Vacaciones en Roma

Año:1953

Director: William Wyler.

Reparto:

Gregory Peck (Joe Bradley).

Audrey Hepburn (Princes Ann).

Eddie Albert (Irving Radovich).

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Premios:

Oscar a la mejor actriz revelación (Audrey Hepburn), al mejor guión y al mejor vestuario.

La película ganó muchos otros premios que os invito a conocer en la página web de IDBM

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Curiosidades:

  • Gregory Peck propuso que el nombre de Audrey Hepburn fuera antes que el suyo en los créditos, porque sabía que iba a ganar un Oscar.
  • William Wyler solía hacer varias tomas de una escena. No sucedió con la de la «Boca de la verdad», cuando Gregory Peck escondió su mano bajo la manga y la reacción de Audrey Hepburn fue totalmente real y espontánea. La escena no se repitió.
  • Fue la primera película americana rodada totalmente en Italia.
  • La secuencia de la Embajada incluía a nobles italianos reales, los cuales donaron sus sueldos a la caridad. En la escena final de la rueda de prensa, los periodistas también son reales.
  • Wyler estuvo a punto de cancelar el proyecto porque quería a Jean Simmons y ésta no estaba disponible.
  • Está en el puesto número 4 de las 10 mejores comedias románticas de todos los tiempos, según el American Film Institute.
  • Se pensó en Cary Grant para el papel protagonista, pero lo rechazó por ser demasiado mayor. Más tarde trabajaría con Audrey en «Charada», haciéndose grandes amigos.

 

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Vacaciones en Roma, una seductora y elegante comedia romántica que convirtió tanto a su protagonista como a  la ciudad de Roma en un icono para la eternidad.

La película se iba  a rodar en color en Hollywood y protagonizada por una actriz de primera categoría. Se pensó en Elizabeth Taylor, entre otras, pero Wyler insistió en rodarla en Roma, por lo que los costes hubo que reducirlos, rodando en blanco y negro y contratando a una desconocida Audrey Hepburn.

Para ser la primera película de la que la joven y encantadora Audrey Hepburn era protagonista, nada podía haber salido mejor. Éxito de crítica, de público y un premio de la Academia. Como si estuviera hecho a su medida, Audrey Hepburn se mete en el papel de una princesa europea que se va de aventura urbana con un periodista que queda perdidamente enamorado de la joven. Sin olvidar escenas memorables como el paseo en Vespa o la divertida escena en la «Boca de la verdad», la película es un hermoso cuento de hadas adaptado a la modernidad de los tiempos. La ingenuidad e inocencia de Audrey se convertirían en legendarias, lo que hizo que el público la adorara siempre.

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Con una fotografía fantástica, la película recorre la ciudad de Roma mostrándonos algunos de sus rincones más populares. La escena en la que los dos protagonistas recorren la ciudad en Vespa, produjo un interés mundial por el famoso vehículo de dos ruedas y los recorridos turísticos en moto por la ciudad.

En unos de los finales más emotivos que he visto hasta ahora…

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En esta imagen de arriba , Audrey posa con el vestido de novia que nunca llegaría a utilizar. Mientras rodaba Vacaciones en Roma, Audrey estuvo a punto de casarse con James Hanson, un playboy de Londres, rompiendo el compromiso tan solo dos semanas antes de boda.

Audrey pidió a una de las diseñadoras, Zoe Fontana, que se lo regalase a otra chica que no pudiese costearse un vestido para su boda. La afortunada fue Amabile Altobello, una chiquilla de 20 años que vivía a las afueras de Roma. La prenda entró en la subasta de la colección de costura de la actriz que se llevó a cabo en 2009, vendiéndose por 16.000 euros.

Información extraída de:  Smoda

Escenas Inolvidables:

Audrey recibiendo el Oscar:

http://youtu.be/p-vR7D21wqI

 

Imágenes:

Stripdancing.es

Filmarinar

Elpatiodebutacas.blogspot.com.es

Contraquerencia.blogspot.com.

Smoda.elpais.com

Sala66.tumblr.com

 

Cantando bajo la lluvia

Año: 1952.

Directores; Stanley Donen, Gene Kelly.

Reparto: Gene Kelly (Don Lockwood).

Debbie Reynolds (Kathy Selden).

Donald O´Connor (Cosmo Brown).

Jean Hagen (Lina Lamont).

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Premios:

Nominada al Oscar en 1953 por mejor banda sonora y mejor actriz.

Globo de Oro en 1953 a Donald O´Connor como mejor actor de comedia musical.

La película ganó muchos otros premios que os invito a conocer en la página web de IDBM

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Curiosidades:

  • Gene Kelly insultó a Debbie Reynolds porque no sabía bailar. Fred Astaire la encontró llorando en el estudio y la ayudó.
  • La escena de «Cantando bajo la lluvia» llevó todo un día prepararla. Gene Kelly estaba con fiebre y, a pesar de todo, se filmó toda la secuencia en una sola toma, que es exactamente lo que se ve en la película.
  • Después de hacer el número de «Makeemlaugh», Donald O´Connor tuvo que ser hospitalizado por agotamiento. Fumaba cuatro paquetes de cigarrillos al día.
  • Donald O´Connor admitió que nunca le gustó trabajar con Gene Kelly, porque era demasiado tirano.
  • Después del número de «Goodmorning», Debbie Reynolds tuvo que ser llevada a su camerino con los pies sangrando. Gene Kelly decidió volver a grabar los sonidos de claqué, tanto los de Debbie como los suyos.
  • Debbie Reynolds tenía 19 años y aún vivía con sus padres. Se levantaba a las 4 de la mañana para ir al estudio y tenía que coger tres autobuses. A veces se quedaba a dormir en el estudio.
  • El guión se escribió después de las canciones.
  • El negativo original de esta película se quemó en un incendio.
  • A Cyd Charisse le tuvieron que enseñar a fumar para la escena que hizo con Gene Kelly.
  • Está en el puesto número 5 de las mejores películas de todos los tiempos, según The American Film Institute, y en el 10 de Entertainment Weekly, siendo en ambos casos el mejor musical de la historia.
  • Se pensó en  Judy Garland, June Allyson y Ann Miller para el papel de Kathy Selden, pero eran demasiado mayores. También se pensó en Jane Powell y Leslie Caron.
  • Debbie Reynolds tuvo que frotarse los ojos con cebolla para la escena penúltima en la que tiene que llorar.

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Sin duda, la mejor comedia musical de todos los tiempos. Gene Kelly sensacional, perfeccionista y exigente tanto consigo mismo como con el resto del reparto, consiguiendo una vez más una obra maestra del género musical.

Mucho más atlético que Fred Astaire, sus escenas resultan espectaculares. Sin olvidar el magnífico reparto con un Donald O´Connor que no deja de hacernos reír, y una encantadora y jovencísima Debbie Reynolds que supo finalmente estar a la altura del durísimo papel que le tocó interpretar.

A destacar números musicales como «Makeemlaugh», «Mosessupposses», «GoodMorning», las espectaculares piernas de Cyd Charisse y, por supuesto, el número que da título a la película: «Singing in the rain».

Inolvidable…

Escenas Memorables:

Imágenes:

http://www.mubis.es

http://www.cinemaseries.es

http://cinemafilmesclub.blogspot.com.es

Un tranvía llamado deseo

Año: 1951.

Director: Elia Kazan.

Reparto:

Marlon Brando (Stanley).

Vivien Leigh (Blanche).

Kim Hunter (Stella).

Karl Malden (Mitch).

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El debut de Marlon Brando en el mundo del celuloide no pudo empezar mejor. El actor está descomunal interpretando a un bruto y presuntuoso machista barriobajero, al que solo podemos asociar a la más brutal violencia de género. Retador, desobediente y con la única motivación de ser reconocido por su fuerza y su indiscutible atractivo sexual.

Una personalidad acentuada por el abuso del alcohol y al que comencé  a odiar a los pocos minutos de comenzar la película.  Su desprecio por la fragilidad y la vulnerabilidad tanto de su mujer como de su cuñada, son absolutamente despiadados.

Marlon se enfrenta a una Vivien Leigh desequilibrada, débil, frágil y mentirosa. Su interpretación de una mujer sureña, que vive anclada en un pasado feliz y que solo busca la amabilidad y las cosas bonitas de la vida es sobrecogedora.  El miedo reflejado en sus ojos cada vez que se cruza con Brando es tan real, que no dejas de sentir una pena inmensa por ella a lo largo de toda la película.

Endstation Sehnsucht / Streetcar Named Desire, A

La batalla entre los dos personajes se convierte en un duelo interpretativo de un magnetismo sinigual. Vivian Leigh se convierte en el complemento perfecto para Brando, formando una pareja interpretativa impactante. Ambos actores consiguieron una química brutal e irrepetible.

«Un tranvía llamado deseo» es dura, muy dura… Sus casi dos horas de duración no te dejaran indiferente.

Es imposible verla y no sentir un nudo en el estómago.

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Curiosidades:

  • Vivien Leigh, que en la vida real sufría trastorno bipolar, tuvo dificultades en distinguir su vida de la de Blanche Dubois.
  • A medida que avanzaba la película el apartamento Kowalski se iba haciendo más pequeño, para acentuar la claustrofobia de Blanche.
  • La censura eliminó 68 frases y la Legión Católica de Decencia añadió varios cortes más, todos relacionados con la homosexualidad y la violación.
  • Antes de Vivien Leigh se le ofreció el papel a Jessica Tandy y a Olivia de Havilland.
  • La frase  «I have always depended on the kindness of strangers» (siempre he dependido de la amabilidad de los extraños) está en el puesto 75 de las mejores frases de cine. Y la película está en el puesto 47 de las mejores de la historia.
  • Marlon Brando detestaba el personaje.
  • Vivien Leigh hacía de mujer mayor, aunque sólo tenía 36 años.
  • Se le ofreció el papel a Robert Mitchum y a John Garfield.
  • La película se rodó en 36 días laborables.
  • William Wyler quiso hacer la película con Bette Davis como protagonista.

Un tranvía llamado deseo

Premios:

  • Oscar a la mejor actriz (Vivien Leigh)
  • Oscar al mejor actor secundario (Karl Malden)
  • Oscar  a la mejor actriz secundario (Kim Hunter)
  • Oscar a la mejor dirección artística.

La película fue nominada y ganó muchos otros premios que os invito a conocer en la página web de IDBM.

Secuencias inolvidables:

Imágenes:

http://cinedelamorgue.blogspot.com.es

http://peliculas.film-cine.com

http://unapizcadecmha.blogspot.com.es

http://clementinelagranpantalla.blogspot.com.es

http://popcorn-moloko.blogspot.com.es

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http://elsimagico.wordpress.com

Bodas Reales

Año: 1951.

Director: Stanley Donen.

Reparto:

Fred Astaire (Tom Bowen).

Jane Powell (Ellen Bowen).

Peter Lawford (Lord John Brindale).

Sarah Churchill (Anne Ashmond).

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Premios: Nominada al Oscar en 1952 a la mejor canción original.

Curiosidades:

  • La canción que baila Fred Astaire en la habitación se hizo colocando en esta la cámara y el operador en una jaula giratoria de 10 metros de diámetro.
  • Según una entrevista, Fred Astaire intentó bailar con más de treinta percheros antes de que el Estudio decidiera fabricar el suyo propio, por un coste (al cambio actual) de 4000 dólares. El perchero desapareció poco después del estreno.
  • Fred Astaire y Jane Powell cantan la canción con el título más largo de la historia del cine: «How Could You Believe Me When I Said I Love You When You Know I’ve Been a Liar All My Life» (Cómo podrías creerme cuando te digo que te quiero cuando sabes que toda mi vida he sido un mentiroso).
  • June Allyson y Judy Garland fueron candidatas al papel protagonista.
  • En Inglaterra se cambió el título por «Wedding Bells» (Campanas de boda), para no confundirla con la reciente boda de la Princesa Isabel (La reina Isabel II).
  • La tienda «Harridge´s» es una mezcla de «Harrod´s» y «Claridge´s», unos conocidos grandes almacenes y un hotel de cinco estrellas en Londres, respectivamente.
  • La escena del baile en el tejado parece estar hecha en una sola toma, pero si os fijáis con atención hay tres, quizá cuatro, cortes muy sutiles.
  • La historia recuerda vagamente a lo sucedido realmente a la hermana de Fred Astaire, Adele, que se casó con Lord Charles Cavendish, hijo del Duque de Devonshire. Justo como Jane Powell, que hacía de hermana de Fred y que se casa con un Lord inglés al final de la película.

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Un musical de los de antes, con una puesta en escena bárbara y de lo más cuidada.

Probablemente en esta película está la escena que hizo a Fred Astaire famoso en todo el mundo, etiquetándole ya para siempre como el mejor bailarín de Hollywood de todos los tiempos. Realmente hubo gente que pensó que era capaz de volar.

La escena a la que me refiero es la ya mítica en la que Fred Astaire, que comienza bailando en el suelo y acaba recorriendo el techo de la habitación, como si de un mago se tratara.

La escena tiene una perfección técnica impresionante, y más teniendo en cuanta la época en la que fu rodada, en la que no se podían hacer los montajes digitales que se hacen ahora.

Con una cámara en la habitación, metida en una jaula, Fred Astaire demuestra por qué el cine de mediados del siglo pasado era el espectáculo que llevaba a todo el mundo a disfrutar de una buena película.

Fred Astaire, que vuelve a demostrar un gusto y elegancia exquisitos para el baile, no sólo por la susodicha escena sino también por otras como el baile de los protagonistas en el barco que les lleva hacia Inglaterra. O el de Fred Astaire con un perchero en el gimnasio, casi tan famosa como la de la habitación.

Si os gustan los musicales y el baile, solo por ver estas tres escenas merece la pena ver la película.

Con este video que he encontrado en Internet, se entiende bastante mejor como se montó la escena de la habitación:

Imágenes:

Cineclasic.com

Wikipedia.org/wiki/Fred_Astaire

 

 

 

 

Forajidos

Año: 1946

Director: Robert Siodmack

Reparto:

Burt Lancaster (Ole ‘Swede’ Andreson)

Ava Gardner (Kitty Collins)

Edmon O´Brien (Jim Riordan)

Albert Decker (Big Jim Colfax)

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Premios:

Nominada a los Oscar en 1947 por mejor director, mejor guión adaptado, mejor montaje y mejor banda sonora. No obtuvo ninguno.

Premio Edgar Allan Poe a la mejor película en 1947.

Premio en 1946 del National Board of Review a la mejor película del año.

Premio del National Film Preservation Board en 2008.

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Curiosidades:

  • Primera película de Burt Lancaster, que venía de trabajar como acróbata en el circo.
  • Burt Lancaster estuvo dos meses practicando boxeo con un campeón de boxeo para hacer las escenas de combate, que las rodó con un boxeador real. Y lo hacía bastante bien.
  • Es la adaptación de una novela corta de Hemingway.

forajidos (11)Considerada por muchos la mejor película de cine negro de todos los tiempos, es indudable su calidad cinematográfica, especialmente los primeros diez minutos donde se relata el argumento de la novela de Hemingway, dejando el resto de la película para la investigación.

Con un argumento desarrollado en «flashbacks», el director nos lleva del pasado al presente descubriéndonos el hilo de la historia. Me ha gustado como está dirigida la película. Me encantan las películas policiacas y de investigación, y esta es una de las mejores que he visto en mi vida.

Si tuviera que quedarme con alguna escena, sin duda me quedo con la cara de alucinado de Burt Lancaster ante la visión casi celestial de una Ava Gardner bellísima. No se puede ser más guapa. Venus hecha mujer. Con esta, y algunas películas que la siguieron, se convierte en una de las «femme fatale» más famosas de la historia del cine.

A Burt Lancaster le he encontrado soberbio en su papel de boxeador y ladrón de altos vuelos. Por cierto, está mucho más guapo de joven de lo que yo le recordaba.

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¡No vamos a admirar solamente a las mujeres del cine clásico, algunas veces ellos las superan en belleza y atracción¡

Si os gusta el cine negro, de suspense, policiaco y de investigación este será uno de vuestros clásicos… seguro.

Trailer:

 

IMÁGENES:

http://elcollardehampstead.blogspot.com.es.

http://www.filmoteca.cat.

http://uraniaenberlin.com.

http://johannes-esculpiendoeltiempo.blogspot.com.es.

 

La costilla de Adán

Año: 1949

Director: George Cukor

Reparto:

Spencer Tracy (Adam Bonner)

Katharine Hepburn (Amanda Bonner)

Judy Halliday (Doris Attinger)

Tom Ewell (Warren Attinger)

David Wayne (Kip Lurie)

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Premios:

Nominada al Oscar en 1951 al mejor guión.

Nominada a Globo de Oro en 1951 a la mejor actriz secundaria.

Premio en 1992 del National Film Preservation Board.

Nominada en 1950 y 1951 al Premio WGA (Writers Guild Awards) a la mejor comedia.

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¡Qué ganas tenía de volver a verla!

Es una de esas comedias que te deja como flotando después de verla, te quedas con un sabor de boca tan fantástico que te da pena que se termine. Al menos a mí me pasa siempre que me pongo frente a esta increíble pareja, y en esta película están sublimes los dos.

Divertidos, irónicos, jocosos, picantes y, sobre todo, ingeniosos.

La comedia, con un guion chispeante, aborda con ingenio la eterna «batalla de sexos». Quizá en ninguna otra película se haya representado de una forma tan elegante, tan divertida y la vez tan cruda, la lucha de las mujeres por conseguir un puesto en la sociedad igual al de sus maridos.

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Han pasado más de 50 años y se mantiene tan fresca y actual como entonces. Es posible que en su momento no recibiera los premios que yo creo que merecía, justamente por eso, por tocar un tema un poco delicado para la época.

La calidad del guion y la rabiosa actualidad del tema, hacen de ella una de esas películas para no cansarte de verla.

La pareja protagonista, quizá la más sólida, convincente y compenetrada de la historia del cine, te lleva de una a otra escena con deliciosa comodidad, deseando volver a verles actuando juntos, volver a verla, volver a disfrutar, casi cómplices de él o de ella.

Porque lo más bonito de esta película es, sin duda, el final de la batalla, en el que ninguno pierde y ambos ganan.

Una comedia magnífica…

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Curiosidades:

  • En una de las primeras escenas en las que Judy Halliday hace un monólogo junto a Katharine Hepburn, se la ve temblando. No estaba actuando, como inexperta y primeriza actriz estaba muy nerviosa por actuar junto a la gran Hepburn.
  • En 2008 el American Film Institute calificó «La costilla de Adán» como una de las 10 mejores comedias románticas de todos los tiempos.
  • Uno de los eslóganes de la película era: «Es la respuesta hilarante a quien lleva los pantalones».
  • Está basada en una historia real del divorcio de dos actores de cine: Raymond Massey y Adrianne Allen.
  • Spencer Tracy siempre insistía en aparecer en los créditos junto a Katharine Hepburn. El guionista Garson Kanin le planteó: «Ella es la dama, tú el caballero. ¿Las damas primero?» A lo que Tracy le respondió: «Esto es una película, ganso, no un bote salvavidas».
  • El guión se escribió específicamente pensando en la pareja protagonista.
  • La película se rodó en Nueva York y, como en el resto de las películas que rodaron juntos, Tracy y Hepburn dormían en domicilios separados para evitar escándalos.

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Trailer Oficial:

Escenas Memorables:

http://youtu.be/Jl1dBYC2oQs

Imágenes:

Doctor Macro, Movie Classics, Emelab. 

El cisne

Año: 1956

Director: Charles Vidor.

Reparto:

Grace Kelly (Princesa Alexandra).

Alec Guinness (Príncipe Albert).

Louis Jourdan (Dr. Nicholas Agi).

Agnes Moorehead (Reina Maria Dominica).

Jessie Royce Landis (PrincesaBeatrix)

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Curiosidades:

  • En esta película la Princesa Alejandra es cortejada por el Príncipe Albert. Poco después a su primer hijo le llamaría Alberto ¿Casualidad?
  • Jessie Roy Landis hace de madre de Grace Kelly. Lo mismo que en «Atrapa un ladrón».
  • Se pensó en Rex Harrison y en Joseph Cotten para el papel del Príncipe Albert.
  • MGM estrenó la película el día de la boda de Grace Kelly con Rainiero de Mónaco.
  • Fue la primera película americana de Alec Guinness.
  • Fue la penúltima película de Grace Kelly antes de casarse con Rainiero (la última fue «Alta sociedad.
  • Grace Kelly aprendió esgrima y se negó a ser sustituida por un doble.
  • Helen Rose diseñó todo el vestuario de la película. Ella diseñaría meses más tarde el traje con el que Grace Kelly llegaría hasta el altar.

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La película se estrenó dos días después de la boda civil de los príncipes de Mónaco, se trataba de aprovechar el tirón de la ceremonia para convertirla en un éxito de taquilla.

Como si de un cuento de hadas se tratara, la MGM coloca con esta película a la futura Princesa de Mónaco en el lugar que le correspondería un año después.

Con todo lujo de detalles, presenta a Grace Kelly al mundo como si fuera la Princesa de América. Grace Kelly, que acababa de ganar un Oscar, es presentada al mundo por la productora americana como su  niña mimada de la que se siente orgullosa.

Resuelta en clave de comedia romántica, la película narra los intentos de la Reina María Dominica por unir a su bellísima hija (Grace Kelly) con el futuro rey Alberto (Alec Guinnes).

Yo me he reído a carcajada limpia, sobre todo en la primera parte de la película, con las divertidísimas salidas de la Princesa Beatriz. Su papel de adorable tía solterona, despistada y cariñosa es de lo más entrañable y chistoso. Tiene unos golpes geniales.

Por supuesto Grace Kelly está grandiosa en su papel de futura princesa jovial, educada, dulce y refinada. Pero, sobre todo, elegante y exquisita.

Os dejo algunas de las escenas más divertidas e inolvidables de la película y una imagen tomada por el fotógrafo Charles Vidor que, para mí, resume perfectamente la elegancia que irradia Grace en cada una de las escenas de la película en la que aparece.

Escenas memorables:

http://youtu.be/b2DiKva4plo

Imágenes:

El Criticon.esCon Algo de estiloRenato Felix.com 

Encadenados

Año: 1946

Director: Alfred Hitchcock

Reparto:

Ingrid Bergmam (Alicia Huberman)

Cary Grant (Devlin)

Claude Rains (Alexander Sebastian)

Louise Calhern (Paul Prescott)

LeopoldineKonstantine (MneSebastian)

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Premios:

Nominada en 1947 al mejor actor secundario (Claude Rains) y al mejor guión original.

Premio Bambi en 1952 a la mejor actriz (Ingrid Bergman).

Nominado en 1946 al Gran Premio del Festival de Cannes a Alfred Hitchcock.

Premio en 2006 del National Film Preservation Board.

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Curiosidades:

  • La escenas donde Cary Grant e Ingrid Bergman se-besan-no-se-besan se diseñaron así para saltarse el código Hayes, que decía que un beso no debía durar más de tres segundos.
  • Hitchcock dijo que estuvo siendo vigilado durante tres meses después del estreno porque en la película se comerciaba con uranio.
  • La actriz que hacía de madre de Claude Rains sólo tenía 3 años más que el actor francés.
  • La escena del balcón entre Cary Grant e Ingrid Bergman es casi toda improvisada.
  • En el guión original Alicia (Ingrid Bergman) es una prostituta.
  • David O. Selznick (el productor) quería a Vivien Leigh como Alicia (la verdad es que habría estado muy bien).
  • Alfred Hitchcock le preguntó al Premio Nobel de Física cómo hacer una bomba atómica, a lo que éste se negó a responderle. Sí le confirmó que se podría guardar en una botella.
  • Claude Rains filmó muchas escenas con Bergman subido en un cajón, para dar la sensación de que él y CaryGrant eran igual de altos. Nada más lejos de la realidad. Claude Rains medía 1,69, Ingrid Bergman 1,75 y CaryGrant 1,87.
  • Fue el único papel en una película americana de Leopoldine Konstantine (Mme. Sebastian).
  • El cameo de Hitchcock (siempre apareció en todas sus películas) en este caso es en la casa, en una fiesta cogiendo una copa de champán.

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Esta semana me ha tocado “Encadenados” de Hitchcock, he de reconoceros que tenía ganas de volver a ver a Ingrid Bergman y Cary Grant juntos, los dos me chiflan.

Sin duda una de las mejores películas de Hitchcock, si no la mejor, de toda su espléndida carrera cinematográfica como el director maldito de Hollywood (nunca recibió un Oscar), a pesar de que quizá haya sido el mejor director de suspense de la historia del cine.

Una historia donde se mezcla el amor y el suspense, con un Cary Grant más que esplendido en el papel de espía americano. El actor  sabe contener sus ansias de deseo hacia una sacrificada Ingrid Bergman, casi una prostituta, que acepta el semichantaje del que es objeto para desenmascarar al espía alemán, magistralmente interpretado por Claude Rains.

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Grant está elegante, atractivo e irresistible. Esas tomas que hace el director de la espalda del actor me parecen impresionantes, su elegancia y porte al caminar invaden la pantalla completamente. Para mí es de las pocas películas, de entre todas las que he visto en mis “Miércoles de cine”, en la que es el protagonista masculino el que canibaliza las distintas escenas de forma generalizada. Casi diría que hay escenas en las que consigue eclipsar a la Bergman.

Ingrid Bergman me ha cautivado en la segunda parte de la película. Su papel como sumisa esposa y espía es magistral.

El maestro del suspense demuestra, una vez más, cómo mantener al espectador pegado al asiento. Desde luego conmigo lo consiguió, manteniendo mi atención fijada a la pantalla esperando ver el desenlace sin moverme. Reconozco que hubo momentos en los que casi me puse nerviosa pensando qué pasaría.

¡Os la recomiendo!

Os dejo la película entera en youtube:

Imágenes:

http://www.canaltcm.com

http://www.filmaffinity.com

http://arandinosblog.wordpress.com

http://telondecine.blogspot.com.es

http://notodoeskippel.blogspot.com.es/

 

 

 

 

 

 

El sueño eterno

Año: 1946

Director: Howard Hawks

Reparto:

Humphrey Bogart (Phillip Marlowe)

Lauren Bacall (Vivien Rutledge)

John Ridgley (Eddie Mars)

Martha Vickers (Carmen Sternwood)

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La película fue un éxito de taquilla. No así de crítica, que la tachó duramente de ser inmoral y violenta.

Una película llena de contradicciones, diálogos cínicos, ironías y tipos duros. El misterio comienza desde el momento en que Marlowe se entrevista con el General Sternwood. Con una atmósfera oscura, triste, casi agobiante, donde nadie regala nada y todos buscan su propio provecho. Un mundo pesimista y gris.

Un detective que se las sabe todas y una mujer que, aun haciendo un papel secundario, demuestra que no hace falta una historia de amor en primera línea, para ver cómo saltan chispas cada vez que se junta con el protagonista. La escena en casa del general donde Vivien -Lauren Bacall- quiere averiguar para qué le ha contratado su padre, es brillante. Al día siguiente, en el despacho de Marlowe, cuando los dos toman el pelo a la policía por teléfono es casi un icono de los diálogos de comedia, así como la inolvidable escena en el bar hablando de carreras de caballos. Bogart y la Bacall hacen una pareja excepcional.

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Cuando todo parece derrumbarse a su alrededor, Bogart y Bacall -o en este caso Marlowe y Vivien- saben sacarle el chiste a cualquier cosa. No se trata del argumento más o menos enrevesado de la película -de hecho, cuando termine de verla no puede evitar quedarme con la sensación de que no me había enterado de nada-, sino de ser una película hecha por y para los dos protagonistas.

Bogart está sensacional y Lauren Bacall, con su inimitable voz y su seductora mirada, a pesar de ser su segunda película y de tener sólo 20 años, demuestra que tiene tablas de sobra.

La trama, aunque muy confusa, está magistralmente dirigida por Hawks, que hace que el espectador siga a Marlowe allá donde vaya. El público no sabe ni más ni menos que el protagonista, haciendo de esta forma que se implique en el argumento de forma obsesiva.

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Los diálogos cínicos, afilados y sarcásticos han pasado a la historia del cine por derecho propio.

Os dejo con esta curiosa imagen para que os hagáis una idea del follón que se organiza, y de la cantidad de personajes que se entrecruzan a lo largo del film.

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Una película para no despistarse ni un segundo.

Premios:

Premio en 1997 del National Film Preservation Board

Curiosidades:

  • Fue la segunda película que Bogart y Bacall hicieron juntos. Tres meses después se casaron.
  • La escena en la que Bogart y Bacall hablan de caballos se añadió tiempo después de terminar la película, para darle algo de picardía e igualarla a la que anteriormente hicieron, «Tener y no tener».
  • La escena en la que Lauren Bacall canta es  con su propia voz, en contra de las habladurías que han afirmado que está doblada.
  • La mansión de los Sternwood es la misma de «Alma en suplicio».
  • La escena en la que Eddie Mars es asesinado por sus propios hombres, fue reutilizada por el mismo director en su último western «El dorado».
  • William Faulkner ayudó a Hawks en la elaboración del guión. Cuando le preguntaron a Raymond Chandler, autor del libro, quién mató al chófer, no supo contestar.

Imágenes:

2 Bp. Blogspot.com, Uraniaenberlin.com, Lo-bueno-si-breve, Ciclos-decine.blogspot.com.

Escenas Memorables:

Gilda

Año: 1946

Director: Charles Vidor.

Reparto:

Rita Hayworth (Gilda Mundson Farrell)

Glenn Ford (Johnny Farrell)

George MacReady (Ballin Mundson)

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“Gilda” es Rita Hayworth y Rita Hayworth es ”Gilda”. Independientemente de la trama de la película, más o menos atractiva, Rita Hayworth la absorbe completamente y se adueña del papel protagonista. Toda la película gira en torno a ella, su capacidad para cautivar a los hombre en la película traspasa la gran pantalla, y nos deja a todos enamorados con su belleza, su sensualidad y su carácter.

«Gilda» es un melodrama con una construcción magistral. Con unos diálogos ásperos, cínicos y geniales que la convierte en una obra pieza indispensable del cine negro.

Una obra que no ha perdido nada con los años, que nos habla de la soledad, de la amistad, la avaricia, el amor y la violencia.

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Glenn Ford; que nos tenía acostumbrados a papeles de hombre íntegro, bueno y honrado; se convierte en un animal salvaje absorbido por los celos.

Sin duda, la escena más famosa de la película es el «strip-tease», sin «strip-tease», la escena en la que la Hayworth se quita un guante mientras interpreta la inolvidable canción «Puttheblameon Mame», que por cierto no cantaba ella. Una escena que nos recuerda una vez más cómo Hollywood sabía crear erotismo y sexo, simplemente enseñando un brazo desnudo.

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Aunque quizá no sea una de las mejores películas de la historia  «Gilda» es, sin duda, una obra imprescindible en la historia del cine y Rita Hayworth, en ella, una de las mujeres más bellas y seductoras de la historia.

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Premio del National Film Preservation Board en 2013.

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Curiosidades:

  • Cuando Rita Hayworth abofetea a Glenn Ford, le rompió dos dientes. Verídico. Glenn Ford no se movió hasta que terminó la escena.
  • La foto de Johnny Farrell de niño es, en realidad, la foto del hijo de Glenn Ford.
  • Rita Hayworth tuvo que llevar un corsé durante la filmación de «Puttheblameon Mame», ya que acababa de dar a luz a su primera hija.
  • Las canciones de Rita Hayworth están dobladas. Lamentablemente, su voz resultaba demasiado débil, cosa que amargó a la actriz toda su vida.
  • El vestido sin tirantes que lleva Rita Hayworth, diseñado por Jean Louis, está basado en un vestido de una pintura de «Madame X» (famoso personaje parisino del siglo XIX), pintado en 1884 por John Singer Sargent. Costó 60.000 dólares, una barbaridad de dinero en la época. En abril de 2009 se puso en subasta, pero se retiró por falta de pujas. Misteriosamente, apareció en ebay en septiembre de ese mismo año a un precio de salida de 30.000 dólares. No  puedo deciros lo que pasó con él.
  • La famosa escena del guante ha sido parodiada en multitud de películas, destacando sobre todo la de Jessica Rabbit en «¿Quién engañó a Roger Rabbit?».
  • La película participó en la primera edición del Festival de Cannes junto con «Encadenados», de Hitchcock, que, curiosamente, comparte mucho del argumento (Sudamérica, nazis, una mujer entre dos hombres.

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Gilda completa:

Escenas memorables:

IMÁGENES:

Isabel MJ.Wordpress, Tiendas Fnac.es, Vipareaforcows.Blorgspot, Diario de una Cinefila. WordPress, Desvario Me Causa El Apetito.