.

La exposición puede visitarse hasta el 22 de mayo de este año.

Más información en Birmingham Museum & Art Gallery

Novias Icónicas

El siglo XIX supuso una nueva etapa en el vestido de novia, sobre todo a raíz de la boda de la Reina de Inglaterra, que decidió acudir al altar en un precioso vestido blanco, algo que no había sido costumbre en la realeza hasta la fecha.

Este mes estrenamos sección y no podiamos haber elegido mejor época para comenzar, vamos a darnos juntos un paseo por lo mejor de la moda nupcial de finales del S.XIX.

¿Te vienes conmigo?

 

Diccionario Vintage: Con la «A» Abalorio

Abalorio, del árabe Al-ballurí, que significa  “de vidrio”. La Real Academia española de la Lengua lo define como: conjunto de cuentas agujereadas, con las cuales ensartándolas, se hacen adornos y labores.

Historia del  Abalorio

Los abalorios han sido usados por el  hombre desde las primeras civilizaciones tanto para adorno personal como para protección de los espíritus malignos o como amuletos de prosperidad e incluso también se usaron como moneda de cambio.

Los primeros abalorios aparecen  en el año 100.000  a. C.  En la época prehistórica se encuentran guijarros con una perforación que está  hecha expresamente para pasar por ellas un cordón.                                     

Conforme avanza la historia, el uso de los abalorios se extiende por todo el mundo a la vez que se refina tanto el proceso y técnica de elaboración, como la materia prima con la que se elaboran.

Desde los primeros abalorios encontrados en la época prehistórica hasta el final del imperio romano, la técnica de elaboración fue casi la misma; y  desde la época romana  hasta el siglo XX, en realidad hay pocas  las innovaciones en  las técnicas empleadas;  es en el uso de los distintos materiales  donde se aprecia el cambio de una época a otra. Pero a partir del siglo XX, los avances técnicos y científicos  introducen importantes innovaciones  tanto en los  materiales empleados como en los modos y técnicas de elaboración.

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Las principales técnicas empleadas  en la artesanía del Abalorio

Técnica  de la filigrana

Es una técnica empleada en orfebrería  que consiste en  decorar con hilos de metal (oro o plata) Incrustados, superpuestos, o individuales creando formas y figuras. Es una técnica muy antigua  que ya se empleaba en el antiguo Egipto, Mesopotamia,  Bizancio , Grecia..etc.

Técnica del Cloisonné

Consiste en contornear el dibujo con metal. En la antigüedad se usaban incrustaciones  con piedras preciosas, vidrio  y otros metales. Actualmente  se usa esmalte vidriado. Esta técnica se uso mucho en el imperio Bizantino y en China.

Técnica de granulación

Consiste en decorar con la unión de pequeños granitos de metal sobre otra superficie de metal siguiendo un diseño determinado.. Es una de las más antiguas tecnicas empleadas en el abalorio. Ya en el año 2.500 a.C encontramos objetos elaborados con esta con esta técnica

 Clases de materiales en el Abalorio

Actualmente se emplea toda clase de materiales: madera, plastico, piedra, materiales naturales de origen animal como el hueso, el coral, marfil , conchas, ambar….  o   vegetal como semillas . Actualmente los abalorios de cristal  son los que más se imponen, destacando entre los cristales : el cristal de Bohemia ,el de Murano y el austriaco ( cristal de swarosky)  que por su calidad, su brillo y colores variados es muy apreciado en joyeria .26

Florence Carlisle y su aventura europea.

Una curiosa costumbre entre la clase acomodada americana de finales del S.XIX era que al alcanzar la mayoría de edad solían realizar un viaje por Europa, una aventura que era conocida como “El Gran Tour”. Un apasionante viaje en el que los jóvenes aprovechaban no solo para visitar la Roma clásica, sino también para perderse por los lugares de moda de la capital francesa, o para estudiar de cerca la pintura renacentista de los mejores museos italianos. Este “Tour” era una ocasión perfecta para ser presentados en Londres ante la Reina de Inglaterra y, de este modo, entrar a formar parte de lo que ellos llamaban la “buena sociedad”. Ser presentado en la Corte se había convertido en un pasaporte para la formar parte de un restringido circulo y así asegurarse la aprobación en la alta sociedad americana.

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Parece que nuestra protagonista de esta semana se encontraba en el censo londinense en el año 1871, domiciliada en el Hotel St. James en Jermyn Street, viajando junto a su madre y su hermano con un grupo de cuarenta americanos

Florence Carlisle, para ser presentada ante la reina tenía que cumplir con unas estrictas normas de vestimenta. Las señoras debían llevar un vestido de noche con escote bajo y manga no muy corta. Se requería el uso de un tocado de tres plumas de avestruz con un pequeño velo.

El vestido que os traigo hoy, y que se encuentra actualmente en Museo de Arte de Cincinnati, lleva el sello de una modista de Londres, la Sra. James, una de muchas en el West End que se especializó en el traje de corte. Está claro, por las fotografías originales tomadas en Londres, que la señora James realizó para  Carlisle un vestido que seguía las más estrictas reglas de protocolo.

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Como el vestido de una novia, este tipo de trajes de corte estaba hecho especialmente para la ocasión. No es de extrañar que las damas vistieran sus trajes de novia el día que eran presentadas en la corte o que por el contrario usaran los trajes con los que se las presentaban en sociedad para contraer matrimonio. El vestido fue donado al museo como vestido de corte y de novia. Sin embargo, Carlisle no se casó hasta junio de 1884, por lo que parece poco probable que fuera usado para dos fechas tan separadas. El vestido es una joya en su diseño y ejecutado en un tono dorado  y cargado de detalles románticos. Con una preciosa falda llena de pequeños volantitos plisados y una preciosa cola de seda natural. Un diseño que bien podría lucir cualquier novia de este S.XXI.

¿No os parece que los trajes de novia clásicos nunca pasan de moda?

Bibliografía:

Wedded Perfection Two centuries of wedding gowns- Cynthia Amnéus.

María Palmer, sobrina del famoso pintor inglés Sir Joshua Reynolds.

En el retrato que os dejo podemos ver a una joven y lozana María pintada por el afamado artista de la época Sir Thomas Lawrence, que llegó a presidir la Royal Academy de Londres. La baronesa aparece ataviada con un vistoso vestido de seda amarilla, llevando en su brazo izquierdo dos sencillas pulseras, seguramente de oro.

Una gran dama de la sociedad británica que hoy os dejo en mi Vintage Blog.

María Palmer, segunda esposa de Murrough O’Brien 10º barón de Inchiquin, 5º conde de Inchiquin y 1er. marqués de Thomond, soldado y político irlandés.

La pareja contraería matrimonio el  25 de julio de 1792. María era la hija mayor de John Palmer, de Palmer House, y de  Mary Reynolds una hermana del famoso pintor inglés 19

Por tanto María era  sobrina carnal del afamado pintor y principal heredera de su tío. Ella fue una mujer con un gran capital para la época, lo que le permitió de pagar en más de una ocasión las  deudas de su marido.

Murrough  tenía fama de jugador y bebedor, pero también se  uniría a la Guardia de Granaderos y sería oficial en Alemania, donde ganó grandes honores en la batalla de Lauffeld en 1747. Se retiró en 1756 y entró en la Cámara de los Comunes irlandesa. Ocupó un puesto en el  parlamento para Harristown hasta 1768.

A causa de su apoyo a la Ley de Unión de Gran Bretaña e Irlanda, el 29 de diciembre 1800 fue nombrado marqués de Thomond en Irlanda y barón Thomond de Taplow en el Reino Unido el 2 de octubre 1801, Este último título le permitió sentarse en la Cámara de los Lores del Reino Unido. Tuvo una estrecha relación con el rey Jorge III.

Parece que, como era costumbre en la época, tuvo un hijo ilegítimo, Thomas Carter. Fue compositor en Londres durante la década de 1790 y  vivió con su padre en Taplow Court durante una temporada, prestándole dinero, igual que haría su esposa, para pagar sus múltiples deudas.

Espero que os guste.